电吉他乐队风格之死亡金属的演奏弹唱技巧

2020-01-19
电吉他演奏技巧 电吉他的技巧 吉他的演奏技巧

电吉他乐队风格之死亡金属的演奏技巧

节奏部分

1.切分:突出潜在节奏感的初衷,最终让金属乐乐队选择了切分的方法——颠倒强、弱拍的原有顺序,顾名思义,强拍通常较弱而弱拍较强。虽然吉他是制造这种效果的首选乐器,但各种旋律的相互重叠和覆盖是得到这种效果的最有效方法,所以死亡金属一般还注意了突出双低音、黑金属则突出嘈杂、爆炸般效果的鼓来完成这一效果。切分的主要作用是激活潜在的节奏来驾驭整个作品,所以也经常可以听到死亡金属中采用双低音鼓和高音感十足的镲(炸镲)来为主要的构造层次切分.

2.复合节奏:通过复杂的演奏达到增强音乐的层次感一直是各种摇滚乐队的努力方向。改变直线型的结构最简单有效的方法就是将不同的节奏分割成较小的片段,并且让它们在一个较长的时间段里互相作用、互为补充。比如较常见的以吉他做为主要节奏乐器的同时加入贝司和鼓的背景节奏。尽管死亡金属总是给人一种杂乱无章的感觉,但无论速度、音色、强烈失真的效果都没有削弱复合节奏感。复合节奏不仅使音乐更加丰满而且可以有效地表现出较深层的音乐美感,这也正是死亡金属引人入胜的地方。如果再拥有不错的编曲和错落有致的重复旋律就一定会制造出不错的音乐氛围.

3.打击乐:死亡金属的打击乐自然都是非常极端,比如飞快的速度、低沉的音质和风驰电掣般的镲。打击乐在死亡金属中占有举足轻重的位置,在很大程度上“死亡感”应归功与它.

4.织体:多层次的节奏组成了主要的织体。例如,一个和弦在飞快的演奏中本身就具有它独立的层次和节奏,当它作为主导和弦的同时,它必然会带动其他乐手的变化。这样就形成了一个个性十足又相得益彰的整体结构。但最主要的音符不过两、三个,它们只不过是以不同的面孔反复出现在作品中。

旋律部分

1.谐和音:正规的旋律一般为较传统的死亡金属乐队所采用,这是由于受到了爵士乐和早期摇滚乐的影响。所以这种死亡金属比较有亲和力和主流倾向,自然也较容易为听众接受。比较有代表性的乐队如Atheist(无神论者)和AttheGate(大门处)。

2.不谐和音:当然是指那些采用不谐和的音符创造出的旋律。这肯定会产生一种邪恶、悲哀的感觉,而这却是死亡金属乐队争相效仿的创造方法,坦率地说这种音乐才够死亡。

3.无调性:没有调性、没有根音的音乐只能是古怪的和扭曲的,再加上不谐和音的大量融入,难免给人一种找不找北的感觉,死亡金属最令人头疼、最经典的地方正是在此。

结构部分

1.循环:指的是verse-chorus-verse(主歌-副歌-主歌)这样传统的行进方式,做为标准的歌曲组成方式,它同样为大部分的死亡金属乐队采用,但无调性削弱了这种标准的行进方式,所以经常会让人对此产生怀疑。

2.叙事体:大量的Riff形成一个承上启下的有序结构,在这种情况下单一的部分往往被忽略,这样这个有序结构就起到了像“讲故事”一样层层递进的效果。也有人将此称做“Riff沙拉”。

演唱部分

1.歌唱:这里的歌唱指的是较“正常”的演唱方式。不过这种演唱方法在死亡金属中的确很罕见,优美的嗓音外加励志的歌词?不过死亡金属的这种“正常”的演唱方式多以神秘主义为,倒是别有一番滋味。

2.喊叫:硬核/朋克喊叫式演唱方法还是经常出现在死亡金属中,不过更多是在主唱由沙哑咆哮转向爆发的那一刻,比如,“啊……!”“Die(死)……!”这些“表决心”的内容。一些比较倾向于硬核/朋克的死亡金属比较多地采用了这种演唱方法,但有些清晰和单调的演唱到底不够彻底的“死亡感”。

3.扭曲:应该怎样形容这种演唱方法呢?——“烟酒过度和吃盐太甚”的劈裂嗓音或被痰卡住喉咙的哽咽感?如果这个形容还不够传神,那你可以想想Motorhead的主唱LemmyKilmeister(其实真正的死亡歌手比他要厉害很多)。按道理大家都可以低沉沙哑地咆哮,但也就一两声而已,这可是个重体力活(奉劝体力不济的千万别轻易尝试,以免发生意外),但它却是死亡金属最为普遍的演唱方式。真不知这些人的嗓子到底是不是肉长的,而这也正是死亡金属最为鲜明的招牌,没这种嗓音还真是有种没着没落的感觉。不过,一般人根本别想听清他们到底在唱什么。

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重金属节奏和弦-重金属吉他演奏教程


今的电吉他教程,我们来学习重金属吉他演奏教程的重金属节奏和弦

重金属节奏和弦-重金属吉他演奏教程

复习开放和弦

在学习强力和弦部分之前先复习下面的开放和弦。

你将遇到的许多练习,它们都是由这些基本和弦和将要学到的新和弦组合而成 的。

强力和弦

所有重金属音乐的基础是强力和弦。强力和弦是因同时弹奏所有低音弦而发出 巨大声响得名。许多摇滚乐都以E或A调(音调中心)来写作,因为这些调充分显 示了吉他的强劲低音和空弦音。

E5强力和弦

下面是含有三个音符的E5强力和弦的左手指法。

将扩音器的音量调到适中,然后左手按要求按好和弦并用右手正确地弹奏,这 时和弦的发音会显得饱满、坚定。

下面是一段基础练习。

弹奏低音弦时,要保证节奏稳定,努力使音符与音符之间的下拨保持连贯、通 顺。现在让我们加快一点速度。

要自始至终保持一致的速度,避免加速的倾向。

A5强力和弦

这个和弦要清晰弹奏有一点难度,因为它在内弦上。先用右手轻微弹拨,确保 只弹拨5、4、3弦。A5和弦和E5和弦可以同样清晰地弹奏。不过你要进行更多的练 习以使你的右手弹拨不会触碰周围的弦。

保持弹拨放松、坚定。

由于你会弹奏E5和A5了,因而可把它们放入一个进行之中(见后面的定义), 利用二分音符给你的充裕时间去准备新和弦。

在和弦更换时,不能减速,尽量用尽可能小、尽可能有效的移动来更换和弦。 尽量使更换流畅统一(声音中无间断)。

不要让这些和弦吓着你!事先要先作识读准备。保持肩膀放松!

另外一个开放的强力和弦为D5。

D5强力和弦

D5也在内弦上,是三种强力和弦中最带有拨弦声的和弦。

作这个练习时,左手的按弦姿式要保持不变。这些节奏,虽然不快,但有点难。

到现在为止,你学习了三种三个音符的强力和弦,你可能会发现这三个强力和弦的发音存在某种类似。这是因为这些和弦都只是对方的移调而已。一种移调和弦和被移调和弦之间有完全相同的指法。这就好象一种音符的排列方式被冻结, 然后被移上或移下一段特定的距离或间隔。

平行性

当你从 E5转换到A5再到D5时,你在进行平行移动。所谓平行移动是指:和弦的各个音符之间有一定距离,在和弦转换时需保持这一距离。例如,从E5换到A5时,想一下开放E弦移到开放A弦,4弦2品移到3弦2品。这种移动的平行性给予重金属音乐以力量和直接性。E5、A5和D5分开弹奏时,每个和弦的力度都很有限,但当把它们放入某个和弦进行时,它们相似的结构有力地互为加强和补充,这 就使整体比部分相加要更强烈。

和弦进行是指一组和弦按一定的要求相互连接以产生一种旋律运动。

重音和手掌弱音

你对和弦已经有了基本认识,现在让我们了解一下什么是重音。

对于吉他手来说,一个音符可以被加力弹拨来强调使其从一组音符中突出出来。 当这个特定的音符相对周围音符来说,被用更大的力量弹拨时,它就被加重了,于 是就产生了重音效果。重音在使音乐更富表现力中非常重要,它们强调了乐曲中重 要的旋律或节奏点。

练习下面的和弦进行,对用表示的和弦加重弹奏。在加重弹奏过程中,要保 持弹奏不间断及节奏不变、而且不失控是有一定难度的。你必须把加重的弹拨和你 有规律的弹拨结合起来。

还有一种能获取逼真的重金属节奏声音的右手技巧,这就是:手掌弱音。它产 生一种减弱的音响效果。通过手掌弱者你可以对所弹响的音进行必要的控制。以手 腕为支点,把右手的边缘直接放在弦桥上,在与弦桥保持接触时弹拨琴弦。

若你的右手离弦桥太近,弦将被完全消音;太远,则无弱音效果。

重音和手掌弱者经常配合起作用。若周围音符被弱音,重音则有更为显著 的效果。下面是两个和弦进行,注意重音和弦与手掌弱音和弦的对比。

原理注释:反复记号

由反复记号(11∶11)包括的一部分音乐要弹奏两遍。

八分音符弹奏

到现在为止,我们作了一些在和弦进行中用四分音符弹奏开式强力和弦的 练习。我们为带重音和手掌弱音的和弦进行增加了兴奋和活力。现在我们来学 习重金属音乐中最有用且变化最多的一种弹奏:八分音符弹奏。

两个八分音符要在一个四分音符的时值内弹奏。我们要努力掌握平稳的八分音 符弹奏。

在弹奏之前先给自己一个4拍子节奏,并逐一大声数出,同时要以4拍拍脚 (1,2,3,4),这样给予你准备的机会。

在此练习中无重音,对每个音符使用相同的力量。若你没有把握平稳地弹奏这 些八分音符的话,就先试着拍脚,并用八分音符说密西西比。

然后用匹克弹拨(与你说话配合,即同时弹奏)。

下面有三个进行,其中混合了四分音符和八分音符。

保证自始至终速度平稳,防止加速的倾向。

保证和弦音量前后一致;不要让声音变得忽大忽小。

下面有两个练习,把八分音符和你学过的所有其它音符结合起来。注意观察重 音和手掌弱音的标记。

切分音

所谓切分音,是指改变或干扰节奏、节拍及重音的正常的、原来的位置。其中一种常用的方法是加强弱拍。弱拍是指位于弹奏音符之间或处在节拍上的八分音符。在你掌握了标准音符的各种组合之后,你可以集中注意力于加强或突出弱拍的音乐。 当你拍脚时,脚抬起到最高点那一刻便是弱拍。

下面讲一下附点、连接线和休止符作为弱拍音符在音乐及乐谱中的一些表达方法。

附点、连结线和休止符

我们知道给某个音符加上附点,该音符长度将增加一半。一个2拍音符增加一半相当于3拍。一个1拍的四分音符增加一半相当于一又二分之一拍(即一拍半)。 首先,一边唱下面熟悉的旋律,一边拍脚,看一看加附点的节奏与节拍之 间的关系;然后根据脚拍弹奏这一音型。

连接线亦可用于加强弱拍。

记住,当两个音符用连接线连接时,则第二个音符不弹奏,但加在第一音符后 面持续其时值。

进行下列练习,不要加重弱拍。你会发现当你的所有弹拨都是稳定一致的时, 这个节奏的弱拍自然被加强了。

下面的进行使用了一个开放的G和弦。

若符号 从第1拍或第3拍开始,可写成 。

休止符亦可用于加强弱拍。休止符是在两音符之间插入静止。这对刻划音符或 和弦及分隔音符和和弦有帮助。

下面一个练习,表示两段相近的音乐之间的区别,一段用了连接线,一段用了 休止符。休止符防止音乐混杂在一起,使音乐产生戏剧效果,这是由于静止与声音 之间明显对而造成的。你得用右手掌根部对琴弦制音,这样它们不会在休止符期间 发音。

在有休止符的音乐中,吉他手必须真正地消除弦音。而在带连接线的音乐中, 吉他手又必须让弦音持续足够长。

总汇

在这一部分,我们将组合和同化迄今为止我们所学的所有不同技巧。除了正确地掌握所有节奏、重音、弱音及和弦转换外,你还必须利用另一资源:你的耳朵。边弹边听。努力做到客观地听。这些练习,不仅仅用于培养某一种技能或音乐技巧。它们都是音乐实体,你是否成功地弹奏这些乐曲由你对这一问题,即:它听起来象音乐吗?,的客观反映来决定。若所有技巧都到位,在此基础上,你再往 音符中投入一点感觉和注意力,你的回答将是肯定和响亮的是!

下面例子都基于重金属曲目中的精典和弦进行。

每个练习使你记起了哪首歌?

原理注释:和弦音程 在每个指定的和弦中,和弦音程是指构成这一和弦的各音之间的相互关系。例如,一个D和弦由音符D,#F和A组成。音符D被认为是1或根音,#F是和弦的第3音(因为D为2,E为2,#F为3);A是和弦的第5音。这些数字配置称为音程。在一个音程中,最基本的计量单位是半音。在吉他上相连品之间的音程为一个半音。音阶和音程按照全音、半音及全音半音组合来描述,例如:#F到A的音程为一又二分之一全音(在吉他上两个音相距3个品的距离,即小三度)。 不管音符如何分配,D永远是根音,A永远是5音。

变化音程会对声音造成很大不同。例如,你可能注意到D和弦和D小调和弦之 间的区别仅为音符:#F与F。相类似地,A和弦要变为A小调和弦只需变化一个 音符──#C变成C。

分析表明:和弦的第3音决定该和弦是大调还是小调。第3音距根音若是大3度,则该和弦便是大调和弦,第3音距根音若是小3度,则该和弦便是小调和弦。 因此你可以在知道该和弦的构成之前,通过改变第3音,而改变该和弦的大 小。这在单音符主旋律弹奏中很重要。

强力和弦与完整和弦

至今为止 ,我们学会了强力和弦E5,强力和弦只由根音和第五音组成;没有第三音。既然是第三音决定一个和弦是大调和弦还是小调和弦,而强力和弦却没有第三音,所以它既不是大调和弦也不是小调和弦,但它可以被当作大调和弦或小调和弦来使用。这样使得你从小调和弦歌曲轻松地跳到大调和弦歌曲而不用学会一 套新的和弦。

然而,有时你想用和弦给全部乐曲一种明确的大调或小调(强力和弦在大、小 调上不明确)

下面是迄今为止你已学过的开放强力和弦的完整部分。

从这些和弦中你可以看出,强力和弦实际上只使用了完整和弦的低音弦。将强 力和弦与完整和弦放在组合中使用,你能发现,强力和弦吵闹压抑的音质与大调、 小调和弦更高、更悦耳的音质形成鲜明对比。

当然,当你弹奏大调或小调和弦时,你仍可弹奏强力和弦;它们包含在新形式 之中。当你需要强力乐曲时,右手匹克的弹拨要有选择性:只弹奏和弦的低音 弦。

下面是将强力和弦与大调、小调和弦结合在一起的和弦进行。

在标有PM(手掌弱音)的地方,只弹奏强力和弦(即和弦的低音三弦);在 和弦加重音的地方弹奏完整和弦。

下面在朱迪斯普里斯特的你得到了另一件东西里说明另外一种使用重音 和手掌弱音的常用方法。注意手掌弱音与重音。请体会:响亮的高音符之间的对比 如何真正地加强了小调和弦,给予小调和弦以断裂或刺激。

这是重金属吉他中使用最广泛的音乐之一。练习上述进行,直至对所有技 巧及风格有熟练的掌握。

摇滚音型:5到6

我们用了很多时间来发展右手的灵活性。右手的动作必须协调才能产生良好的 声音:节奏平稳、扎实的匹克弹拨、重音、手掌弱音、选择弹弦(只弹属于该和弦 的弦)和重音匹克弹拨。除了更换和弦,左手保持固定。

当我们进入连复段,左手会更加活跃,通常和右手匹克弹拨同步活动。这个技 巧实际上并非重复,而是引进了和弦中的左手移动。这是一种精典节奏吉他音型, 起源于布鲁斯音乐,从兰德占坡林到枪和玫瑰每人都使用。这便是:八分间 符摇滚音型。

这是一小节E中的摇滚音型。在E5和E6之间来回转换时应保持第1手指固 定(持续按弦),只移动第3指。

在A5和A6以及D5和D6之间转换时均如此。

下面是所有摇滚进行的老祖宗:12小节布鲁斯。实际上现在每个摇滚乐 队都至少有一首歌用到了这个进行的一些形式。

下面是枪和玫瑰的妈妈金(安若史密斯也录制过),其中有E5和 E6的典型使用。请注意新和弦B5,我们马上就要讲述它。

和弦推移

勿庸置言,并非所有的摇滚乐都是E、A和D调。也并非所有的E、A和D调 的歌曲都仅用三个和弦。通过学习和弦推移的原理,你便能够弹奏任何调的任何和 弦。

下面是两个可推移的强力和弦指法。因为它们不使用空弦。所以可以用同一指 法作上下移动,这样就能获得许多不同调的强力和弦。

在第2品上,结构Ⅱ使我们得到B5和弦。

保证所有三个音符都发音清晰;不让任一弦有杂音或声音减弱。

虽然B5和A5的指法差别很大,但是B5的每一弦比A5的每一弦恰好高两 品。

可动和弦结构为我们带来了很多方便:更换和弦时,只要在保持和弦形态不变 时用手沿琴颈上下移动。例如, 若你想弹奏C5,你可以将B5移上一品。C比 B高半音,一品相当于1个半音。按B5的手指不抬起,沿琴弦滑动,现在你1指 在第3品,3、4指在第5品。

为了方便识读,3品以上的和弦可这样表示:

下面是四个重要的和弦进行,它们均选自著名的摇滚歌曲。这里所用的和弦都 是你学过的。注意:罗马数字表示该和弦所在的把位。

吉他教学——吉他演奏与弹唱技巧


真正的吉他高手看着吉他谱就能弹奏,不会有任何迟疑,只需要看看谱子动动手指。看似轻而易举的动作,实则有很多技巧在里边。很多吉他教学课程上都会有所讲解,下面为大家总结了吉他演奏与弹唱时的技巧,仔细研读定有收获。
(1)好的持琴姿势
初学吉他的人很难理解姿势正确与否的重要性,所以弹奏了几年以后技巧就停滞下来。手和身体的姿势对于提高演奏技巧是非常重要的,正确的姿势才能使人感到舒服和放松。
每天练琴之前,必须利用一些时间来摸索能适合自己身长的手指特点的演奏姿势,而不是盲目模仿别人的演奏姿势,每个人的身高和手指的大小都是有区别的,这点必须注意。
(2)进入练习的第一步
多数演奏家每天开始练习时,都是先做一下活动手指的技巧,也就是“手指体操”。这样的练习方法对手指的灵活性很有好处。开始要用慢速而坚实的音来练习,注意每个指间的运用和连接以及音色、力度等。专门为了活动手指技巧的练习曲是容易找到的。
(3)音阶练习
音阶练习是解决两个手的配合和提高技巧最好的手段。练习时要注意持琴姿势、触弦、音质、音色、音的流畅、音的强弱、节奏的长短和圆滑音等技巧。
弹奏音阶是怎样保持左手指法的严密连接和不间断地依此相随是很重要的。右手个指用力的程度要尽可能一致。左手的运指方向要注意横向和纵向的流动。左手指的换弦、换指、换把位必须要有提前的准备动作。
要想获得快速流畅的音阶弹奏技巧,首先必须放慢速度来练习,只有在放慢速度的情况下,才能对每一个细节都不放过。单纯的追求快速而不讲究音准、音色的控制是不可取的。
音阶的练习方法可分为几个阶段来进行。在一个固定的把位上(如第一把为)反复练习。其次,可以进入塞戈维亚的24个大小调音阶练习,但是不要一开始就把24个音阶全部拿来做同样的练习,最初仅用C大调和A小调音阶,指法的连接和换把位完全熟练后,再投入所有的音阶练习。同时,也可以自己把音阶划分成各种形式(如各种各样的节奏、节拍、强弱、圆滑音等)来进行圆滑音练习是提高左手指技巧最好的手段。
(4)分解和弦练习
音阶练习之后,就可以进入分解和弦的练习。分解和弦是吉他音乐中最常用的基本手法,主要的技巧在与右手,右手弹奏的力量不是来自手腕、手臂,而是来自手指间的各种组合动作。这种动作不同于通常的手指工作,这时的手指必须适应所弹奏的和弦诸音。
专门为吉他训练的分解和弦技巧练习的内容非常多。索尔、朱里亚尼、阿古亚多、卡尔卡西、塔雷加等都有很出色的分解和弦练习曲。最好有系统性、计划性地进行练习。同时,也可以找一些带有分解和弦的每一乐曲片段,这样可以更多的了解音乐作品。分解和弦的弹奏是一种复杂的、头绪繁多的动作,在过去很多教材中,拇指的应用有些过分随便的情形。
因此,进入高级阶段时,感到吃力的人非常多,其原因就是没有把拇指的止弦弹法和勾弦弹法作有系统的练习。练习分解和弦最重要的是注意拇指和其他指的组合动作,特别是每个音的强弱控制,拇指的止弦弹奏必须能够在分解和弦的流动中得到充分的发挥。
(5)其他的练习内容
以上的技巧全部练习后,再有计划的选择有个性的练习曲,最后,练习你自己保留曲目,重点可放在不太熟练的曲目上。困难的乐句、乐段要放慢速度反复练习。
(6)丰富的音乐表现
一切技巧都不过是手段,音乐作品的内容得到充分的表现才是目的,有了清楚的目的,演奏者就能追求它、达到它,在自己的表演中体会它,这一切本身就是“技巧”问题。所以要尽力来理解音乐的内容,然后再根据自己的技巧和风格,由浅入深地选择适合自己表现的曲目。最后要说的是,争取多听各种优秀作品的演奏会,包括各种乐器的独奏、室内乐、交响乐以及国内外吉他演奏家演奏的唱片、盒带,这对提高自己的古典吉他演奏技巧很有帮助。

拉丁风格的乡村音乐如何演奏


和很多扎根很深的音乐一样,乡村音乐其实并没有你想象的那么纯正。你拉丁对乡村音乐的影响可以追溯到19世纪,那时西班牙的乡村乐手带着他们的西班牙吉他到Hawaii。在Hawaii吉他演奏发展之后(现在RyCooder和DavidLindley等依然使得Hawaii吉他在主流音乐中保持活力),它开始混合更多的传统的乡村音乐元素。从MartyRobbins时代1959年的ElPaso,到70年代FreddyFender的西班牙乡村曲,到墨西哥流派的无数的现代唱片,拉丁音乐其实已经影响乡村音乐很长一段时间了.

这个月的关于拉丁风味的曲子在古典的西班牙吉他上弹奏效果会非常好,但是由于有很多高把位的弹奏,我还是选择我的电吉他,这样可以让我弹起来更像ChetAtkins而不是象WillieNelson那样。第1小节实际上ChetAtkins赖以成名的是连音奏法,可能还会让你想起AlberLee,特别当是你考虑在滑弦时的双休止时。当你上行并且换弦的时候,特别要注意发音的清晰.

第2小节在前面听到3度音的基础上的补充了6度音。但是在3小节中,3度音出现的更多,并且那里有双音弹奏,我希望你能认识这一点。另外,当你弹奏第3小节前面部分的时值为4分音符的三连音时,尽量和你开始时一样保持激情。在第3小节的后半部分听起来要稍微平直一点。请注意那个断音,意思是短促并且是分开的,这种技术可以产生墨西哥钢管乐的效果。注意到第6小节结束,3度音是怎样使用的。3度音的介入,特别是当弹出和调外音时,听起来真的很有墨西哥风味。不要担心你在公众面前弹奏这些东西,他们并非是陈旧过时的东西

拉丁音调

在理论上说,除去个别的半音,以E大调音阶为例,B7和弦内音,加上E的属和弦就构成了B混合里第亚调式。在第7小节我们可以听到B混合里第亚调式(C音是一个过渡音,用来连接B音,正好这个B音是E和弦的5度音。3度音则是在第8小节。请记住,大3度音永远都对调性起到进一步的强调作用。这是一个醒目的标记,你自己体会。第9小节从6弦7品的B音开始弹奏一段音阶,直到B的高八度音为止。你的学习理论也许会知道B-B的音阶在E大调中叫做B混合里第亚调式。

不管这是什么,你必须认识到伴奏对于你的感受有非常大的影响。这里是简单的E大调音阶,以主音(I)和弦作为伴奏,从5度音开始弹。你感觉到了吗?不管怎么说,在B音后弹奏的是C#,这个音比我预期的高8度音。这个就是8度替换,这种变化给这个乐句增加了一些让人奇怪的东西。当然,还有更让人感兴趣的东西,那就是相邻音的紧挨在一起。C#音降一个全音就是B,这个音紧跟着和它相差一个半音的Bb。围绕一个目标音弹奏是Belgian爵士吉他手DjangoReinhardt常常使用的方法。但是我必须强调,它更有西班牙风味.

第10小节还是要保持原来的顺滑的动作,看上去都很活泼,对吗?这种流畅的弹奏我们称为连音奏法,这个和我们说的断音正好相反。想想看爱和恨,和平和战争这类的东西你就明白了。把这两个相反的技术混合着用在你的吉他上,你能感受到所有的情感.

第10小节我们看到一个ChetAtkins型的空弦弹法。在研究第11小节前,我们先看看前面已经熟悉的6度音。也许你注意到了,和前面我所教的有6度音的课程相比,这里我选择了在相邻的弦上弹(6度音,在大部分的吉他段子中,都是在间隔的弦上弹的,如第1弦和第3弦,第2弦和第4弦)。你会发现在12小节也是采用了间隔弹奏的方法.

第13小节是blatant吉他露一手的时候了,如果你是技术一般的吉他手,琶音也会使你在普通的听众面前象一个音乐演奏名家。我是认真的.

第14小节用一些b5音来和听者开玩笑。我们都知道,5度音是两个和弦之间最好的解决,但是,b5却是加强了矛盾。当你知道我们不弹B7而是要弹B混合里第亚调#4音的时候,你也许会觉得很有趣。在17小节,我本能的回到了随意的solo中来。这样和和弦伴奏更加接近,当然除了在23小节部分的那些Chet型的弹奏外.

最后,我想你也许喜欢我用来记录原声节奏吉他节奏型的草稿。我把它们放在了例2和例3里面。要随意的,但是稳定的弹.

泛音的演奏技巧


一般来说,只有4,5,7,12品才弹泛音,而且第12品是最容易弹出来的,所以刚开始的时候可以从12品的泛音开始练习,下面说一下在12品上的练习方法:

1、按弦的方法和平常的区别:平常按弦是按在靠近品但不能超过品的地方,而且是用力的按住,用力的部位是指尖,而弹泛音的时候是按在品的正上方,要注意只是轻轻的按着,接触的部位是指肚。只要感觉到指肚的皮肤有一点点接触到琴弦就可以了,一定要轻。按好以后我们弹那根弦,只要你左手用力够轻,部位正确,不用放开左手就能出来12品的泛音。

2、接下来要做的练习是在泛音出来的瞬间,也就是右手弹完的瞬间把左手放开。这样出来的泛音就显得很饱满,有延续性,注意要多练习哦,招到感觉为止。(在左手感受到琴弦震动后立刻离开,双手几乎是同时的)

3、再用同样的方法练习5,7,品的泛音,然后是第4品的。第4品的泛音如果你能弹得很熟练的话,恭喜你,可以毕业了.

弹唱技巧


弹唱技巧
一)
歌唱的姿势
歌唱的姿势分站立式和坐式。
一.站立式:
练习歌唱,首先要有正确的站立姿势。正确的站立式是正确呼吸与正确发声的基础。但它又很容易被初学者忽视。比如:
有人在呼气发声前为了放松,而全身向下坠着,造成胸部塌陷,腹部凸出;
另外,有的人在歌唱时站姿为\"稍息\"式。这些其实并不是唱歌时需要的放松,它并不是一种自然、积极、精神饱满的歌唱状态,反而使歌唱者处于一种松垮、拖拉的状态,试问又怎么能热情地去歌唱呢?再比如:有的人歌唱时低头看谱,这样不仅压迫了胸部,而且使颈椎不能伸展。要知道,歌唱时诸如夹肩、
凹胸、挺肚、伸脖、歪头、眼望天等的形态和习惯,都会直接影响发声各器官的功能及各器官间的协调,从而导致错误的发声。

正确的站立姿势应是:身体自然站立,精神饱满,情绪积极,胸部自然挺起,小腹收缩;
双足稍分开呈八字形或一前一后,距离约与肩同宽;
重心略向前,颈椎与腰椎伸展;额头稍向前倾,下巴放松并略向后收,两眼平视;
双肩放下并微向后张,脸部肌肉不要紧张;要感觉小腹与眉心仿佛成一直线,尽量解除一切不必要的紧张状态。如果你重视歌唱时正确的站立姿势,并认真去做,定会受益匪浅。

二.坐式:
坐着歌唱时,上身的姿势与站立时的要求一样,但注意腰部要挺直,不要靠在椅背上,两腿自然弯曲、分开,两脚落地。两腿不要交叉叠起,否则会影响气息的通畅。看谱歌唱时,要求两手拿着乐谱视唱。划拍时,左手持谱,右手轻轻划拍。

总之,歌唱时姿势要正确、自然、美观,以不妨碍整个发声器官的正常活动及有利于歌唱为标准。

(二)歌唱的呼吸

呼吸是歌唱的原动力。人在平静时,吸气与呼气的时间大体上相等,吸气量小。在说话时也是随时将气息消耗掉。但在歌唱时,呼气的时间要比吸气的时间长得多,所以吸气一定要饱满。在歌唱时,呼气要尽可能地保持长一些时间,气息均匀、平稳地流出,使气息化为声音,并能达到自如地控制声音的强、弱、长、短的目的。

古人云\"善歌者必先调其气\",当今中外歌唱表演艺术家也都非常重视歌唱的呼吸。有人称\"歌唱艺术就是呼吸的艺术\",此提法虽有些片面,但却说明呼吸在歌唱中的重要性。歌唱时的呼吸与平时的呼吸有很大的区别,它是一种特殊的呼吸方式。

一、怎样吸气:
歌唱吸气时,要求用口、鼻同时吸气,到肺叶底部。以心窝下的腹壁为中心,胸腔下部四周向外扩张(两肋感觉明显),横膈下降,胸腔底部向下伸展,整个胸腔扩大,小腹收缩。歌唱时的吸气比平日下意识的吸气其程度加深了,横膈膜下降和胸腔的扩张,造成吸气量增大。这样,就使横膈膜掌握了呼吸的主动权,并和腹肌共同完成控制气息的任务。这是一种有意识的、积极主动的吸气。

二、怎样呼气:
呼气发声时,必须保持吸气时的状态。由于呼气开始时,肋骨本身的重量和横膈膜回升的弹力,都在帮助呼气肌肉群作压缩运动,如果发声时,吸气肌肉群突然放松,那么气立即就泄掉了,发出的声音就失去气息的支持了。学员经常感觉唱歌时气息不够用,主要就是由于这个原因。因此,歌唱发声时,要保持住吸气时的状态,即保持胸腔四周与横膈膜的扩张状态,以后腰为基点,支持歌唱发声,感到声音好象\"落\"在气上,由气\"托\"着,或者说声音唱在\"气\"上。同时,要保持微微挺胸(平时呼气时是塌下的),小腹为了保持肋骨的扩张和胸部的微挺状态而收紧。在呼气肌肉群毫不放松的情况下,让气息缓慢、均匀而又有节制地呼出。由于呼气肌肉群和吸气肌肉群始终在同时工作,即产生对抗,形成一种歌唱的气势,造成胸内有压力的气柱,使呼出的气息具有一定的力度,亦使发出的声音具有力的素质,这就是常说的有控制的发声,我们把歌唱时的呼吸法为胸腹联合呼吸法
三、要注意的问题:
如果吸气时肩部耸起,即锁骨明显上移,则只能利用较少的肌肉上提肋骨来扩展胸廓,吸气量很小,得不到横膈膜的强有力的支持,只能借助于颈部的肌肉等来帮忙,极大地影响了音质,造成气流不畅、声音发抖、不能聚拢,常造成脸红脖子粗的现象。长期这样唱歌,会过渡疲劳,引起上胸的疾病,这种呼吸法因而不能为歌唱所用,我们称它为浅呼吸法。当我们在运用胸腹联合呼吸法时,不可将气吸得过于饱满,以免造成肌肉过份紧张和使声音失去弹性,从而干扰发声,呼气发声时,应注意避免控制得过死,而把气闷住,因此,应该在不断的呼吸与发声的训练中去体会吸气与控制气息的适度感,使发出的声音均匀、平稳、流畅和持久。

不再犹豫电吉他演奏


一旦决定乐器吉他之后,不再犹豫地在这条路上走到黑吧。下面是小编给大家整理的不再犹豫电吉他演奏,供大家参阅!

不再犹豫电吉他谱电吉他曲不再犹豫谱曲

黄家驹出生在香港的一个劳工家庭,他在家中排行第四,有一个哥 哥、两个姐姐和一个弟弟。Beyond乐队成员黄家强是黄家驹的弟弟。

1992年,黄家驹获得香港新城电台颁发的作曲人奖;同年,黄家驹与Beyond 成员一起转投华纳唱片,并将音乐事业的重心转移至日本;在日本的发展期间,Beyond推出了两张日语专辑以及三张日语EP,不过成绩平平 ;此外,黄家驹在日本接下了很多演艺工作,其中包括参与录制游戏节目 。

电吉他曲不再犹豫乐队

1990年,出演喜剧电影《开心鬼救开心鬼》,并为电影创作、演唱主题曲《战胜心魔》以及《文武英杰宣言》 ;此外,他们还为爱情电影《天若有情》演唱了插曲《灰色轨迹》;之后,他们举办了澳门万人劲Rock音乐会;9月,发行的粤语专辑《命运派对》获得白金唱片奖,专辑中 的歌曲《光辉岁月》和《俾面派对》分别获得第8届十大劲歌金曲奖和第13届十大中文金曲奖 ;10月,发行首张国语专辑《大地》;同年,成为香港世界宣明会的代言人 。

1999年3月7日,举办Beyond 2000演唱会

;8月,在台 北市立体育馆举办夏日音乐高峰会;11月,发行专辑《Good Time》;12月圣诞节举行Good Time演唱会并宣布暂

流行歌曲演唱的风格与技巧


流行歌曲的演唱讲求个性,歌星们在声音上的差异之大,演唱风格之多样,使得我们无法像在“美声唱法”中那样将其划分为几个声部(男高音、女中音等),即便是用“声线”这个时下非常流行,却又是莫名其妙的万能术语,也还是难以一一描述清楚。但我们还是可以根据其渊源以及发声特点、演唱风格归纳出几种典型的“唱法”。

“低吟唱法”(Crooning),形成于30年代。那个时候,许多酒吧、舞厅、夜总会里添置了电子扩音设备,歌手们开始对着“麦克风”(话筒)唱歌。“低吟唱法”就是在这样的背景中产生的。由于话筒的扩音作用,歌手们不必像歌剧演员那样竖着嗓子吼,也不必像有些民族歌手那样横着嗓子喊,他们只须用说话般的音量轻轻哼唱,众多的听众同样可以听得真真切切。一些非常细致的艺术处理方式,如一声轻微的叹息、一个小小的停顿,都能被纤毫毕现地展示出来。

早先的“低吟”歌手都是有着一定的美声基础的男中音或男低音。中国听众非常熟悉的平.克劳斯贝便是第一代低吟歌手。三四十年代“低吟”歌手演唱的抒情歌曲和爵士乐风格的歌曲是当时澈地歌曲的主流。50年代后,随着“摇滚乐”的兴起和民谣的复兴,流行乐坛不再是“低吟歌手”的一统天下了。但是“低吟唱法”并没有就此消亡,作为一种演唱方法,“低吟”对后来所有流行歌手的演唱产生了深远的影响。话筒的运用,声音的控制,旋律线条的连贯圆滑,歌词语气的表现,微颤音和气声运用等流行歌曲演唱的基本技巧在“低吟”中已经发展得相当成熟了。

民谣在世界各地的流行歌曲中都占有重要的地位。民谣歌手用“本嗓”演唱,与“低吟”相比,这种唱法一般不刻意追求声音的圆润和共鸣,音色扁平、自然,强调吐字的清晰和口语化。鼻音在“美声”和“低吟”唱法中都是很忌讳一个毛病,然而许多民谣歌手(如约翰.丹佛、鲍勃.迪伦)却喜欢使用带有浓重鼻音的演唱方式,这种鼻音具有独特的抒情色彩,尤其是在演唱平缓的叙述性歌曲时,会产生一种亲切自然、富有磁性的魅力。民谣还经常采用重唱的形式,主旋律往往放在中低音声部,而高声部的伴唱常用轻柔透明的假声来演唱,因而假声也是民谣演唱中的一个重要特征。

民谣唱法不仅限于民谣歌手,也包括一些摇滚歌手。如著名的“披头士”的大部分歌曲都是用民谣风格演唱的。

民谣唱法代表了流行歌曲演唱中平实自然的一面,而美国黑人歌手则使得流行歌曲的演唱增添了华丽的色彩。

美国黑人歌曲的渊源可上溯到奴隶制时期的田间号子,此后又陆续出现了灵歌(Spiritual)、福音歌(Gospel)、布鲁斯、索尔(Soul)等声乐体裁形式。黑人歌曲常采用一领众和的演唱形式,领唱者用呐喊、尖叫、抽泣、呜咽、滑音、颤音、假声等富于装饰性的演唱技巧,常常能将一些简单的旋律片断即兴演绎发展成极富感染力的毕彩乐句,产生出动人心魄的艺术效果。

富有激情和即兴装饰是美国黑人歌手演唱艺术的灵魂。许多摇滚乐歌手(尤其是硬摇滚和重金属摇滚歌手)的演唱风格也是由这种唱法衍生发展出来的。只不过摇滚歌手大都比较强调其嘶喊爆发的一面,而缺乏那种细腻的装饰技巧。

爵士乐出现后,美国黑人歌手又创造出一种高度炫技性的演唱方式。在与乐队的即兴交流中,他们用一些没有具体含义的衬词唱出各种复杂多变的节奏型(称为Scatting)或用人声来模仿爵士乐队中的各种乐器的音响(称为Vocalese)。

80年代兴起的饶舌乐(Rap,以急速的节奏念出歌词)在一定程度上也是这些高难度的人声表现方式的延续。以上介绍的是流行歌曲的几种比较典型的演唱风格。在千变万化的流行歌坛上,绝大部分的歌星并不固守某一种“唱法”,而往往是在这几种基本演唱风格的基础上,根据其自身的声音条件和特点并结合歌曲表现的需要,加以变化融和,从而形成自己独特的演唱方法和艺术风格。


音区与音色

人声音区的各个部分有着不同的色彩:高音区明亮,中音区柔美,低音区沉厚。流行歌曲的演唱通常也是遵循各音区的自然属性,发挥其自身的表现作用。但有时也会根据歌曲内容表现的需要而改变各音区的自然色彩。如《一无所有》的旋律常在高音区徘徊,但在演唱时却应该将音色处理得暗一些。倘若一味强调高音区的高亢明亮,就难以表现出歌曲中所蕴含着的那份执著和抗争。

流行歌曲的演唱追求的是本色自然,但许多初学演唱的人在一开始的时候并不能找到自己的“本色”,而往往是模仿录音带上自己喜欢的歌星的声音特征和发声方法。

流行歌坛中有许多嗓音嘶哑嘈杂的歌手,以至于引起这样的误解:只有沙嗓子才能当歌星。事实上,流行歌坛中的甜美圆润的歌手并不比沙嗓子的歌手少,只不过是沙嗓子的歌手因其音色的独特而更为人们所瞩目罢了。

对沙嗓间的崇尚并不是流行歌曲演唱中所独有的审美指向,在各国的民间音乐,尤其是我国的戏曲中,沙哑音色早已是习以为常的一种表现手段了。问题的关键并不在于音色的沙哑上,而是这种音色所能表现的情感的力度和深度。当人的情感达到极端状态时,常会伴随出现嗓音的沙哑。这种音色有时也会与某种特定的审美意象相联系:粗犷强悍的阳刚美,饱经沧桑的成熟美,这些都理颇具偶像魅力的。此外,流行歌曲中常见的反叛、挣扎、调侃和嘲讽等内容也适合于用沙哑的音色来表现。

嗓音沙哑的歌手在演唱不同类型的歌曲时,会对音色稍作调整,以适合歌曲的表现需要。如罗大佑唱《超级市民》时声音偏“破”偏“炸”,唱《痴痴的等》时偏“哑”偏“压”,而《沉默的表示》就干净柔和了许多。

每个人的嗓音都有其特定的音色。尽管这种音色有一定的伸缩性和可塑性,但嗓音的调整改变是有限度的,超出了限度,就会引起发声器官的疲劳。时间长了,还会引发病变。有许多声音甜美的歌手就是因为盲目模仿沙嗓子而毁坏了声带。断送了自己的艺术前程。

假声与气声

所谓“假声”是指演唱时通过有意识的控制而只使部分声带发生振动所发出来的声音,这种声音比由整个声带都振动的“真声”要高要弱,而且音色有一种晶亮透明的感觉。

大部分流行歌手(无论男女)是用真声演唱的,以获得一种自然、亲切、贴近口语的风格。有些女歌手(如齐豫、黄莺莺)在演唱音域较宽、艺术性较强的歌曲时则以假声为主的。男歌手在演唱伴唱声部时常用假声,如美国的“西蒙与伽芬科尔”重唱组中的伽芬科尔,和台湾“优客李林”重唱组中的林志炫等。这也是乡村音乐风格重唱的一个重要特征。但像“摩登谈话”(Modern Talking)中的主唱那样的纯用柔美的假声来演唱的男歌手是不多的。

发出优美的假声的关键是要有比较高的发声位置,在运用假声时要注意真假声之间衔接转换的光滑流畅,不能有断裂。一般说来,假声比较缺乏力度,但在必要时也可将假声转换成一种半真半假、半嘶半哑的叫喊。许多重金属摇滚乐歌手就喜欢用嘶哑的假声来演唱。

假声还可以作为一种修饰声音的方法,将真假声结合在一起的“混合声”能产生一种柔和、细腻、略带飘渺的艺术效果。比较一下童安格与屠洪纲演唱的《生命过客》,前者是用纯粹的真声,而后者用的是介于真假声之间的音色来演唱的。刘欢和齐秦演唱的《大约在冬季》也有这样的区别。

童安格的《忘不了》、伍思凯的《特别的爱给特别的你》所使用的真假声间的突然转换,朱哲琴的《一个真实的故事》结尾处用假声演唱的华彩段,都是流行歌曲中常见的假声应用方法。惠特妮.休斯顿的《所有的爱都留给你》中先用温馨的混合声在中低音区轻轻吟唱,然后用挺拔高亢的真声将歌曲逐渐推向高潮,及至歌曲的最高点,突然改用极柔美的假声。这是在演唱中运用真假声的转换变化来表现起伏跌宕的情感的一个优秀的范例。

国内常有所谓的“气声唱法”。其实“气声”并不成其为一种“唱法”,而是一种声音运用技巧。气声本无语格调高下之分,关键是不能滥用。若能抓准时机,运用得当,可以起到画龙点睛的作用。如美国歌星莱昂纳尔.里奇演唱的《你好》(Hello)在副歌处先是用激昂的声音反复铺陈,最后用气声轻轻送出一声“I love you”,很有表现力。台湾的邓丽君也是一位十分善于运用气声的歌手,与气声类似的还有“泣声”和“破音”。运用时也必须非常的谨慎。

“泣声”就是在歌声中掺入一些抽泣、哽咽的成分。包娜娜演唱《掌声响起》中“我的眼泪忍不住掉下来”的“掉”字上就非常得当地加了一点“泣声”。玛多娜唱过一首《这里爱情不复存在》(Love is not here any more),从头至尾“泣声”不绝,但在具体处理上很有层次。先是轻轻抽泣,然后从呜咽到放声痛哭,直至泣不成声。流行歌坛上还有一些被称为“催泪人”(Tearjerker)的歌手,如美国的埃迪.费谢(Eddie Fisher)、汤姆.琼斯(Tom Jones),他们的声音中总是带着一些“哭泣”。张学友和潘越云也善于在演唱时运用“哭腔”。以强气流冲击声带所造成的“破音”也是一种很有表现力的声音装饰技巧,刘欢演唱的《我心中的太阳》最后一句中的“我”字上就用了一点。


摇摆

流行歌曲的伴奏部分一般都有一个打击乐器和低音乐器提供的基本节奏,这个基本节奏往往是比较稳定而鲜明的,而演唱者通常会在这个伴奏节奏之上对旋律的节奏作一些细微的伸缩变化,以打破其律动的方整性。这种处理称为“摇摆感”(Sense of Swing)。

在长音之前常往后拖一拖:

《故乡的云》
有时又往前赶一赶:

《痴痴的等》

各种大拍子的连音(如四分音符的三连音)也是形成这种节奏变化的常用手段:

《无尽的爱》(Endless Love)

经常使用切分节奏是流行歌曲的一个重要特征。欧美流行歌曲中经常会出现长时间的连续切分,使伴奏中的基本节奏与声乐主旋律之间形成错位,造成一种“悬浮”的效果。

如“比吉斯”小组(Bee Gees)演唱的《你的爱有多深》(How Deep is Your Love):

还有的歌曲中运用了许多细微的切分节奏,能产生一种独特的韵律。如美国歌星迈克尔.杰克逊演唱的《拯救这世界》(Heal the Worle):

华彩

华彩是演唱者对歌曲的基本旋律进行即兴装饰变化的一种手段,在民间歌曲、古典美声歌曲的演唱中都很常见,在流行歌曲,尤其是爵士风格的歌曲中,更是一种十分重要的表现手法。

电影《监狱枭雄》(Unchained)中有一段器乐演奏的配乐,其中的一段旋律是这样的:

“棒小伙”(Righteous Brothers)演唱组唱的《锁不住的旋律(Unchained Melody)是将这段旋律填上歌词而成的。他们在演唱时用旋律华彩的技巧来加以润饰,这段旋律就变成了这样:

电影《保镖》中的插曲《我将永远爱你》(I Will Always Love You)原先也是一首纯朴的乡村歌曲,惠特妮.休斯顿在演唱时加入了许多花腔,使歌曲变得华丽奔放:

花腔还时常作为一种“变奏”手段,在乐句或乐段重复时使用,以使音乐获得更大的发展动力,就像台湾歌星杨庆煌演唱的《会有那么一天》中那样:

有时花腔还可作为伴唱,与未经装饰的旋律原型同时陈述。下面是英国歌星罗德.斯蒂沃特演唱的《航行》(Sailing):

歌曲的结尾处也是展示花腔的好时机,如美国黑人歌星阿隆、奈维尔演唱的《无需知道太多》(Don\'t Know Much)的结尾:

华彩需要高超的演唱技能。歌手必须对于真假声转换、颤音、顿音和快速的旋律跑动等高难度技巧都能驾驭自如。华彩还需具备即兴创作旋律的才能。这种创作并不是毫无根据的凭空捏造,而是以歌曲的旋律走向、和声框架、情绪发展和艺术风格等因素为依据的。就其本质而言,华彩是歌手在处于高度激情状态中的一种下意识的表现,而这种表现的成败优劣则取决于歌手平时的艺术感觉、修养和积累。

电吉他教学——音乐风格的驾御能力


电吉他是一种高科技与艺术的完美结合,而且电吉他教学相比木吉他教学加入了类似于乐队等不确定因素,因此想要学好电吉他也不是件容易的事。我常看到一些人说自己又翻弹哪位大师的曲子原版了,谁谁谁的sweeping好快了,谁的速度200几了。
遇上以上的这些情况,那么恭喜你已经对电吉他这种乐器感兴趣了,对这种乐器的一部分属性有了认识,但这些却不是电吉他的全部,那我问你几个问题。
1、你会弹伴奏吗?
请不要笑,电吉他是现代科技的产物。那么它做出来的音乐其实就是现代音乐,现代音乐充斥着电子方面的东西。而且现代音乐的节奏多样化、和声学,以及音色其实都具有了新时代的意义。
你能否为一首歌很快找出一些很合适的节奏,让人耳目一新,这可是直接决定了你能否弹好金属这种风格。特别是现在的新金属风格,节奏的应用比以前更多样化。如果你不会弹节奏,就算你 solo弹得再好也白搭。
还有和声的应用,你懂7和弦,9和弦的用法吗,你能为爵士这种风格的歌曲伴奏吗?如果还不能,那你得补补这方面了,不要成天编个歌就用几个三和弦。另外大师的曲子为什么好听,除了听他的主奏外,伴奏上也豪不含糊。听听john petrucci的曲子,vai等大师的曲子,你就会发现伴奏和主奏同样重要 !
2、你创作力好吗?
弹了两年的吉他我就开始创作了,其实应该是从刚弹吉他就开始创作。电吉他这种乐器不象古典吉他。电吉他的音乐生命在于创作。那些翻弹曲子的人就算弹得再原版,充其量就是展现了自己的基本功过硬,练琴练得多。比如网上的台湾吉他手jerry c弹的卡农。可以看出他的弹吉他技术不错,但他是不是个优秀的吉他手就不得而知了,也许是,但网上那段视频绝对反映不出来。
3、你对音色的把握好吗?
你知道哪种音色适合那种弹奏方式吗,我告诉你没有绝对意义上的坏音色,只有不会把握音色的吉他手。
4、你的solo人性化吗?
先说说速度,速度没有一个定量的标准。你速度能弹200,那么这200的速度是建立在你弹奏什么的基础上的?半音阶?跨弦?笆音?就算你速度很快了,但你在一首歌中知道什么时候该快,什么时候该慢吗。不要一快起来就是些老透了的套路。弹solo更讲究的是呼吸。良好的应用节奏弹出的东西,比200多的东西更能打动人心。
其实速度是一个基本功,就像揉弦,推弦。当你翻弹别人的东西时,慢慢的一个一个音稳,慢慢的手指的能力提高了,不毕太在意自己速度弹到多少,其实慢慢的自己的速度就上去了(说基本功上去了更合适)我直到现在都不知道自己速度是多少,但却知道自己的水平是个什么样子。有些人速度弹到了200多可能还是不知道自己的水平处在一个什么样的位置吧。
5、终于你有自己的作品,你知道录音的调音吗技巧吗?
你知道一首歌各个声部怎样编配才不打架吗。你能保持你录音时的节奏准确性吗(录过音的吉他手可能都知道录音时和排练时感觉绝对不一样)你知道怎样去加效果吗,几千块的效果器可不是就让你调个失真和干琴音色玩玩。还有有些solo和节奏需要再加上一轨吗,怎样加?还有不要什么都靠录音师,只有你自己才最知道你想要的效果!总的来说,吉他水平的高低其实就是对各种音乐风格的驾御能力!

即兴演奏技巧


爵士乐是即兴演奏的艺术,乐手们在一首乐曲中能够连续演奏出变化无穷的乐句。他们是如何能制造出如此多的从不重复的乐句的呢?其实,在他们的很好的感觉背后,有理论的支持,还有长期练习的结果。在此课程中,我们将介绍一些即兴演奏的技巧,相信你在练习之后,也能体验到即兴演奏的自由的快感。

我们在此课程中将陆续介绍一些练习,它们能帮助你们逐步提高演奏技巧。这些练习不只适用于吉他,你可以用它们练习演奏各种乐器。要记住很重要的一点,就是在作这些练习的时候,为了达到正确的效果,一定要持续地一遍一遍地练,根据不同人的练习习惯,完全掌握这些技巧也许需要几周或者几个月的时间。把这些练习当作你的日常弹琴的一部分,最好在每一级上都花半个小时来弹奏,直到你奏出的音线足够流畅、悦耳,感觉自己可以进行下一步的练习为止。

这些练习是即兴演奏的基本练习,它们能给你带来的好处是:

-不论在纸上还是实际演奏中,都能增强你对和弦结构的了解

-通晓和弦级数和进行

-对即兴乐句的流动能够自由控制

你需要记住,这些仅仅是练习,它们并不是很棒的即兴乐句,或能让你的朋友眼花缭乱的licks,因此它们并不会很动听。这些练习的作用是丰富你的音乐语汇和锻炼你的技术,当你掌握了这些技巧之后,你会在实际的和弦进行演奏中运用到,并能感觉到通过练习给你带来的益处。

同时你的创造力也会随着技术一同增长,在你内心积累的东西总有一天会变成伟大乐句被演奏出来,你不用去依赖他人的现成的licks。一切的努力都会得到回报的。

第一级:

首先,我们要了解一个概念----Permutation,它是即兴演奏中的一个很重要的工具或说是方法。Permutation的本意是数学中的排列置换,在即兴演奏中它表示和弦音的排列组合,也就是按照和弦音的不同排列顺序来演奏和弦。

这个练习的开始,我们先要探究一下各种和弦类型的所有Permutation,对于以后的所有练习来说,这是很重要的一步,也许会花你很长的时间吸收,因此,我建议建议你一定要把当前的练习弹奏得感觉很舒服、熟练,无障碍感,再进入下一级的练习。

下面是和弦音排列组合的一个方阵:

135731575137713513753175517371531537351753177315157335715371735117353715571375131753375157317531

数字1、3、5、7代表和弦音阶中的第几音,在不同类型的和弦中,他们所代表的音会有些变化,比如在小七和弦中1357音应该是1、b3、5和b7,属七和弦的1357音应该是1、3、5和b7,半减和弦中的1357音则是1、b3、b5和b7。举具体的例子来说,Gm7的1357音是G、Bb、D和F,G7的是G、B、D和F,Gm7b5的是G、Bb、Db和F。

这个练习的方法是,找一首乐曲,逐个按照方阵中的和弦音排列组合,将乐曲的和弦从头到尾弹奏一遍。先按1357的顺序弹奏每个和弦的和弦音直到乐曲结束,反复练习,当你感觉能非常熟练的弹奏整个和弦进行之后,再换下一个排列组合1375,依此类推……练习初期阶段,在节奏上应该尽量保持稳定,可以从持续的四分音符开始弹奏,当熟练之后,可提高到八分音符。

下面是我们准备的一首供大家练习使用的乐曲,这是被众多爵士乐手演奏过的标准爵士乐曲Allthethingsyouare的前16小节。我们将第16小节的和弦做了改动,以便建立一个终止式返回开头。我们用1357和3175的排列组合做了个示范。

ALLTHETHINGSYOUAREFm7\\|Bbm7\\|Eb7\\|Abmaj7\\|Dbmaj7\\|G7\\|Cmaj7\\|Cmaj7\\|Cm7\\|Fm7\\|Bb7\\|Ebmaj7\\|Abmaj7\\|D7\\|Gmaj7\\|C7\\|13573175

当你对乐曲的所有和弦都了如指掌之后,你可以将乐曲翻成其它的调再进行练习,这样能帮助你理解更多的和弦。

吉他教学——流行歌曲演唱的风格与技巧


流行歌曲的演唱讲求个性,歌星们在声音上的差异之大,演唱风格之多样,使得我们无法像在“美声唱法”中那样将其划分为几个声部(男高音、女中音等),即便是用“声线”这个时下非常流行,却又是莫名其妙的万能术语,也还是难以一一描述清楚。但我们还是可以根据其渊源以及发声特点、演唱风格归纳出几种典型的“唱法”。
“低吟唱法”(Crooning),形成于30年代。那个时候,许多酒吧、舞厅、夜总会里添置了电子扩音设备,歌手们开始对着“麦克风”(话筒)唱歌。“低吟唱法”就是在这样的背景中产生的。由于话筒的扩音作用,歌手们不必像歌剧演员那样竖着嗓子吼,也不必像有些民族歌手那样横着嗓子喊,他们只须用说话般的音量轻轻哼唱,众多的听众同样可以听得真真切切。一些非常细致的艺术处理方式,如一声轻微的叹息、一个小小的停顿,都能被纤毫毕现地展示出来。
早先的“低吟”歌手都是有着一定的美声基础的男中音或男低音。中国听众非常熟悉的平.克劳斯贝便是第一代低吟歌手。三四十年代“低吟”歌手演唱的抒情歌曲和爵士乐风格的歌曲是当时澈地歌曲的主流。50年代后,随着“摇滚乐”的兴起和民谣的复兴,流行乐坛不再是“低吟歌手”的一统天下了。但是“低吟唱法”并没有就此消亡,作为一种演唱方法,“低吟”对后来所有流行歌手的演唱产生了深远的影响。话筒的运用,声音的控制,旋律线条的连贯圆滑,歌词语气的表现,微颤音和气声运用等流行歌曲演唱的基本技巧在“低吟”中已经发展得相当成熟了。
民谣在世界各地的流行歌曲中都占有重要的地位。民谣歌手用“本嗓”演唱,与“低吟”相比,这种唱法一般不刻意追求声音的圆润和共鸣,音色扁平、自然,强调吐字的清晰和口语化。鼻音在“美声”和“低吟”唱法中都是很忌讳一个毛病,然而许多民谣歌手(如约翰.丹佛、鲍勃.迪伦)却喜欢使用带有浓重鼻音的演唱方式,这种鼻音具有独特的抒情色彩,尤其是在演唱平缓的叙述性歌曲时,会产生一种亲切自然、富有磁性的魅力。民谣还经常采用重唱的形式,主旋律往往放在中低音声部,而高声部的伴唱常用轻柔透明的假声来演唱,因而假声也是民谣演唱中的一个重要特征。
民谣唱法不仅限于民谣歌手,也包括一些摇滚歌手。如著名的“披头士”的大部分歌曲都是用民谣风格演唱的。
民谣唱法代表了流行歌曲演唱中平实自然的一面,而美国黑人歌手则使得流行歌曲的演唱增添了华丽的色彩。
美国黑人歌曲的渊源可上溯到奴隶制时期的田间号子,此后又陆续出现了灵歌(Spiritual)、福音歌(Gospel)、布鲁斯、索尔(Soul)等声乐体裁形式。黑人歌曲常采用一领众和的演唱形式,领唱者用呐喊、尖叫、抽泣、呜咽、滑音、颤音、假声等富于装饰性的演唱技巧,常常能将一些简单的旋律片断即兴演绎发展成极富感染力的毕彩乐句,产生出动人心魄的艺术效果。
富有激情和即兴装饰是美国黑人歌手演唱艺术的灵魂。许多摇滚乐歌手(尤其是硬摇滚和重金属摇滚歌手)的演唱风格也是由这种唱法衍生发展出来的。只不过摇滚歌手大都比较强调其嘶喊爆发的一面,而缺乏那种细腻的装饰技巧。
爵士乐出现后,美国黑人歌手又创造出一种高度炫技性的演唱方式。在与乐队的即兴交流中,他们用一些没有具体含义的衬词唱出各种复杂多变的节奏型(称为Scatting)或用人声来模仿爵士乐队中的各种乐器的音响(称为Vocalese)。
80年代兴起的饶舌乐(Rap,以急速的节奏念出歌词)在一定程度上也是这些高难度的人声表现方式的延续。以上介绍的是流行歌曲的几种比较典型的演唱风格。在千变万化的流行歌坛上,绝大部分的歌星并不固守某一种“唱法”,而往往是在这几种基本演唱风格的基础上,根据其自身的声音条件和特点并结合歌曲表现的需要,加以变化融和,从而形成自己独特的演唱方法和艺术风格。
音区与音色
人声音区的各个部分有着不同的色彩:高音区明亮,中音区柔美,低音区沉厚。流行歌曲的演唱通常也是遵循各音区的自然属性,发挥其自身的表现作用。但有时也会根据歌曲内容表现的需要而改变各音区的自然色彩。如《一无所有》的旋律常在高音区徘徊,但在演唱时却应该将音色处理得暗一些。倘若一味强调高音区的高亢明亮,就难以表现出歌曲中所蕴含着的那份执著和抗争。
流行歌曲的演唱追求的是本色自然,但许多初学演唱的人在一开始的时候并不能找到自己的“本色”,而往往是模仿录音带上自己喜欢的歌星的声音特征和发声方法。
流行歌坛中有许多嗓音嘶哑嘈杂的歌手,以至于引起这样的误解:只有沙嗓子才能当歌星。事实上,流行歌坛中的甜美圆润的歌手并不比沙嗓子的歌手少,只不过是沙嗓子的歌手因其音色的独特而更为人们所瞩目罢了。
对沙嗓间的崇尚并不是流行歌曲演唱中所独有的审美指向,在各国的民间音乐,尤其是我国的戏曲中,沙哑音色早已是习以为常的一种表现手段了。问题的关键并不在于音色的沙哑上,而是这种音色所能表现的情感的力度和深度。当人的情感达到极端状态时,常会伴随出现嗓音的沙哑。这种音色有时也会与某种特定的审美意象相联系:粗犷强悍的阳刚美,饱经沧桑的成熟美,这些都理颇具偶像魅力的。此外,流行歌曲中常见的反叛、挣扎、调侃和嘲讽等内容也适合于用沙哑的音色来表现。
嗓音沙哑的歌手在演唱不同类型的歌曲时,会对音色稍作调整,以适合歌曲的表现需要。如罗大佑唱《超级市民》时声音偏“破”偏“炸”,唱《痴痴的等》时偏“哑”偏“压”,而《沉默的表示》就干净柔和了许多。
每个人的嗓音都有其特定的音色。尽管这种音色有一定的伸缩性和可塑性,但嗓音的调整改变是有限度的,超出了限度,就会引起发声器官的疲劳。时间长了,还会引发病变。有许多声音甜美的歌手就是因为盲目模仿沙嗓子而毁坏了声带。断送了自己的艺术前程。
假声与气声
所谓“假声”是指演唱时通过有意识的控制而只使部分声带发生振动所发出来的声音,这种声音比由整个声带都振动的“真声”要高要弱,而且音色有一种晶亮透明的感觉。
大部分流行歌手(无论男女)是用真声演唱的,以获得一种自然、亲切、贴近口语的风格。有些女歌手(如齐豫、黄莺莺)在演唱音域较宽、艺术性较强的歌曲时则以假声为主的。男歌手在演唱伴唱声部时常用假声,如美国的“西蒙与伽芬科尔”重唱组中的伽芬科尔,和台湾“优客李林”重唱组中的林志炫等。这也是乡村音乐风格重唱的一个重要特征。但像“摩登谈话”(Modern Talking)中的主唱那样的纯用柔美的假声来演唱的男歌手是不多的。
发出优美的假声的关键是要有比较高的发声位置,在运用假声时要注意真假声之间衔接转换的光滑流畅,不能有断裂。一般说来,假声比较缺乏力度,但在必要时也可将假声转换成一种半真半假、半嘶半哑的叫喊。许多重金属摇滚乐歌手就喜欢用嘶哑的假声来演唱。
假声还可以作为一种修饰声音的方法,将真假声结合在一起的“混合声”能产生一种柔和、细腻、略带飘渺的艺术效果。比较一下童安格与屠洪纲演唱的《生命过客》,前者是用纯粹的真声,而后者用的是介于真假声之间的音色来演唱的。刘欢和齐秦演唱的《大约在冬季》也有这样的区别。
童安格的《忘不了》、伍思凯的《特别的爱给特别的你》所使用的真假声间的突然转换,朱哲琴的《一个真实的故事》结尾处用假声演唱的华彩段,都是流行歌曲中常见的假声应用方法。惠特妮.休斯顿的《所有的爱都留给你》中先用温馨的混合声在中低音区轻轻吟唱,然后用挺拔高亢的真声将歌曲逐渐推向高潮,及至歌曲的最高点,突然改用极柔美的假声。这是在演唱中运用真假声的转换变化来表现起伏跌宕的情感的一个优秀的范例。
国内常有所谓的“气声唱法”。其实“气声”并不成其为一种“唱法”,而是一种声音运用技巧。气声本无语格调高下之分,关键是不能滥用。若能抓准时机,运用得当,可以起到画龙点睛的作用。如美国歌星莱昂纳尔.里奇演唱的《你好》(Hello)在副歌处先是用激昂的声音反复铺陈,最后用气声轻轻送出一声“I love you”,很有表现力。台湾的邓丽君也是一位十分善于运用气声的歌手,与气声类似的还有“泣声”和“破音”。运用时也必须非常的谨慎。
“泣声”就是在歌声中掺入一些抽泣、哽咽的成分。包娜娜演唱《掌声响起》中“我的眼泪忍不住掉下来”的“掉”字上就非常得当地加了一点“泣声”。玛多娜唱过一首《这里爱情不复存在》(Love is not here any more),从头至尾“泣声”不绝,但在具体处理上很有层次。先是轻轻抽泣,然后从呜咽到放声痛哭,直至泣不成声。流行歌坛上还有一些被称为“催泪人”(Tearjerker)的歌手,如美国的埃迪.费谢(Eddie Fisher)、汤姆.琼斯(Tom Jones),他们的声音中总是带着一些“哭泣”。张学友和潘越云也善于在演唱时运用“哭腔”。以强气流冲击声带所造成的“破音”也是一种很有表现力的声音装饰技巧,刘欢演唱的《我心中的太阳》最后一句中的“我”字上就用了一点。

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