巴赫的音乐体系,是古典音乐的重要组成部分.他的作品，声部均匀、结构严谨、有极高的艺术性。为此，巴赫被后人称之为“古典音乐之父”。他的作品不仅已成为许多乐器门类的必修课目，而且在当今许多重大的国际吉他比赛中，都是采用巴赫的作品作为参赛的规定曲目。但是要真正演奏好巴赫的作品是比较困难的，在此，针对如何演奏好巴赫的作品我谈谈五点应注意的方面。
一、了解巴赫所处的时代背景、哲学思想，并同时欣赏不同乐器所演奏的巴赫作品，全面地了解巴赫作品的音乐体裁、曲式、技巧、风格、写作意图等等。
二、演奏中应注意音量的平衡、旋律线条及各声部的层次和清晰度。音色也不能忽视，古典作品音色所追求的是柔和、平均，因此不能像演奏现代作品那样太明亮、太华丽。指甲可略修短些，触弦发音等都应有区别。
三、速度是一个很重要的因素。巴赫所处的年代正是管风琴、古钢琴风行之时，还属于节奏缓慢的时代，所以用吉他演奏巴赫的作品应注意这一时代的特征。演奏十六分音符时的速度不能太快，否则将会歪曲作品的风格。
四、力度上的变化也必须谨慎处理。可在段落之间有所对比变化。力度变化上应避免浪漫派音乐的突变或过频的情绪起伏和力度变化。
五、复调与多声部对位是巴赫作品的一大特点。由于吉他左手指法的局限性，使之在演奏上有很大的难度。演奏之前应分析作品的结构、旋律、句法，注意各对位声部的独立性、流畅性、右手各指拨弦的力度应有变化，做到既能突出主要声部，又能有清晰的其他声部。
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吉他自学教程 怎样演奏绝美的SOLO
今天的吉他自学教程，来给大家说说怎样演奏绝美的SOLO。
吉他自学教程 怎样演奏绝美的SOLO
决定调性
1, 一首歌曲首先要分清是大调还是小调。一般大调的曲子多以135其中的某一音开始，也多以15其中的某一音结束;小调歌曲则以36开始，以6作结束。因此，如果一首歌曲结束在主音1上它多半是大调，结束在主音6上它多半是小调。但如果歌曲的结束不是1也不是6，就要分析歌曲旋律中调性的倾向。旋律中经常出现135这些音，则可断定为大调;经常出现613这些音，则可断定为小调。
2,先将歌曲开头和结尾的小节配上和弦。大调为C ，小调为Am
3,以此里推各调!
怎么才能弹好SOLO
1，和弦音的运用一般有三和弦，七和弦，九和弦(较少)，如C调G为572，G7为5724，G9，57246，还有和弦音阶运用G7，G，G9为56712345;注意一般来说你的华彩走向要考虑到你的和声走向.
2，五声音阶(12356)运用，布鲁斯音阶运用，具体我不说了.
3，熟练各音阶子型有MI，SO，LA，SI，RE注意他们的联接，当然也有布鲁斯特有的音阶子型，(在此我不说了，大家可去查查),这都要做到整个把位融汇贯通.
4，当然也还有很多国外音阶如果会用更好了，但我觉得这个等以后你华彩具有一定水平再说吧.
5,很重要的一点就节奏问题,现在有很多玩了好长时间吉他的人,节奏打的似鬼一样乱七八糟的.
6,了解一些音阶模进(好似有三种我只记得两种,级进,跳进)常用有2,3,4,5,7,8度.
7,弹奏时注意高低音的配合,这样才会有对比,好似有两人再对话一样.
8,弹奏时要富有感情,尽量用音符表达自个的感情,不要乱弹.
9，弹时音阶快慢要接合，注意要保持好节奏.
10，加入各种吉他技术，如伤感的可用柔弦，富有激情的可用推弦，乏音富有很强穿透力
巴赫古典吉他
巴赫伏特舞曲古典吉他演奏的你们有听过么?下面是小编给大家整理的巴赫古典吉他，供大家参阅!
古典吉他谱巴赫伏特舞曲古典吉他可演奏歌曲巴赫伏特舞曲作者戈塞克是法国交响音乐的奠基者，他运用曼海姆乐派的经验，扩大乐队编制(采用单簧管、长号、圆号、锣)，善于运用力度和色彩效果。对法国交响音乐的发展有直接影响。
法国作曲家。生于比利时贫苦农家。17岁到巴黎，开始了解曼海姆系派的作品。1769年他创立法国最早的交响音乐会爱乐者音乐会。法国大革命时任国民自卫军军乐队长。1795年巴黎音乐学院创立后，任督学和作曲教授。波旁王朝复辟后，离开巴黎音乐学院。他是法国交响音乐的奠基人。借鉴曼海姆乐派的经验，扩大乐队编制，善于运用力度和色彩效果。所作近六十部交响曲及气势雄伟、规模宏大的交响乐曲《7月14日之歌》、吹奏乐《哀悼进行曲》《葬礼进行曲》等，对法国交响音乐的发展有直接影响。新歌剧有《共和国的胜利》等。1829年在巴黎逝世。
古典吉他可演奏歌曲巴赫伏特舞曲介绍加伏特原是法国古代民间舞曲。17世纪中叶由法国作曲家吕利(1632-1687)采用于歌剧、舞剧中，在法、德两国流行一时。其特点为中速，2/4或4/4拍，旋律轻盈优雅。常以包括两个四分音符的弱拍开始，各乐句通常从小节的中间部分起拍和结束。三段体结构，中段常插入风笛舞曲，前后形成对比。吕利曾将其采用于歌剧、舞剧音乐中。可独立成曲，也常用为器乐组曲的一个乐章。
戈塞克所作的这一乐曲为D大调，4/4拍，单三部曲式结构，他没有遵循常见的规律，而是采用了较早期的加伏特舞曲形式，开门见山地从第一拍开始。
戈塞克的《加伏特舞曲》距今约有200年历史了，但它仍然充满着生命力，久演不衰，一些轻音乐队对这支曲子非常感兴趣，常常把它改编成轻音乐曲来演奏。
《E大调小提琴奏鸣曲 加伏特乐章》约翰 斯巴斯蒂安 巴赫作曲，采用回旋曲式。 日本动漫《金色琴弦》中出现小提琴和小号合奏。
巴赫1006古典吉他
古典吉他演奏出来的巴赫1006 非同凡响。下面是小编给大家整理的巴赫1006古典吉他，供大家参阅!
巴赫1006 古典吉他谱巴赫简介约翰塞巴斯蒂安巴赫(德语：Johann Sebastian Bach，1685.3.21-1750.7.28)，巴洛克时期的德国作曲家，杰出的管风琴、小提琴、大键琴演奏家。巴赫被普遍认为是音乐史上最重要的作曲家之一，并被尊称为西方近代音乐之父，也是西方文化史上最重要的人物之一。
巴赫出生于德国中部图林根州小城艾森纳赫的一个音乐世家，在有生之年是一位著名的宫廷乐长，在德国莱比锡圣多马教堂度过了最后27年的时间。
巴赫把西欧不同民族的音乐风格融为一体。他集意大利、法国和德国传统音乐中的精华，曲尽其妙，珠联璧合，天衣无缝。
巴赫自己在一生中并未享有盛名，而且在死后五十年中就已被世人遗忘。但是在近一个半世纪中他的名气却在不断地增长，一般认为他是西方音乐史中最伟大的两三位作曲家之一，而且有些人认为他是其中最伟大的作曲家。
巴赫巴赫于1685年3月21日出生在德国中部杜林根森林的爱森纳赫。爱森纳赫因为依山势而建，所以地势是高低起伏不平，而且地面都是由青石板铺成的，所以是德国中部一个富有童话气息小山城，这个地方拥有着很深的音乐渊源，在中世纪时，游吟诗人、宫廷乐手都是在爱森纳赫进行表演和比赛的，可以说它是德国音乐的发源地。虽然这只是一个小城镇，可市民却酷爱音乐。据说该市古代的城门上竟刻着音乐常在我们的市镇中照耀的字样。并且中世纪的吟歌者经常手执竖琴，在这里吟唱诗歌并举行歌唱比赛。瓦格纳曾据此写了著名歌剧《唐豪塞》。而十六世纪的宗教改革家马丁路德，也在此将《圣经》译成德语。巴赫家族是地地道道的音乐世家，他的家庭早在他来世前许多年就已经在音乐界赫赫有名了。
他父亲是一位优秀的小提琴手，祖父的兄弟中有两位是具有天赋的作曲家，叔伯兄弟姐妹中有几位是颇受尊敬的音乐家。对于具有极高音乐天赋的小巴赫来说，在这样的家庭成长原是十分幸运的，然而命运之神却偏要找些麻烦：他9岁丧母，10岁丧父，只得靠大哥继续抚养。尽管家里存放着大量音乐资料，可专横的兄长就是不允许他翻阅学习，无论他怎样苦苦恳求也无济于事。巴赫只得趁哥哥离家外出与深夜熟睡之际，在月光下偷偷地把心爱的曲谱一笔一划地抄下来，历时长达半年之久，因而大大损坏了他的视力。他的晚年在双目失明中痛苦地度过，直至去世。
巴赫1007古典吉他谱
看巴赫1007古典吉他谱，弹优美的旋律。下面是小编给大家整理的巴赫1007古典吉他谱，供大家参阅!
巴赫1007古典吉他谱巴赫bwv1007介绍BWV1007是德国音乐家 约翰塞巴斯蒂安巴赫 (德语：Johann Sebastian Bach，也译作巴哈，1685年3月21日-1750年7月28日)的大提琴作品，该曲为巴赫六首无伴奏大提琴组曲第一乐章的前奏曲， BWV1007为该作品编号，BWV曾用作好莱坞电影《怒海争锋》的电影原声，是著名的大提琴独奏曲目。
巴赫简介魏玛时代(1708-1717)
巴赫演奏了其清唱剧《上帝是我的国王，BWV71》,同年辞职去接受一个报酬更为丰厚的职位：任魏玛公爵威廉.恩斯特的宫廷管弦乐师;1714年成为乐长。在威玛巴赫创作了大部分管风琴作品，也首次发现了维瓦尔第的音乐，开始了协奏曲的创作。1717年接受柯登的安哈尔特利奥波德亲王的乐正职位;但其辞职被威廉.恩斯特所阻挠，在免除其义务之前甚至还把其关押在狱中。
克滕时代(1717-1723)
在克滕的日子是巴赫一生中的黄金时代。此间他创作了被誉为键盘乐的旧约圣
经的《平均律钢琴曲集》第一卷和在管弦乐发展史上堪称里程碑的《勃兰登堡协奏曲》等大量出色的世俗和宗教音乐;同时巴赫还在柯滕宫廷任职，柯滕宫的镜厅非常华丽，这里还供有巴赫像。
1724年，巴赫的主人克滕亲王对音乐的兴趣似乎淡漠了，于是他辞去了宫廷中的职务，来到莱比锡出任圣托马斯教堂学校的乐监(音乐指导)，在那里他度过了一生中余下的27年时间。
此后，克滕镇因为巴赫的音乐而充满活力：其合唱团自1906年起就沿用巴赫的名字、1935年创立的巴赫音乐节、1967年为纪念巴赫在这里供职250周年轮番举办了巴赫音乐节及巴赫音乐比赛，并将此作为传统延续至今，而当时的组织者也就此成立下来，即为今天的克滕巴赫社团。1983年克滕历史博物馆专门开放了巴赫纪念馆。
怎样才能准确的调弦？
吉他教学课程中有讲过，作为一名吉他手，将手中吉他的琴弦调整到正确的音高是一项最基本的素质。用未经过仔细调弦校音的吉他演奏出的音乐，会很刺耳，与乐队其它乐器不和谐。对初学者来说，要养成练琴之前先调准琴弦的好习惯，这对建立良好的音乐感觉有很大的帮助。
最常用的调弦方法和步骤:
1、借用校音工具，先调准一个基准音。例如可用“A”音叉或定音笛，首先调准五弦空弦的A音。
2、调校六弦：按住六弦第五品，右手拨弦，与五弦空弦音高相比较，调整弦钮直至两音相同。
3、调校四弦：按住五弦第五品，右手拨弦，与四弦空弦音高相比较，调整弦钮直至两音相同。
4、调校三弦：按住四弦第五品，右手拨弦，与三弦空弦音高相比较，调整弦钮直至两音相同。
5、调校二弦：按住三弦第四品，右手拨弦，与二弦空弦音高相比较，调整弦钮直至两音相同。
6、调校一弦，按住二弦第五品，右手拨弦，与一弦空弦音高相比较，调整弦钮直至两音相同。
窍门：两弦的音高是否相同，主要靠我们的听觉来判断。但也可以通过观看空弦的震动来判断音高是否相同。比如：按住六弦第五品，拨弦后，如果音高与五弦空弦音高接近或相同，则第五弦会产生震动，幅度越大表示两音越接近。
E ||----|----|----|----|----|----|-
B ||----|----|----|----|--E-|----|-
G ||----|----|----|--B-|----|----|-
D ||----|----|----|----|--G-|----|-
A ||----|----|----|----|--D-|----|-
E ||----|----|----|----|--A-|----|-
1品 3品 5品
更准确的调弦方法和步骤:上面所说的是利用比较相同音高的调弦方法，还有一种方法是用八度音，在所有弦上同与基准音相比较。这种调弦方法错误发生较少，但要求对八度音程辨别得清楚.
1、借用“A”音叉或定音笛，首先调准五弦空弦的A音。
2、调校六弦：按住六弦第七品，右手拨弦，与五弦空弦音高相比较，调整弦钮直至两音相同。
3、调校四弦：按住四弦第五品，右手拨弦，与五弦空弦音高相比较，调整弦钮直至两音成一个八度。
4、调校三弦：按住三弦第二品，右手拨弦，与五弦空弦音高相比较，调整弦钮直至两音成一个八度。
5、调校二弦：按住二弦第十品，右手拨弦，与五弦空弦音高相比较，调整弦钮直至两音成两个八度。
6、调校一弦，按住一弦第五品，右手拨弦，与五弦空弦音高相比较，调整弦钮直至两音成两个八度。
E ||----|----|----|----|--A-|----|----|----|----|----|----|----|...
B ||----|----|----|----|----|----|----|----|----|--A-|----|----|...
G ||----|--A-|----|----|----|----|----|----|----|----|----|----|...
D ||----|----|----|----|----|----|--A-|----|----|----|----|----|...
A ||----|----|----|----|----|----|----|----|----|----|----|----|...
E ||----|----|----|----|--A-|----|----|----|----|----|----|----|...
1品 3品 5品 7品 9品 12品当然，还可以用电子校音器来调弦，更加方便和迅速，但价格要比音叉或定音笛贵许多。现在网上还有很多免费的软件校音器，在计算机上运行使用，能发出六根的音高，也可通过麦克或电吉他与声卡连接进行调音。下面就是一个功能很强、使用也方便的软件校音器，它除了为吉他、贝司、BANJO、小提琴、大提琴等乐器提供校音功能外，还包含了一个可达到500BPM速度的节拍器。大家可下载试用。
巴赫古典吉他谱
巴赫小步舞曲古典吉他谱给大家可以好好练练哦。下面是小编给大家整理的巴赫古典吉他谱，供大家参阅!
巴赫小步舞曲古典吉他谱古典吉他可演奏歌曲巴赫小步舞曲简介小步舞曲(Minuet)一种起源于西欧民间的三拍子舞曲，流行于法国宫廷中，因其舞蹈的步子较小而得名。速度中庸，能描绘许多礼仪上的动态，风格典雅。十九世纪初，小步舞曲构成交响曲奏鸣套曲的第三乐章，后又被谐谑曲所代替。
古典吉他可演奏歌曲巴赫小步舞曲代表作拉莫、莫扎特、贝多芬、巴赫等人的小步舞曲最为著名。
巴赫在他的第一首《勃兰登堡协奏曲》中，就有一首小步舞曲。其实那时所谓的协奏曲，是一种乐队合奏曲，只不过有时是一两件或三四件乐器演奏较为独立的声部而已。巴赫一生中写了很多的小步舞曲，我们生活最熟悉的这首G大调的小步舞曲是出自《致安娜.玛格丽娜古钢琴小品集》，那是巴赫献给他第二任妻子安娜的一部杰出作品，创作于1722年。(不得不说的是，一个好女人真的对男人很重要。)
简要事件：1720年，巴赫的前妻去世，1721年，36岁的巴赫再婚，娶了安娜，一个在事业和家庭上给了巴赫很大的支持和帮助的女人;1750年巴赫去世，安娜从此无人过问，过着一贫如洗的生活，不得不住进救济院，十年后，也离开了人世...
整体上看一下这六首组曲。从调性上来看，前三首为小调，后三首则是大调，大小调平分秋色，既不像六首无伴奏小提小调占多数而略微显得宛转而伤感，也不像六首勃兰登堡协奏曲清一色的大调而显得无比光辉灿烂，总体上比较中性，具有一种平衡感。
巴赫同时代的德国作曲家泰勒曼也写过许多著名的小步舞曲，选自泰勒曼的《古代民族和现代民族序曲》的两首小步舞曲，从这两首同一作者而不同风格的小步舞曲可以大概地领略17世纪欧洲巴洛克时期小步舞曲的风貌。第一首在优雅之中带有严肃深沉的味道，中段用了复调音乐的写法，连速度也加快了。第二首就比较优雅抒情，风格较为接近18世纪的小步舞曲。因为这两首小步舞曲都用在序曲里，是其中的乐章，不是用来伴舞的，所以在写作风格上有更多的自由。
古典吉他谱巴赫
说起巴赫大家应该会比较熟悉，它是很有名的作曲家，我们现在古典吉他所弹奏的乐曲很多不都是巴赫的吗?下面是小编给大家整理的古典吉他谱巴赫，供大家参阅!
古典吉他谱巴赫圣母颂圣母颂音乐鉴赏圣母颂介绍《圣母颂》(Ave Maria)法国浪漫时期的著名音乐家古诺有一首广为流传的歌曲的《圣母颂》，其使用的伴奏是巴赫《平均律钢琴曲集》(Well-Tempered Clavier 1)第一首《C大调前奏曲与赋格》(BWV846)的前奏曲部分。《圣母颂》作品始终充满着一种高雅圣洁的氛围，使我们如同 置身于中世纪古朴而肃穆的教堂之中;而《C大调前奏曲与赋格》的前奏曲部分则精美绝伦，集纯洁、宁静、明朗于一身，满怀美好的期盼，以这样一首乐曲作为《圣母颂》的伴奏，确实是恰如其分。最难得的是，古诺竟将它与自己歌曲的旋律结合得天衣无缝，浑然一体，可谓巧夺天工。
2022吉他教学——怎样唱好歌？怎样练歌？怎样练好嗓音？
一、 歌唱发声器官的组成
声音的形成是发声器官协调工作产生的生理现象，这个现象的产生是气息运动和声带振动所形成的物理现象，但歌唱的发声运动又和我们平时说话的发声有所不同，因而歌唱发声又是一个物理的声学、音响学现象。而进行歌唱艺术实践又是一个复杂丰富的心理活动过程，因此我们的歌唱运动可以说是生理、物理、心理“三位一体”的行为。歌唱的发声器官是由呼吸器官、发音器官、共鸣器官和咬字器官四个部分组成，它们是歌唱发声的全部物质基础，是歌唱发声运动中的主要功能系统。
1、 呼吸器官
呼吸器官，即“源”动力，是由口、鼻、咽喉、气管、支气管、肺脏以及胸腔、膈肌（又称横膈膜）、腹肌等组成。气息从鼻、口吸入，经过咽、喉、气管、支气管，分布到左右肺叶的肺气泡之中（肺中由两个叶状的海绵组织的风箱构成，它包含了许许多多装气的小气泡）；然后经过相反的方向，从肺的出口处分支的气管（支气管）将气息汇集到两面三刀个大气管，最后形成一个气管，再经过咽喉从口、鼻呼出。与呼吸系统相关的各肌肉群，他们的运动也关系到呼吸的能力，是歌唱“源”的动力和能量的保证。我们日常的呼吸比较平静，比较浅，用不着使用全部的肺活量，但歌唱时的呼吸运动就不同了，吸气动作很快，呼气动作很慢。如果遇上较长的乐句，气息就必须坚持住。而一首歌曲的高、低、强、弱、顿挫、抑扬变化，也全*吸气、呼气肌肉群的坚强和灵活的运动才能完成。
2、 发声器官
发声器官，即发出声音的器官。它包括喉头、声带。喉头是一个精巧的小室，位于颈前正中部，由软骨、韧带等肌肉组成。声带位于喉头的中间，是两片呈水平状左右并列的、对称的又富有弹性的白色韧带，性质非常坚实。声带的中间又称声门，声带是*喉头内的软骨和肌肉得到调节的。吸气时两声带分离，声门开启，吸入气息；发声时，两声带*拢闭合发生声音。声带在不发出声音的时候是放松并张开的，以便使气息顺利通过。声带发声，一部分是自身机能，一部分是依*声带周边的肌肉群协助进行发声运动。我们在声乐训练的时候，应该充分注意到这些肌肉群的功能作用，合理地运用它们，养成良好的习惯，避免在不正确的发声习惯下唱坏了嗓子。还有喉咙的上部与舌根之间，有一个很重要的软骨，叫会厌。会厌的功能有两个方面，一是起到声门的保护作用，当我们吞咽食物和饮水的时候，它本能地自动盖住气管，让食物通过时避免进入气管，我们往往有时不小心喝水“呛”了气，就是会厌动作不协调所致。第二个作用是歌唱的时候，会厌竖起，形成通道让声音流畅地输出。
3、 共鸣器官
人体的共鸣器官主要有胸腔、口腔和头腔三大共鸣腔体。胸腔包括喉头以下的气管、支气管和整个肺部。口腔包括喉、咽腔及口腔。头腔包括鼻腔、上颌窦、额窦、蝶窦等。在歌唱中，由于音商的不同，使用这些共鸣腔的比例是有所不同的。一般来说，唱低音时，胸腔共鸣发挥最大，唱中音时口腔共鸣应用较多，而唱高音时主要是*头腔鸣发挥作用了。如果我们能正确、合理地运用好这些共鸣腔体，并相互协调配合好，那我闪就能获得圆润、悦耳、丰满、动听的歌声。
4、 咬字吐字器官
咬字吐字器官（即语言器官）包括唇、舌、牙齿和上腭等。这些器官活动时的位置和不同的着力部位，形成了辅音和元音（即语言）。发声歌唱时，咬字、吐字器官各组成部分的动作比平时说话要更加敏捷而夸张。敏捷是为了使咬字准确清晰，夸张是为了使美化的元音或韵母通畅地引长发挥。所以语言器官是我们在吐字咬字时的物质基础，也是我们学习吐字咬字时出声、引长和归韵的重要器官。声音是歌唱的基础，要训练好声音进行歌唱，首先要了解所参与发声器官的构造和作用。歌唱运动的感觉远不如看得见、摸得着的如钢琴、小提琴训练那样的肌体运动来得容易，这就要求我们每个歌唱者要有敏锐的自我感觉，并在专业声乐教师的指导下反复训练，以形成条件反射去断定自己的声音是否正确，是否符合声器官运动的基本规律。还有一点要指出的是，上述各部分器官及它们的运动形式是歌唱的生理学为基础，而这些器官的协调活动，则是在人体神经系统的调节与支配下完成的。任何身体的运动都受到心理的指挥或暗示，歌唱者的意志、情感、愿望及舞台感觉等等，很大一部分与心理的因素有关，有时候心理的制约因素甚至比发声技术更重要地左右着我们的训练，我们应该充分注意到心理的重要性，当我们在歌唱时，尤其在台上表演时，则需将注意力集中在歌曲的内容与情感上，以情带声，而不要把注意力分散在具体器官的位置及活动状态上。
二、 歌唱的姿势
有人说：“姿势是呼吸的源泉，呼吸是发声的源泉。”唱歌训练，首先要有正确的歌唱姿势，没有经过专业训练的人往往不够重视姿势，姿势的正确与否是直接关系到发声时各个器官配合的协调姿势，姿势的正确了，发声各部分就能正常地工作，而不正确的姿势，则往往带来不正确的声音。这好比我们的跑步运动员，赛跑时如果没有正确的跑步姿势，就会直接影响跑步的速度一样。
正确的歌唱姿势是：1、身体自然直立，保持自然放松，这里的放松绝不是松垮、瘫痪，它应呈现一种积极向上的状态，也就是精神饱满的状态。2、头部保持于眼睛向前平视稍高的位置，胸部自然挺起，两肩略下后一点，小腹收缩，两臂自然垂落，全身有一种积极运动的状态。3、两脚一前一后稍分开，前脚着力、身体的重量要平稳，重量落在双脚上。4、面部，眼神要自然生动，眉、眼、嘴是五官中的重要部位，眼睛是心灵的窗户，因此在演唱中眼睛切记应当张大一些，不要眯起眼，虚着唱歌。5、嘴巴是歌唱的喇叭，应当张得开，放得松，切记紧咬牙关。6、还有歌唱时下颌收回，正确的感觉应该是仿佛由小腹到两眉之间形成一条直线，脖子和后背、腰部连成一线，这样才使气息畅通无阻。7、演唱时可根据歌曲的内在情感赋予适当的动作，但动作要简练大方，切忌矫揉造作，画蛇添足。坐唱的姿势与站立时的要求一样，但要注意腰部挺直而不僵硬，也不要*在椅背上，注意臀部不要坐满整个凳面，约坐1/3的面积，两脚稍分开，自然弯曲，不能跷腿坐，也不能两腿交*叠起
三、 歌唱的呼吸
学习正确的歌唱呼吸乃是歌唱艺术最重要和最必要的基础。由呼吸控制的歌声才是声乐，呼吸是歌唱的原动力。声乐界有“谁懂得呼吸，谁就会唱歌”之说，说明了呼吸在歌唱中的重要性，它确实是歌唱者首先应该学会的一项基本功。
歌唱时的呼吸与日常生活中说话的呼吸是不大一样的。在日常生活中，人们通过说话交流思想感情，因为一般距离较近时所需音量就较小，气息较浅，不用很大的力度，也不用传得很远，而且我们说话连续用嗓时间长了，嗓音就容易疲劳、嘶哑，这种说话的呼吸若用于唱歌就显得不能胜任了。唱歌是为了抒发情感，是要唱给别人听的。歌唱时面对的往往是大庭广众，须将歌声传至每个角落，因而要求声音既要有一定的音量，又要有一定的力度变化，要有长时间歌唱的能力，并要求根据歌曲的需要，或长、或短、或强、或弱、或高、或低地有控制地输送气息，要做到这些，就不是简单的事了。所以歌唱时的呼吸作为一种艺术手段，有它自身特有的一套规律和方法，它是一项技术性问题，是后天训练出来的。
呼吸运动包含着吸气和吐气两个过程。
1、 吸气
用口、鼻垂直向下吸气，将气吸到肺的底部，注意不可抬肩，吸入气息时使下肋骨附近扩张起来，腹部方面，横膈膜逐渐扩张，使腹部向前及左右两侧膨胀，小腹则要用力收缩，不扩张。背部要挺立，脊柱几乎是不动的，但它的两侧却是可以动的，而且也是必须向下和向左右扩张的，这时气推向两侧与背后并贮在那里，保持住然后再缓缓将气吐出。
2、 吐气
唱歌用气时，仍要保持吸气状态。这点很重要，就好比给自行车打足了气，不能一下子放松了，这里还有一个保持呼吸的问题，要保持住气息，就必须在唱的过程中永远保持吸气的状态，控制住气息徐徐吐出，要节省用气，均匀地吐气，这就是所谓气息的对抗。在呼和吸的过程中，要注意呼吸僵硬的感觉，整个身体表情都应该是积极放松的，紧张的部位就是横膈膜、两肋，两肋就像是一只充足的气球一样，我们要让声音坐在上面，往下拉，不能让气球往上浮起来，也就是说要把气息拉住，不能让它提上来，这就牵涉到一个气息支点的问题。
3、 唱歌时要有气息支持点
支持点也就是声音要有一个立足的地方，这个立足点也就是以横膈膜及下肋两侧做支持点，当我们咳嗽或笑的时候，可以直接感觉到它的支持作用。没有经过呼吸训练的人，常常唱歌时，脸红脖子粗的，青筋直暴，歌声僵直，高音上不去，低音下不来等等，都是与气息支持点没有保持住有关。反之，我们掌握了呼吸方法，有了支持点的感觉，那么，当我闪歌唱发声时，便会感到声音仿佛落在我们所控制的气息上，也就是说声音是由呼吸来支持了，这种声音不但悦耳响亮，而且能强弱自如地做出各种变化来。
4、 不同的乐句用气是不同的
我们在进行胸腹式呼吸时，呼吸气势的强弱、吐气的方法要根据所唱歌曲（或乐句）的不同要求有所不同。下面我们就介绍几种不同的呼吸练习法。
1） 缓吸缓呼 这是我们在训练和歌唱时常常采用的方法。就是胸腔自然挺起，用口、鼻将气息慢慢吸到肺叶下部，横隔膜下降，两肋肌肉向外扩张（也就是腰围扩张），小腹向内微收。这种吸气要求自然放松，平稳柔和地进行，就像我们去闻花的芳香时的感觉一样，闻花的感觉使我们吸气吸得深，就像做深呼吸运动一样，但吸气时不要用太大的力，只要轻轻地挺住胸廓和上腹部，然后慢慢呼气。呼气时，注意保持吸气状态，控制住两肋和横膈膜，也就是控制住了气息，使之平稳、均匀、持续、连贯地慢慢吐出。有一种感觉可以帮助我们体会呼气时下肋和横隔膜的保持状态：就是在缓吸后做慢慢地吹掉桌上的灰尘的动作，这里需要长长地吹气，也就是在做长音的呼气练习，我们常说：“长音像吹灰，短音像吹蜡”，是一种吐气的感觉。
2） 急吸急呼 急吸就是在很短的时间内，通过口、鼻迅速把气息促而深入地吸到肺叶下部，并将气息保持住，然后，按照缓呼的要求而呼出。我们在演唱实践中经常要用到的，因为在歌曲的句与句之间、字与字之间的吸气不通话你有很长的停顿时间，往往采用“偷气”的办法来吸入且要吸得不让人发现，这就是急吸缓呼的作用。为了培养呼吸的控制力，我们可以采取一些练习曲及歌曲中的某些乐句做带词的练习，效果较好。卡鲁索说过，歌者能否踏上成功之路，首先要看他对于呼吸器官的操纵和运用，是否建立了强固的基础。
四、 歌唱的发声
歌唱时的发声和说话时的发声是不完全一样的，说话式的唱歌或放大了的说话，都是不对的，这会没有色彩，不是音乐化了的发声。所以说说话的发声是不能适应歌唱的的需要的，我们必须讲究发声方法，帮助学唱歌的人把普通的声带磨炼成能发出优美、动听、有持久力的合乎科学方法的、有艺术感染力的声音来。
1、 喉头和声带
喉头和声带，是歌唱的发声器官，是歌唱的核心部位，是通向整体歌唱的要塞，是打开歌唱艺术宝库的金钥匙。因此，了解和搞清喉头与声带在歌唱时应处的位置和状态是非常必要的。一般来说，歌唱时喉头位置应该比平时说话时偏低一些（就像我们深吸气时的喉头感觉，因为吸气时的喉位，比静止时的喉位略低一点）有很多人把喉头处于吸气时的位置称为“水平位”。在歌唱时字与字、句与句的转换中，喉头要始终处于这一位置，而不应做离开水平位的向上、向下，或向左、向右的移动，当然喉头位置的稳定是在运动中的相对稳定，而不是僵死不动的稳定。就像浮在水面上的皮球永远稳定在水面上的道理一样，若把皮球比做喉头，皮球浮在水面的状态就好像喉头稳定在吸气位的状态一样。所以歌唱时的喉头位置应始终处于低而自如的稳定位置和喉头壁打开的状态。
2、 打开喉咙
在歌唱训练中“打开喉咙”是十分重要的中心环节，它直接影响到声音的好坏。“打开喉咙”也就是将喉头稳定在正确的位置上，口盖积极向上收缩成拱形，舌根放松，平放在下牙齿后，牙关打开，下巴放松自然放下而稍后拉，这时候的喉咙是打开的。那么如何能帮助初学者“打开喉咙”呢？
1）“打哈欠”的状态 “打哈欠”状态可以让口腔打开自然，放松，口盖抬起，口腔内空间增长增大。所以在唱歌时，咽喉不要闭塞，要使咽喉张开，让气息自如地送出来，“哈欠”状态确实是打开喉咙的好办法，也使歌唱者保证了一个很好的演唱状态。在平时练习时，还可以用闭嘴的“打哈欠”，闭口打哈欠的时候，里边的状态也是开的、抬的，如果我们在唱歌的时候都能保持这个状态的话，那你的声音就不会是“白”的、“扁”的了，你的声音就会是“竖的”、“圆的”了。
2）用“微笑”状态来打开喉咙 我们讲的“微笑”不是光笑，而指的是把“笑肌”抬起来。“笑肌”抬起是要鼻、咽腔打开，大牙关打开，面部两边的笑肌（颧骨）呈微笑状，这样的微笑状态可以使你的喉咙打开，可以使你获得高位置的声音。“歌唱状态就是里边的哈欠，处头的微笑”，这话很精辟。
3、 良好的中声区
中声区是唱歌的基础，没有良好的中声区，就谈不到其他的一切。我们应当重视中声区的练习，多在中声区下功夫，不要急于唱很高的音。练习时，我们先从中声区以中、小音量练习开始，经过相当一段时间的巩固以后，再慢慢向较高一点或较低一点的音域发展，初学者一定要遵循由易而难的循序渐进的原则，否则一开始就猛练高音，不但不会获得正确的高音，反而会毁坏声带。中声区应该*前，明亮，轻松流畅，不费力，这样才能往上发展，为演唱高音打开通路。中声区的声音不要强求音量，而是要自然自如，要求音色优美和声音的灵活性。每个声部的重要音区都是中声区。中声区要做到吸气深，呼吸力求自然，有弹性，积极向上，有支持点，喉头稳定松驰，不论唱高、低不同的音，喉头的感觉都在一个位置上，声音要往外送，但又要使声音从头到尾保持在同一音型和位置上。我们常比喻说“声音要像穿珍珠一样，把每个音穿在一条线上”等等，就是说声音要连贯、统一、圆润。
4、 关于换声区
当你从低音往上唱时，唱到一定的地方，就会感到困难，容易卡壳，这就是到了换声区了，这时，你必须运用某种方法才能继续入上唱。歌唱者首先应基本掌握了虽声区的唱法，然后因人而异地作具体调整。有几种方法大家可以实践一下：
1）“倒抽一口气”的动作 就是歌者在唱到换声的音时（发元音的同时），做一个倒抽一口气的动作，好像“吓一跳”的生理状态，让喉头稍向下，向后退让，以使口咽腔充分打开，同时将中声区歌唱时向上齿龈背后发送的气息，随着音高逐渐向上挪动，嘴也随着逐渐张开，此时声音感觉更向上，向更远的前方发送。这时声音就自然地进入了换声区。
2）母音转换手法 就是在唱到换声区的时候提前让声音掩盖一点，声音暗一点，出气量小一点，小舌头抬起一点。在碰到换声点时，有一点必须强调指出，就是你感到声音唱上去困难时，甚至声音感到要出现破音时，千万不要变化发声器官的形态，不要乱动，乱使劲，一定要坚持迎着声音唱下去就可以了。其实换声点的总是就是一个“混声”的问题，就是真假声结合的问题。掩盖一些的声音就是有了假声的成分，但又不能全假，必须与真声混合在一起，声音的衔接才不会有痕迹，声音才不会虚和空。所以学会换声点的过渡也就学会了假声的唱法，而假声位置对唱歌、解决声音的统一是大有好处的。
唱歌的声音美不但要共鸣好,混声好,关闭好,还要学会保护自己的声带,它很娇嫩的.
声音要好听,除了天生之外,最重要的还是后天的努力,相当一部分男人天生就会混声,会关闭,他们唱高音都毫不费力,但是他们的低音区却一塌糊涂,就像张信哲,熊天平,张雨生,等人那样,他们都不能算得上是全能歌手.
因此你大可不必羡慕那些有天赋的人,唱歌这东西讲的最主要是技巧和方法而不是天赋.
因此你要练好唱工必须要,1.练好乐感,就是音准,和节奏感,多听歌手的歌,听时要注意他唱的调,然后你跟着唱时,看看有没有降了或者升了,多模仿,不要害怕模仿了别人自己的风格就没有,其实当你模仿到一定程度后,你可以用你模仿下来的声音作基础,建立你自己的风格.2你要明白什么是真音,什么是假音,这很简单也很重要,是基础里的基础3.练习混声,练好混声你照样可以唱到张信哲,林俊杰,陶喆等人的歌了,混声就是真音与假音的混合体,对男生来说这个比较难,因此更需要坚持练习,3练关闭唱法,为什么有的人说话那么响亮,富有穿透力?那就是他用了关闭,一旦运用到唱法来,可以使你的声音响亮,富有穿透力并且不费力,
一旦练好了以上的东西,你应该可以自我调节自己的嗓音了,甚至你还可以模仿出几个人的嗓音了.
对绝大多数朋友来说，可以按以下的顺序来进行学习：
No.1 [原创]初级发声1：发声综述
No.2 [原创]初级发声2：初学必看汽泡音之蜕变起点
No.3 [原创]初级发声3：汽泡音之练声大法
No.4 [原创]初级气息1：大家来练气吧 -----我们的气息
No.5 [原创]初级气息2：练气息要用到身体的哪些地方？
No.6 [原创]初级气息3：从生活中的动作 一步步掌握 气息
No.7 [原创]初级气息4：气息练习来啦 连绵不断
No.8 [原创]初级气息5：气息再练习 气吞山河 气贯长虹
No.9 [原创]初级咬字1：会说不一定会唱
No.10 [原创]初级咬字2：字要念清楚 才能更感人
No.11 [原创]初级咬字3：口型和面部表情
No.12 [原创]初级咬字4：咬字的发力 最重要也是最难做
No.13 [原创]初级传声：有前大就有后小
No.14 [原创]初级传声2：形成角的两条边（线）
No.15 [原创]初级传声3：用声带来唱歌
告诫朋友们:
1 声乐是需要系统全面学习的,请做好长期学习的打算,打算今天看了几行字明天就成高手的人趁早放弃.
2 单看文字教程会产生误区,最好能看视频教程,听老师的示范和讲解,避免练歪!
KTV唱歌技巧
我们平时生活中采用的是自然式呼吸，这种是下意识的，气吸得少而浅，呼气也不用控制，一次呼吸只要三秒钟左右，不能用于歌唱。歌唱的呼吸是比较深的腹式呼吸法，既气要吸到腰的周围，然后利用呼气肌和吸气肌的对抗，找到用力的支点。一次呼吸往往长达十几秒钟，歌唱的高低强弱，茚扬顿挫的变化，全*呼吸肌肉灵活有力的运动来完成。唱歌时要一直保持这种状态，声音完全由气息来控制，这就是人们说的“声*气传”。
⒈吸气
想象自己处于一个美丽的花园之中，深深地闻了一下鲜花的异香----好，这就是歌唱的吸气，这样吸气得才深。吸气要用鼻和口同时自然的进行，尽力作到平稳轻巧，柔和，不可用强制力量，不能僵，气要吸得深，不可吸在上胸和心窝处。吸气以后要有像打喷嚏之前那样短暂的一憋，体会一下腰周围的扩张，膨胀的感觉。找到这种感觉是唱歌的关键。
⒉呼气
呼气的方法就是利用横膈膜的力量把腰腹扩张的感觉一直保持住。想象自己手里拿一大瓶香油往另一个小瓶里灌时那种小心翼翼，憋住气息的感觉，呼气要均匀，舒缓。各位可以准备一张10平方大小的薄纸片，放在墙上，距离它4---6CM，吸气后保持一下，然后用口吹气使之不落地，半分钟以上便为合格。也可以代之以一只燃烧的蜡烛，对着火苗发“U”音，正确的气息是火苗倒而不灭，时间越唱越好。
⒊怎样训练横膈膜的力量
横膈膜的力量对气息的保持和声音的力度都很重要。
传统的训练方法有；
⒈数数字；深吸一口气，利用腰腹的力量保持住，从1开始数，数到60为合格。数数要均匀要有节奏，不能偷气。
⒉吹灰；深吸一口气，然后就像吹掉桌上的灰尘一样往前吹气，节奏是一慢而快，体会横膈膜的力量。
⒊多做仰卧起坐，增强腰腹的力量。
颤音
颤音是利用气息与喉结的配合，使声音产生波动感，起伏感。这是抒情歌曲中最常用的技巧之一。颤音有很多种类。如周华健的颤音幅度适中，不大不小；齐秦爱用小颤；邓丽君，张学友则以大颤见长；而日本歌曲的特点是“先直后颤”，即后唱一段直音，再开始颤，幅度有小到大，频率有慢到快，这需要功夫。很多朋友不会这个技巧，不要泄气，这完全可以练出来的。关键是气息与喉头要配合好，千万不要只用喉头，发出一种类似羊叫的小抖音。
气声
在发生时，如果气先与声出，气多声少，就会发出气声。它使歌声更柔媚，更动人心魄。邓丽君的《在水一方》第一段，林忆莲的《爱上一个不回家的人》第一段也是典型的气声唱法。
哭腔
哭腔是目前通俗歌曲演唱中最流行的技巧之一，它是再喉间和用猛然加大气息而产生的爆发力，发出一种类似痛苦的声音。张学友，周华健是哭腔的代表人物。哭腔用的好可以增加歌曲的感染力，但也不可用的太滥。
挑音
挑音是一位优秀歌手必须掌握的但往往又是最容易被忽列的小技巧。它是在字尾声音向下滑在忽然往上一挑而发出的。周华健再歌唱时挑音用的很讲究，很到位。有的歌手喜欢有大挑音，如叶倩文，她演唱的《真心真意过一生》，《明月心》等歌曲，几乎每句歌词的结尾都有一个幅度很大的挑音。
噎音
噎音是一种在喉间发出的类似哽咽的声音，港台歌手唱噎音最有代表的是王杰。王杰之所以给人一种悲凉沧桑之感就是因为他的歌声中“噎音”，“哭腔”特别多。
歌唱呼吸的三种类型
胸式呼吸：这是一种主要依靠胸腔控制气息的呼吸法。吸气时双肩上抬，只用胸部的扩张和回缩动作进行呼吸。这种呼吸法由于只用胸腔上部，即抬肩来进行呼吸，因而吸气太浅，气息的容量小，没有利用横膈膜与腹部肌肉控制气息的能力；气息保持不住，容易很快泄掉；还会引起喉头、颈肌、下腭和舌根的紧张，影响音域的扩大和声区的统一，声音缺乏应有的色彩变化，易产生逼紧、生硬的效果。
腹式呼吸：这种呼吸法主要靠下降横膈膜，用腹部肌肉控制气息，唱时胸部不抬起，只用凸肚子或瘪肚子的方式呼吸，或者呼气时小腹不但不收缩， 还向外凸出。运用这种呼吸法的人，因将气息压迫得过深，腹部膨胀，使胸腔肋骨受到压缩，失去胸腔肋间肌肉控制呼吸的能力，气息容量不大，并不能积极地对声带形成应有的压力，声音滞重不灵活，空洞、无力，高音尤为困难。
胸腹式呼吸：这是目前声乐界大多数人认为最可取的歌唱呼吸方法。它是一种运用胸腔、横肉膈膜和腹部肌肉共同控制气息的呼吸法。它的优点在于全面地调动了歌唱呼吸器官的能动作用，使胸腔、横膈膜和腹肌互相配合，协同完成控制气息的任务；由于吸气时下降横膈膜和张开肋骨同时并用，使胸腔全面扩大，气息的容量大；控制气息的能力强，呼气呼气均匀而深沉，并能对呼气气势的强弱进行调节，使声音的高、低、强、弱变化控制自如。这种呼吸法解除了胸部的僵硬紧张，呼吸支点明显，音量、音域都得以扩大，声区调和统一，声音的表现力丰富。
这儿我们还着重说明一下呼吸支点及其作用。歌唱时，我们用了胸腹式呼吸法进行呼吸，就会产生呼吸支点的感觉。所谓呼吸支点，一方面是指气息的保持部分，即利用胸腔肋间肌、腹和横膈膜控制气息的呼出，使气息呼出时均匀而有节制；另一方面是指声带支点，就是声门闭合，根据所发音的高、低、强、弱，调整呼气的压力和声带长度、厚度和张力，使有节制的呼气与声带正常的振动密切配合。
如果呼吸有了支点的感觉，那么当我们歌唱发声时，便会感到发每个音都是用气息支持的，发出的声音不但响亮、悦耳，并且具有伸缩性和色彩变化，而颈部肌肉、下腭、舌根等并不感到紧张。不论唱高、低、强弱的声音，都要有呼吸支点，也就是说，所有的声音都必须用气息来支持。当我们发声时，控制呼吸声带松紧和张力的力量应有大小变化，便不会失去呼吸支点的感觉。
那么，怎样才能产生呼吸支点的感觉呢？这就要求我们学会正确地使用胸腹式呼吸。胸腹式吸气时，横膈膜下降，使胸腔底部向下伸展，同时胸腔两肋张开，使胸腔全面扩大。此时，因胸腔和肺部扩大，外界空气即入肺内。呼气时，一方面依靠胸腔本身的弹性作用和胸腔呼气肌肉用力，逐渐将肋骨拉下，使胸腔缩小；另一方面，腹部肌肉有控制地收缩，压迫腹腔内器官向上，使横膈膜逐渐抬起（回复原来位置）。以上两种方面的呼气动作互相配合，共同控制气息的呼出。
呼吸的注意事项
呼吸时，我们应注意以下几点：
1.气息应吸在胸腔下部，不可过浅或过深（如胸腹式呼吸）。
2.吸气要柔和、平稳，全胸部自然地扩张，不能用强制的力量，否则呼吸器官各部分会产生僵硬、逼紧的感觉。
3.吸气需口鼻同时吸，快而且深，无杂音。呼气则缓慢、节制、均匀。
4.气息吸入后必须善于保持，不要一下子让气息很快泄掉，也就是说不要一下子让横膈膜与胸腔吸气肌肉放松，而要保持胸腔的扩张状态。
5.控制呼气的力量要适中，不能将气用力压住。错误地把保持气息当成紧压，用力挤压下肋和横膈膜，结果会产生沉重，逼紧的声音。
6.呼气时，上胸部要放松，保持自然的突起状态（不能僵硬），要用下胸肌和腹肌来操纵。
呼吸的方法
知道了如何进行胸腹式呼吸及注意事项后，接下去我们再简要地介绍一下线呼吸练习方法：
1.缓吸缓呼法――按照歌唱呼吸的要求，缓缓吸气，略停顿后，缓缓呼气。呼气时要均匀而有节制。注意呼吸保持部分不能有僵硬的感觉。
2.缓吸急呼法――缓缓吸气，略停顿后，急速呼气。注意呼出时腹肌和横膈膜急缩而有弹性的抽缩动作。
3.急吸缓呼法――急速吸气，略停顿后，缓缓呼气。这种呼吸法，是歌唱时最常用的一种，应经常练习。
4.急吸急呼法――急速吸气，急速呼气。
纯呼吸练习，还有多种方法，例如吸气后，长短交替呼出，如长、短、短、长、短、短或长、短、短、短、短、短、长等等。
当然，呼吸方法并不是千篇的一律的，没有两个人的呼吸方法完全相同，每个人都有他（她）自己呼吸的幅度和速度（呼吸幅度是 从吸气到呼气的全部范围），不可能完全一样。这点在练习的时候应注意。
作为一名歌唱学习者，在了解了歌唱发声器官的构造和掌握了正确的歌唱呼吸方法后还需要知道一些歌唱发声的原理。
当气息肺部经支气管、气管呼出时，喉头两声带才闭合，气息经过声门，引起声带的振动而发声。然而声带受气息磨擦振动而发出的基音是十分微弱的，没有头腔（鼻腔及鼻窦）、口咽腔和胸腔的打开状态和共鸣作用，噪音就不可能扩大和美化。音波只有在各共鸣的腔里得到调节的扩大，才能发出响亮、优美的歌唱性声音。
歌唱的声音有高、低、强、弱之分。声音的高、低是由声带振动的频率高、低决定的，声带振动频率高（即每秒一闭一合的次数多），发出的声音就高；反之，声带振动的频率低，发出的声音就低。声音的强弱则是由声音振幅的大小决定的，声带来回颤动所占的空间大，所形成的振幅大，声音就强；声带来回颤动所占的空间小，所形成的振幅小，声音就弱。
在唱高、低、强、弱不同的声音时，歌唱器官必须作出相应的调整。唱高音时，呼气压力大，声带紧张、缩短、变薄，张力相应增大，口腔内开度大，并明显地三到上部共鸣的作用。唱低音时，呼气压力减小，声带松弛、伸长、变厚，张力也相应减小，共鸣偏重在下部。唱强音时，呼吸的气势强，声音振幅大；唱弱音时，呼吸气势小，声音的振幅小。
初学唱歌的人往往只用喉部肌肉来调节声音的高、低、强、弱，唱高音就把喉咙卡紧，唱弱音就把喉咙缩小。其实，歌唱时高、低、强、弱音的变化， 是在听觉器官的操纵下面使呼吸、喉头声带和共鸣器官协调动作的结果。
人类的发声器官犹如管乐器，声带是乐器的嘴子或簧片，管子就是人的共鸣腔体。只有经过共鸣器官的共鸣，扩大了振幅、丰富了泛音，经口唇传出，才能变成我们听到的优美宏亮的歌声。这里需指出的是，有人为了获得大的音量而单纯加强呼气部力，他们以为呼气的功能越大，转换成的声能也就越大。岂不如这样一来就迫使喉头、声带处于被动的挡气状态，在强大的气流冲击下，喉头、声带都变得十分僵硬，声带处于纯肌肉操作，无法做正常的振动和调节，常常会出现憋气或漏气的现象。大量的气动能被消耗或泄掉，两片声带常常会发生不同步的振动，出现抖音或晃音。如果再用蛮力加强呼气力，声带客喉头挡不住气息的冲力，就会本能地借助喉外肌及会厌、咽喉共同捏紧来帮助挡气，这就是产生喉音、白声、喊声及鼻音等毛病的主要原因。所以这种发声法是不科学的，当人们意识不到的时候就不会自学的采用这种发声法，学唱的人应当注意这一点。
正确的发声首先要有的呼吸基础，即要有呼吸支点，喉头要稳定，声带的运动应与呼吸密切配合，适度调整。当然，要掌握正确的发声还远不止这些，例如还要求恰当地运用好歌唱的共鸣，使声音圆润、明亮，传得远，并富有力度变化和音色变化；要适度调整共鸣区，开发出宽广的音域，使声区调和、统一，声音上下走动无裂痕，行腔自如；音高、节奏都要唱得准确，唇舌、下腭的灵活自如，不能僵化，还要做到能正确、清晰地咬字吐字。如能做到以上这些，就能较好地掌握歌唱的发声技能。
著名的英国声乐大师威廉莎士比亚对于歌唱的发声曾概括了四句话：“用无声的呼吸把喉咙放松，开始发声就要落在准确的音上，像打哈欠样地唱着“啊”字，吸气好像是在激动时的模样”。虽然这四句话包括的内容还不算全面，仅指出了关于发声的某些要点，但他对如何正确地歌唱发声作了精辟的总结。总之，科学的发声方法是要使发声器官的功能得到正确发挥，养成习惯性的控制能力，使声音沿着正确的道路发展。
泛音的演奏技巧
一般来说，只有4，5，7，12品才弹泛音，而且第12品是最容易弹出来的，所以刚开始的时候可以从12品的泛音开始练习，下面说一下在12品上的练习方法：
1、按弦的方法和平常的区别：平常按弦是按在靠近品但不能超过品的地方，而且是用力的按住，用力的部位是指尖，而弹泛音的时候是按在品的正上方，要注意只是轻轻的按着，接触的部位是指肚。只要感觉到指肚的皮肤有一点点接触到琴弦就可以了，一定要轻。按好以后我们弹那根弦，只要你左手用力够轻，部位正确，不用放开左手就能出来12品的泛音。
2、接下来要做的练习是在泛音出来的瞬间，也就是右手弹完的瞬间把左手放开。这样出来的泛音就显得很饱满，有延续性，注意要多练习哦，招到感觉为止。(在左手感受到琴弦震动后立刻离开，双手几乎是同时的）
3、再用同样的方法练习5，7，品的泛音，然后是第4品的。第4品的泛音如果你能弹得很熟练的话，恭喜你，可以毕业了.
巴赫c大调前奏曲古典吉他
巴赫十二平均律之c大调前奏曲，大家不妨也用古典吉他演奏一次。下面是小编给大家整理的巴赫c大调前奏曲古典吉他，供大家参阅!
巴赫c大调前奏曲古典吉他谱古典吉他可演奏曲巴赫十二平均律之c大调前奏曲作者巴赫二十一岁时同他的叔伯二妹玛利亚芭芭拉结为伉俪，他们一共生了七个孩子，但是当巴赫三十五岁时妻子不幸离世。翌年他鸾凤再续，可是他的第二个妻子非但不能帮助抚养头七个孩子，反而又给他生了十三个。巴赫死后只留下九个儿女，其中有四个成为真正著名的音乐家。
古典吉他可演奏曲巴赫十二平均律之c大调前奏曲作者简介莱比锡时代(1723-1750)
莱比锡时期是巴赫一生中最长的一个时期，也是创作最多的时期。此时的巴赫无论演奏技巧还是作曲水平都已到了炉火纯青的地步。他在莱比锡谱写的杰作，有感人至深的《b小调弥撒》和《马太受难曲》，《平均律钢琴曲集》第二卷和体现他高深作曲造诣的《赋格的艺术》等。1747年，这位无冕音乐之王去波茨坦旅行时被另一位国王普鲁士国王腓特烈召见，并进行了即兴演奏。在座的观众无不为之折服。第二年，巴赫把这次演奏的主题加以发展，写成了另一部总结他作曲和演奏艺术的作品《音乐的奉献》。
在莱比锡，巴赫作为圣托马斯男声合唱团的指挥度过了27年，由于他长期用眼过度，巴赫视力减退，晚年患白内障失明了，但他仍用口授的方式坚持创作。在逝世的前几天，他还在口授一首众赞歌《走向主的神坛》。乐曲每一个音符都表达出老人生前最后的虔诚祈祷，最后在第二十六小节处戛然而止，成了大师的绝笔之作。
1750年7月28日夜，巴赫的一生画上了最后一个休止符，安然的走向了他心中的神坛。三天后，约翰塞巴斯蒂安巴赫在莱比锡圣约翰教堂墓地下葬。