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我算看出来了，《乐队的夏天》根本没把鼓手当回事… ...
花火新裤子-乐队的夏天第5期
不知不觉，《乐队的夏天》已经开播一个多月。
每到周六晚上，无数人正襟危坐的守在电脑前，生怕因为自己不是第一波观看，就被朋友圈里的好友们提前剧透，半路截了糊。
在众人的法眼之下，从痛仰改编《我愿意》、大张伟「破圈」，从未放过任何风吹草动。
只有一点是个例外。
也许是因为乐队们的表现过于耀眼，导致大家都忽略了节目的核心：“这是乐队的夏天，属于乐队的每一个人。”
在节目上，从面孔、新裤子、痛仰到刺猬……我们看到太多的乐队在舞台上呐喊青春与梦想、感慨现实与平凡。
每当这时，我们可能会热泪盈眶，可能会激情饱满，可能会萎靡一笑。
这绝对不是因为一个人，是整个乐队的功劳。
但平心而论，就一只乐队而言，我们会敬佩主唱、羡慕吉他手、调侃贝斯手，偏偏忘了鼓手。
回想下《乐队的夏天》，鼓手中除了石璐外，大家还记得谁？
鼓手们坐在舞台的最后面，被前排的主唱、吉他手以及贝斯手遮掉了所有光芒，就算镜头扫过，也只有寥寥几幕。
滚君算是看出来了，难道就因为缺鼓手，节目根本没把鼓手当回事？
一个好鼓手，经常四方奔忙，配合几支乐队完成表演；又或是，好几支乐队为了表演，临时请来鼓手助场。
今年是乐队的夏天，也是缺鼓手的夏天。
自打《乐队的夏天》开播后，大多乐队的优秀鼓手，慢慢走进我们的视野。
有刺猬乐队的「神臂阿童木」石璐，痛仰乐队老成稳重的鼓手大伟，盘尼西林青春活力的鼓手小羊，反光镜乐队的鼓手叶景滢，Mr.WooHoo的黑人鼓手炎……
痛仰乐队鼓手大伟
每当我们看到他们在台上打鼓，总能感觉到直击心脏的震撼。
但很多人都不知道，有些乐队的鼓手连镜头没有多少。
早在节目还没开播的时候，滚君在《乐队的夏天》官方微博上就看到了一些端倪。
比如说：
新裤子乐队：主唱彭磊、键盘庞宽、贝斯手赵梦。
九连真人：主唱阿龙、副主唱阿麦、贝斯手万里。
海龟先生：主唱李红旗、贝斯手蒋晗、吉他手黄巍。
皇后皮箱乐队：主唱卡菈、吉他手阿怪、贝斯手黑轮。
Click#15更是只有两人：主唱Ricky、键盘杨策。
还有像和平和浪、Mr.miss、宇宙人等乐队，在他们的原阵容上，摇滚乐队基本的三大件，吉他、贝斯基本都有，却是没有任何一直乐队拥有鼓手。
但在节目首秀的时候，我们却能在舞台上，看到乐队们请来的鼓手外援。
像九连真人，第一次登台表演《莫欺少年穷》的时候，俨然新加入了一位鼓手，吹米。
这首歌代表着年轻人外出打拼的迷茫、倔强，鼓手吹米的鼓声，像是给予了人们勇气。
可表演完后，还没等到九连真人向大家介绍，鼓手吹米已经悄悄的离场。
即使到了第二次上场，九连真人也请来了强力外援，唢呐手吴泽琦助阵。
主唱阿龙向大家介绍了外援吴泽琦老师，不知是否有被剪掉，却是没有重新介绍鼓手吹米。
九连真人合作鼓手吹米（右一）
而皇后皮箱乐队这边，在舞台上贡献了两首歌，一首《人间惆怅客》，一首《Darling》。
连续两场表演下来，都未能见到既要打鼓，又要和声的鼓手金魁刚。
镜头扫过，留下一幕的鼓手金魁刚
而另一边，在节目上大放异彩的新裤子和海龟先生，他们的鼓手竟是同一人。
在乐队们的第一轮表演上，海龟先生以一首《男孩别哭》出场。
其鼓手Hayato，在互动环节，身穿黑白线条衬衫和张亚东互动solo。
最后海龟先生取得第一的成绩。
海龟先生鼓手Hayato（左一）
接在海龟先生之后的，就是新裤子乐队。
他们以一首《别问我什么是迪斯科》点燃全场，拿下第二的成绩。
其鼓手正是Hayato，只不过一个转场，换了一身花色衬衫。
连续两场表演，Hayato工作量相当大
还有一支乐队，是Click#15。
其官宣的两人阵容，其实还有一位成员是鼓手刘乾。
在目前我们所能看到的节目中，刘乾在第一轮出场两次，均未给大家留下太多的印象。
但滚君剧透给大家，在之后的比赛中，鼓手的存在，将让Click#15成为一支最大的黑马。
Click#15的鼓手刘乾
其实，在《乐队的夏天》上，还有很多鼓手没有正式的露面。
就像滚君之前说的，哪怕是镜头扫过，给他们留下的，只是那么几幕画面。
他们有的是被邀请过来助场，又或是身兼几支乐队鼓手的重任。
所以，大部分鼓手表演完，都是默默的离场，只能在后台听着观众的欢呼和呐喊。
难道在《乐队的夏天上》，这些鼓手都不配有姓名？
但仔细一想，这一切都不能怪节目。
归根究底还是，乐队们太缺鼓手了。
其实，不仅是节目之中，在音乐圈已经是常年缺鼓手。
换到现实生活来看：
一个鼓手，时常帮其他乐队串下场已是常态；
一个好鼓手，可能身兼好几支乐队打鼓重任。
像单亲妈妈石璐，一人曾兼任刺猬、novaheart、大波浪三支乐队鼓手，经常背着近乎和自己一样大的鼓，赶去不同地乐队排练。
还有来自日本的鼓手Hayato，目前是新裤子、海龟先生鼓手。
曾经给左小诅咒、打扰一下乐团等人串场，四处奔波忙碌。
而这两位，已经算的上音乐圈排名前列的鼓手。
那能力稍逊一筹的鼓手呢？
他们的生活状态只会更糟糕：
没有固定的演出，没有大众的关注，除了酒吧，一年到头接不到几场音乐节演出的活。
对于乐迷来说，去看一场音乐节，或者livehoouse的演出，大多数人都是奔着主唱去的。
在那些喧闹的场合，台下乐迷眼中的乐队是，主唱、吉他手、贝斯手站在前面：
他们能分辨出主唱的声音是否好听，能看到吉他手、贝斯手的弹琴姿势是否帅气……
但一个坐在最后面的鼓手，他们鼓打的好不好，长相如何，极少有人关注。
这就是当代音乐圈鼓手的现状。
乐队们缺个好鼓手，鼓手们缺个好环境。
为什么现在的音乐圈这么缺鼓手？
滚君为了找到答案，曾经采访过十来个毕业于音乐学院的科班子弟。
从他们零散破碎的语言中，发现了这么一个情况：
在吉他、贝斯、架子鼓三种乐器中，学吉他的年轻人最多，其后架子鼓次之，贝斯最少。
但架子鼓被归于打击乐，因为练习环境嘈杂，搬运不易，是其中最麻烦的。
这也就导致了，一部分音乐人才不再倾向于鼓手。
没有更多的新鲜血脉注入到鼓手当中，愈发减少了优秀鼓手诞生的概率，诱使乐队们经常共用一个鼓手。
一个好鼓手，更能驾驭、融合各种音乐风格，更能体现乐队间的默契度。
再加上当下音乐人的生存环境，何止是鼓手，其他乐队的职业也一样。
知名度低的，跑场各类型的酒吧；知名度稍高的，辗转各大音乐节。
可即使几天奔波下来，除去各种开销，能存下的所剩无几，更别提养家糊口的同时，还要兼顾做音乐。
你不得不屈服，人总要吃饭吧！
越来越多的人，在音乐生涯尚未步入正轨，就已经看到阴霾与灰暗，被迫用现实的镰刀割裂理想。
没有稳定的生活环境，没有好的乐手涌现，何谈摇滚的未来？
的确，《乐队的夏天》的出现，让我们看到了对未来的思考与期待。
就当下的音乐条件而言，摇滚乐队们在地下摸爬滚打二十年，就是苦、就是穷、就是艰苦、就是难熬。
但能熬下来，走过二十多年彷徨岁月的人，是好样的。
他们坚持心中所信，牢记心中所念，在玩乐队的这些年来，不论风光满怀，亦或低迷不振，总有一股劲的信念，支撑自己匍匐前进。
滚君希望，如果《乐队的夏天》还有下一季，我希望不再缺鼓手。
因为这些乐队从地下走回地上，万众瞩目的站在舞台上，向年轻人带来了曙光：
做乐队、做音乐，并非没有希望。
无论是年轻乐手，还是老一辈乐手，那些用颅头撞碎南墙的傻逼们，有时候机会就在风口。
坚持下去，风要来了。乐队：如何有效的利用排练时间
对于乐队或者做音乐的人来讲，最有效率、最出成绩的就是大家在一起排练了。通过排练，每个人都能获得与其他人在音乐上交流的机会，尽情地表达自己在音乐上的想法和体会，而且通过排练还可以不断地提高自身的技术水平。可以说，排练是每个音乐人必做的功课。随着音乐爱好者和乐队如雨后春笋般的不断涌现，很多城市都相应地出现了专门用于乐队排练的地方——排练室。
设备一般也都比较齐全，拥有公用的鼓、镲、吉他和BASS音箱以及扩声音箱等等。条件好的甚至有空调、调音台、数字多轨录音机等等。但是一般这样的排练室的收费不会很便宜，虽然乐队每个人可以均摊排练费用，一个月下来对于预算不是很宽裕的乐队来说仍是一笔不小的支出。所以如何有效地利用排练时间，能够在最短的时间里达到最好的排练效果是每个乐手都要考虑的问题。因为高质量的排练不仅仅是节约了宝贵的时间和金钱，对每个乐手或者乐队来讲也是一件非常享受的事情。
那么如何才能有效地利用排练时间呢？依笔者的经验来看，到排练室来进行排练的大多数都是以乐队的形式，而且大部分都是用真正的吉他、鼓和BASS，里面的人少则三四个，多则七八个。所以本文就以乐队形式排练为重点来说说有效地利用排练时间的问题。一般的乐队排练分为几种最常见的性质：演出性排练、录音性排练和创作性排练。我们现在就逐一来分析。
演出性排练
演出性排练，也就是乐队将面临着演出，为了获得满意的演出质量，才来进行的排练。像这种排练，是最容易节省时间的办法，因为首先对歌曲来讲，每位乐手都基本上已经了然于胸了，只是在某个环节或者什么地方不是很熟悉，不过这不要紧，主要是对乐谱或者歌曲的段落不熟练，排练正是要解决这些问题。那么怎么能有效地进行排练呢？其实很简单，每位乐手在家里的时候不要光顾着练琴练鼓什么的，每天练习的时候最好把自己乐队的作品或者要演出的作品自己在家里反复地练习几遍，尤其是对于自己不是很熟练的地方或者技术难度比较大的地方，只有这样，每个人才能在排练的时候尽量少出错误，才能更好地注重音乐性和整体性。
笔者有时候在看演出时经常发现台上的乐手会很紧张，演奏起来面无表情，显然是在完成他所演奏的东西，而音乐的感情、段落、呼吸等等就顾不上了，严重的时候还会破坏音乐的整体感觉。发生这种情况就是因为乐手对自己所演奏的东西还不是百分之百的熟悉，演奏起来没有达到得心应手的地步，而这正是自己在家里练习不够所造成的。所以，在排练之前每个人最重要的事情就是在家里先把要排练的或者要演出的东西反复地演奏，这样排练起来的效率会成倍的提高。
那是不是大家都熟练了，排练的时候简单地过几遍就可以了呢？不是的。因为演出的时候，台上所有的乐手是一个整体，是同时在完成一件作品。为了更加完美地完成这个作品，所以在排练的时候每个人在自己不出错误的同时还要仔细地聆听其他乐器的声音。对于旋律乐器来说最应该注意的是鼓和BASS，因为这两个是节奏的基础，而鼓手和BASS手就应该互相聆听对方的声音，从而找到一个共同的律动感觉。这样才能把音乐的节奏和律动做好，而且同时还要注意音乐的段落和色彩，通过不断地调整自己的感觉来达到和音乐最匹配的地步。这样的话无论是在排练还是演出，音乐的整体感都会非常好。
另外，虽然是在排练室里排练，并没有真正面对观众，但是每个人都要想象一下真正演出时的情景，把自己的心情最好能调整到和演出时一样，这样就会变得有激情，而音乐也会变得非常有感染力。很难想象一支好的乐队在排练室是死气沉沉的，而一到了台上就会激情四射，所以在排练时一样也要培养演出时的情绪。这样做还有一个好处，就是在你激动起来的时候减少犯错误的概率，让演出效果更好。还有就是演出性排练时最好能把上场后的情况都考虑到并且模拟一遍，比如歌手应该说什么话，在第几首歌的什么位置会加入某个乐手的即兴solo等等，模拟得越细致，演出的质量也就越高，演出的效果也越好。我们看到国外乐队的现场演出非常好，那就是因为在台下他们把每一个环节都想好怎么去做了，甚至连走路的路线和步伐都设计好了。还有一点，就是每个乐队在演出之前最好能去彩排一下，也就是俗称走台，因为这是实际了解演出场地点状况和音响设备状况的好机会，跟音响师做必要的沟通也是必不可少的，这些都是演出性排练的一部分。
录音性排练
顾名思义，当然是乐队马上要进录音棚来录制专辑或者单曲一类的作品。在进录音棚之前，乐队必须要进行很多很细致的排练工作，从而确保录音的质量和节省时间（因为录音棚的费用更高，实在是不敢在棚里浪费时间）。那么录音之前的排练就显得至关重要了，因为这直接影响到作品的品质。以笔者的乐队为例，由于我们经常会到录音棚录音，所以每个乐手都非常有经验了。首先，在排练之前每个人依然要在家里先把要录音的东西反复地演奏，然后在例行的排练时，我们每个人都会把要录音的作品中的自己的那部分乐谱写出来，然后按照乐谱反复地进行共同排练，可以说要把每一处细节都要考虑得清清楚楚，并且演奏得没有丝毫问题了才可以。还有一个很重要的问题就是乐器的solo，尤其是电吉他、键盘等乐器，可以说经常会有大量的solo在音乐里面，所以在录音性排练里要格外地的重视solo，应该说要把每一首作品的solo都要事先编写完整，每一处转折、每一处过门都要编写得很详细，而且排练的时候还要把solo单独提出来进行练习，看看和弦是否正确，整体的结构对于音乐作品来讲有没有什么影响。
对于难度比较大的一些solo段落更是要反复练习，不断地熟练它，这样做不仅会为录音节省大量的时间，而且对于自己来讲也是一个快速提高技术的方法。不过录音时的solo最好能够跟现场演出时一样，这样对于乐队来讲作品的完整度更好。对于那些即兴成分比较大的，自由度比较高的段落，在排练的时候可以按照不同的想法来排练出几种不同感觉的东西来，然后都进行熟练的练习，这么做的好处是在棚里录音的时候可以迅速地把几种不同感觉的东西全都录下来，然后进行比较和筛选，为缩混留下非常好的素材。
其实录音性排练在整体上和演出性排练差不多，但是要更注重细节，而且每个人都要认真仔细地把自己的乐谱写下来，然后大家可以把整首作品的感觉记住，这样在进录音棚的时候就不会产生感觉或者情绪上的问题，能够顺利地完成录音工作。
创作性排练
创作性排练是每个乐队最重要的一种排练方式，因为几乎每个乐队都会在这种排练的方式下产生无数新的动机、新的想法，往往一首精彩的作品就是在这种排练环境下产生的。而且创作性排练是排练方法里面自由度最高的一种，有时候大家会随心所欲地演奏一些东西，然后逐步地跟进。也正是由于自由度很高，这种排练方法很容易变成聊天会，时间花了不少但是成果并不多。有的人觉得既然是来创作，在家里就不用做什么准备，其实这也是不可取的。为什么呢？因为我们每个人在家里练习的时候也依然会有灵感的火花迸发出来，而且这些火花也许是非常精彩的，然而了排练时由于没有做准备很可能会想不起来了，而勉强想起来也往往失去了当时的那种感觉，这岂不是很可惜？
所以，在家里的时候，每个人都要进行单独的创作工作，如果有好的想法或者动机，哪怕是一句听起来很特别的旋律，都要马上写下谱子来，然后还是要反复地演奏这个东西。也许在演奏的时候就会有更多更好的想法不断涌现呢。当然，在演奏的时候也不能单单想着这个东西，拿吉他手举例来说，当他在弹奏的时候，还要考虑BASS怎么去弹，鼓怎么去敲才能和这段东西达到一致，也就是说不仅仅要考虑旋律或者和声进行，还要进行一定的编曲工作。如果家里有条件可以用电脑来进行最简单的编曲，因为这样能够初步地听出整体的感觉，便于日后排练。
前面说的只是每个人在家里应该进行的工作，那么排练的时候呢？每个人就可以把家里已经成形的东西拿出来，让大家来听听，交流一下，看看有什么更好的想法。而且最好的方法是大家按照这段动机来排练一下。在排练的时候如果大家都觉得非常有兴趣或又有了更加精彩的动机的时候，就可以一直进行下去直到某一个段落结束为止。这样的排练任何人都会觉得非常有意思而不会觉得枯燥。很多人在创作性排练的时候总是觉得每个人的想法都南辕北辙，总是难以统一，其实这也是因为交流不够，在排练的时候应该先把自己要表达的意思完整地表达出来，然后说一说自己的想法是什么，这样大家就会能够更快地理解并且融入到音乐当中去。当然了，每个人都会有自己的想法，能够聆听别人的想法也是提高排练效率的好方法。
说了这么多关于如何有效地利用排练时间的问题，我想再强调一点并不是说每次排练都会非常精确，因为对于乐队或者乐手来讲所面对的事情也许不止一件，所以排练时间其实是非常灵活机动的。更加合理的方法是把排练时间分成几个部分，开始时是演出性排练，后一半的时间就是创作性排练了，这样更能够节约时间。如果这样每个人在家里面的工作就会更多，脑子里面要记住的东西也就会更多。
高质量高效率的排练对每个乐手来说都是一件开心的事情。从每一次排练中大家都能够找到自身的不足，都能够把自己的音乐做得更加完美，这才是排练的成果。最后还有一个非常重要的事情，那就是：遵守时间，别迟到。这直接关系到排练的效率问题。
中国摇滚老炮 | 超载乐队
91年的10月，高旗离开了呼吸，跟他一块走的有赵牧阳，新加入的吉他手是韩鸿宾，三个人构成了超载的最初阵容，呼吸的鼓手由马禾接任。关于高旗离开呼吸，很多人认为是与蔚华的主唱之争，因为几乎所有作品都是高旗写的，蔚华只是填了几首词，还有说法是蔚华迟迟不能融入包括呼吸以外的摇滚圈，一是因为她是女的，而是因为她的出身背景与圈内的大多数人不一样，似乎整个摇滚圈对这个女人格外不待见，而高旗更干脆地说她很有背景，难道这就成为理由了？
（中间的是赵牧阳）
笔者以为，除了这些理由应该还有其他理由，比如呼吸的首盘专辑是海外发行的，91年，还有说法是90年，那时候有些海外门路的人不多，即便是魔岩文化大举进军内地，那还要等到93年以后，呼吸当初跟魔岩是没有任何交集的，或许呼吸首盘专辑的发行有得益于蔚华的背景，就是说，蔚华有可能一手包办了首盘专辑的发行，这就有可能导致利益分割的公平性缺失。而93年内地首发的呼吸专辑《太阳升》更是刚发行乐队就解散了，似乎又说明了点什么？前文说过，很多乐队都是发一张专辑阵容就要变化一次，跟收益不均有很大关系，包括超载后来签约魔岩后，吉他手韩鸿宾和贝斯手王学科的离开也跟发新专辑收益不均有很大关系，当然还有魔岩只签高旗而放弃乐队更有关系。
超载乐队的阵容也是持续动荡，成员先后有吉他手韩鸿宾、曹钧、邓讴歌、翁金海、李延亮，贝斯手王笑冬、张炬、胡小海、岳浩坤、王学科、欧洋、刘文泰。鼓手赵牧阳、杨熙、王澜、刁磊。其中呆的时间较长，处于阵容较为稳定的乐手是韩鸿宾、李延亮、王学科、欧洋、刘文泰、王澜、刁磊。
他人多为临时客串、友情帮忙性质的，比如来自唐朝的张炬，来自面孔的邓讴歌和欧洋（欧洋在面孔解散后正式加入超载），来自指南针的岳浩坤，来自零点乐队的王笑冬，来自呼吸的曹钧，当然乐队的插队之王赵牧阳也担纲了一段时间也是意料中的事，鼓手杨熙资料较少，原籍四川，重庆划市就变成重庆人了，后来离开摇滚圈和老婆开了个驾校，闭着眼睛都赚钱，现在得叫杨总了，据称现在跟几个当地的同龄人组了个松散的乐队，几个人均是各行各业的老总，也蛮有意思。其他人象翁金海、王澜、刘文泰曾是95、96年周韧与红烧肉乐队的成员，如果要细说，翁金海在中国十大吉他手上榜上有名，是GRUNGE吉他手的顶尖人物，后来把吉他卖了，现在是个很有名气的DJ，也就是玩打碟了。
（左二周韧）
红烧肉乐队的唯一一张专辑《榨取》吉他部分大部出自他手。刘文泰是美籍华人贝斯手，红烧肉解散后加入超载，原贝斯欧洋改任电子乐手，简单来说就是开始鼓捣键盘了。王澜是高旗一手带出来的鼓手，94红磡曾与贝斯手胡小海一起为窦唯伴奏。为什么说这几个人是周韧与红烧肉乐队的成员呢，这句话重音在周韧与红烧肉乐队，按说你要么说周韧及其乐队，要么就直接说红烧肉乐队，这里面有很多事要说一说。
首先呢，红烧肉乐队与周韧是相对独立的个体，当初魔岩死活不肯签乐队，只签周韧，搞得周韧每次排练完都得给队员发工资，队伍也不像以前那么和谐了。第二，红烧肉乐队是中国首只真正意义上的GRUNGE金属乐队，这英文可能很多人不知道啥意思，那么另一个乐队大家肯定熟悉，就是涅磐乐队，主唱柯特.库本，吞枪自杀那个，GRUNGE金属直译过来就是垃圾金属，我们看涅磐乐队的歌词，很抽象，小段重复，甚至有些词不达意，歌词象朋克，但是旋律又比较明快流畅，演奏技巧也很高，重金属痕迹很多，所以很多类似乐队都称自己是朋克，实际上大众对他们的认同更侧重是重金属。
当时的红烧肉乐队就是这样最贴近涅槃风格的乐队，也是开了这种流派的先河，是首只垃圾金属乐队，有很大的历史意义，但是首盘专辑《榨取》模仿的痕迹很多，并且后期混音效果极差，导致很多乐评人对此专辑恶评如潮，专辑卖得也很差，在魔岩组织的《中国火》专辑歌手演唱会上（周韧的《火星人》《风马牛》分别被被收录在《中国火II》《中国火III》里），周韧一上台就引起了不少嘘声，越唱嘘声越大，周韧也很搓火，在台上就跟观众对骂了起来，后来在主办方掩护下才全身而退。
当时这种曲风还完全没有市场，观众还是比较喜欢黑豹、唐朝、轮回这样的中规中矩的摇滚风格，随着之后的魔岩退出国内市场，周韧又开始形单影只了。后来有人就评价周韧说这孩子命太苦了，好不容易赶上了第三波摇滚乐队兴起，还没火起来，乐队还被魔岩给拆吧散了。乐队的垃圾金属风格更是水波不兴地沉寂了很久。在魔岩只签主唱不签乐队的模式下，在发行了唯一一张专辑后乐队解散。
所以魔岩三杰最后跟魔岩文化闹掰了，魔岩也不是一点责任没有，窦唯更是直接地说出唱片公司是分裂乐队的罪魁祸首。所谓成也萧何败萧何，魔岩啊!魔岩！张培仁啊！张培仁！贾敏恕啊！贾敏恕！你们扼杀了多少天才的乐队和乐手啊！红烧肉乐队解体的原因具有早期存在时间较短的摇滚乐队的全部特征，一是发行一张专辑就解散。二是唱片公司只签主唱不签乐手导致乐队存在感降低。三是穷。其实三个原因归结为一个原因就是钱。08年，红烧肉乐队重组，老面孔是周韧、王澜、刘文泰，吉他手换成了苗佳，加了个小提琴手JOHN，这时候12年已经过去了。
在红烧肉解散后的96年，超载的阵容也出现了剧烈震荡，伴随着首盘同名专辑的发行，吉他韩鸿宾与贝斯王学科双双离队，还是因为魔岩只签高旗的原因，两人愤然离队，各自独立发展。先说吉他手韩鸿宾，首盘专辑的吉他部分均出自他手，还有说法是节奏吉他部分是出自他手，不管怎么说，有着浓烈重金属意味的《超载》专辑必然地将这个金属吉他手推上国内十大吉他手的神座，可以说他的吉他演绎奠定了整盘专辑的重金属基调，而99年发行的超载第二张专辑《魔幻蓝天》则是出自李延亮的手笔，彼时李延亮已由辅音吉他扶正为主音吉他，有着国内第一吉他手称号的他在吉他技巧方面已经是炉火纯青，只不过这盘专辑已由重金属转变为英伦摇滚，或者也可以说少了点死磕，多了些圆润，往流行方面去发展了。02年的《生命是一次奇遇》更是让很多超载的拥趸感到疑惑，超载还是以前那个超载吗？可以不这么POP吗？你们到底还是不是摇滚乐队？各方的质疑纷至沓来。
还有个有意思的事是关于高旗会不会弹吉他，据说在超载早期，高旗兼任节奏吉他时候经常会弹出些很怪异的音，搞得整个乐队都无所适从，后来不得已找来了李延亮专任节奏吉他，不得不说，高旗和整个超载的运气真的很好，他们找到了李延亮。
（左一李延亮）
还有人干脆就说高旗压根就不会弹吉他，那些照片都是摆拍的，他的水平充其量就是个爬格子选手。这话说的就有点极端了，笔者觉得高旗还是会弹吉他的，只不过不能去评价好坏罢了。关于高旗的另一个有争议的说法就是他的唱功了，很多资料都说高旗出自音乐世家，他父亲是著名指挥，他母亲是美国著名音乐团体的成员，笔者觉得，要称为世家怎么也得三代都是搞音乐的，也就是高旗他爷爷辈、姥爷辈的人也是音乐从艺人，但是种种资料显示好像没这回事。
李延亮在部队期间
所以说他出自音乐世家有点夸张了，不过还是遗传到了不少艺术细菌。其实很多老炮的父母都是搞音乐的，比如窦唯、汪峰、王勇、崔健、赵牧阳，他们的父亲或者母亲，或者两者都是搞音乐的，或者是各地方戏曲工作者，或者是搞器乐或器乐教育的人，或者是各演出团体的职工，总之都跟音乐有很大关系，根据遗传学概率，他们的子女从事音乐相关工作的概率就相当的大，我们看很多老炮的履历，很少有原来是种大地，修理地球表面的，然后半路出家突然对音乐产生浓厚兴趣的，然后又在音乐道路上有了长足发展的，这样的人很少，就连苦出身的刘义军他父母原来也是知识分子，后来因文革才导致家道中落的，他们走上这条道路或多或少地都有些家人的影响，再加上自身遗传得来的天赋，似乎是命中注定一样，不约而同地走上了跟音乐死磕这条道上。
高旗遗传而来的就有那副音域宽广的嗓子和不竭的创作才华。关于高旗的唱功，前文已有所表述，笔者觉得唱歌嘛，还是有点技巧好，因为这东西不跟文学创作似的，自由度很大，象著名作家巴金老先生晚年的创作观点就是无技巧写作，意在平实地真情流露，不佳修饰的自然抒发，他晚年的纪念已逝妻子的文章《怀念萧姗》便是这种自然无技巧的写作方式，感情真挚而自然，平淡中尽显真情。笔者要说的并不是说唱歌也要这种无技巧地唱，而是说在力所能及的情况下，尽量让你的歌声充满一些感情色彩，有些技巧性，不然就是浪费了一副好嗓子。其实很多老炮们唱歌一点技巧没有，全凭嗓子好喊上去了，唐朝的丁武也是这样。看似克服了高音，掩盖了很多东西，其实缺失了美感。
高旗的歌声也有这个特点，没有一点抑扬顿挫之感，有人就说了，楼主你怎么那么难伺候，听着就行了，不喜欢就别听，别听完了，自己也哼哼了还说人家不好，你也太难伺候了吧。啊！这个，其实笔者只是提点意见而已，因为音乐这东西是可以流传的，若干年后，如果我们的后辈们要再研究这段历史，他们发现一些人唱得压根没什么技巧，就会质疑这些音乐存在并带给如你我这些人强大震撼力的真实性，并捎带着质疑我们的审美观，那将是多么可悲的事情，所以演唱多点技巧性真是件利在当代，功在千秋的一件事啊。
超载的作品就不必多说了，说下笔者比较喜欢的一首，也是当年那部反映各年龄段关于爱情的看法的电影《爱情麻辣烫》中的插曲《不要告别》，歌词如下，点燃这支香烟，让阳光爆炸这黑夜，无法依恋。我的手在触摸着，从高处坠落的感觉….。很喜欢这意境，如果在一个黑夜，你的手指上一只燃着的香烟，你坐在窗前，抬头看那乌黑的夜空，突然间，一颗曳光弹在空中爆炸，瞬如白昼，而此时你的指尖凉飕飕的，好像是从300多层的高楼上急速下坠。这首歌是超载的第二张专辑《魔幻蓝天》里的一首，几乎没有多少重金属的感觉，但是笔者就是对这首歌非常钟爱。
在2005年的10月25日生命之诗不插电演唱会上，唱到这首歌的时候，高旗站起来把话筒摘了下来，伴随着轻微的旋律，仿佛是汩汩而出的清泉，《不要告别》那经典的歌声再次响起。这场演唱会也被誉为国内首场不插电演唱会，严格意义上讲，这场演唱会肯定不是首场不插电，因为在这之前的十几年间，大大小小的，出名的不出名的乐队标榜着不插电演出的广告不绝于耳，为甚么单单把这场从时间结构上来讲已经到了后现代摇滚的时期的一场演唱会标记为国内首场不插电演唱会呢？
首先，这场演出的规模空前，高旗和超载多年来圈内的朋友系数到场，老一点的如郑钧、许巍、高晓松、姜昕，新生代的如痛仰乐队、天空乐队，就连因故不能到场的崔健、和唐朝都寄来了VCR（视频短片）表达对演唱会的支持，高旗的人脉关系可见一斑啊。现场布置也是匠心独运，复古的长刀古剑装饰，暖色调的布景，前排中间是主唱的高脚凳，两边的高脚凳是那著名的左右吉他手的位置，后排两侧分别是架子鼓和康加鼓，主唱右后侧是贝斯手位置，左后侧是小提琴手位置，开始时还有个弹琵琶的，而在辅音吉他和架子鼓中间还有架钢琴，声部几乎贯穿了演唱会始终。
演出中间高旗唱那首向女友示爱的《依靠》的时候，台前摆了几大束的玫瑰花，从舞台上空飘洒的红色花瓣几乎把舞台变成了铺成红毯的秀场。灯光、音响、摄像也表现出了极高的业务素质，准备得很充分。其次，这场演唱会也是流传较广，影响力较大的一场演唱会，这得益于承办方高超的影音技术，演出录像的清晰画面感、声音立体感和同步感极强，我们看很多演唱会的视频多是很粗劣的手笔，完全是即兴拍摄，没一点技术含量，而此次演唱会至少有两台主摄像机定点拍摄。
音频的录制和合成也表现出了极高的制作水准，起码从听觉上你能挺清楚每一句歌词，但又不缺少现场感。第三点就要说到不插电演唱会的特性上了，这里先坐下技术性阐释，什么叫不插电演唱会，不插电演唱会这次也是舶来词，也就是从海外进口的词汇，英文原文是UNPLUG，直译意思是无插座、不安插座的意思，具体到演唱会就是不插电，当然也不是想当然地一点电也没有的意思，更不是个别人意淫为中途强行断电然后演出继续的意思，这个不插电的较为精准的解释是：“不插电”只是相对色彩非常饱和的全电声band（乐队）效果而言，通过尽量使用原声乐器的“Clean”（纯粹、原始的意思）音色，来达到一种更原始朴实的“不插电”的效果。
对于“不插电”show（秀），电声设备基本上只是为了扩音的需要。具体来说就是全电声乐队音乐遍地开花的情况下，对电声音乐的一种逆势反抗，返璞归真，回归原始感觉的意思。如果按不插电本意来规范演出的话，电乐器应该全部换成木乐器，即电吉他换成木吉（箱琴）他，电贝司换成木贝斯（这个还真有），键盘换成钢琴（不能MIDI了），电子鼓换成架子鼓（早期电子鼓几乎没有），不使用任何效果器和合成器。
但在实际演出的时候，完全照本宣科操作起来难度很大，演出效果差强人意，所以很多乐队在不插电演出时还会打点擦边球，比如，吉他是电箱琴，就是看着是木吉他，但是后面多出一条线来连着音箱那种，而且弹出来的音色跟对着话筒弹的效果差距不大，其他的乐器不使用效果器、合成器也基本能发出原始音色，所以高科技这玩意还真不错，插上电也像是不插电。
这场演唱会上也是这样，特别是主音吉他李延亮在演奏过程中还是使用了效果器，而且有首歌还用上了电子乐的打碟，就是通常我们在迪吧看到的DJ，在现场来回鼓捣一个老唱片那样的一个东西，总体来说这些电子的东西不是很突出，整场的演出效果还是最大程度地尊重了不插电演出的初衷。
如果把崔健在89年在北京展览馆举办的《新长征路上的摇滚》演唱会作为中国摇滚乐的开端的话，那么16年后的2005年10月的这场演唱会才被人定义为国内的首次不插电演唱会无疑会给人一种很突兀的感觉，难道之前就一场没有嘛？
这种质疑很正常，因为之前确实有过，之所以很多人、包括很多较为严肃的媒体和乐评人均认定这是首次不插电演唱会，笔者认为原因无非就是这场演唱会的规模大、影响广、流传久、制作好这么几个原因，这场演唱会的音频更是在06年的时候作为超载的第四张专辑由当时签下水木年华的水木同创唱片公司发行。这里再延伸说一说超载的前三张专辑，首盘专辑是在96年由魔岩公司发行的重金属风格浓厚《超载》，第二张专辑也是有魔岩发行的颇具英伦摇滚风情的《魔幻蓝天》，第三张专辑是由滚石唱片发行的《生命是一次奇遇》风格已经与最初的重金属风格完全背离（应该可以推测出魔岩是在99年到02年之间退出国内市场的，其宗主滚石唱片又推倒一切重来），很多超载的歌迷感到很迷惑，更有一些态度激烈的歌迷提出了强烈质疑，有人说之所以高旗在此后便趋于消沉就与歌迷的背弃有关，尽管早期的高旗对重金属的痴迷程度不亚于任何一个死忠，但他与超载的风格跨度巨大的变化还是让很多粉丝感到不理解，通俗一点说就是变革的步伐太大了，一下子扯到了蛋，自己痛苦不说，连爱人也对自己嗤之以鼻了，一向自信而且有着自己的坚持的高旗受不了这种质疑，从此淡出摇滚圈。
从整个超载乐队的发展历程来说，06年发行的LIVE版《生命之诗》专辑实际上就是个炒冷饭的作品，也算是超载最后的辉煌，即便是在这之后超载也参加了一些音乐节、小型演出，但毫无疑问的是超载的影响力已大不如前了，十几年间几乎没有什么新的作品。
高旗本人的生活也极少见诸报端，好多人在问这些年高旗在忙些什么?圈内人也极少提及他，不是不愿提，而是尽量少提，这就有点意思了，难不成高旗也药物成瘾了？或者是去了美国移民了（高旗的母亲曾在美国某音乐团体任职）？最近一次高旗的现身是在13年的一场在青岛的演唱会上，高旗患着重感冒上台唱了一曲便下了场，任凭观众极力地要求高旗返场，主办方也是无可奈何地向观众道歉而已，高旗真的老了吗？他真的唱不动了吗？68年出生的他，今年已经49岁了，廉颇老矣。
与面孔乐队在一起
而曾在超载的吉他手韩鸿宾和贝斯手王学科，过得也不甚如意，韩鸿宾依然在圈了熬，不温不火，也就是不穷不富。王学科更是传出了罹患抑郁症、有自残倾向，被家人接回了珠海老家，让人不胜唏嘘，曾经无限辉煌的超载一派颓象，在深深惋惜的同时，笔者也要问一句，超载你何时再来？
ID:Faye-erdou
电吉他乐队风格之死亡金属的演奏弹唱技巧
电吉他乐队风格之死亡金属的演奏技巧
节奏部分1.切分：突出潜在节奏感的初衷，最终让金属乐乐队选择了切分的方法——颠倒强、弱拍的原有顺序，顾名思义，强拍通常较弱而弱拍较强。虽然吉他是制造这种效果的首选乐器，但各种旋律的相互重叠和覆盖是得到这种效果的最有效方法，所以死亡金属一般还注意了突出双低音、黑金属则突出嘈杂、爆炸般效果的鼓来完成这一效果。切分的主要作用是激活潜在的节奏来驾驭整个作品，所以也经常可以听到死亡金属中采用双低音鼓和高音感十足的镲（炸镲）来为主要的构造层次切分.
2.复合节奏：通过复杂的演奏达到增强音乐的层次感一直是各种摇滚乐队的努力方向。改变直线型的结构最简单有效的方法就是将不同的节奏分割成较小的片段，并且让它们在一个较长的时间段里互相作用、互为补充。比如较常见的以吉他做为主要节奏乐器的同时加入贝司和鼓的背景节奏。尽管死亡金属总是给人一种杂乱无章的感觉，但无论速度、音色、强烈失真的效果都没有削弱复合节奏感。复合节奏不仅使音乐更加丰满而且可以有效地表现出较深层的音乐美感，这也正是死亡金属引人入胜的地方。如果再拥有不错的编曲和错落有致的重复旋律就一定会制造出不错的音乐氛围.
3.打击乐：死亡金属的打击乐自然都是非常极端，比如飞快的速度、低沉的音质和风驰电掣般的镲。打击乐在死亡金属中占有举足轻重的位置，在很大程度上“死亡感”应归功与它.
4.织体：多层次的节奏组成了主要的织体。例如，一个和弦在飞快的演奏中本身就具有它独立的层次和节奏，当它作为主导和弦的同时，它必然会带动其他乐手的变化。这样就形成了一个个性十足又相得益彰的整体结构。但最主要的音符不过两、三个，它们只不过是以不同的面孔反复出现在作品中。
旋律部分1.谐和音：正规的旋律一般为较传统的死亡金属乐队所采用，这是由于受到了爵士乐和早期摇滚乐的影响。所以这种死亡金属比较有亲和力和主流倾向，自然也较容易为听众接受。比较有代表性的乐队如Atheist(无神论者)和AttheGate(大门处)。
2.不谐和音：当然是指那些采用不谐和的音符创造出的旋律。这肯定会产生一种邪恶、悲哀的感觉，而这却是死亡金属乐队争相效仿的创造方法，坦率地说这种音乐才够死亡。
3.无调性：没有调性、没有根音的音乐只能是古怪的和扭曲的，再加上不谐和音的大量融入，难免给人一种找不找北的感觉，死亡金属最令人头疼、最经典的地方正是在此。
结构部分1.循环：指的是verse-chorus-verse(主歌-副歌-主歌)这样传统的行进方式，做为标准的歌曲组成方式，它同样为大部分的死亡金属乐队采用，但无调性削弱了这种标准的行进方式，所以经常会让人对此产生怀疑。
2.叙事体：大量的Riff形成一个承上启下的有序结构，在这种情况下单一的部分往往被忽略，这样这个有序结构就起到了像“讲故事”一样层层递进的效果。也有人将此称做“Riff沙拉”。
演唱部分1.歌唱：这里的歌唱指的是较“正常”的演唱方式。不过这种演唱方法在死亡金属中的确很罕见，优美的嗓音外加励志的歌词？不过死亡金属的这种“正常”的演唱方式多以神秘主义为，倒是别有一番滋味。
2.喊叫：硬核/朋克喊叫式演唱方法还是经常出现在死亡金属中，不过更多是在主唱由沙哑咆哮转向爆发的那一刻，比如，“啊……！”“Die(死)……！”这些“表决心”的内容。一些比较倾向于硬核/朋克的死亡金属比较多地采用了这种演唱方法，但有些清晰和单调的演唱到底不够彻底的“死亡感”。
3.扭曲：应该怎样形容这种演唱方法呢？——“烟酒过度和吃盐太甚”的劈裂嗓音或被痰卡住喉咙的哽咽感？如果这个形容还不够传神，那你可以想想Motorhead的主唱LemmyKilmeister(其实真正的死亡歌手比他要厉害很多)。按道理大家都可以低沉沙哑地咆哮，但也就一两声而已，这可是个重体力活(奉劝体力不济的千万别轻易尝试，以免发生意外)，但它却是死亡金属最为普遍的演唱方式。真不知这些人的嗓子到底是不是肉长的，而这也正是死亡金属最为鲜明的招牌，没这种嗓音还真是有种没着没落的感觉。不过，一般人根本别想听清他们到底在唱什么。
广播/组队15年，8张专辑，在寒风中激情四射的“刺猬乐队”青春永不妥协 ...
刺猬是一支什么样的乐队？
主唱子健说：我们是玩儿Emo(情绪)的；石璐说：我们玩的是肾上腺素；
高晓松说：他们是那种情绪化的乐队；专业乐迷说:他们展现出了摇滚乐的破坏性。
《乐队的夏天》里，刺猬带来了他们去年的回归之作《火车驶向云外，梦安魂于九霄》，演出结尾，感觉情绪到那个点了，子健把吉他砸了。
这不是第一次了，之前的迷笛音乐节上，他直接把吉他扔向了观众席。
这种行事风格似乎也与他们的认知相符合：不需要任何的安排和预设，真诚、大胆的表达、宣泄自己的情绪。
即便是《火车》那样的丧歌，也充满了呐喊和力量。
就像痛仰高虎评价的那样：”他们三个人的刺猬，感觉像是一直在寒风中，但是他们特别有热情、有激情、有勇气去往前冲。“
01
网易云音乐上，有人在刺猬乐队的歌下面评论：
“他们什么时候才能火起来啊？”
下面有人回复：
“刺猬最火的时候已经过去了。”
不了解刺猬的人会觉得这是一个年轻的、新兴的乐队，但是其实他们已经成立14年。
时间拉回到2005年，那时候失控体乐队风头正盛，行走于各大高校酒吧，后来乐队成员子健突发奇想想来点新鲜的，但是缺鼓手，后海大鲨鱼小武就把石璐介绍给了他。
别人打鼓只是打鼓，但石璐仿佛要飞起来。子健后来采访时说：本来对石璐没什么印象，后来看到她打鼓时候的样子，毫不犹豫拉她加入了乐队。
刺猬乐队就此成立。
从2006年到2018年，刺猬发行了八张专辑，从“快乐的懒孩子”到“生之响往”，从“青春是青涩的年代，我明白明天不会有色彩”唱到了“一代人终将老去，但总有人正年轻”......
经历过自身的黄金时代和沉默期，他们在音乐里，记录下了在巨大的时代变迁中自己内心最真实、最想表达的感受。
曾经他们在音乐中“燃烧青春不怕死”，高喊“社会是伤害的比赛”，现在他们更加珍惜彼此能在一起玩音乐的时间，“人还在就行”。
很多人会说：“刺猬就是我们的青春啊。”但刺猬也在成长，就像曾经年轻的我们一样。
终有一天，刺猬老去，青春不再。
02
在刺猬的豆瓣音乐人主页上，写着这样一句话：
“你看这是一个超级摇滚时代，我们享受其中不关心未来。”
这句话表明了刺猬的态度和音乐思想，简单来说，就是痛痛快快玩摇滚。
2006年，刺猬的第一张专辑《HappyIdleKid》由乐队成员手工制作，并在地下发行。
那时候子健操着一口极不标准的英语唱着几乎是纯英文的歌曲，加上阳光忧郁的摇滚曲风，有人说，像极了阳光的nirvana。
直到现在还有乐迷留言调侃说“希望子健好好学英语”，过去的他们对此的回应是“我们怎么乐意怎么唱”。
再往后的《白日梦蓝》、《甜蜜与杀害》等一系列专辑，还有14年的《幻象波普星》，我们感受到了刺猬无比惊艳的表演。
在那将近十年的时间，刺猬尝试了所有的可能性，毫无疑问，他们非常成功。
从各大音乐节到地下音乐室的现场，他们的每一次演出无非深深吸引了那些同样青春狂躁、充满活力和想法的年轻人：
“刺猬就是我们的青春啊”，他们这样说道。
03
《白日梦蓝》中，歌词颓废但曲调激昂，那被放大处理的明亮剔透的吉他音色与如暴风骤雨般的鼓点编配，也成为大众议论的焦点。
刺猬如同孩子般率真地表达着自己的情绪，这种坦然也吸引了同样拒绝庸俗成长的我们。
后来的《甜蜜与杀害》，歌曲转而展开了对爱情与死亡、毒品与政治的思考。
他们探讨社会诚信危机与普遍价值观缺失带来的理想与现实的反差，以及生命、青春、爱情与死亡的意义等。
这部专辑称之为刺猬的“青春的完结篇”。
与以往的专辑风格不太相同，忧郁的偏中慢板的后朋气质是刺猬在这张专辑的最亮眼之处，这种突如其来的阴郁感反倒体现了刺猬在此前的摸索中又增添了一丝成熟和沉稳。
在歌曲《最后，我们会一起去海边》中，那句“永远年轻，永远热泪盈眶”不知道让多少人心绪颤动，眼眶湿润。
当时，刺猬乐队在棚里混缩新歌，还得到了窦唯的鼓舞，夸他们“音乐好”。
14年的《幻象波普星》又给了我们另外一种可能性，刺猬这次变得虚幻和迷离。
这种变化就像在吵闹喧嚣的物质世界回到了湿润广阔的精神原野。
走到这里，我们无非察觉到了刺猬的蜕变：
与其大声地表达出自己的态度，不如沉浸在自己的内心世界更为稳妥，选择飞向“外太空”。
就像歌词中写的那样：
“自由与爱之声，穿透了干涸的屏幕，之后进入了一片潮湿的坟墓，带着时间无法挽回的伤痛，流向永恒浩瀚的太空。”
走到这里，从成立到波普星的发行已经过去了不到十年的时间。
从阳光活泼的“懒孩子”，走到充满挣扎于思考的“白日梦”，再从内敛阴郁的“甜蜜杀害”，走到了迷离虚幻的“波普星”......
追随至此，刺猬成长了，我们也是。
04
新裤子乐队主唱彭磊说：“中国优秀的乐队很多，但命运好的很少。”
自2014年后，刺猬的创作在某种程度上变得沉寂，此后4年，是刺猬的沉默期。
子健曾经说过：“刺猬就像一部连续剧，还是分好几季的那种。”
但是16年他接受采访时告诉记者，这部连续剧差不多要大结局了。
那时候石璐生了宝宝，颈椎的疼得让他没办法久坐，不能长时间打鼓。
子健去了公司当程序员，每天坐一个小时地铁来上班，公司广播里整天放着“放松你的肩膀，放松你的脖子，吸气、呼气......”，来避免程序员犯困。
他们三个已经很久没有排练了。
但是距离和时间对于一个乐队来说并不是最致命的，最可怕的是没有创作和表达的欲望。
子健说：
“我不愿意重复自己的音乐，但我现在已经没什么可表达的了。摇滚乐得有所表达，年轻才有所表达。”
看起来一切都在不可挽回的走向庸俗，从充满梦与美的青年到为生存而奔波的中年人，或许是每个人不得不接受的。
但刺猬总能给人惊喜，18年，《火车驶向云外，梦安魂于九霄》再次横空出世，网友评论“2018年度最佳”、“依旧很刺猬”。
《生之响往》这张专辑出来之前，乐队已经快散了。子健身体不太好，住院住了两次，之后又失恋。
《火车》这首歌直到进录音棚的时候，石璐还不知道子健写什么。
”她已经不太在意我写什么词了，我自己也不太在意，我已经觉得没什么希望了。
我乐队玩完了，但除了玩乐队我这辈子也不觉得我还能想干点什么了。“
他们就以这么一个状态完成了专辑，所以《火车》确实是丧。
子健接受采访时说，这个歌到副歌的歌词，其实是憧憬，就希望乐队不再有那么大动荡，生活状态好一点，稳定一点。
新专辑《生之狂响》中，刺猬是这样介绍它的：
“请放心/珍贵的已被好好安放/不须回望/身后已人山人海/窗外景色太快了/但停下来/却已抵达故乡。“
词里行间我们体会到了刺猬在这沉寂的四年间思考的东西，浮躁过后更加清醒，也更加安稳，而这种安全感是自己给自己的。
毕竟世界如此，悲观也好，格格不入也罢，它永远不会为任何人改变，而我们却能在这种反叛中渐渐安静下来。
这种安静不代表妥协，只是把这幻梦重新寄存到了遥远的九霄之上。
而《盼暖春来》和《勐巴拉纳西》，我们从专辑封面就能或多或少的察觉出了一丝平静与安详。
这也给了那些真正关心刺猬的人些许安慰，因为跌跌撞撞过后，与世界和解是最好的结局。
摇滚总是具有无限的包容性，和解从来不意味着妥协。
刺猬过时了吗？
没有。
刺猬只是讲述了我们的那一段过往的故事，而这故事还远未结束。
就算我们已经不再十八岁，可总有人十八岁。
莽莽撞撞，亦或是通透开朗，不能代表结局，它只是一种选择。因为音乐总是诗意的，而摇滚，总能包容我们的无限种选择。
05
如果用颜色来形容一支乐队，而刺猬简直就是橙色与蓝色交织在一起的忧郁夏日。那是白日梦蓝与渐渐消退的淡橙红，在夏季黄昏的晚风中渐渐弥漫。
除了白日梦蓝的纯粹，刺猬身上还带着些不一样的东西。
木心说：“淡橙红是大男孩用情，新鲜时，里里外外罗密欧。”
用淡橙红来比喻刺猬，或许是因为刺猬身上有青春的影子，是疯狂念头充斥下的绽放，充满了荷尔蒙。
大家如此喜欢刺猬，或许是因为在他们的歌中总能找到自己的影子：
看到刺猬疯狂，就想起他们自己的疯狂；
看到刺猬的青春，就想起他们自己的青春；
看到刺猬执着，就想起他们自己的执念；
看到刺猬悲伤，就想起他们自己的遗憾。
曾经孤注一掷的人，同刺猬一起回味和怀念。
而遗憾没有孤注一掷的人，亦可以纵身一跃进刺猬的音乐海洋里，让刺猬带着自己做一场曾经难以割舍的青春幻梦
作者｜野豌豆苗/编辑｜璐璐
周报/从“口水战”的是是非非，再忆beyond乐队30年光辉岁月！ ...
Danew左轮老师向您请教一个问题。就是关于右手的指法你有什么建议吗？因为很多民谣的指弹曲子，他没有五线谱，有五线谱也不给标注右手的指法。然后我现在有一个习惯，就是经常不用a指，pim三个手指用的最多。不知道是否正确。回复右手指法没有严格的标准，对于简单的乐谱新手会有省略手指的习惯，但这样并不好，建议按照常规要求演奏。入门时，除了拇指其他手指各管一根琴弦，有一定基础后，双指交替拨弦会更好。左轮老师单摇电吉他在不弹的时候需要松弦吗我的琴是芬达墨豪去买弦的时候琴行老板告诉我在每次弹完琴的时候需要松弦但是不松弦好像也没有什么影响这是怎么一回事呢回复电吉他一般不演奏不需要松琴弦，内有钢筋反向拉力，松弦会破坏拉力的平衡。入门单向钢筋例如squier在长久不弹时可以松琴弦，中高端不需要，但要主要湿度保养。DoReMi.....我想到两个问题想问老师，1在ktv唱歌，有朋友说这调太高，唱不下。我想问左轮老师，在12个调里，能比较高低吗？。2在吉他教程里，没看到，升c降E升f降b降c调，这些调，这些调音阶是怎么排列，和弦是怎么按，遇到这些调式是不是只能用变调夹处理。谢谢！回复1，ktv里唱歌说的调的高低是误解，很多原调的歌曲普通人唱不了，故用低八度唱。不同的KEY是不同的音域，对于一首歌可以分高低。2升c降E升f降b降c调=B，这些KEY的歌曲也很多，只不过吉他书都改为常见调了，CG是吉他常见的key，为了新手容易演奏。新手可以用变调夹锦客售票小李左轮老师你好，指板上面的音终于死磕下来了，下一步要怎么做呢？是要记和弦了吗？谢谢回复指板上需要记忆的有音名和唱名，另外和弦是必须的，和弦可以和音名结合乐理，记忆速度很快！关于beyond的一些讨论：本周因为一篇中国摇滚的摄影贴意外引发了关于beyond的热烈讨论，关于beyond我们也曾在广播中多次讲述，建议：即不过度夸大，也不中伤抹黑，客观的从市场、学术等多个维度思考。这次小小的“口水战”能感觉到，多数同学相当成熟，我们没出现其他论坛恶语相向的场面，理智站主流，各自摆事实讲道理，赞！
新裤子乐队主唱彭磊是赵薇、黄晓明的同学，导演的摇滚电影获奖了 ...
大家都知道，彭磊除了是新裤子主唱，还是我国的“著名导演”。毕竟他是正经科班出身，北电96级毕业的学生，和赵薇、黄晓明同一届的。虽然毕业后跑去玩乐队了，但对电影的热爱一直痴心不减。这不，就连微信名字都要叫一个大导演，满足一把自己的电影梦。但彭磊真不是嘴上说说，他还拍了好几部电影。而且还凭借一部摇滚电影《乐队》拿奖了，得个上海电影节的亚洲新人奖的最佳导演。当时这部电影一出，各界夸赞，上影节官方更是称彭磊给当今甚至未来的中国电影带来了希望，还发给他15万的奖金。也许你会想，这部电影真这么牛？真的牛，这部电影就像新裤子乐队的歌一样猛。它撕下了中国摇滚虚假的外衣，还原了摇滚最真实的模样。《乐队》这部电影仅仅起源于彭磊的一个念头。在2011年2月的一天下午，彭磊回到家，突然发现他身边的东西全是西方的，听的音乐、看的书、电影无一例外。那一刻，他陷入了迷茫。为什么自己是个中国人，却要热爱西方的东西？于是，他决定要做一部关于中国的电影，还要能公映，让中国人都能看到。他将镜头瞄准了自己热爱的摇滚乐，《乐队》就这样诞生了。在电影里，彭磊将摇滚圈从头到脚讽刺了个遍，他毫不犹豫地撕下摇滚圈里那群披着虚假外衣的人们……表面上，这群人嘴里大喊着热爱摇滚，但在私底下却是挂羊头卖狗肉，披着摇滚的外衣尽做些不摇滚的事。
指弹的点弦技巧
很多吉他教学里都会为琴友们介绍一些高深的吉他弹奏技巧，而原声吉他的点弦技巧是一种可以弹奏出快速且连续性音效的技巧，在电吉他中广泛被使用，指弹、民谣、甚至是古典偶尔也会使用这个技巧！手指的爆发力与琴的优劣对点弦有着很大的影响！
下面我就来为大家简要说明下点弦的3个步骤：
第一步：将你的左手食指按住第三弦的第3品，然后用右手的食指或中指用力点击该弦的第10品，将其品位点击出声；
第二步：当你抬起点击10品弦的手指时迅速勾弦(其实可以说是拨弦)，勾(拨)出第3品上的音；
第三步：用左手的无名指锤、勾第5品；这样就可以发出快速连续的音效了，其实还有好多方法，也可以同时用双手点弦，主要就靠你右手手指的力量与左手捶弦与勾弦的功力了。
注意：
1、用手掌的第一关节发力，因为不是电吉他，所以点击弦时手指就需要相当大的力量；
2、弦尽量调低，越低越好点，当然也不要打品哦。
吉他的点弦技巧
原声吉他的点弦技巧是一种可以弹奏出快速且连续性音效的技巧~~~在电吉他中广泛被使用，指弹、民谣、甚至是古典偶尔也会使用这个技巧！手指的爆发力与琴的优劣对点弦有着很大的影响~~~下面我就来为大家简要说明下点弦的3个步骤：
第一步：将你的左手食指按住第三弦的第3品，然后用右手的食指或中指用力点击该弦的第10品，将其品位点击出声。
第二步：当你抬起点击10品弦的手指时迅速勾弦（其实可以说是拨弦），勾（拨）出第3品上的音。
第三步：用左手的无名指锤、勾第5品。
这样就可以发出快速连续的音效~~~其实还有好多方法，也可以同时用双手点弦，主要就靠你右手手指的力量与左手捶弦与勾弦的功力了~~~~
注意：
1。用手掌的第一关节发力，因为不是电吉他，所以点击弦时手指就需要相当大的力量
2。弦尽量调低，越低越好点（当然不要打品哦！）