今天的吉他自学教程，来给大家说说怎样演奏绝美的SOLO。
吉他自学教程 怎样演奏绝美的SOLO
决定调性
1, 一首歌曲首先要分清是大调还是小调。一般大调的曲子多以135其中的某一音开始，也多以15其中的某一音结束;小调歌曲则以36开始，以6作结束。因此，如果一首歌曲结束在主音1上它多半是大调，结束在主音6上它多半是小调。但如果歌曲的结束不是1也不是6，就要分析歌曲旋律中调性的倾向。旋律中经常出现135这些音，则可断定为大调;经常出现613这些音，则可断定为小调。
2,先将歌曲开头和结尾的小节配上和弦。大调为C ，小调为Am
3,以此里推各调!
怎么才能弹好SOLO
1，和弦音的运用一般有三和弦，七和弦，九和弦(较少)，如C调G为572，G7为5724，G9，57246，还有和弦音阶运用G7，G，G9为56712345;注意一般来说你的华彩走向要考虑到你的和声走向.
2，五声音阶(12356)运用，布鲁斯音阶运用，具体我不说了.
3，熟练各音阶子型有MI，SO，LA，SI，RE注意他们的联接，当然也有布鲁斯特有的音阶子型，(在此我不说了，大家可去查查),这都要做到整个把位融汇贯通.
4，当然也还有很多国外音阶如果会用更好了，但我觉得这个等以后你华彩具有一定水平再说吧.
5,很重要的一点就节奏问题,现在有很多玩了好长时间吉他的人,节奏打的似鬼一样乱七八糟的.
6,了解一些音阶模进(好似有三种我只记得两种,级进,跳进)常用有2,3,4,5,7,8度.
7,弹奏时注意高低音的配合,这样才会有对比,好似有两人再对话一样.
8,弹奏时要富有感情,尽量用音符表达自个的感情,不要乱弹.
9，弹时音阶快慢要接合，注意要保持好节奏.
10，加入各种吉他技术，如伤感的可用柔弦，富有激情的可用推弦，乏音富有很强穿透力
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吉他自学课教程 吉他的即兴演奏
今天我们的吉他自学教程，来说说吉他的即兴演奏
吉他自学课教程 吉他的即兴演奏
那些讲即兴的人，总是说要凭感觉，要多听多抓多弹多模仿，但是，这样似乎实在是太抽象了。对於某些网友而言，这种「凭感觉」对他们而言就是有些困难，他没就是感觉不出来。
我这里试图提供一种比较容易做的方法，也就是告诉你「即兴」的时候你可以做什麽，可以怎麽做。但是，我在事先要先强调几点。
一、这些方法提供出来并不就是「即兴」的解答，只是一个让你更容易进入「即兴」世界的桥梁罢了。
二、你完全学会了这些方法也并不代表你就能够即兴的很好。因为这些方法只是提供你一个参考与更快速的学习方法而已，当然，也比较不那麽抽象。
三、「即兴」这个词本身就包含了很多不能被加以「公式化」与「方法化」的意味在其中，所谓即兴就是随兴而为的嘛!因此你的即兴和我的即兴一定会有所不同，因为我们两个的兴之所在并不相同。然而那些被大家广为接受的即兴，是那些被大家所欣赏与接受的「兴之所致」。所以，你任意的弹出一些音符，可能你觉得味道不像，但是这也是一种即兴。若你一定非要学哪一种的即兴风格，那我只说你当然只能去模仿别人兴之所致时的东东啦!相对的，你要模仿的就是别人的「兴」，而这种模仿当然只能透过「听」与「抓」了。
因此，什麽叫做即兴?即兴就是随自己的喜好，即时的作出一段音乐。
你现在乱弹一下算不算即兴?算啊!只是这种风格可能你不喜欢罢了!
所以，广义的说，所有乐曲的写成。都是一种作者写曲时的即兴表现，只是他的即兴方式是写出来，你我的即兴方式可能是弹出来。
写出来的好处就是，可以让别人也分享我们即兴的成果。但是当你在弹别人写好的东西的时候，你所在做的就不是即兴了，而是必须中规中矩的把作者的意思表达出来。
在谈完了什麽叫即兴後，我们一起来看看要怎样让我们学习即兴的路程更加的迅速，更加的具像，而不再那麽的抽象只是谈多听多抓多学多模仿。
我这里提供一个很 GENERAL的方向，我告诉你大概你可以怎麽作，告诉你你可以朝哪方面努力，却尽量避免太多细节的陈述。因为一方面我没有这麽多闲工夫，此外若这些东西不是经过你自己去求知而得的，那麽这些东西也很难能够成为你所能运用自如的。当然，网路上讲音乐也是有其一定的困难程度，这也是我不愿意在网路上讲太多的原因。不过，我会尽量提供一个明确的指标，让你知道该如何走，朝那个方向努力，让你也知道一般在「爵士」中的即兴，我们要怎麽去作可以更像。
当然，无论我怎麽讲，都只是一个「方法」，还是需要各位自己去多尝试才行。而且无论怎样，你都可以是一个即兴高手，因为只要你赶尝试「新」的东西，感尝试在音乐中 DO YOURSELF，你就在即兴了。可能你这种即兴，不一定合乎「市场需求」，不一定可以被大众接受，但是，你真的已经在即兴了。我想，最好的即兴音乐家，可能就是呀呀学语的婴幼儿吧!他们可以随兴的，随自己喜好的敲击出他们想要制造的东西，可能他们打的是书本，但是，那就是他们的即兴。
要学即兴，当然可以不必非要会我以下所要讲东西，因为有很多人真的就是知道该怎样即兴，他虽然不能告诉你他自己是怎麽做的，但是他自己确实可以做得很好。
好啦!废话讲完啦，言归正传。
怎样即兴呢?怎样把各种「音阶」用在适当的地方呢?
我们学了各种音阶该怎麽用呢?
首先，你要会即兴的话，你必须至少知道下面四项事情：
一、各种和弦的构成
二、各种音阶的构成(假如你想要做蓝调的即兴，你就要多了解各种蓝调音阶的构成;假如你想要作爵士风格的即兴，你就要多了解一般爵士用的音阶的构成)
三、各种和弦与各种音阶之间的配合关系
四、各种节奏的构成
当然，这四项只是基本而已，而且事实上很多你觉得他很会即兴的人，这四项都似懂非懂，当然，只要他能即兴得好就好啦!不过，你「知」的越多，你所能够创作出来的即兴自然也就越多，而且越丰富，而不是老是即兴来即兴去就是同样的东东。
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和弦的数目与种类，多得要人命。也常常让人觉得很摸不著头脑。但是，我们整理整理，我们会发现和弦只有六种的基本形式。其他的和弦都只是这六种和弦基本形式的衍伸型。(这里不介绍哪些和弦是哪些形式的衍申型了，有兴趣的话，自己去找资料罗!)
这六种和弦的基本形式分别是：
大和弦(EX：C和弦)、小和弦(EX：Cm和弦)、增和弦(EX：C+和弦)、减和弦(EX：C。和弦)、半减和弦(EX：Cm7(-5)和弦)、属和弦(EX：C7和弦)
若不知道这些和弦是什麽东东的人，我也爱莫能助了，只能期望你自己多努力，多问人，多学点了。
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===各种音阶===
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音阶的形式也是多不胜数。我也懒得数了。我这里只以通常在「爵士」(JAZZ)中被广为使用的音阶来讲述。通常在爵士音乐中，广为大家使用的音阶至少有四种。(当然，这是「至少」不是「只有」这四种。)
这四种音阶分别是：大音阶、小音阶、全音音阶、全半音阶。
大音阶一共有十二组：分别是C大音阶(也就是由C D E F G A B等音所构成的音阶 )C#/Db, D, D#/Eb, E, F, F#/Gb, G, G#/Ab, A, A#/Bb, B等大音阶。
小音阶一共有十二组：这十二组的小音阶也跟大音阶一样，分别是C小音阶、C#/Db小音阶、...........、B小音阶(由於大音阶与小音阶是一般大家比较熟悉的东东，所以就在这里不赘述啦!不懂的，随便去问问人，应该懂得人很多才是)
全音音阶一共只有两种：所谓全音音阶就是所有音与音之间的关系与距离都是全音的关系。这两组全音音阶分别是由：
第一组：C, D, E, F#, G#, A#等音构成
第二组：C#, D#, F, G, A, B 等音构成
全半音阶一共有三种：所谓全半音阶就是由全音半音全音半音全音半音......的次序所构成的音阶。这三组分别是由：
第一组：C, D, D#, F, F#, G#, A, B 等音所构成
第二组：D, E, F, G, G#, A#, B, C# 等音所构成
第三组：G, A, A#, C, C#, D#, E, F# 等音所构成
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===和弦与音阶的配合===
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多数的问题不会发生在前两项的陈述中，问题通常发生在这里，怎麽配合ㄌㄟ?看到有网友写说，学了这麽多音阶，不会用!有什麽意义?这里试图告诉你一个非常「宽广」(BROAD)的使用音阶的方法，你可以采取部份，也可以全盘采纳，重点不是你接不接受我的说明，而是期望这样的说明能够给你一个IDEA，好让你也知道可以试著怎样来即兴看看，试著把音阶配入乐曲中，或著一段和弦的进行中，这样，你就可以开始「即兴」了.
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- 运用原则一：基本原则 -
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其实运用的原则不难，首先最基本的原则就是：使用包含和弦组成音的音阶。当然，问题来了，什麽叫做「包含」?什麽叫做「和弦组成音」?首先我们来说明何谓「和弦组成音」：
简单的说就是构成和弦的音，比如，C 和弦是由C, E, G三个音构成的，因此C 和弦的和弦组成音就是C, E, G。这样够简单吧!
那我问问你，C。和弦的和弦组成音是什麽?C+和弦呢?C△7和弦呢?Cm7和弦呢?假如这些问题你不知道，那你该加油了，赶快去找资料吧!(不是找那种吉他谱，看看这些和弦在及他上要怎麽按才能弹出来，而是要找乐理性的书或资料，找到这些和弦分别是由哪些音构成的，不然你会连「和弦的组成音」是什麽都不知道喔!)
接下来我们要讲的就是「包含」
这是什麽意思ㄋㄟ?比如，我们知道C和弦的和弦组成音是C, E, G三个音，那麽我们问，C大音阶有没有包含C和 舀台撸 答案是有，因为C, E, G这三个音都出现在C 大音阶的音阶音中。那麽我们再问，C 小音阶有没有包含C 和 舀台撸 答案是没有，因为C, G这两个音虽然出现在C 小音阶的音阶音中，但是，E 这个音(C 和弦的三音)却不出现在C小音阶的音阶音中，因此C小音阶不包含C和弦。
我们可以在问同样的问题，比如，F 大音阶包不包含C 和 舀台撸 答案是包含。那G 大音 专台撸 答案同样是包含。A的小音阶包不包含C 和 舀 ㄟ?YES !A的大音阶包不包含ㄌㄟ?NO!全半音阶的第一组包不包含C 和 舀 ㄟ?NO!全半音阶的第二组包含吗?NO!那第三组ㄌㄟ?YES !全音音阶包含C 和弦吗?NO!全音音阶包含C+和弦吗?答案是第一组的全音音阶包含，但第二组则不包含。
我们可以一直这样问下去，
合计，我们一共介绍了29组的音阶(12组大音阶+12组小音阶+2组全音音阶+3组全半音阶)。我们也总共介绍了六总的和弦基本型，而每一个基本型都有十二的和弦(也就是C 大和弦、C#大和弦......C小和弦、 C#小和弦............依此类推)因此光在这里我们就一共有了72种不同的和弦。
而每一个和弦都可以问，这个和弦的组成音是不是被包含在29组的音阶中的任一组，这样我们一共可以问2088次类似的问提，也就是：XX音阶包含XX和弦吗?
若你还对其他种类的音阶也很有兴趣，你就在多加上去，比如，各种的蓝调音阶，古典的传统音阶等等。当然，和弦也一样，你也可以在加入更多的和弦
你会说我「疯」了，这麽多音阶与和弦，我们要问这样的问题问到几年啊?其实，我没有要你一直问这样的问题。只是你必须要学会一个原则，就是判断你的乐曲现在在进行的是什麽和弦?这个和弦的组成音是什麽?哪些音阶包含了这个和弦的组成音?
OK!你现在可以使用包含和弦组成音的音阶来做即兴的材料了，比如说，你的乐团在走的是C -- F -- C 的进行，你就可以找到一堆的包含C 包含F 的音阶，然後你就可以开始跑这些音阶里面的音。随你玩，玩到你爽。假如你能够找到一个音阶，是同时又包含F又包含C的，那就更棒了。
但是这里有一个需要注意的事情，就是你在PLAY蓝调的东东时，你就尽量使用包含你们所使用的和弦组成音的蓝调音阶来作为你即兴的材料，这样你的即兴就会像蓝调，而且也不会跟整个音乐的主轴脱节(因为你是依照和弦在走即兴音阶的)。同样的你们在跑什麽风格，就用那种风格中的音阶。在跑中国调调，就用中国调的音阶罗!这样了解吧。
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- 运用原则二：避免冲突音 -
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你会发现，当你使用上面这样原则一个时候，有时候，有些音阶会准许你使用与和弦音相冲突的冲突音做即兴。这样讲或许有些人不容易了解，我举个例好了。好比，我们刚刚说到，C 和弦被包含在全半音阶第三组中。因为，C 和弦的和弦组成音C,E, G都分别同时出现在全半音阶中的第三组音阶中。也就是出现在由G, A, A#, C,C#, D#, E, F# 等音所共同构成的全半音阶中。因此，依照「使用包含和弦组成音的音阶」原则，我们可以知道，当我们遇到这个乐段的和弦是C 和弦时，我们可以使用这组全半音阶中的所有音做为我们即兴演奏时的素材，换句话说就是，我们可以使用这些音来做即兴演奏。
问题来了，当我们使用这些音的时候，实际上有许多冲突音会造成与我们的和弦(这个例子中是C 和弦)产生冲突的状况。最明显的例子就是，这组全半音阶容许我们使用C#、F#、D#等音来做即兴演奏。但是，这三个音分别与C 、G 、E 这三个音互隔半音，换言之，这三个音实际上是互相冲突的音，不适合放在一起。
然而，事情总是一体的两面，冲突音虽然产生音与音之间的冲突感，却也能够制造出更丰富更COLORFUL的和声变化，因此，我们不是要试图把这些冲突音从我们的即兴中拿掉，反而是要好好的利用这些冲突音。
当我们碰到冲突音的时候，一个最基本的应变原则就是，不要让他超过一拍。这种不要让冲突音成为超过一拍的音的方法，是诸多利用冲突音而不制造过分的音乐间的不和协感的最好方法之一。好比，在C 和弦的进行中，我们尝试著来做一段即兴的乐段，我们可以做出一个乐段如下：
C ( C
5 3b 3 3 1# 2 1 - - - ∥
- - - -
我们让3b与1#这两个与C 和弦相冲突的音只有半拍，并且，把他当作一种引导进入C和弦和弦组成音的音。这样，我们就做了一段即兴的乐句。也把冲突音融入在里面，并且，尽量的不让冲突音超过一拍，以免冲突音的冲突感太过明显当然，怎样使用冲突音是个人的喜好问题，有人就喜欢听到一推的冲突音冲突来冲突去，那也很好。反正，我们所在乎的重点不是你用了哪些音，而是你是不是「即兴」了，既然是即兴，那麽高兴就好啦!你高兴，听你弹的人也高兴，就够啦!假如没有听众，只有你自己一个人欣赏你自己的即兴，那麽，你爱怎麽谈怎麽谈，你自己
高兴就好，毕竟，这就是「即兴」。
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- 运用原则三：做出连贯的旋律线 -
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什麽叫做连贯的旋律线，这本身就是一个见仁见智的问题，有些人觉得这样的旋律线很不连贯，有些人则觉得很连贯啊!没有什麽问题!
不过，这里做出一个提醒，虽说即兴真的就是顺兴而为，但是，要让大家包容或喜爱你的即兴你就必须要配合大家的口味。(要不然就改变大家的口味，让大家喜欢你给他们的口味)而一般人，多数人，绝大部份的人，都喜欢听到的音乐是旋律线流畅而连贯的音乐。
好比说，你做出一个即兴，突然高八度一个音，低八度一个音，中央一个音，再低八度几个音，高两个八度三个音的。这种旋律线，让听者的心情跟著你跑上跑下，当然，听者的反应就会「受不了」，因为，他已经在他的工作岗位上奋斗一天了，还因此，优美的旋律线，流畅的即兴MELODY的进行线条，是很重要的。至於怎样才流畅。呵呵!抱歉，本人功力不够，只能点到为止，流畅与不流畅是由各位自己去判断的。就好像你读一篇文学作品，阿!你觉得这个作者写得很流畅，下笔如行云流水一般，请问，你为什麽会这样认为?判断标准在哪里?我们可以知道，这种判断是纯主观的，不过，我们知道，你看的作品越多，你就越会比较。同理，你听的东西越多，你就越会比较。你就越会比较自己弹奏的即兴是不是真的那麽的流畅。
糟糕!最後在这里又讲回了多听多抓多学多模仿的巢咎了。好吧!提供大家一个不是很好的方法，可以简单的判断流不流畅，不过，这个方法真的不好，应该说不够「准确」。这个方法就是「连连看」。
有空把你自己的即兴录下来，录完後想办法把你自己即兴的音符转抄在五线谱上(你说，你不会划五线谱耶!那我也没办法啦)，然後把你的所有的音连起来，看看你连起来的线条是一条美丽的抛物线，还是像跳动快速的心电图。通常，(我强调是通常)一个好的旋律现，能够画出一条美丽的抛物线，而不是心电图。
我要再说，这个方法并不好，只是给那些真的没办法用「听」的人做做参考罢了。不过，我要警告那些听得不够多的人，你不够认真。要嘛你试著找到更多的音乐并花更多的时间听音乐，要嘛你祈祷你突然有即兴的天分，要不然你就只有不要「肖想」能够弹奏得出即兴来啦!
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节奏的问题并不是我这一篇里面真正想要加以处理的问题，不过为了以示负责，我还是大概的提一下。
我们前面讲了这麽多，是告诉你你在即兴的时候可以使用怎样的素材，但是，这些素材要怎样用，却多少跟节奏有关。
我这里使用的节奏一词是很广义的称呼，这包含了拍长，与强弱重音等等。坊间有许多的有关节奏练习的书籍各位可以自己去找来看看，然而，我特别要请各位注意强弱的问题。姑且不管其他类型的音乐，至少在爵士乐中，强弱是非常非常重要的。一般人谈不出爵士的感觉(FEELING)多半是因为强弱的感觉没有拿捏准确。
要注意，你学会了各种节奏之後，要注意这些节奏不是每一击都一样的重或一样的轻。而同样一组节奏，在换了不同的轻重度之後，也可以产生出截然不同的效果来。不信你可以是著打「爱的鼓励」试试看。你可以是著把爱的鼓励打得每一下都一样大声，然後试著每一下都一样小声，试试看把全部都打得小声但是有其中的一两个音大声，再试试看把全部的音都打得小声但是其中有三四个音比较大声。你会发觉，每一种不同的重音的分布，会给你不同感受的「爱的鼓励」。因此，强弱的重要性，关於节拍，我就言尽於此了，有空，大家多多自己去搜集资料，自己努力看看吧!毕竟，你付出的努力越多，你的收获就越多。
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= 後记 =
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学完这些比较理论性一点的东西，并不代表你就会即兴了。事实上，我也在一开始讲过，许都很能够即兴的人，根本连理论都不懂，就可以做出令人欣赏的即兴了。那我打了这麽久的理论，有什麽意义呢?我认为，这样只是帮助各位仔细认真把每一个字都看完的读者，知道该怎样做，往什麽方向做，我说了，我只是建立一条桥梁，你可以走这桥，也可以选择走别处。要怎样，全看你。
像我自己，我玩即兴从来没有管过任何理论的东西，我在还不懂得上面告诉各位的这麽多东西的时候，就玩即兴玩得不错了，只是，後来的理论验证了我凭「感觉」自己玩出来的东西。
本来，要达到同一个目的，有许都不同的方法。有人先从理论面著手，有人先从听音乐去感觉著手。没有谁对谁错，也没有谁比谁有效率，只是对於某些人来说，他觉得搞这麽多理论没意思，直接听歌直接抓歌比较有意义也比较有效。但是对於其他觉得搞这麽多理论没意思，直接听歌直接抓歌比较有意义也比较有效。但是对於其他的某些人而言，他们觉得抓歌听歌这种用感觉去学即兴的方法太抽象了，因此他们愿意也想要从理论面著手。本来世界上就是有各种不同的人。那我们也就尊重每一种不同的人的不同的喜好与选择吧!
最後，我要说，音乐是表达你自己思想与感情的一种语言的形式。让你弹出来的音乐，做出来的音乐 DO YOURSELF才是最重要的。你可以照弹别然写好的谱，可以照弹那些经点名曲，但是，若不能也在这些谱中DO YOURSELF 的话，那麽你所玩的终究不是音乐，只不过是乐器罢了，而且，反而是音乐在玩你。
DO YOURSELF才是最重要的。让我们成为一个音乐家，而不是成为一个乐器匠。始讲过，许都很能够即兴的人，根本连理论都不懂，就可以做出令人欣赏的即兴了。那我打了这麽久的理论，有什麽意义呢?我认为，这样只是帮助各位仔细认真把每一个字都看完的读者，知道该怎样做，往什麽方向做，我说了，我只是建立一条桥梁，你可以走这桥，也可以选择走别处。要怎样，全看你。
吉他自学教程 吉他即兴演奏的方法
今天的吉他自学教程，跟大家说说吉他即兴演奏的方法。
吉他自学教程 吉他即兴演奏的方法
要学习吉他的即兴演奏，先要有下面几方面的知识。
一：掌握音阶：首先，你要掌握7声(1234567)、5声(12356)、自然小调(67123456)、和声小调(671234#56)、布鲁斯(612#2356)这几种音阶。音阶不熟，你弹着会找不到音的。多练练定位指法(刘老师写的吉它自学入门与提高这书上有，如果你还不熟的话可以看看)。音阶都弹不好，SOLO又能好到那去?不要求你弹多快，但要记得音在指板上的位置。
二：吉它的各种表现方式和技巧。比如：推弦(各种音程和方式)、勾击弦、揉弦、点弦、滑音、顿音、闷音、泛音(人工的和自然的)、八度音、琶音、刮奏、级进滑奏、摇把(至少是常见的几种)、一些扫拔、芬克和乡村技巧。当然，有些是上面说的几种的复合组合等等!
三：节奏和音高，无论你如何自由演奏你总得弹在节奏上吧?从全音符、二分音符到32分音符、前后十六分音符、切分音、符点、休止符等。你至少要有个概念，练习音高和节奏我介绍一个方法供你参考。找几首你已经会唱的歌，不唱词唱谱，如果你基础太差，跟着机子看着谱唱，慢慢的学唱些SOLO谱，这样唱下二、三十首来，你的节奏和音准也就大大提高了，扒带能力也提高了不少，同时脑子里也就有了很多的乐句。我说了，你要弹在节奏上(脑子里要有轻重拍观念)，当你能准确唱好两拍3连音的时候，你的节奏就有相当基础了。
四：一般的和弦构成知识。你只有了解了这些，才能弹出好的SOLO来。即兴嘛，自由发挥的意思。你要想自由，先得有这些不自由的练习过程。你要打破规律前先掌握规律，说的就这意思，不过在学习这些东西的同时你也可以慢慢学习即兴的。该讲如何在和弦和歌曲中即兴了。唉!说真的，我真不想具体地讲在某个和声进行中如何演奏的。因为我希望你学到的是思考方法而不是一些呆扳的音符，这也是很多书讲到这就轻轻而过的原因吧。相同的一个套子，弹的人不同，弹的也好听，但却是千差万别。所谓法无定相--贵在活用，也就是我们说的猪朝前拱、鸡朝后扒---各有各的整法!反正弹的都好听协和。
先记住这几句话:在每个和弦中SOLO：你在一个和弦中弹出的东西要基本协和，也就是说你弹出的旋律用这个和弦来配要基本上听得过去，不要太紧张。平正点的方法就是用和弦音来制作旋律，至少你也要把和弦音放在强拍上(一小节中的或是每拍的第一个音)，也不是绝对的。活用的方法我放在后面讲。要有歌唱性--用吉它唱歌：你要融入你的感情。
有了这个观念，你自然就会处理音的长短和强弱，这点很重要哦。在演奏中想方设法融进你学过的各种技巧：不然的话你学那么多技巧干吗?开始时你得先学会把学过的东西硬塞进去，不要怕难听，任何东西一开始都是很机械的。慢慢地你会做得好的，关健是要有这个观念。
我说了，我说的这些主要是针对初学者，就用C-AM-F-G(G7)这样很简单的进行来说吧(在摇滚中对这种协和的和弦采取的可是一种敬而远之的态度)，先从这个入门，其他的调式及和弦进行以此类推就是了。每个和弦4拍，重复4次，共16小节，弹慢点70拍吧。乐句有和弦式和旋律式两种，刘传老师在吉它爱好者上讲过的，在这就不多说了。
开始弹的简单一点，每个小节弹一两个音，在第4拍上加点经过音，就像贝斯的织体1--17 6--35 4--43 2---你觉得难听是不?如果你用上一些八度、揉弦、摇把 闷音等试试、也就不同了。唉我的电脑水平差，不会上传，要说在这样的进行中即兴，我至少弹上它5、6分钟。嘿嘿我不会在这个上写谱子，还是多学点规律吧!我在这个进行中一般这样弹，在前4小节拟定一个音乐主题，第2个4小节变化重复这个主题(技巧、音符、节奏等方面加以变化)，第3个4小节弹一个对比段(比如说音区、情绪、技巧等都和前面不同)在这个部份中用些快速递进引向第4个4小节，在这里又是重复前面的两个4小节弹过的东西(呼应)。
一般情况下，是高一个八度来弹的。和前面形成音域上的对比，这只是举例说明一下，在实际应用时可是千变万化的。比如说我那天的情绪啊、用的音色啊、乐曲的速度及节奏吉它鼓手的织体不同，弹的东西也就不同了。我在上面说的这种方法，就像写诗一样。在4小节中，第一小节是起;二小节是承;三小节是转;4小节是结。第一个4小节又可是起;第二个4小节是承。。。。。。。你要有这样的观念在心中，你弹出的东西才不会听着有散的感觉。就这意思，大家学着弹弹看，在这样的进行中弹了32个小节之后，你觉得无聊了，换个和声进行(和声上的转折，如果前面的两个16小节算是起承的话)弹上16小节又转回前面的和声进行。比如在AM-G-F-E(大和弦)这样的进行中，很自然就转到A大调上的，你可以转任何调的，你得多学乐理，这个讲起来复杂就此打住!
吉他自学教程 如何练习吉他即兴演奏
今天的吉他自学教程，我们来看看如何练习吉他即兴演奏?
吉他自学教程 如何练习吉他即兴演奏
即兴，相信对于任何吉他手(甚至大师)来说，都是一门极其深奥又是永无止境的学问。
何学习即兴，虽然没有一个固定的方法，但也是有迹可寻的。我认为，对于初学者来说，
究竟如何入门，结合我的经验心得，我提出以下一些看法吧：
一、应该先练习基本功。什么是基本功呢?我认为最初练习的就是爬格子和五声音阶，
即兴的第一步就是每天把爬格子和五声音阶练的烂熟于心!爬格子熟练了，手指的灵活性自然提高，弹奏其他快的东西和技巧性的就游刃有余;五声音阶熟练了，就可以演变都千变万化的乐句来。因此，必须首先把基本功和五声音阶熟练了，要把他们作为每天演奏的必修课，每天都要抽出一段时间练习，不能停止，因为他们是基础!
二、在熟练了五声音阶和爬格子的基础上，应该大胆尝试用五声音阶创造即兴!
(一)为什么这么强调用五声音阶呢?因为五声音阶为每个调伴奏都显得协和!
具体方法我认为是：先编写一段特定的和声(例如 C-Am-F-G，这个可以预先录下来，我个人习惯是用GuitarPro输入和声直接播放，既简单又方便)，然后仿佛播放这组和声，用无声音阶伴奏，伴奏的时候用和声的根音和组成音伴奏(例如C是1-3-5，播放到C的时候，你就可以弹1-3-5里面的音，组合就是，Am就弹6-1-3，如此类推)。
上述的练习现在一个把位上的五声音阶练习，熟练了再推移到其他把位!
(二)在熟练了(一)的情况下，尝试在播放和声的情况下，创造一些五声音阶乐句，并应用一些推弦等技巧!
这样的好处有：你的听音能力得到提高，有助于记住指板上的音符，一举两得!慢慢的，你就学会创造一些五声音阶乐句了，如果你觉得不过隐，可以找一首你熟悉和声走向的歌曲，用五声音阶自己去即兴，几次过后，你就会感到即兴的乐趣了!
三、熟悉二的情况下，就应该在五声音阶中加入变化音了。大家可以把五声音阶演变成布鲁斯的，大调的音阶.
在演奏过程中加入例如半音，和声外音，这样会使你的即兴更具有吸引力!慢慢地，你进一步掌握了其他的的变化音阶，技巧、听音水平也到达了另一个层次，你就可以进入下一步了!
四、这个步骤是很必要的：大量弹奏大师的经典作品和短小的经典乐句。
他们70%是大家即兴时候的素材，积累它们多了，即兴自然就水到渠成了!积累这些素材的主要途径就是扒带，看大师的视频演出等等，经常留意大师的一些精彩乐句和技巧，应用到自己的演奏上，会使你的演奏事半功倍!还有注意的就是：现在网上的这方面吉他谱很多，大家很容易就找到来练习。好了，如果这些你都练习的很熟练的话，恭喜你，你已经是一名吉他高手了!但我认为这样还不够的!
五、当你做到以上四部，还是不够的，为什么?因为你还是在copy别人的东西，这些东西已经被千万成功的吉他手做过了。 最终提提高的途径就是创作，只有创作才是提高自我水平的源泉!创作属于自己的东西!这里存在一个问题，究竟什么时候创作合适?
我认为，一边学习一边创作!当你觉得有能力创作的时候就创作吧，创作到不行的时候就再积累，认为积累够了就再创作就是在创作-积累-创作-。
怎样演奏巴赫的作品
巴赫的音乐体系,是古典音乐的重要组成部分.他的作品，声部均匀、结构严谨、有极高的艺术性。为此，巴赫被后人称之为“古典音乐之父”。他的作品不仅已成为许多乐器门类的必修课目，而且在当今许多重大的国际吉他比赛中，都是采用巴赫的作品作为参赛的规定曲目。但是要真正演奏好巴赫的作品是比较困难的，在此，针对如何演奏好巴赫的作品我谈谈五点应注意的方面。
一、了解巴赫所处的时代背景、哲学思想，并同时欣赏不同乐器所演奏的巴赫作品，全面地了解巴赫作品的音乐体裁、曲式、技巧、风格、写作意图等等。
二、演奏中应注意音量的平衡、旋律线条及各声部的层次和清晰度。音色也不能忽视，古典作品音色所追求的是柔和、平均，因此不能像演奏现代作品那样太明亮、太华丽。指甲可略修短些，触弦发音等都应有区别。
三、速度是一个很重要的因素。巴赫所处的年代正是管风琴、古钢琴风行之时，还属于节奏缓慢的时代，所以用吉他演奏巴赫的作品应注意这一时代的特征。演奏十六分音符时的速度不能太快，否则将会歪曲作品的风格。
四、力度上的变化也必须谨慎处理。可在段落之间有所对比变化。力度变化上应避免浪漫派音乐的突变或过频的情绪起伏和力度变化。
五、复调与多声部对位是巴赫作品的一大特点。由于吉他左手指法的局限性，使之在演奏上有很大的难度。演奏之前应分析作品的结构、旋律、句法，注意各对位声部的独立性、流畅性、右手各指拨弦的力度应有变化，做到既能突出主要声部，又能有清晰的其他声部。
吉他自学教程
基本的乐理对于刚开始接触吉他的初学者非常重要，如果不懂乐理就不能更好的学习吉他，吉他的音阶基础知识你们知道哪些呢?下面和小编一起去了解一下吧，希望对你有帮助!
吉他基础乐理知识：音名和唱名乐音体系中各音级的名称，称为音名.人们普遍采用英文字母C, D, E, F, G, A, B作为音名并循环反复使用。
与音名相对应的是唱名.即我们歌唱时多采用的:do, re, mi, fa, sol, la, si.简谱则以阿拉伯数字1, 2, 3, 4, 5, 6, 7对应书写。请看音名、唱名及简谱对照表:(以1=C为例)
吉他基础乐理知识：乐音体系和音级音乐中所使用的乐音的总和称为乐音体系.作为单个乐器来说，其最低音到最高音的整个音域则是乐器乐音体系.例如，我们手中的民谣吉他，其最低音是六弦的空弦音E(当然也可把空弦音高定得更低.如D, C, B,......)，其最高音是一弦最靠近音孔的最后一个品格上的音(此弦有时也会偶尔把空弦定得高一些)，那么吉他从最低音到最高音所包含的乐音数A总和就是吉他的乐音体系.
乐音体系中的各音，称为音级。吉他中的各个品格上的音都有其音级名称.
吉他基础乐理知识：半音和全音乐音体系中，音高关系的最小计算单位称为半音.半音与半音之和，称为全音我们可以从钢琴键盘上清楚地看出各音之间的关系:相邻键的两个音构成半音;隔开一个键的两个音构成全音.在吉他上的表现是:相邻的品格是半音关系;隔开一个品格是全音关系。
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古典吉他自学教程刘传、张文亮编著
九、和弦的同时演奏和消音练习
１、和弦的同时演奏
吉他上常用到的和弦齐奏有两个、三个、四个、五个到六个不等，其中最基本的形式是四个音的和弦齐奏。四个音的和弦正好用到了右手每一个拨弦手指。两个音的同时演奏只能奏出和弦的部份组成音，很多时候是用来演奏和声音程，即一同发声的两个音，或称双音，弹双音时只用pima四个手指中的两个就行。五个音或六个音和弦齐奏时则必需用其中的一个手指快速拨弹两三个音，最常见的是p指或a指扫弹，有的演奏家甚至会用到很少使用的右手小指。
整齐和响亮是和弦齐奏应达到基本要求，为达到这两个要求：①左手在演奏和弦时ima指应尽量并拢，以一个整体用力来拨弦，这样弹出的和弦才能整齐，在时间上一致，在音量上统一。如果右手手指互相分开弹奏和弦，就会出现和弦松散、不整齐、音量大小不一致的现象；②和弦齐奏在技术上实际上是多个不靠弦的同时演奏，在弹和弦时右手p指和ima指应一起用力把弦捏起来，并作出一个向下的绷弦动作，然后再弹响和弦，这样才能使和弦响亮，有时和弦中隐藏着旋律进行时，还需要弹旋律的手指多用力向下绷一些。如果右手弹和弦时没有绷弦或捏弦动作，并且发音时手指向上勾弦，那么弹出和弦肯定会声音单薄微弱，音色粗糙难听。
下面我们以空弦音来练习各种和弦的同时演奏。
⑴四个音的和弦
（见谱）
①注意弹和弦时右手捏弦和并拢的技术动作。
②当ima指隔弦弹奏时，右手各指也要尽量并拢来弹。
③当演奏低音弦时，右手弹弦方向应与琴弦垂直以防止杂音的产生。
⑵三个音的和弦
（见谱）
⑶两个音的同时演奏
（见谱）
①两个音同时演奏时右手也应象多个演奏时一样捏弦和并拢。
②c组练习请先用（pi、pm、pa）拇指与单指的练习，然后使用拇指与ima交替练习（pi、pm、pi、pa、pm、pa）。
２、和弦同时演奏的应用练习
我们先把上一讲学习过的卡尔卡西２５首练习曲第２号的和声骨干还原出来，再以此基本的和弦进行编排各种类型的和弦同时演奏的应用练习。这样在以一首乐曲进行多角度透彻练习多种演奏技法同时，还能对音乐及其要素和构成有更深的理解。
我们把乐曲的每一个和弦都按其时值写成一个柱式和弦，这样就得到了这首乐曲的和声骨干，下面是练习曲第２号第一段的和声骨干，乐曲的第二段请大家作为练习自己作出，第二段中的经过句有两种处理办法，一种是保持不变，仍然弹成经过句，二是也写出它的和声结构来，在这首乐曲中经过句的和声和它前面的和弦是一致的－－－这样的学习方法也可用于著名的维拉－罗伯斯十二首高级练习曲的第一首分解和弦的学习。
（见谱）
下面我们把这首乐曲的和声骨干进行各种节奏变奏，以练习各种和弦演奏。
（见谱）
３、消音的技术
在音乐演奏中有两类声音需要消除，一类是杂音，如左右手在接触弦和在琴弦上移动时蹭弦（尤其是低音弦）的声音，左手按弦位置不正确或右手错误钩弦产生的打品声音，左手音没有按实产生的杂音，左右手碰到正在振动的琴弦发出的嗡嗡声，不必要的滑音，其他还有如脚打拍子的声音（练习时除外），粗重的呼吸声，还有乐器不合格产生的种种杂音，这一类杂音应在基本技术的学习中和练习的过程中得到有意识的避免和解决。第二类需要消除的音是演奏中不必要的乐音，吉他演奏中的消音技术主要是指这一种，消音技术是吉他技术中最常被忽略的技术之一。在音乐演奏中如何控制一个声音比发出一个声音更为重要，何时停止这个声音是控制的重要部分，这正是消音技术应该解决的。
常见的需要消音的情况有如下几种：①休止符，休止符不能仅仅理解为不弹就行了，除了在乐曲开头、段落开头和暗示节奏的休止符以外，大部分的休止符实际上都是要用消音技术“演奏”出来的；②乐曲终止或段落、乐句终止时；③为加强旋律的分句和在音乐句逗、呼吸时有潜在休止符的地方；③和弦低音变换时消除低音对和声清淅度和和协度的影响，这其中也包括弹强音时低音空弦被激起的共鸣音。④断奏或需要以顿音加强节奏感的段落。
消音的方法千差万别原则上能使不需要的乐音停止发声的方法都可用作消音技术。总的来说，消音技术从消音所用的手的部位不同可大致地分为两大类：第一类是用拨弦的右手手指或按弦的左手手指来直接消音的直接消音法，如右手发音后以拨弦手指指尖肉垫按住琴弦消音，或左手按弦手指果断放松，浮在琴弦上来消音。第二类是用正在按弦和拨弦的手指以外其他部位来消音的间接消音法，常见的有：用右手手掌小指一侧或拇指根部按住琴弦消音；右手拇指靠完弦后以指甲侧面的指肉触靠相邻的低音弦消音；左手手指伸直迅速按触琴弦来消音。
４、消音练习
⑴消音练习曲
（见谱）
①这条消音练习曲主要用来练习左右手的直接消音，消音时尽量同时运用左右手的直接消音，并使左右手互相协调，共同完成消音动作，以使左右手直接消音得到均衡训练。
②和弦为空弦时，用右手直接消音即可。
③第四小节和第五小节的四个和弦请用右手拇指扫弹，消音时用右手手掌间接消音。
④结尾和弦在时值延长够后用右手手掌间接消音，止住全部琴弦。
⑵用卡尔卡西二十五首之二进行消音练习。
把我们已经学习过的卡尔卡西练习曲Ｎo.２的和声主干进行如下的两种节奏变化，这首练习曲就可以成为一首很好的消音与和弦练习曲，练习时注意左右手协调配合，同时练习两手的直接消音。
（见谱）
⑶其他的消音练习曲
专门能用作练习消音的乐曲在吉他曲中为数不多，有一定程度的学生可以练习塞戈维亚编选的索尔二十首练习曲中的第九号（索尔作品原编号Ｏｐ.３１练习曲集之２０），这是一首练习消音与和弦演奏的极好练习。另一首练习消音的著名练习曲是考斯特二十五首练习曲中的第二十二首《Ａ大调练习曲》。
５、乐曲中低音的消音
消音技术在乐曲低音的消音运用上具有重要的实际意义，低音是和声的基础，如在和弦进行中不及时消去低音和弦外音，将使音乐和声混浊不协和。
低音的消音依据低音的连接方式不同可分为几种类型。第一类是不连续低音的消音，不连续的低音之间往往由休止符隔开，这时除了低音和其他上方声部节奏相同的可用右手或左手间接消音止住全弦外，一般都需要由右手拇指用间接或直接消音来准确控制低音音符的时值。要特别注意许多不连续的低音往往是“形断意不断”，要注意不连续的低音间的音乐延续性。
上述不连续的低音由于时值的限制一般不会对和声造成影响，这一类消音也更偏向休止符的弹法，真正需要注意的是连续的低音间的消音，这一类消音若不细心处理，常会严重干扰和声，从“乐器音响学”的角度来说，一般较低的音要比较高的音对和声的影响大得多，所以在连续的低音进行中，要特别注意低音上行后一定要及时消掉前一音的余音，所用的消音方法以右手拇指的直接消音最常用。在低音下行时如果两音在相邻弦上，拇指靠弦的同时就会消掉前一音，由于低音下行既使前一音不消也不会对和声造成很大影响，在实际演奏中可以忽略。另外，由于吉他乐器本身的特点，当低音在同一弦上变动时，也没有必要考虑消音，所以看似十分复杂的低音消音只要懂得其中的道理和规律也就不难掌握了。
十、主旋律在高声部的练习
人们常常把音乐演奏或演唱分为技巧（技术）和音乐表现两部分。实际上这两者是密不可分的。把学习音乐演奏理解为训练如何弹得快，如何能弹奏更难的作品是一种十分危险的误解。只注重体育式的手指训练而不注重对音乐的学习，最多只能培养出对音乐不求甚解的“演奏机器”或“吉他匠人”，而决不会造就出热爱音乐，富于艺术创造力，思想内涵深刻的艺术家。
仅仅把技巧理解为手指运动技能是十分狭隘的。技巧除了包含基本技术，即我们通常所说狭义的技术，如分解和弦、换把、连音、揉弦等基本功外，还包括如何运用基本技术来表现和处理不同音乐的各种运用技术。对于发音不象钢琴那样简单的吉他来说，完整的技巧还应包括如何发音和如何运用不同音色的技术。
认真而且系统地学习练习曲是提高演奏水平的必由之路。不同时代的吉他演奏家、作曲家和吉他教师以他们无数风格迥异的练习曲来诠释他们各自对吉他演奏技术和艺术的不同理解，并留给我们最有效的学习方法。练习曲和纯技术性的基础练习不同，练习曲是基础练习的音乐化，或是音乐化的基础练习，通过练习曲不但可以学习基本演奏技术，提高左右手的演奏技能和运动机能，更重要的是通过练习曲来学习如何处理和表现音乐--这一点常常被人们所忽略。
对于吉他这样擅长表现多声部、多层次音乐的和声乐器来说，首先要做到的音乐要求就是声部层次分明、强弱得当。在主调音乐中最常见的是音乐的主旋律位于两个外声部：上声部或下声部。
我们先来学习主旋律在高声部（即上声部）的乐曲和练习。在我们本书的３９首渐进独奏曲中有很多这样的例子，如《欢乐颂》、《斯卡博罗集市》、《罗曼斯》、《泪》、《月光》等等。本书第二十三首即卡尔卡西２５首练习中的第三首《Ａ大调练习曲》就是一首主旋律在高声部，是练习声部控制的极好的练习曲。
区分音乐层次的最常用的方法是用音量大小来表现不同的音乐层次、主旋律音量大一些，伴奏副旋律和低音音量小一些，用强弱来区分声部。其次音色的变化也可以用来区分声部。如用靠弦与不靠弦的音色区别，或用P指指肉弹法与ima指甲－指肉弹法的音色区别来区分声部。一般说来音量与音色的变化并不是截然分开的，两者往往紧密联系。主旋律既使用音色变化来区分声部，音量也需要强一些以突出主要声部。在区分音乐层次上，音量的区分是主要的，音色变化是次要的，而在音乐对比方面，音色变化和音量变化都十分重要。
请大家认真练习本书的卡尔卡西练习曲第三号、练习步骤如下：
①在开始认谱阶段，右手pima指都用靠弦弹法把这首练习曲先当作一首没有层次的分解和弦来练习。注意靠弦弹法的正确动作，慢速练习，务使每个音都饱满清晰。
②在以上练习的基础上P指仍然靠弦，ima运用不靠弦弹法继续进行以上分解和弦的练习。注意不靠弦弹法的动作要领，不要做出上勾的拨弦动作，避免声音干涩发飘。
③将乐谱上符干向上的主旋律各音用a指靠弦弹出，a指在靠弦时多向下按一按，使上声部突出，音色浑厚饱满。im指中声部伴奏音要用不靠弦轻轻弹，把音量控制得尽量弱一些以突出主旋律，P指仍然用靠弦，但要注意音量不要超过上声部以免干扰主旋律。
④做到以上各项要求后逐渐加快速度练习，并同时加上强弱、渐强渐弱、对比等各种音色处理。请用节拍机来配合练习以防止节奏不均、速度不稳定等问题，这样可以提高练琴效率。
⑤各项要求都做到后，可以试用a指不靠弦进行进一步练习，a指不靠弦时应在动作、音色、音量上尽量与靠弦保持一致，并使上声部音乐形象鲜明、突出，不要和im指伴奏声部混为一谈，并且不论最后速度多快时都要保持主旋律的突出和各声部均衡。
⑥在练习过程中，除注意右手的要求外，还应同时注意左手动作的规范、技术动作的干净、时值的充份和动作的放松。
除了卡尔卡西练习曲No.３外，我们还为大家提供了另一首著名的高声部旋律练习曲：索尔练习曲第三号。练习要求与卡尔卡西No.３基本相同，
唯一的区别在于这首乐曲的伴奏声部不是分解和弦而是两个音的和弦齐奏，和弦用不靠弦弹奏，注意和弦同时演奏的动作要领。
练习曲No.３（见谱）
主旋律在高声部的练习中，主旋律的音量要突出、音色要优美，上声部的旋律音主要集中在吉他第①②弦上，并且往往由右手a指来演奏，所以a指也常常叫做“旋律指”。由于a指先天不足却要“身负重任”，所以要特别注意a指力度、音色、独立性、灵敏度及控制力的训练。
高声部旋律及a指的训练顺序一般是先练a指单独发音，然后是上声部不与其他声部的音同时出现的练习，如以上卡尔卡西练习曲第３号和索尔练习曲第三号，最后再练习a指与低音同时出现的练习，如《月光》、《爱的罗曼斯》等，这时往往需要a指与p指同时弹奏双靠弦。其次再练习a指与中声部的和弦或分解和弦同时演奏的练习，如本书第２５首，索尔练习曲No.２及大量的其他练习曲与乐曲，这时a指无法用靠弦弹法，但仍然要在演奏和弦时加强a指的压弦的力量和幅度以使旋律声部突出。顺便说一句，当旋律在中声部或要加强和弦中的某一个音时，也要运用这样的方法。
最后作为主旋律在高声部练习的总结，我们为初学者准备了两首小独奏曲，供大家选择练习。
小乐曲祝你生日快乐（见谱）
独奏曲绿袖子（见谱）
十一、主旋律在低声部的练习
吉他的低音非常浑厚动听，再加上提琴般的揉弦，可以演奏出大提琴般富于歌唱性的旋律，或象男低音般充满感情地呤唱，许多乐曲发挥了吉他这一特点，如我们常见的维拉－罗伯斯前奏曲第一号“抒情旋律”及他的练习曲第十一号“亚马逊河的传奇”，还有大家都很熟悉的小品《小罗曼斯》等等。
主旋律在低声部的练习和主旋律在高声部的练习相同，都要求主旋律突出、音量饱满、音色优美，同时其他声部的和弦或分解和弦伴奏要适当弱一些，使各声部平衡。低声部的主旋律大部分都用p指演奏，除非低音旋律音之下还有低音时才会出现p指连拨，或p指演奏低音，i或m指演奏旋律音的情形。
在本书所选的大量乐曲中，找出低音旋律的片段或在练习分解和弦时把低音旋律化，而不仅仅把低音当作普通和弦中的低音对待，这样不但能增加练习p指和低声部主旋律的机会，还能在既使最枯燥的练习中创造出一些音乐性来，使练习轻松愉快，并逐步培养大脑对音乐的敏感。
另外，p指在演奏旋律时除了靠弦不靠弦的变化外，比起ima指还有更多的变化，如普通的指甲--指肉弹法、单用指甲或单用指肉弹法等。在低音声部发展变化、对比、反复时，通过p指拨弦位置的调整创造性地运用p指三种截然不同的音色，不但能更加深入细致地刻画音乐，而且能更好地发挥古典吉他管弦乐般的表现效果。
本书中的第一、二、四、六、七、十六等各首分解和弦都是练习p指演奏旋律的好材料，除此之外，我们还选择了考斯特的吉他教程中的一首优美练习曲和现代吉他演奏家与作曲家布洛威尔著名的练习曲二十首中的第一首供大家选练。其中布洛威尔的练习曲尽管篇幅很小，也仍然和他的许多著名大作品一样充满了二十世纪新的和声和连续切分的节奏撞击，十分引人入胜，最后我们还为初学者准备了两首外国民歌改编的小独奏曲。练习曲第1号（见谱）
友谊天长地久（见谱）
喀秋莎（见谱）
在学习了主旋律分别在高声部和低声部的乐曲，掌握了突出主要声部的各种方法之后，我们有必要对吉他表现不同音乐织体的技术特点做一个总结。除了单声部的单音音乐外，多声部音乐可分为一个旋律声部为主，其他声部起辅助伴奏作用的主调音乐和各声部多个旋律同时进行发展变化，各声部均具有独立性又相互结合为统一整体的复调音乐。
主调音乐的主旋律最常出现于两个易引人注意的外声部，首先是上声部，其次是下声部，主旋律出现于内声部的情形不很常见，既使偶尔出现也不会持续很久。不论主旋律出现于哪个声部，都要保证主旋律音乐形象突出、鲜明，从技术上来说就是要使用本章与上一章所讲的突出旋律声部的各种方法，使主旋律在音量、音色、揉弦、起伏及音乐表情上都超越于伴奏之上。
复调音乐中突出各个声部旋律的技术方法和主调音乐类似，但唯一的区别是复调音乐突出各声部的同时要特别注意各声部的平衡，在同时演奏多个声部时要特别注意保持各个声部线条的流畅，这就需要不仅仅在技术上注意各声部的平衡，如在几个声部同时出现时就不能都用靠弦弹法，而要在不靠弦时控制各声部的音量；在技术上注意各线条的流畅，如在中声部的旋律演奏上尽量使用统一的手指，如全用p指或全用im指等以取得音色的统一等等。更重要的是要注重对音乐的学习、理解各个时代、不同作曲家的作品风格，不同的复调特点，并多听包括吉他在内的各种乐器的演奏，积累足够的感性和理性的音乐经验，只有在充分理解和掌握特定的作品风格后，才能谈得上运用所掌握的技术正确地表现音乐。
本书中第１４首练习曲和后面巴赫、米兰、纳瓦埃斯、道兰作曲家的作品都是不同时代不同风格的复调作品。请在老师指导下或参考录音细心练习。
十二、连音、滑音和装饰音
一、连音（圆滑音）奏法
在音乐中连线有两种含义。第一种是相同高度的两个或两个以上音用弧线连起来，表示后面音的时值要合并到第一个音的时值之中来演奏或演唱，这叫连音线；第二种是两个或两个以上不同音高的音用弧线连起来，表示这些音要演奏或演唱得连贯流畅、一气呵成，这叫圆滑线，圆滑线有时还起到分句的作用。
在古典吉他中连线也有“延音线”和“圆滑线”之分。在演奏延音线时，要注意把相同高度几个时值算准，弹完第一个音后把拍子延长够；而吉他曲谱中连接两个或两个以上不同音高的圆滑线的演奏，则要用到吉他中一种专门的技术，称为连音或圆滑音奏法。圆滑音奏法不但是吉他中一项重要的基本功，而且是吉他中很有表现效果的一种奏法，同时它还是吉他中多种装饰音的基础。练习圆滑音还对提高左手各指的力量、敏捷性和控制力有很大帮助。连音技巧的重要性应引起每个吉他爱好者的足够重视。
连音奏法分好“上行连音”和“下行连音”两类：
１、上行连音：第一个音用右手拨出，后面的音用左指敲击琴弦发音。
（见谱）
上行连音是用左指敲击发声，所以有时也被称为“敲音”或“锤音”。演奏上行连音时要注意①左指敲击时要果断迅速，敲击前手指不应抬起过高，要象中国武术中的“寸劲”一样运用爆发力锤弦。②敲完音后左指要马上放松，由敲击的大力度状态迅速转换到按弦的小力度状态。③要特别注意时值的准确，圆滑音的时值既不要向前赶，也不要向后拖（一般初学者都容易前赶抢拍），圆滑音的时值应象实音一样均匀。
２、下行连音：第一个音用右手拨出，后面的音用左指拨弦发音。
（见谱）
下行连音是用左指拨出，所以有时也被称为“拉音”或“勾音”。演奏下行连音时要注意：①左指拨弦时要象右手拨弦一样注意音色、注意修剪多余的指甲、清理指尖的硬茧；②在不影响相邻弦的音时，左指拨弦尽量要靠弦。③下行连音除后面的音为空弦音外，拨弦前左指一定要提前按好后面的音。④注意节奏准确。
３、上下行连音的特殊形式－－－不同弦连音
①第一个是空弦或第一音比后面音把位低的下行连音，后面的音要用左手指敲击发音，实际上就是用弹上行连音的技术演奏跨弦的下行连音。演奏这种连音时，要注意第二个音敲出后要及时消掉前一音，尤其是两音为二度音程时。
（见谱）
②后一音为空弦或前一音比后面音把位高的上行连音，这种音事实上无法用连音技术来弹，只能两音都用右手拨弹，但要使后音音头柔和，音量较弱，前一音时值延长一点和后音音头交迭起来，形成一种柔和、圆滑的效果。如两音都为低音应都用拇指连拨以取得一致的音色效果。前一音应在后音出现后消音，尤其是两音为不协和的二度时。
（见谱）
以上两种特殊的连音在乐谱没有特别标出和音乐指法允许时，也可以转换到一根弦上来用通常的连音技术演奏。
连音基础练习
（见谱）
以上练习是两音连音的上下行练习和三音连音的练习，三音连音和三音以上连音是上行连音基本技术的结合。实际乐曲中还会碰到更长的连音甚至左手独奏、双音连音、和弦连音等复杂组合，但其基本演奏技术是一致的。
二、滑音：滑音是吉他中富有魅力和迷人装饰效果的奏法。滑音一般用斜线连接两个音来表示。滑音通常可分为两种①连滑音是指第一个音结束后手指滑至第二个音，第二个音不用再弹，而是用滑音的余音延长，这种滑音和连音有相通之处，所以有的乐谱在斜线上同时用弧线来连接两音表示连滑音，如卡尔卡西二十五首练习曲中第九号中的一段：（谱例略）
②断滑音是指左指滑到第二个音上时，右手再拨一下弹出第二个音，如维拉－罗博斯《前奏曲第一号》的开头和《小罗曼斯》的开头的低音滑音。（谱例略）
还有一种滑音常被人们误解当作另外一种滑音，如《小罗曼斯》中的以下这句，这种情形实际上是用滑音技术演奏装饰音的例子，这里的短倚音，要求滑动时要很快。关于装饰音请参见下一节。
（谱例略）
演奏滑音时要注意左手手指要力度均匀，既不能力度太大，又不能力度过小，手指滑动的速度既不能太慢，也不能太快，要符合音乐表现的需求。滑音还有两音滑音及和弦滑音等更复杂的形式，但原理都是相同的。另外注意在滑音后配合揉弦会使音乐更富表现力。
在实际运用中，滑音（指连滑音）有时还能用于代替连音奏法或两者相互代替，或者两者结合起来演奏复杂的连音或装饰音。
三、装│音：装饰音是用以装饰旋律的辅助音，装饰音常常都很短小，在记谱上用小音符或特殊记号表示，常见的装饰音有倚音、波音（连音）、震音、颤音、回音等几种。装饰音一般用连音（圆滑音）技术来演奏，有时滑音和左手分解和弦的演奏技术也能用于演奏一些特定的装饰音。以下简要介绍一下常用的装饰音。
１、倚音：（谱略）
除了倚音与短倚音、复倚音外，倚音中还包括后倚音。
２、波音（连音）（谱略）
３、震音（谱略）
总之装饰音种类繁多弹法多样，而且在不同音乐时代、不同国家，甚至不同作曲家的作品中，装饰音的记法和弹法都不尽相同，请大家在学习过程逐步深入学习。
十三、泛音
泛音是弦乐器演奏中常用的一种别具特色的奏法。古典吉他上的泛音，音响优美奇特，音色晶莹透亮，宛若清澈的钟声或铃声，在古典吉他乐曲中穿插运用具有独特的效果。也有人把泛音叫做钟声或钟音奏法。
泛音的原理是这样的，当琴弦振动时不仅全弦在振动发音，同时琴弦的不同比例的每一部分实际都在分别振动发音。全弦振动所发出的音我们听得最清楚，叫做基音，我们能听出的音的高度，就是基音的音高。琴弦各部分（1/2、1/3、1/4、1/5...）分别产生的高于基音的音叫做泛音。泛音的多少和强度很大程度决定了音色，但是我们一般都无法觉察到它们的音高，甚至常意识不到它们的存在。泛音奏法就是使泛音单独发出声来并为音乐所用的方法。
吉他上的泛音奏法根据演奏方法的不同分为自然泛音和人工泛音两类。
１、自然泛音：不用左手按弦，在六根空弦上面发出泛音称为自然泛音。因为六根空弦音的基准音固定，所以我们可以用以下泛音表表示吉他各弦常用的泛音。其中1/2泛音位于十二品，1/3泛音位于七品或十九品，1/4泛音位于第五品，1/5泛音位于四品、九品或十六品，其他的泛音不能很清晰发出，很少使用。
常用自然泛音表（见谱）
自然泛音的演奏方法是将左手指（小指最常用）伸直，以指肚轻触泛音点（即相应音品正上方），但不向下压弦，在右手拨响这根弦的同时左手迅速离开琴弦。要发出正确的泛音还需注意①左手指触弦位置一定要准，琴的音品不准时还需轻微调整触弦点以找到最佳位置；②左手触弦一定要轻；③左手离弦和右手拨弦发音一定要果断、同步；④右手拨弦位置要避开同一泛音的另一泛音点位置，否则泛音很难发出。
自然泛音除了用方符头的音符表示外，还有用Harm?、H?、或Arm?的文字标注，或用泛音点品位和弦号标明等多种方法，以下是一首自然泛音小乐曲，我们用英文给出曲名请大家猜猜这是什么乐曲。
ＡuldＬongＳyne苏格兰民歌
（见谱）
２、人工泛音：自然泛音尽管易于演奏，但是吉他六根弦，六个定弦音上的泛音非常有限，又很难连续，无法演奏更多和更复杂的泛音乐句，而人工泛音大大扩大了吉他的泛音数量，几乎使吉他上的每一乐音都能找到相应的泛音。
人工泛音的发音原理是用左手按下吉他上任何一个非空弦音，然后找到以这个音为基音的1/2泛音点，也就是距这个音第十二品格的位置，即这个音弦长的1/2处，象演奏自然泛音一样，用右手１指轻触泛音点，用右手a指（演奏低音弦时有时也用p指拨弦）在离泛音点尽量远处拨弹琴弦，在a指发音同时i指果断离弦，就发出了比基音高八度的泛音。演奏人工泛音左手按弦同时如能揉弦还能美化音色。人工泛音也常被称为八度泛音，因为人工泛音主要由右手完成，所以也被叫做右手泛音。人工泛音一般用表示八度的８va、或Ｏct.来表示。
下谱是著名的《樱花变奏曲》中的一个变奏，整个变奏都用人工泛音来演奏，泛音中还分主旋律和伴奏两部分，请大家认真练习。
《樱花》日本民谣
（见谱）
在古典吉他乐曲中，人工泛音的使用还有更复杂的例子，如在演奏人工泛音旋律的同时还要演奏出泛音或实音的伴奏，或出现双音人工泛音等。这些需要在长期的学习过程中逐步学习，这里不再赘述。
古典吉他自学教程1
古典吉他自学教程刘传、张文亮编著nbsp;第一章古典吉他的历史与现状
要准确追溯吉他的起源实际上是不可能的。首先是因为人类乐器产生的早期距现在十分遥远，大部分木质的乐器在自然条件下很容易腐烂，而音乐本身比乐器更难以保留。如果不运用完善的记谱和录音技术，音乐总是会随时间而逝，很快荡然无存，而且乐器学与音乐学的发展也只是近代的事。所以我们既很难知道古老的乐器的确切结构、当时如何演奏，又不可能知道远古的音乐听起来会是什么样，对于乐器历史的研究往往只能靠片言只语的历史文献或雕塑绘画等考古发现来推测。
尽管如此，人们对于乐器产生的大概过程还是比较清楚的：从模仿鸟兽鸣叫到有音高、节奏变化的喊叫进而产生的声乐，肯定要早于人类器乐的发展。在器乐中最早发展起来并引起人们注意的是节奏乐器，即敲击性乐器。如石块、木头、果壳、骨头的敲击甚至鼓等乐器的出现，在所有的原始民族中敲击性乐器都是很丰富的。中国古代的编钟等就是敲击乐器有了音高变化的高级形式。其次，管乐器即吹奏乐器也很容易由骨管、竹管、苇管、螺壳等的吹奏中发展起来，中国古代的“埙”就是其中的一种。在人类音乐发展中真正具有划时代意义的是弦乐器的出现。最早的弦乐器就是由狩猎武器发展成的乐弓，现在非洲的某些原始部落中还有乐弓存在。在实际使用中，人们往往在乐弓的弓杆上附加上果木壳、龟甲骨头等以增加共鸣，扩大音量。如图：古老的乐弓、古埃及弹拨乐器--竖琴类、古埃及竖琴类乐器演奏图、在以后的发展中，由于人们对音乐的要求不断提高，乐弓便开始向两个方向发展，一种是增加弦的数量以扩大音域，如竖琴、中国古代的箜筱、著名的希腊里拉琴等。我们现在音乐的标志乐徽就是由里拉的形象组成的，其他如古筝、扬琴，就连现代的钢琴都是这一类的弦乐器与机械技术的结晶，足见弦乐器在人类音乐生活中的影响有多么深远；另一种由乐弓演变成了有若干根琴弦并带有琴颈的弦乐器，演奏时以手指把有限的几根弦按在琴颈上改变弦长来扩大音域这一类的乐器繁多，如吉他、鲁特琴、曼陀林、提琴，及中国的琵琶、胡琴、古琴、三弦、阮等等。以上乐器根据其演奏方法的不同又分为弓弦乐器与弹拨乐器等。
乐徽、古埃及弹拨乐器--吉他类
吉他这一类有琴颈的弹拨乐器的祖先，可以追溯到公元前两三千年前古埃及的耐法尔，古巴比伦（两河流域的苏美尔文化）和古波斯的各种古弹拨乐器。考古学家找到的最古老的类似现代吉他（一样具有内弯的琴体）的乐器，是公元前1400年前生活在小亚细亚和叙利亚北部的古赫梯人城门遗址上的“赫梯吉他”。8字型内弯的琴体决定了吉他属乐器特有的声音共鸣和乐器特点，这也成为吉他与其它弹拨乐器（如琴体是半梨形的鲁特属乐器）的最显著特点。
在十三世纪的西班牙，由波斯语逐渐演化成的西班牙语吉他（Guitarra）一词就已经形成，在当时种类繁多的乐器中，已经出现了“摩尔吉他”和“拉丁吉他”。其中摩尔吉他琴体为椭圆形背部鼓起，使用金属弦，演奏风格比较粗犷；拉丁吉他琴体为与现代吉他类似的8字型平底结构，使用羊肠弦，风格典雅。
文艺复兴时期是吉他的鼎盛时期。十六世纪四对复弦的吉他和它的近亲──用手指弹奏的比维拉琴，在演奏与创作方面都达到了很高的水准。吉他和比维拉琴不仅深受民众喜爱，而且还常常成为宫廷乐器。当时的吉他、比维拉大师有米兰（Luismilan）、纳乐瓦埃斯（LuysdeNarvaez）、穆达拉（Alonsomudarra），以及十七世纪时五组复弦的巴洛克吉他时代大师桑斯（GasparSanz）、科尔贝塔（Corbetta）、维赛（Visee）等。他们的许多作品现在仍是现代古典吉他曲目中的不朽财富。当时吉他、比维拉琴等乐器所使用的记谱方法还不是现在的五线谱，而是用横线来代表各弦，用数字或字母表示音位和指法，与现在民谣吉他中使用的六线谱类似的图示记谱法。
当时十分兴盛的乐器还有古钢琴和鲁特琴（Lute）。鲁特琴前身是阿拉伯的乌德琴（UD的原意是木头）。我国的琵琶、胡琴等也是汉朝时由当时的阿拉伯国家即西域传入的。当时著名的鲁特琴大师道兰（Dowland）和魏斯（Weiss）等人的作品经后人改编，在今天的古典吉他曲目中也占有重要的位置。伟大的巴洛克音乐集大成者巴赫所创作的不朽作品如大提琴、小提琴组曲、奏鸣曲的吉他改编曲，在古典吉他曲目中的地位举足轻重，尽管有学者对巴赫有没有创作过鲁特作品提出疑问，但他所传世的四首鲁特琴组曲和少量鲁特作品，首首都具有不朽的价值。巴洛克时期的其他一些作曲家如维瓦尔弟的鲁特琴、曼陀林协奏曲，和D.斯卡拉第的古钢琴奏鸣曲的吉他改编曲都在古典吉他曲中占有重要位置。
十八世纪后期鲁特琴和比维拉琴逐渐退出了历史舞台，五对复弦和其后出现的六对复弦的吉他也渐渐完成了它们的历史使命。1800年前后，全新的六根单弦的吉他以其清晰的和声及调弦方便等优点很快得到了几乎全欧洲的青睐，古典吉他的黄金时代终于到来了。
十九世纪初，活跃在当时吉他音乐中心巴黎、维也纳还有伦敦的最著名的吉他大师有索尔（Sor），阿瓜多（Aguado），朱利亚尼（Giuliani），卡罗利（Carulli），和卡尔卡西（Carcassi）。其中索尔和朱利亚尼除了是吉他大师外还是出色的音乐家，他们以杰出的才华为六弦古典吉他创作了包括协奏曲在内的第一批大型曲目，为六弦吉他日后的发展奠定了基础。尤其索尔在创作上承袭海顿、莫扎特的古典音乐传统，除写作歌剧、舞剧音乐外，还为吉他创作了包括系统的练习曲、教程在内的大量优秀作品，被音乐评论家称为“吉他音乐的贝多芬”。阿瓜多、卡罗利、卡尔卡西的重要作品和他们所作的大量练习曲与吉他教程至今仍是古典吉他中的经典。在十九世纪还有不少音乐家喜爱并演奏吉他，如舒伯特、韦伯和柏辽兹，小提琴魔王帕格尼尼不但擅长演奏吉他，而且还曾放弃提琴演奏，献身于吉他达三年之久，为吉他写下了大量作品。
十九世纪后期著名的吉他音有乐家考斯特（Coste）、默茨（mertz）、卡诺（Cano）、雷冈第（Regondi）等，他们为吉他创作的很多优秀作品都成为了十九世纪吉他音乐的经典。但是不可避免地，在钢琴、管弦乐、歌剧音乐发展的巨大冲击下，吉他在十九世纪中期以后渐渐失去了往日的辉煌，演奏与创作一度处于低潮，这种情况一直持续到十九世纪末吉他才再度复兴。
古典吉他演变示意图：(g25)
吉他在十九世纪末再度复兴的生命力是在西班牙获得的。吉他能在二十世纪蓬勃发展并达到前所未有的辉煌，在很大程度上应归功于“近代吉他之父”泰雷加对吉他从制做、乐器性能、演奏技术直至曲目等各方面的深入研究和革新。泰雷加和他的老师阿尔卡斯一直致力于与吉他制作家托雷斯（Torres）合作，并最终生产出了琴体扩大、音量增大、乐器性能明显改善的现代古典吉他。毕业于马德里音乐学院和声与作曲专业，并且是位出色钢琴家的泰雷加尽管公开演出不多，但一生潜心研究吉他，创立了全新的演奏方法，创作了大量糸统和科学的练习曲与出色发挥吉他乐器性能的不朽名曲，他还选择改编了许多适合吉他演奏的古典音乐名曲，以扩大吉他的目曲范围。泰雷加的杰出贡献以及他的学生、后继者柳贝特（Llobet）、普霍尔（Pujol）等人的不懈努力，终于使古典吉他在十九、二十世纪之交重新获得了新的生命，为二十世纪吉他的辉煌打下了坚实的基础。
二十世纪古典吉他强大的生命力是由伟大的吉他大师－－塞戈维亚（127;AndreSeqovia1893-1987），以其近七十年的演奏和探索一步步推向高潮的。塞戈维亚以他超凡的天才、坚定的信念和坚持不懈的努力，使吉他最终摆脱了沦为酒店、咖啡馆民间乐器的命运，使古典吉他作为音乐会独奏乐器的魅力被音乐界与世人所公认，最终使吉他克服了种种偏见，成为了和钢琴、提琴一样被人们广泛喜爱的高雅乐器。塞戈维亚遍及世界各地的频繁演出不但使全世界了解了古典吉他，使吉他在全世界流行开来，还吸引了许多专业作曲家为吉他写下了大量高水平的音乐作品。这些作曲家中最著名的如：为吉他写下《五首前奏曲》与《十二首高级练习曲》的巴西作曲家维拉-罗伯斯（Villa-Lobos），《阿兰胡埃斯》吉他协奏曲的作者罗德里戈（Rodrigo）等。塞戈维亚还为吉他改编了大量著名音乐作品，如巴赫的无伴奏小提琴作品《恰空》等，大大丰富了古典吉他的曲目，最终使古典吉他的曲目在二十世纪无论在数量和质量上都达到和其他重要乐器一样的水平。在本世纪初几乎没有一个音乐学院开设吉他专业，塞戈维亚不但积极从事教学工作，培养了大批年青的吉他演奏家，他还鼓励世界各大音乐学院开设吉他专业，并鼓励他的学生们从事教学，而到现在世界上几乎没有几个著名的音乐院校不把古典吉他列为重要的专业。这是塞戈维亚对古典吉他的又一巨大贡献。现在活跃在世界各地音乐舞台上的无数优秀的吉他演奏家，几乎没有一个不直接或间接受过塞戈维亚的教诲或影响的。虽然大师已经离开了人世，但是每当我们演奏起吉他、或是学习吉他、或是观赏吉他演奏、聆听吉他音乐，甚至仅仅是谈论起古典吉他时，我们实际上都是前进在大师以毕生的功绩铺就的宽阔大道上和不朽的光辉中，尽管我们末必能时刻意识到这一点；但世界上不时响起的古典吉他那迷人的乐声，则是对大师最好的纪念和赞颂。
对二十世纪吉他音乐产生重大影响的其他音乐家中，特别值得一提的是巴拉圭吉他奇才巴利奥斯（AgustinBarriosMangore1885-1944）。具有印第安血统的巴利奥斯自称为“吉他中的帕格尼尼”而且毫不为过，他除了是位出色的吉他演奏家和作曲家外，还是位哲学家、画家、宗教学者和诗人，除了在世界各地成功地巡回演出外，他还是第一个为古典吉他录音的演奏家。巴利奥斯出色的艺术才华在二十世纪的大部分时间里并末得到世人的公认，本世纪后期巴利奥斯以多种风格创作的大量丰富多彩的吉他曲逐渐被发掘出来，并成为了古典吉他音乐中最重要和最受人喜爱的曲目之一。
二十世纪在塞戈维亚之后产生的杰出的吉他演奏家和吉他艺术家难以计数，我们将在本教程的最后一讲中专门向读者介绍二十世纪最著名的吉他演奏家和他们最具代表性的经典录音，作为吉他音乐欣赏指南。
古典吉他自学教程
古典吉他自学教程 乐谱
标准乐谱(即五线谱)
乐谱就是在纸上代表音乐声音的书写符号。吉他手们很幸运，可以用两套互补的乐谱体系来描述所弹奏的音符;即标准乐谱──五线谱和符号谱──六线谱。
标准乐谱即五线谱是钢琴、提琴及管弦乐器等共用的乐谱体系。它由五条线和，一个叫高音谱号的符号组成。符头在五线谱上的位置决定了它的音高(由一字母表示)，音符形状(符头、符干、符尾)决定了节奏(音长)。
音符的组成
一个音符的音高由它在五线谱上的位置决定。符头是否充实表示其音长。
符干是否存在表示音的长短。
符尾是否存在表示音有多短。
当在同一行中有一个以上音符带符尾，这些符尾由梁代替，梁与尾的长度正好一致。这样易于读谱。
符号谱(即六线谱)
符号谱采用六条线，每一条线代表吉他上的每一根弦。最上面的一条线代表吉他的第1弦，最下面的一条线代表吉他的第6弦。
在线上放上数字，可以表示某弦的某个品位的音，数字0表示某弦的空弦音。例如：
对于吉他手来说，六线谱相对于五线谱的明显的好处在于：它能告诉你在什么位置正确地弹奏一个指定音符。例如：这个音符(高音E)
在吉他上可以在五个不同位置弹奏：
六线谱在表示音符的把位时尤为方便，它以图解形式告诉你在什么位置换弦，什么时候转换把位，而五线谱则无法象六线谱一样处理把位转换。
数字谱(即简谱)
它主要用阿拉伯数字来表示音符，简单明了。
通过上述三种乐谱的结合，你应当非常清楚地知道在吉他上怎样和从哪里寻找音符，以及这些音符的长短。本书中所有谱例将同时用五线谱、简谱、六线谱编写。
节奏
音乐有两个主要组成部分：节奏和音高。节奏是指音符如何及时发声及相互之间的联系。每一音符相对音乐节拍都有一定的音长。节拍是音乐的基本组成单位，也叫拍子。当你跟着音乐拍脚(即用脚打拍字时)，你是在随着节拍动作。
随着音乐拍子有规则地拍脚是一种应培养的技能。这会让你实际地感受到节拍，而你的手可以抽出来根据脚所打出的拍子在吉他上弹奏。这使你能感觉到音符和节拍的关系。
节拍通常成组重复。在乐谱中，我们把音乐分成这些重复的组。一组所占的时间称为一个音节(俗称小节)。每个小节的边界由竖线来表示，这叫做小节线。
乐谱开头的节拍符号表示每一小节有几拍，以何种音符为一拍。在这个例子中，音乐是4/4拍。
这意味着以四分音符为一拍，每一小节有四拍。
四分音符是根据它在4/4拍中占一个小节的1/4而命名的。4/4拍应用相当广泛，因而也被称为普通节拍。
音符时值
下面是4/4拍中基本的音符时值：
=全音符-4拍 一个全音符占一小节或4拍
=半音符-2拍 一个半音符占半个小节或2拍。两个半音符占一小节，相当于一个全音符的时值。
=1/4音符-1拍，一个1/4音符占1/4个小节或1拍。
=1/8音符-1/2拍 一个1/8音符占1/8个小节或1/2拍。2个1/8音符相当于一个1/4音符的时值。8个1/8音符占一小节。
这是每个音符时值的计拍方法：
为了很好地掌握节奏，你必须会数节拍。试练习：开始慢速用脚打拍子。保持平稳似钟摆的节奏，这样每拍之间的间隔正好一致。一边拍脚一边计数，按4/4拍的拍子数，数到4后便反复，象这样:1-2-3-4，1-2-3-4。
要保证你的计数发音与脚拍同时进行，确保在4(一个音节的末尾)和1(下一音节的开头)之间的间隔与任何两拍之间的间隔一致。换言之，在一个小节的第4拍和下一小节的第1拍之间无间断。
其它表示节奏的方法
你可以用附点、连结线和休止符来改变一个音符的长度。
一个附点把一个音符的时值延长一半。
连结线是连结两个具有相同音高的音符的一条曲线。连结线指示你只弹第一个音符，这个音符的音要持续两个音符相加的时值。
音符之间的静止由休止符表示。休止符与发声音符一样分有长短。一个休止符表示某段时值不发声(不弹奏，没有持续的音符声)。
音高
一个音符的音高是指这个音符发声的高低。
在五线谱中，音高用字母：A，B，C，D，E，F和G表示。
一个音符的音高在五线谱上由符头落在哪条线或间上来表示。
在简谱中，音高用阿拉伯数字：1，2，3，4，5，6，7表示
右面是对应的简谱
下面是吉他空弦音(标准音高)在五线谱、简谱及六线谱中的表示方法。
下面是吉他3品内的一些自然音符(无升半音号或降半音号)：
这七个自然音符可以通过使用升半音号和降半音号来改变。一个升半音号(#) 把一个音符提高平音──吉他上一个品的距离。一个降半音号B把一个音符降低半音(一个品)。一个改变后的音符可以被称为升半音或降半音。例如，在第1品，第3弦上弹奏的音符可根据情况称为G#或Ab
节奏型
在弹奏节奏吉他时，光读节奏而不管音高显得较为容易。这样只有和弦发音，可使用节奏型来标示。
和弦发音由这样的图表表示(称为和弦图)：
这仅仅是吉他琴颈的一张图。图中圆圈表示你手指的位置，和弦图框上的字母0表示要弹奏的空弦，图框上的表示不弹奏的弦。圆圈中的数字表示用左手哪个手指去按弦。
节奏型看起来象没有符头却有切口的音符。符头、符干和符尾依然表示节奏型的节奏时值，但你不用去反复读一组音符，你只要读一下和弦标记，然后根据节奏型所示弹奏。
例如，若你要用四分音符来弹奏这个和弦，则用五线谱和六线谱来标记就如下图所示：
但更为简单、更好的方法是给出和弦图，并告诉你这一节奏的节奏型。
这样读起来就容易多了!
古典吉他自学教程 吉他音乐欣赏
对于学习来说，最重要的事情莫过于去听音乐了。任何欣赏音乐的指南都无法替代亲耳聆听音乐，正如任何游泳教程都无法替代亲身下水的体验一样，只有以身心沉浸于音乐中时，才能真正开始认识和理解音乐，这也正象只有亲自入水哪怕只是先走一走，才能真正了解水性并且开始学习游泳一样。
学习演奏或许是开始于学习手指如何运动，学习音乐理论或许是开始于如何认谱认音符，但是对于音乐本身的学习来说，则永远开始于被音乐吸引的一刻，开始于聆听音乐和欣赏音乐的过程。而在音乐演奏中十分重要的音乐表现，也仿佛根本不是开始于模仿，而是开始于表现音乐和创造音乐的原始冲动，尽管起初的音乐表现可能稚嫩、笨拙和不恰当。
每一个已经开始或准备开始学习音乐的人，不论他是学习器乐或声乐，吉他或其他乐器，古典吉他或民谣吉他，都应特别重视聆听和欣赏音乐，就象只有在水中才能真正学会游泳，在空气中才能真正学会飞翔一样。只有尽可能多欣赏音乐才能逐步增加对音乐的了解和理解，激发音乐表现和创作音乐的灵感和潜力。
一、音乐欣赏的层次
1、美感阶段：当我们被某种音乐、某首乐曲或是某种乐器独特的声音吸引时，我们就进入了音乐欣赏的美感阶段，不过与其说美感阶段是音乐欣赏的一个层次，还不如说它是音乐欣赏的前奏更合适，美感阶段是音乐欣赏的前提和开始。当然，美并不是客观实在，对不同事物、不同艺术与不同音乐的美感趋向代表了一个人潜在的审美倾向。
2、感性阶段：音乐是感情的艺术，我们几乎是在被特定音乐吸引的同时就开始了感性欣赏，音乐总是强烈地唤起我们的喜、怒、哀、乐，唤起我们或激昂、或崇高、或缠绵、或感伤的种种情感体验，同时深深唤起深藏在记忆中的情感断片与音乐相互激起强烈的共鸣通过想象、音乐常会激发人们联想起峨峨高山、洋洋江河、春日余晖、或月下徜徉，时而是命运严峻的敲门、时而是梁山伯与祝英台的情真意切、肝肠寸断音乐带给人们的体验实际上是超越语言的、是语言所无法表达的，但是在感性欣赏阶段音乐就象流动的诗与画一样，可以通过联想借助语言来描述或交流，反过来许多细致入微的文字性的欣赏介绍可以有效帮助听众进入感性欣赏阶段。标题音乐的标题解说或描绘性的曲名也能启发听众想象，有助于感性阶段的欣赏。
3、理性阶段：有一定音乐基础和欣赏水平的听众几乎在感性欣赏的同时就开始了理性阶段(或层次)的欣赏。如果说感性欣赏带给我们的主要是情感体验的话，那么理性欣赏更多地是让我们认识音乐的思想内涵和音乐本身的结构、组成特点。
以上三个阶段并不是截然分开，而是相辅相成、密不可分的。一般当我们进入感性欣赏层次时，我们肯定同时也在进行美感欣赏;当我们在理性欣赏的时候，我们可能同时也在进行美感和感性欣赏。这三个阶段是渐次提高，欣赏层次是逐步深入的。
经常会有人说我不懂音乐，我不会听音乐，也听不懂音乐。实际上是一种误解。音乐是一种感性语言，并不象语言文字一样有确切的含义。当我们能觉得某种音乐、某首乐曲好听、甚至觉得听点音乐比没有声音更愉快时，你就已经懂音乐并且已经在欣赏音乐了，或者更准确地说你至少已经开始懂音乐，开始欣赏音乐了。如上所述，欣赏音乐是有层次之分的，在不同层次或阶段我们从音乐中所得到的多少是不同的，欣赏音乐的目的中美化生活陶冶情操占很大比重，不一定要求每个欣赏者都能达到专业的理性欣赏程度，但对于学习者来说则应该尽可能地提高欣赏水平，这样我们才能从音乐中得到更多。
二、如何提高欣赏音乐水平
对于一般的音乐爱好者而言，欣赏水平达到在美感和感性水平就已经够了，而对于正规学习音乐演奏和希望从事音乐专业的人来说，仅仅停留在随意的美感阶段和描绘性的感性阶段就远远不够了，进行有目的、有针对性、专门的理性欣赏才能使自己逐步真正了解音乐的本质及其表现，才能真正促使自己的音乐水平和演奏水平得到有效提高。以下就如何提高欣赏水平给大家提几点建议。
1、具备相应的音乐知识是欣赏的基础：举个简单的例子，有许多的吉他爱好者会弹《爱的罗曼斯》，但是如果问他这首乐曲的旋律是什么，是哪些音，有不少人恐怕会一无所知。很显然不知道旋律的概念，就很难在欣赏时清楚地注意旋律的进行，不知道旋律在乐曲的什么地方，又怎么能在演奏时使旋律突出、连贯、浮现于和声之上呢?只有在对音乐的构成及各要素--如旋律、节奏、和声、对位、以及声部、强弱、分句、曲式等等有充份了解的基础上，才能谈得上正确的欣赏，才能通过欣赏进行有目的、针对性的学习。不知道变奏曲为何物怎么能欣赏魔笛?不知道复调是什么意思又怎能欣赏赋格曲呢?
另一方面，了解乐曲相应的背景知识，如时代背景，曲作者的背景和特定乐曲的创作背景，也是正确进行音乐欣赏的必要基础。如不知道道兰是何许人，生活在什么时代，怎么能正确欣赏道兰的鲁特琴音乐呢?如还分不清巴赫和贝多芬是谁，也不知道巴赫的宗教背景，又怎么能谈得上正确理解巴赫音乐呢?如不了解《阿兰胡埃斯》的第二乐章是在罗德里戈失去孩子之后创作的，甚至还不知道罗德里戈是位盲人，也就很难深入内心了解他的音乐不了解就谈不上正确欣赏，更谈不上正确理解或正确评价。同样了解其他相关的背景如演奏者的背景知识也会对欣赏有所帮助，如还分不清吉他演奏家约翰威廉斯和美国的作曲家指挥家约翰威廉斯不是一个人，又怎么能正确欣赏威廉斯的吉他演奏呢?
总之，每位吉他爱好者、学习吉他的学生和从事吉他工作的老师，都应不断充实自己的音乐知识、音乐史知识与音乐艺术相关的背景知识以我们讲到的吉他专业知识，才能不断提高自己的欣赏水平和专业水平。
2、具备吉他专业知识是欣赏吉他曲的必要前提：对于吉他演奏者来说，在正确了解吉他各种专业知识的基础上进行有目的、针对性的欣赏，能使演奏者从音乐欣赏中汲取很多营养，促进自己演奏与音乐水平甚至教学水平的提高。
我们是用耳朵听见音乐的，但是我们永远无法用耳朵来欣赏音乐，只有大脑和心灵才能真正聆听和欣赏音乐。所以充实大脑理性的判断力和心灵丰富细腻的感情是提高音乐欣赏能力的关键。试想一个空洞的大脑和泛味的心灵，既使再加上一个比他人灵敏一百倍的耳朵，能正确欣赏音乐吗?如果再加上一个肮脏的灵魂，能够感受和传递音乐的美好吗?所以充实自己的专业知识和充实思想感性一样，都十分重要。
如果不了解吉他演奏多声部音乐的特点，就无法欣赏演奏者对声部的处理多么巧妙，无法体验曲作者富于天才的多声部创作。如不了解吉他音色的丰富多彩，就无法欣赏演奏者对吉他音色的巧妙和创造性地运用，无法欣赏作者管弦乐般的音乐思维和乐曲蕴含的交响性、戏剧性。不了解吉他揉弦的知识和魅力，甚至在听完音乐时都不会意识到揉弦的存在，更不用说欣赏演奏者对于揉弦细致入微的处理和变化了。如果不了解轮指的各种要求，在欣赏时也就不会意识到演奏者轮指技术和处理的过人之处，也就不会发现演奏者有何不足之的地方。总之，要注重吉他专业知识的学习。
3、欣赏音乐要有正确的欣赏心态
①要分清听音乐的不同层次要求。当我们斜靠在沙发上读书看报，或是在走路吃饭时听音乐和坐在音乐厅里听音乐。
②音乐是用来听的，而不是看的。不少吉他爱好者在看音乐会时要买最前排的票，或在中场休息时尽量往前挪，说是为了看清演奏家的手是如何运动，这样往往不但看不到演奏家细微的动作，而且使自己对于音乐充耳不闻，由于前排在听吉他时音色会很干涩，这样也无法欣赏到演奏家和吉他真正的音色。真正适合吉他欣赏的是在大约十排以后，如果要兼顾看一看的目的，可选择十到十五排或是更远带望远镜。总之除了歌剧等综合艺术外，听音乐时应该更多的用心灵去聆听，而不是去看，甚至眼睛有时都是多余的。在古典音乐的表演中我们很难看到场面壮观与宏大，这和看京剧或逛庙会是不同的。1995年约翰威廉斯在访华音乐会后很多人表示了失望，看来当时很多人是来看音乐会的，而不是听音乐会的，当然，在威廉斯来华机会的珍贵，和人们把他作为世界吉他精神领袖的巨大崇拜下，人们不由得产生超越于音乐的期望是十分正常的，然而音乐家不是振臂一呼的政治家，我们的失望实际上是眼睛的失望，因为实际上威廉斯的音乐深刻而又完美，现场演奏都象唱片中一样天衣无缝。
③听音乐时应以欣赏音乐为主，欣赏技巧为辅。这一点上一节已经提到，不论是在听音乐会或是听唱片录音，永远都要以音乐为主，这首先是由音乐在音乐演奏中绝对的重要性决定的。其次是因为在快速的演奏中要细致地觉察各种演奏技巧实际上很困难。当然在学习中如需要特别听听演奏的发音、换把、揉弦、轮指消音等技术时则要尽量忘掉音乐，集中注意于技巧来认真分辩与分析。
④听音乐时应怀着虚心的良好心态。经常听到人们这么谈论，这场音乐会太次了，出了好多错音等等。诚然在商品经济冲击下的今天是有个别音乐会质量不尽如人意。但是我们要牢记住一点。就是我们听音乐不是为了听错音而去的。音乐家带给我们的有许许多多比个别的错音重要的多得多得的东西值得我们加倍注意。在现场演奏中，有时因为演奏家不在巅峰状态，有时因为临时状态不好，或受环境噪音等影响，出一点小的错误是很正常的，如果我们弃美玉或宝石不用而只盯着一点点小的瑕疵那我们就目光太短浅，也太愚蠢了。
古典吉他自学教程 和弦的同时演奏和消音练习
1、和弦的同时演奏
吉他上常用到的和弦齐奏有两个、三个、四个、五个到六个不等，其中最基本的形式是四个音的和弦齐奏。四个音的和弦正好用到了右手每一个拨弦手指。两个音的同时演奏只能奏出和弦的部份组成音，很多时候是用来演奏和声音程，即一同发声的两个音，或称双音，弹双音时只用pima四个手指中的两个就行。五个音或六个音和弦齐奏时则必需用其中的一个手指快速拨弹两三个音，最常见的是p指或a指扫弹，有的演奏家甚至会用到很少使用的右手小指。
整齐和响亮是和弦齐奏应达到基本要求，为达到这两个要求：①左手在演奏和弦时 ima指应尽量并拢，以一个整体用力来拨弦，这样弹出的和弦才能整齐，在时间上一致，在音量上统一。如果右手手指互相分开弹奏和弦，就会出现和弦松散、不整齐、音量大小不一致的现象;②和弦齐奏在技术上实际上是多个不靠弦的同时演奏，在弹和弦时右手p指和ima指应一起用力把弦捏起来，并作出一个向下的绷弦动作，然后再弹响和弦，这样才能使和弦响亮，有时和弦中隐藏着旋律进行时，还需要弹旋律的手指多用力向下绷一些。如果右手弹和弦时没有绷弦或笙叶?鳎?⑶曳⒁羰笔种赶蛏瞎聪遥?敲吹?龊拖铱隙ɑ嵘?舻ケ∥⑷酰?羯?植谀烟?
下面我们以空弦音来练习各种和弦的同时演奏。
⑴四个音的和弦
①注意弹和弦时右手捏弦和并拢的技术动作。
②当ima指隔弦弹奏时，右手各指也要尽量并拢来弹。
③当演奏低音弦时，右手弹弦方向应与琴弦垂直以防止杂音的产生。
⑵三个音的和弦
⑶两个音的同时演奏
①两个音同时演奏时右手也应象多个演奏时一样捏弦和并拢。
②c组练习请先用(pi、pm、pa)拇指与单指的练习，然后使用拇指与ima交替练习(pi、pm、pi、pa、pm、pa)。
2、和弦同时演奏的应用练习
我们先把上一讲学习过的卡尔卡西25首练习曲第2号的和声骨干还原出来，再以此基本的和弦进行编排各种类型的和弦同时演奏的应用练习。这样在以一首乐曲进行多角度透彻练习多种演奏技法同时，还能对音乐及其要素和构成有更深的理解。
我们把乐曲的每一个和弦都按其时值写成一个柱式和弦，这样就得到了这首乐曲的和声骨干，下面是练习曲第2号第一段的和声骨干，乐曲的第二段请大家作为练习自己作出，第二段中的经过句有两种处理办法，一种是保持不变，仍然弹成经过句，二是也写出它的和声结构来，在这首乐曲中经过句的和声和它前面的和弦是一致的---这样的学习方法也可用于著名的维拉-罗伯斯十二首高级练习曲的第一首分解和弦的学习。
下面我们把这首乐曲的和声骨干进行各种节奏变奏，以练习各种和弦演奏。
3、消音的技术
在音乐演奏中有两类声音需要消除，一类是杂音，如左右手在接触弦和在琴弦上移动时蹭弦(尤其是低音弦)的声音，左手按弦位置不正确或右手错误钩弦产生的打品声音，左手音没有按实产生的杂音，左右手碰到正在振动的琴弦发出的嗡嗡声，不必要的滑音，其他还有如脚打拍子的声音(练习时除外)，粗重的呼吸声，还有乐器不合格产生的种种杂音，这一类杂音应在基本技术的学习中和练习的过程中得到有意识的避免和解决。第二类需要消除的音是演奏中不必要的乐音，吉他演奏中的消音技术主要是指这一种，消音技术是吉他技术中最常被忽略的技术之一。在音乐演奏中如何控制一个声音比发出一个声音更为重要，何时停止这个声音是控制的重要部分，这正是消音技术应该解决的。
常见的需要消音的情况有如下几种：①休止符，休止符不能仅仅理解为不弹就行了，除了在乐曲开头、段落开头和暗示节奏的休止符以外，大部分的休止符实际上都是要用消音技术演奏出来的;②乐曲终止或段落、乐句终止时;③为加强旋律的分句和在音乐句逗、呼吸时有潜在休止符的地方;③和弦低音变换时消除低音对和声清淅度和和协度的影响，这其中也包括弹强音时低音空弦被激起的共鸣音。④断奏或需要以顿音加强节奏感的段落。
消音的方法千差万别原则上能使不需要的乐音停止发声的方法都可用作消音技术。总的来说，消音技术从消音所用的手的部位不同可大致地分为两大类：第一类是用拨弦的右手手指或按弦的左手手指来直接消音的直接消音法，如右手发音后以拨弦手指指尖肉垫按住琴弦消音，或左手按弦手指果断放松，浮在琴弦上来消音。第二类是用正在按弦和拨弦的手指以外其他部位来消音的间接消音法，常见的有：用右手手掌小指一侧或拇指根部按住琴弦消音;右手拇指靠完弦后以指甲侧面的指肉触靠相邻的低音弦消音;左手手指伸直迅速按触琴弦来消音。
4、消音练习
⑴消音练习曲
①这条消音练习曲主要用来练习左右手的直接消音，消音时尽量同时运用左右手的直接消音，并使左右手互相协调，共同完成消音动作，以使左右手直接消音得到均衡训练。
②和弦为空弦时，用右手直接消音即可。
③第四小节和第五小节的四个和弦请用右手拇指扫弹，消音时用右手手掌间接消音。
④结尾和弦在时值延长够后用右手手掌间接消音，止住全部琴弦。
⑵用卡尔卡西二十五首之二进行消音练习。
把我们已经学习过的卡尔卡西练习曲No.2的和声主干进行如下的两种节奏变化，这首练习曲就可以成为一首很好的消音与和弦练习曲，练习时注意左右手协调配合，同时练习两手的直接消音。
⑶其他的消音练习曲
专门能用作练习消音的乐曲在吉他曲中为数不多，有一定程度的学生可以练习塞戈维亚编选的索尔二十首练习曲中的第九号(索尔作品原编号Op. 31练习曲集之20)，这是一首练习消音与和弦演奏的极好练习。另一首练习消音的著名练习曲是考斯特二十五首练习曲中的第二十二首《A大调练习曲》。
5、乐曲中低音的消音
消音技术在乐曲低音的消音运用上具有重要的实际意义，低音是和声的基础，如在和弦进行中不及时消去低音和弦外音，将使音乐和声混浊不协和。
低音的消音依据低音的连接方式不同可分为几种类型。第一类是不连续低音的消音，不连续的低音之间往往由休止符隔开，这时除了低音和其他上方声部节奏相同的可用右手或左手间接消音止住全弦外，一般都需要由右手拇指用间接或直接消音来准确控制低音音符的时值。要特别注意许多不连续的低音往往是形断意不断，要注意不连续的低音间的音乐延续性。
上述不连续的低音由于时值的限制一般不会对和声造成影响，这一类消音也更偏向休止符的弹法，真正需要注意的是连续的低音间的消音，这一类消音若不细心处理，常会严重干扰和声，从乐器音响学的角度来说，一般较低的音要比较高的音对和声的影响大得多，所以在连续的低音进行中，要特别注意低音上行后一定要及时消掉前一音的余音，所用的消音方法以右手拇指的直接消音最常用。在低音下行时如果两音在相邻弦上，拇指靠弦的同时就会消掉前一音，由于低音下行既使前一音不消也不会对和声造成很大影响，在实际演奏中可以忽略。另外，由于吉他乐器本身的特点，当低音在同一弦上变动时，也没有必要考虑消音，所以看似十分复杂的低音消音只要懂得其中的道理和规律也就不难掌握了。
民谣吉他教程 如何创造精彩Solo
这次的民谣吉他教程，来给大家说说如何创造精彩Solo。
民谣吉他教程 如何创造精彩Solo
你已经掌握了你所知道的所有理论、音阶和调式把它们都忘了吧!你知道怎样才能不再去弹那些连复段、音阶和调式，而进入旋律和感觉吗?你如何表达你的愤怒、惊恐、悲伤和喜悦，并且把它们融入到一首歌曲中?为什么有的音乐能够强烈地改变我们的情绪呢?由快乐变得内省、由伤感变得乐观。
上面这些问题的答案就是感情!你所体会或表达的每一种感情都能放到一段solo或者一首歌曲之中。规则如此简单，但是很多人偏偏却忽视了它。你的感情你的solo听众的耳朵听众的感情，如果你把这个技巧练好了，他们就会感受到你在演奏时你所感觉的东西。这可能就是所谓的心灵感应吧。
下面是一个我自己的故事：我曾经写过一首歌，歌曲是关于我小时候渡假常去的一个地方，歌名叫《Cambria》。Cambria是一个靠海的小镇，我想描绘的情绪是我去海边的那种感觉。我通过在写歌和编solo时不断在脑海中回想Cambria来做到这一点。结果呢?一些不知道这首歌曲主题的朋友们告诉我，这首歌的气质很流畅，让他们想起了大海!
那是我第一次尝试我的理论，并且它最终被证明是对的。任何人都可以用相同的方法让任何一首歌或者solo的色彩得到增强或者原汁原味地表达出来。
红辣椒乐队的贝司手Flea提出了一个令人惊讶的、在演奏中推动感情的技巧。以下是我对他的方法的理解。跟很多练习一样，记录谱例很简单，但是真正去弹的时候就完全不一样了。因此，不要只看那些练习，要真正动手去弹，然后产生你对它们的理解，也就是你的演奏版本。当然，你也不要太拘束，让那些音符出来吧!
首先，拿起你的吉他，接好线，准备solo;然后，目标是在吉他上弹奏出你所感受到的情感。
1、你的女友(或者男友)告诉你，在你们相处5年之后，她/他想与你分手。
现在，在吉他上弹出你的感觉。体会、想象、感觉，并且使这些情感在你的吉他上具体化。将每个练习弹1分钟左右。
另外，你还做这些可以尝试：
2、表达你初吻的感觉;
3、你最喜欢的食物的美味;
4、坐过山车;
5、仇恨;
6、在一个凉风习习的晚上仰望星空;
7、喝高了的感觉(本条不针对18岁以下的吉他手);
8、被人打了一耳光;
9、激烈的辩论;
10、跳进了冰冷的湖水。
你还可以继续补充属于你自己的感觉，然后弹奏它们。
如果你坚持用这些练习进行实验，你很快就会发现在吉他上表达自己的感情其实并不是一件多么难的事情。使用这些技巧带着你的听众到充满感情的世界里走一圈吧。
Steve Vai也使用一种相似的技巧，但他是反着来的。表面上，他是表达他的吉他弹奏(说话)的感情。很久以前我就听过，如果你曾经看过这位大师演奏，你就能看到每个音符都变成了他本人。
无论你玩什么类型的音乐，摇滚、激流、乡村，任何一种你都要永远记住吉他只是一个表达你感觉的工具。真正的乐器是你自己!
吉他弹唱自学教程
虽然自学吉他比被教导难以学习，但是自学吉他并不是没有可能性。下面是小编给大家整理的吉他弹唱自学教程，供大家参阅!
吉他弹唱自学教程：如何自学吉他不管你是纯粹的想自学，还是没有找老师学习吉他的时间或精力，希望我写这一篇文章，对你们能有所帮助。
1、前提准备
要学习吉他，那你肯定必须有一把吉他，对于初学者来说，买一把一般的就可以，但我建议 你别买太次的，因为等你弹时间长了，你会发现次的琴不仅音色次，手感次，更重要的是 影响弹奏，， 吉他准备好了之后，就要去你所在地的书店转一本关于吉他自学的书了，因为有书就有学习的主题， 书上会给你分几个章节，循序渐进，只要自己慢慢按部就班的来，就不会有太大的问题。
2、开始学习
首先，你要先弄清楚吉他的构造，有几根弦、怎么排序，、六线谱的识别方法、和弦图的识别方法等等。
之后你就要按照书上说的持琴姿势，各个动作要领，左右手指法，不断熟练巩固， 一般最初你要学一下简单的音阶，比如C大调音阶，弹得同时，一定要注意自己的左右手配合默契。
更要注意左右手的指法， 音阶弹熟之后，可以利用这个音阶弹一下简单的单旋律曲子，比如，小星星、 多年以前、莫斯科郊外的晚上等等。
接下来，就要学习一下吉他弹唱中最为重要的东西了---左手和弦、右手节奏型 最初学习和弦，你要先学习C、G两个调的和弦，，你买的书上都有，，先按照书上的和弦图把和弦按好， 然后右手拨53231323，四四拍，、532123，四三拍，等简单的节奏型。
可能你左手会有这种感觉， 手指不方便、指型难受、手指尖会疼、整个手都很僵很疲等等，但这只是最初你要克服的小问题， 你只需要不断的反复，不断的熟练，把不习惯变成习惯就好了。
当你把某几个和弦按熟之后，接下来需要你完成一个艰巨的任务，那就是，把你所学的这几个和弦连接， 用左手按和弦右手拨弦的方式连续不断的弹奏出来，这里说的连续不断的意思是，把每两个和弦转换的 时间缩短到最少，甚至是一步到位，不会影响到整个节奏的连贯性，，练习和弦的连接的时候， 你当然也可以弹奏几首简单的曲子，这样不仅学会了曲子也锻炼了左右手 最后的任务就要不断反复的练习了，要想把C、G两个调的和弦按得熟练，一般至少需要半年左右的时间吧 ，当然不排除你很勤奋，可能两三个月甚至是一两个月就搞定的情况，，把C、G两个调的和弦以及右手 简单的节奏型都练习熟练后弹奏这两个调的歌曲应该都不是问题了
3、进阶学习
进阶学习中大体上分两个部分，一是歌曲弹唱中的各类和弦、右手各类分解、扫弦节奏型 二是各类指型的音阶，la指型、sol指型、si指型、mi指型等等吧，、各种独奏乐曲明白大体要学习的内容之后，你不仅要多接触各类左手和弦，你更要多关注一些歌曲的前奏、 间奏、尾奏的solo。单独的古典曲子的弹奏，各种轻音乐或指弹音乐的作品。 对于进阶学习来说，学习一些乐理知识会对你帮助很大 4、借鉴学习 对于这一阶段的学习，光靠自学已经不能满足自身的需要了，可以这样说，你必须要多找出色的老师学习了 学习一些特殊的技巧，细节的把握，对作品的整体处理，记住，吉他的学习也是学无止境的 5、总结 吉他学习不像是学习数学公式一样，记住了、知道思维步骤过程了就会了、多做几遍就能熟能生巧的 东西，这是一个不断反复不断巩固的长期学习的过程，应有坚定的信心和锲而不舍的精神，明白这一点， 加上自己的不断努力想弹好吉他，不是问题。
吉他弹唱自学教程：初学者吉他自学快速入门步骤我说一下学吉他的步骤吧，不过我说的这个步骤只是让你快速的入门，快速的可以自己弹唱歌曲，这个步骤里面没有提到基本功的练习，也没有提到乐理知识的学习，我只是想让你快速培养出你对吉他的热爱，有些人学了一个月了，还是弹几个简单的单音，学习乐理知识，越听越难听，最后可能就放弃了。当然我的意思也不是说基本功和乐理知识不重要，其实这些还是相当
重要的，只是让你入门弹唱时，这些可以先缓一步去学，快速入门后再巩固这些。
第1步，认识吉他谱，吉他谱一般分两部分，就是和弦图和六线谱两部分，和弦图是左手的按法，六线谱是有手的弹法，你先去教材上面认真看看，和弦图和六线谱是怎么认的，上面的
数字都是代表什么，要牢记在心。
第2步，先练习右手，练右手的时候，就不用左手，左手扶着琴颈，不要碰到弦就行了，右手先把最常用的这几个节奏练熟吧，比如532123,53(12)3,53231323，这三个节奏先练熟，你要狠下心去练习，最慢花一整天也能练的很熟练了，真不行花两天也行，一定练到很匀速，不出错，不用看弦就可以熟练的弹出来，达到这样的标准，具体的这些怎么去弹，去教材上面看吧，
这里也不多说。
第3步，练习按和弦，最长用的和弦：C，Am，Em，Dm，G，F，Bm，等吧，这几个和弦如果练会，差不多所有的流行歌曲都可以弹了。你先知道这些和弦怎么按，然后在研究怎么转换，每个和弦直接的转换都的练熟，一步到位，练和弦转换的时候，右手随便弹一个节奏就行，或者扫个波浪音就可以，但是一定要打着拍子，匀速的去弹，如果感觉转换不过来，你右手就弹的节奏慢一些，拍字很慢一些，以至于你左手有充足的时间转换到位，然后在一步一步的加快速
度，切忌一定要打拍子匀速练习，从慢到快。
第4步，上述的第3步也可以通过一首歌曲去练习，即你在教材上面找一首你喜欢有熟悉的歌曲，先把右手节奏练熟，然后去练习歌曲中的和弦转换，这首歌你要非常熟悉，听着伴奏就很熟练唱的那种，吉他弹唱谱都是伴奏谱，所以你不唱的时候一般听不出来主音旋律的，所以你
可以一边练，一边试着唱。
新手入门歌曲：男声：同桌的你，你知道我在等你吗，有没人告诉你。女声：心愿，星语心愿等。
刚开始你的左手可能会按弦按的很疼，但是如果不用力按，琴弦又按不响，这需要多加练习的，指尖练出手茧以后就不会疼了。琴不离手，至少每天要练习1个小时以上左右，当然也不能蛮练，要勤动脑子，想想和弦直接转换有没有技巧，上面是我介绍的快速入门的步骤，大约2-3个月左右时间，大部分坚持到最后的朋友几乎都能入门，但是我觉得你这样的方法入门之后，可能会有很多弊端，因为没有人指导，你可能有很多错误的地方你自己不知道，所以这个时候你一定要找一个弹得好的人给你示范指导一下，看看你有没有错误的地方，然后在好好练习改正.
吉他弹唱自学教程：自学吉他教程自学吉他教程
1 - 无论怎么学吉他，都要经过一个漫长的过程。
2 - 看看周围有没有弹的好的朋友，叫他指点你一二;如果没有，买一本带VCD的基础吉他书，杜新春的《民谣吉他自学教程 -- 入门与突破》(VCD两盘，定价：18：
80)。
3 - 看书练和弦，虽然不是很复杂，但是熟练掌握需要坚持每天练习，至少半年。
4 - 如何你的乐感很好或学过其它乐器，会对学习吉他有很多帮助，但还是要花些时间来掌握吉他和弦。就算没有什么音乐基础知识，也没有学习过其它乐器，坚持练习，熟练的自弹自唱决非难事，如果你真是很喜欢它!
5 - 在做基础练习时，弹一些简单且经典的歌曲，如：《兰花草》。
6 - 每天两小时，但至少一小时，当然是多多益善!但这要看你的时间。专业的一天八小时才能保持水平!!
7 - 恒心，耐心加细心!不要想像熟练掌握和弦练习会有什么捷径!学吉他并不是难事，但一定要持之以恒!如果三天打鱼，两天晒网，那我就建议不要学习吉他!
不要犹豫，既然喜欢它，那就练吧!重申，一定要持之以恒!
顺便说说，弹吉他时左手握弦，右手拨弦，所以你需要尽量剪短左手除大拇指的指甲，而右手相反，需要留一点指甲以便拨弦。
刚开始练和弦，左手按弦会疼痛，没有关系，坚持一周即可适应。
最后谈谈吉他的种类，一般来说吉他分三类 ：
1.古典吉他
琴颈短粗,琴身的面板和背板都是平的,面板的中间是圆孔,使用尼龙弦,共鸣箱较小但共鸣效果良好,由弦枕到身为止共有十二格,音质柔美古朴,适于弹奏古典乐曲。
2.民谣吉他
琴颈细而长，使用钢丝弦，共鸣箱大而厚，由弦枕到琴身为止共有十四格，音质泼明朗，和弦丰满动听，节奏明快传神，适于弹奏民谣爵士和热门歌曲。
3.电吉他
琴颈与民谣吉他相同，使用钢丝弦，无共鸣箱，它是靠拾音器把声音传到放大器放大，然后由扬声器发音，它的音量，音色可以调节，常配合效果器演奏，获得许多特殊效果，适于轻音乐及流行音乐的演奏。
古典吉他和钢琴一样，年龄越小练越好，最好十岁以前;而民谣吉他则没有什么年龄的区分，自娱自乐常见的乐器，广泛受到青年朋友的喜爱;电吉他最好有民谣吉他的基础，用于乐队舞台演奏。
古典吉他自学教程5
古典吉他自学教程刘传、张文亮编著
第五章左手的基本技术与换把练习
1、左手按弦的两个基本要求
左手各指的记号见右图3.5*3。在古典吉他中左手拇指不用来按弦。关于拇指与左臂的技术要领和要求我们在第三讲中已经有了详细的讲解。下面我们谈谈左手各指正确按弦的两个最基本的要求。
⑴立起来：是指从手臂、手腕、手背到各指形成一个圆弧后，手指的末关节要尽量以垂直于指板的方向立起来用指尖顶端向下按弦。只要具有基本物理常识的人都很容易理解只有垂直于面板用力时，按弦的力量才有可能最小，最省力。如果末关节不能垂直按弦，不但会用力较大，左手容易疲劳和紧张，还常会把琴弦推向或拉向旁边导致音准偏差。一般来说2、3指很容易做到立起来，1、4指不容易立得很好。而且1、4指由于生理关系常会向内收拢使立起来更加困难，但是也要尽量立起来按弦以高标准要求自己。久而久之会逐渐改善直至完全立起来，请大家勤加练习。人的生理机能的可塑性是很大的，几乎任何一个训练有素的吉他演奏家和吉他手都能各指立得很好。从这些小的细节上也常能看出一个人所受训练和教育的规范及严格程度。如图：左手立起来g1-2
⑵到位：吉他是一件发音技术要求很高的乐器，同时吉他也很容易出现杂音。除了右手技术不正确常会导致音量微弱，音色单薄和大量杂音以外，左手按弦位置不正确也常会产生大量杂音，使本来充满魅力，惹人喜爱的吉他变成令人生厌，噪杂不堪的“噪音乐器”。左手按弦到位是指每一次按弦时都应尽量靠近品柱，但又不要使手指挨到品柱甚至按到品柱上，这样右手才能以最小的力量获得最好的声音。左手按弦不到位往往有两种情形，①手指按到品格正中或更靠上，手指按弦离音品太远会导致琴弦振动时打品或蹭品的杂音；②手指按弦离品柱太近，或按到品柱上，这时即使右手拨弦技术再好，声音也会发闷甚至发不出声来。这两种情形都应尽量避免，在初学阶段就应提高要求，养成严格和精确的按弦习惯。
（见图）g4-3到位
2、左手手指按弦与离弦的技术要领
除了注意左手的到位与立起来之外，还应注意左手按弦时与离弦时的方向应该与琴弦垂直，这样才能避免在左手频繁按、离弦时蹭出大量杂音，尤其是当演奏低音三根缠弦时更要注意垂直起落，这在二十世纪的现代吉他技术中是十分重要的。（见图,6cm*3cm）
按弦和离弦的运动轨迹见右图。在按弦和离弦时，手指应该垂直起落，就如同垂直起落飞机一样，垂直按下或离开琴弦后才能进行横向或纵向的移动。需要明确的是：手指下按和松开琴弦应该明确地和手指移动动作分开，这是两种截然不同的左手技术动作。
（见图,6cm*3cm）
3、左手动作的大小和力量对左手技术的影响
左手动作幅度的大小和左手按弦力度的大小对左手技术有很大的影响。动作幅度有几个含义，第一是指左手指不用时和移动时不应动作过大，离弦太远，而应放松地与琴弦保持较小的距离以节省动作和时间。第二是手指离弦时不要抬指过高，或离开弦后手指向上翘起，而是应该手指一离开弦后就放松并悬浮在琴弦上方，离弦是一个动作幅度很小，很轻微的动作，不能错误地做出一个抬起手指的动作，在吉他的辞典里，应该只有离弦动作或者松开弦的动作，没有抬指的动作。
左手按弦所用的力度因吉他不同而有变化，除了一些如弦太高，指板变形的不合格吉他之外，一般来说按弦所需要的力量都是很小的。按弦所用的力量大小应使琴弦不致于虚按产生杂音即可。按弦力量过大，非但不会对发音产生任何好的影响，还会导致左手紧张，阻碍技术的提高；左手按弦力量过大是吉他爱好者中普遍存在的问题，但是这个问题和其他吉他的技术问题一样，很难通过三言两语来解决，高超的吉他技术只有在对技术动作正确的掌握和深刻的认识基础上，运用科学的训练方法，经过大量耐心细致的练习才能真正掌握，这三者缺一不可。
练习1：左手按弦-离弦及移动的基础练习
第⑤弦（见谱）16cm*5cm
①这是一条在同弦上左手按弦与空弦交替的半音阶上下行练习。每次练习时左手必须用同一指完成。
②左手可先用容易立起来和控制到位的2、3指练习，然后再用1、4指练习。
③这条练习可先当作左手手指体操练习，右手先不加入拨弦。练熟后再加入右手。
④加入右手时可先用靠弦，p指弹低音，i、m、a各弹一根弦的连拨方法，练熟后高音弦可改用im、ia、ma或其他的交替弹法。靠弦练熟后可试用i、m、a练习不靠弦。
⑤这条练习可先在低音三弦上练习，以防止杂音的产生，然后再练习高音弦，我们这里只给出第五弦的例子，其他弦上的练习请大家自己写出乐谱作为写谱练习，然后再一一练熟。
⑥除第一和最后一小节外，每小节可单独反复。
练习2：左手按一离弦与移动的进一步练习
第③弦（见谱）16cm*3.5
①这是一条自然音阶上下行练习。练习方法和要求与上面半音阶相同。在其他弦上的练习请大家自行写出。
②这条练习除训练左手按一离弦和移动外，还用来练习各弦上不同把位的音位，请大家在练习的同时唱出各音的音名和音高来，同时进行视唱练耳的基础训练。
③有一定基础的学生在练习完c调的练习后，还可加一个升号，两个升号…，一个降号，两个降号…等各调上进行进一步练习。
④以上所有练习请先用中慢速练习，只有一个速度练熟时才可换用更快的速度。
⑤这条练习只给出了第三弦上的例子，其他弦请自己先作为写谱练习写出乐谱，再一一练熟。
4、换把技术
左手的换把技术在吉他技术中是极端重要的。吉他的品格有十九品之多，而按弦的手指手指只有四个，如何在把位变动中保持音乐的连贯和流畅，很大程度上取决于换把技术的好坏。左手在指板上的运动可分为两类，一类是手指从①弦到⑥弦之间的横向移动，这种运动的幅度一般不大，最大也不超过①到⑥弦的范围；第二类是手指从低把位到高把位的纵向移动，如我们在前面按-离弦练习中的单指移动练习就是纵向移动的一种，这种移动由于变动范围很大、种类很多，所以在左手技术中更为重要，换把练习就是左手纵向移动的集中训练。
在学习换把位练习之前，我们先来谈谈把位的概念，左手在指板上高低位置的不同叫做把位，我们常用1指在不同品格上所处位置来表示左手所在的把位。如1指在第1品位置，叫做第一把位，1指在第5品位置时，叫作第5把位…在吉他乐谱中把位常用英文、西班牙文或其他语言的缩写，并在后面加上阿拉伯数字表示，如Pos5、P.6、C.8、B.7等，有时把位也单用罗马数字表示，如：ⅠⅡⅢⅣⅤⅥⅦⅧⅨⅩⅪ，表示第一，二，三…到第十一把位。以上C与B除表示把位外还表示1指要在这个把位横按。
换把练习可分为四种，第一、二种只有移动动作，没有跳动动作，我们称为移动换把，第三、四种不但需要以移动动作做准备，还需要以跳动动作换到新的把位，我们称为跳动换把。换把：
移动换把：第一、二种只有移动准备，无跳动动作。
跳动换把：第三、四种分为移动准备和跳动两个步骤。
如图：g33正确换把与错误换把的对比
下面我们以第②弦为例，给出各种换把练习。
（见谱）15.5*8
①其他弦上的练习和第②弦上相同。
②上行时尽量保留指法，4指按好后其他指再离弦做收缩准备。下行时1指按好后再做收缩准备。
③左手拇指始终与2指相对，与左手同步移动不能出现拇指换把时超前或滞后的现象。
④跳动移把时跳动前的收缩准备不能过多，应以第二种换把时的位置为度，过多容易导致左手紧张和技术变形。
⑤跳动时除拇指外，其他手指均应离开弦后再运动，禁止在弦上滑动；移动换把收缩准备时除按弦手指外，其他手指也应遵循此原则。
⑥左手各指垂直起落避免蹭弦出杂音。
5、技术进阶
对于有一定程度的学生作为日常训练的换把练习，还可以和其他基础练习结合起来以取得更好的训练效果，常用的有①节奏变化②结合圆滑音。以下列出这两类的一些变化。以供有一定程度的学生和教师进行参考。
节奏变化练习（见谱）15.5*7.5
除此之外，换把练习还可以结合揉弦技术和右手不同的拨弦技术，甚至和装饰音练习结合进行更深入的练习。结合圆滑音练习（见谱）15.5*15
六、低音三弦上的音符和练习
1、低音弦第一把位的音符
吉他第一把位低音三弦的音符见右图，对应的五线谱上音符和指法如下：
（见谱）
①以上练习都用P指靠弦弹法演奏。
②以上练习分别用4/4拍、3/4拍和2/4拍写成，请数好拍子并打拍子练习，有条件的同学可使用节拍机。
③请注意第二条练习第3小节的临时升降号、还原号。
④第五条练习中同时出现了二分附点和四分附点音符，请注意时值的划分和拍子的打法。
2、低音弦第五把位的音符
（见谱）
我们看到低音弦第五把位的音符形成了一个八度的小调音阶，以下我们用这八个音写成四条音阶练习供大家学习：
（见谱)
①第2条和第4条练习中出现了连续的八分音符，请注意练习八分音符半拍一个音的拍子打法。
②第3条练习中出现了三连音，注意三连音要均匀，打拍子时注意每个音都数“123”，这有助于掌握三连音。
③参考作业：以上用自然音组成的小调称为自然小调，常用的小调中还有把每个5都升高半音，变成#5，同时也改变了小调和声结构的和声小调，请大家自行把以上各条练习改成和声小调进行练习，同时在五线谱本上进行写谱训练。
（见谱）
①整条练习全在第五把位演奏。
②这条练习以后还可用来作为揉弦的练习材料。
3综合练习
（见谱）
这条练习中出现的第③弦空弦音可用i指来弹，也可用p指弹。
（见谱）
练习中出现的第三弦上的音用左手2指来按，和5一样用P或im指来弹。
七、高音弦上的音符和练习
1、高音弦第一把位练习
吉他高音三弦第一把位至第五把位的音符见右图，我们先来学习第一把位的音符和它们的指法。
高音弦第一把位单弦练习
（见谱）15.5*10
三弦综合练习
（见谱）15.5*5.5
①以上练习中临时升降音较多，请细心弹奏。
②练习3为3/8拍，这种以八分音符为一拍，一小节三拍的节奏与3/4拍的节奏很类似，，注意打拍子练习。
③练习1-4可先用右手单指练习，再用交替弹法，练习5必须运用im交替练习。
④练习5中出现了十六分音符，每拍为四个音，初学者可先将此小节时值扩展一倍，每个音变成半拍，作为难点单独练习，然后再按原谱中的时值演奏。
2.高音弦第五把位的练习
（见谱）15.5*2.5
高音弦第五把位的音符形成了一个八度的大调音阶，和低音弦第五把位小调的音阶练习一样，我们可以用这八个音组成四条音阶练习，为培养综合音乐能力，请大家先不要参照以下给出的乐谱，可先自己在五线谱本上练习用这八个音组成和上一讲小调音阶结构相同的大调音阶练习，再和以下的练习对照检查，然后进行练习。
（见谱）15*8.5
①以上练习可都用ima交替弹法，也可先用im练熟后再用ia或ma练习。
②以上练习可先用靠弦弹法，然后再试用不靠弦弹法。
③参考练习：在音阶练习中采用节奏变化可以有效提高练习效率，除以上这类节奏变化外，用附点音符练习音阶不但可以练习附点节奏，而且对于提高左右手技巧有着很好的效果。常用的附点节奏有两种，
前附点：
后附点：
请把以上练习1先改成前附点和后附点的节奏，练熟并掌握前后附点的节奏后，再把练习2和练习3改成八分音符的前后附点并进行练习。
④以上练习请尽量打拍子练习，以培养良好的节奏感。有条件的同学可使用节拍机。
小乐曲：小星星
请把上一讲学过的小星星，每个音提高八度写出乐谱并在高音阶第五把位演奏。
3、高音弦综合练习（见谱）15*5.5
①注意附点节奏与其拍子的打法。
②乐曲末尾出现了连线，当圆滑线出现在两个同音高的音之间时称为“连音线”或“延音线”，表示后面的音不同再弹，把第一个音的时值延长到第二个音即可。如果当连线连接两个或几个不同音高的音时，也是要表示这几个音之间要演奏地圆滑，但是要用到吉他上“连音”或“圆滑音”的技巧来演奏，请区别两者的不同。
（见谱）
①这首小乐曲中出现了弱起小节，即音乐不是从第一拍开始，而是从第三拍弱拍开始，打拍子时可先数两拍休止符，再从第三拍开始弹。
②倒数第三小节第二拍的延长音记号，表示这个音可以自由延长。（见谱）
①这首乐曲为6/8拍，是由两个3/8拍构成的复拍子，初学者在练习时应每三拍为一组，一小节打六拍。
②注意在每小节第四拍上出现的附点音符。③这首乐曲临时升号较多，请注意不要弹错。
④在乐曲第一段和第二段末尾出现了第四弦第四品的#4，左手应遵循指法规律用4指按，请不要弄错。右手可用P指，也可用其他指来弹。
4、高音弦第一把位和其他把位的综合练习
（见谱）
除了在本书第五讲中所讲过的换把技术外，吉他在实际演奏中还有多种实用的换把方法，下面结合上面的小乐曲一一进行讲解。
⑴利用空弦音换把：如本乐曲在第一次换把时，从第一把位换到第三把位，并从第三把位换回第一把位时，都是利用空弦音上的音符轻松地实现把位转换的，请在本乐曲中找出其他利用空弦换把的地方。
⑵利用乐句的终止或休止符进行换把：如本曲第二次换把，从第一把位换到第三把位。既使有时乐段或乐句终止时没有休止符，实际在演奏时也会有小小的停顿，这个停顿就和休止符一样可以利用从而方便地进行换把。
⑶利用滑指或滑音进行换把：如本乐曲第三次换把时，就是利用1指从第二弦第一品滑到第三品而换到第三把位的，本曲第四次换把也是利用1指从第一弦第三品滑到第五品，通过第三把位换到第五把位的。
以上这些常用的换把方法应勤加练习并灵活掌握，通过这些方法，可以巧妙地解决换把的技术困难，有效减小乐曲难度并使演奏自然流畅。但是这些方法不能解决所有的问题，在大多数时候流畅的演奏只有靠扎实的换把基本功才能实现，请重视换把基本功的训练。
5、高音弦和低音弦的综合练习
两条音阶练习（见谱）
在这条练习中出现了和弦，和弦的弹法我们将在以后的课程中学习，这两个和弦也可先不弹。
（见谱）
这是一条三度模进练习，左手指法运动频繁，请从慢速开始练习.
在高低音的综合练习中，左手一般不会有更多困难，但右手指法的安排往往是困扰初学者的问题，在实际的演奏中，右手指法的安排往往比较灵活，对于演奏家来说右手指法（也包括左手指法）的安排往往带有浓厚的个人色彩，常常依据演奏者对音色的追求和对音乐的理解，当然，也有很多时候是为了演奏方便。
对于初学者或学习吉他的学生，指法安排更多应考虑练习和方便的需要，在高低音的综合练习中，我们建议可采用以下两种方法：①P指弹④⑤⑥三根弦的音，高音用ima中任何一种方法交替，其中i、m交替最为常用；②不论高低音弦全用ima交替，这时P指应停留在不用的低音弦上以保持右手稳定，ima指注意在弹低音弦时拨弦方向应与琴弦垂直以防止杂音，在这种指法安排中，有时为了右手指法安排方便，拇指也需要偶而弹奏最低的一两个音。
（见谱）
6、吉他进阶：高把位的音符与有升降号调的弹法（见谱）
我们在右图吉他指板音位图上给出了高音弦上第七到第九把位的音符，请大家作为思考题把第七把位的音符一一写在以上空白的五线谱上并标明指法。
作为课外作业，请自己制作一张从吉他第一品直到第十二品的指板音位图，标出从低音弦到高音弦，从低把位到高把位的每一个自然音，并另外写出相应的五线谱对照记忆，为以后进步打下坚实的基础。
（见谱）
这是著名的吉他名曲《爱的罗曼斯》的主旋律，我们可以通过它来练习第7和第9把位的音符，并学习有升降号调的弹法，同时为以后学习这支乐曲打下基础。
有升降号的调的演奏和无升降号的C大调或a小调的演奏无本质区别，只需要在演奏前先看清调号，有几个升或降音，并根据升降号的位置判断清楚需要升或降的都是哪些音，然后在弹的时候遇到这些音，不论是高音或低音，都是按升降号升或降半音即可。读谱时建议大家用固定调读谱，不论升降与否都按C大调的唱名来读，需要时可在音名前加读一个升“字”或“降”字，以防止混淆。
以上乐曲第一段是和G大调同谱号的e小调，只有一个升号比较简单。第二段转到了的同名大调E大调，共有四个升号，请大家细心辩认。除此之外，乐曲中还出现了临时升降号，请认真练习。
除在乐曲第二段中有六小节在第九把位演奏，其余都在第7把位演奏，请注意利用滑音来进行把位转换。在第一段第10小节中出现了4指的扩张指法，注意扩张时4指仍要保持到位和立起来。
乐曲为A-B-A三段体的曲式结构，D.C的意思是从头反复，Fine是结束的意思。
八、分解和弦的演奏
吉他优美动听的声音，丰富多变的音色，再加上圆滑音（连音）、装饰音等多种技法，还有像提琴那样既能美化音色又能加深音乐感情表现的揉弦，这所有的一切使吉他演奏出的旋律十分迷人。吉他除了有擅长演奏旋律的旋律乐器特点之外，更重要的是吉他同时还是和声乐器。
和钢琴、风琴、手风琴等一样，吉他也是和声乐器。擅长演奏和弦及和弦伴奏，这不但使吉他常常为人声伴奏（民谣吉他就是最好的例子）；还能为其他乐器或另一个吉他伴奏，常见的形式有：吉他与小提琴、吉他与长笛的合奏（帕格尼尼和朱利亚尼等作曲家就作有很多这类作品）或与更多乐器的合奏，如：吉他五重奏（如波凯里尼的吉他五重奏），吉他二重奏、三重奏、四重奏，乃至吉他乐团就更常见了，而且和钢琴等一样，一把吉他还能在演奏旋律的同时为自身提供丰富的伴奏，这就是为什么钢琴曲或吉他曲往往丰富多彩、优美动听，而单独一把提琴则要单调得多的道理，当然提琴这样的旋律乐器在钢琴或乐队的伴奏下或在演奏无伴奏作品时会完全不同。同时，因为和声乐器本身就能独立演奏多声部的音乐和完备的和声，所以传统的管弦乐队不把它们包括在内。
在专业的音乐学习中，除去本专业的乐器演奏或演唱之外，还有许多课程是必修的，如基本乐理、和声学、视唱练耳、音乐史、音乐欣赏等。其中和声学就是研究和弦和和弦的应用的音乐基础课。在学习古典吉他的学生和众多的吉他爱好者中常常有这样的误解，就是觉得仿佛学习和弦和伴奏是民谣吉他和电吉他的事，和古典吉他没关系，古典吉他只要照乐谱弹会几支曲子就行了，知道不知道和弦没关系。这种想法是十分有害的，音乐是一个整体，其中的每一个要素都是息息相关并互相影响的。不了解乐曲的和声构成，甚至许多吉他爱好者中存在弹了几年的乐曲还不知道旋律是什么，调性是什么，曲式结构是什么，乐曲背景是什么…这样怎么可能对作品有深入的了解和正确的表现呢？建议每一位吉他爱好者，不论是学习古典还是民谣或是电吉他等，都要重视基本音乐知识的学习。
和弦的种类和构成千差万别，但我们从演奏技法来看，和弦可以分为两类，一类是和弦齐奏，即和弦同时发音，由于这样的和弦记在一竖行上，所以也叫做柱式和弦，有的书中也叫做持续和弦；第二类是和弦音不同时发出，而是按一定的组合顺序先后发出。（反复出现的一定顺序叫做音型），这样的和弦叫作分解和弦，或琶音。
不论从右手或是左手的演奏技术来看，学习分解和弦比学习齐奏和弦都更容易掌握，下面我们以大家都非常熟悉的卡尔西二十五首练习曲（作品60号）中的第二首来学习分解和弦的演奏方法。（见谱）
学习指南：
1、这首练习曲较长，初学者可以先学习第一段。
2、这首乐曲音符的时值较短，均为十六分音符，四个音为一拍，初学者练习时不应用快速来练。可以先把每个音打一拍练习，再把每个音打半拍练习，最后在正确掌握的基础上，再按原谱四个音弹一拍。
3、演奏分解和弦时，除P指应靠弦并尽量停靠之外，ima一般都应用不靠弦弹法。初学者在初弹这首乐曲时，如在每拍弹一个音和两个音的阶段，先用Pima全部靠弦方法练习会收到更好的学习效果。
4、靠弦练习时注意右手发音的三个步骤，并注意P与ima转换时右手手型的调整。
5、不靠弦练习时，注意ima指只应大关节发力，向下拨弦，不应有向上钩弦的动作，拨弦时应多向下压一压。
6、这首练习曲均为两拍一个和弦，按和弦时不必一下按好所有的音，可以用到一个按好一个。按好后直到换下一个和弦为止，左手指都应该保留。
7、左手手指按弦时每个手指应尽量到位和立起来，按有些和弦时手臂、手腕、手指都应相应做一些调整，以保证左手用最小的力量。
8、左手换和弦时尽量利用低音空弦音的时值转换，既使没有空弦音可利用时也不能换得太早或太晚。
9、这首分解和弦练习曲的音型中出现了ma指交替演奏同一根弦的情况，初学者可以先把音型改为ma指在不同弦上交替，然后再练习ma指在同弦上交替，这样既能循序渐进，方便掌握，又能收到双倍的练习效果。
（见谱）
10、在学习这首乐曲时科学使用节拍机，会得到很好的效果。
吉他进阶
１、横按：吉他上需要用左手某个手指按住同一品的几根弦时，常常用到横按指法，横按通常是用左手1指横倒下来按住多根琴弦，横按指法常用在以下几种情况下：①有效简化左手指法，避免左手几个手指挤在同一品中按弦；②节省用指，同时还可腾出其他指头按别的音；③避免左手指在同品格的不同弦上来回变动，有时横按时把位的上下移动还能减少左手指在不同品格的来回变动；④左手四个手指需要同时按住五根或六根琴弦时；⑤横按有时还能用于左手指法的转换和连接方便；⑥横按偶尔还能用于消音。
横按技术可根据所按琴弦的多少分为两种：同时按住四到六根琴弦的叫做大横按，同时按住二到三根琴弦的叫做小横按，大横按一般需要左手食指完全伸直按弦，而小横按一般只用食指最末关节伸直即可。在吉他乐谱中，横按常用C、（cejq的缩写）或B、（Ｂarre\'的缩写），后面加上食指所在把位的数字来表示。
科学的学习方法可以使学习事半功倍，下面是横按的技术要领：①１指不应用指肉软而厚的指头正面来按弦，而要用1指靠近拇指方向较硬的侧棱来按弦；②1指横按时所有弦上的按弦点都应是靠近品柱的位置，这时1指应与音品平行，而不应是与音品不平行的斜按；③拇指应严格比1指横按的把位低一品，拇指与食指不应正对着用力，这样不科学的方法不但用力很大，容易疲劳和受伤，又不容易按好，而是应该利用杠杆原理，用扭转和平行的力量，用最小的力量巧妙按好横按，并使左手各指保持最大限度的放松（见图）。
２、如何用节奏音型和指法变化练习分解和弦
经常变换不同的音型和指法练习分解和弦，不但可以从多角度突破技术，打破单一的动力定型，而且还能增加练习的兴趣，得到最佳的练习效果。下面我们以卡尔卡西第二号练习曲为例，举出一些音型和指法变化的例子供大家参考。
（见谱）
卡尔卡西这首练习曲之所以著名的另一重要原因就是这首练习曲可以作为吉他的高难度技巧---轮指技术的准备练习，以上15种指法变化和节奏变化的两类例子能使轮指准备练习更为有效和充分。
３、指法设计举例：我们以练习曲第2号中经过句为例，列出几种指法设计，希望对大家有所启迪。
（见谱）
４、其他可供选择的分解和弦练习曲在本书39首渐进古典吉他独奏曲中有大量的分解和弦练习，可供不同程度的学生教师选择使用，除此之外，中央音乐学院吉他考级曲目第四级中收录的布洛威尔练习曲NO`6号是一首很好的分解和弦练习曲。阿瓜多的十七型练习也是一首很好的分解和弦练习曲。有一定程度的学生可以学习维拉-罗伯斯十二首高级练习曲中的第一首。
我们不推荐使用卡尔卡西教材中及朱利亚尼分解120首中以两小节和弦转换写成的分解和弦，单调的和弦转换不但容易使学习者产生烦燥心理，而且左手两个和弦的转换常会使左手紧张，有害无益。
古典吉他自学教程介绍
古典吉他原名古典6弦琴，因定型于古典主义时期而得名。下面小编来为你介绍这款吉他的自学教程。
古典吉他与竖琴、鲁特琴同属西洋弹拨乐器(古典式弦琴)。古典吉他此名称并不表示其仅限于演奏古典音乐，不同的音乐风格，例如古典音乐、弗拉明戈、爵士乐等皆能以古典吉他演奏。
古典吉他弹奏概要
1.持琴：
琴头指向左上方，与水平面倾斜夹角约在30至40之间。下侧琴腰凹弧与左大腿重合，琴底靠在右大腿上，共鸣箱上半部分后侧边缘与左胸有轻微接触，右手从共鸣箱上侧琴腰凹弧右边自然下垂，手心悬至音孔附近。一般要求搁琴的左腿采用脚踏垫高约10公分左右(儿童5至10公分;成人10至15公分)。
2.手型指法：
学院派弹奏方式较规整，手型较固定。右手自然弯曲呈空心拳状，其中空间大小以正好能塞入一个网球为宜。左手掌心向正上方呈托举状握住琴颈，虎口尽可能不贴住琴颈而留有一定自然间隙，拇指抵在琴颈后侧最厚处为宜。左手按弦用指为食指、中指、无名指、小指，尽可能用指尖垂直按弦。一般要求右手拨弦用指(拇指、食指、中指、无名指)留有一定长度的指甲，并修剪成合适的形状打磨光滑。弹单个音的主要拨弦动作有不靠弦(也称钩弦)与靠弦两种。
古典吉他额定曲谱
1.谱种：
古典吉他曲集、教材等曲谱资料的额定记谱为可多声部的单行纯五线谱(以独奏谱为例)，此标准为塞戈维亚时期确立并沿用至今，已为古典吉他界广泛认可。教材用的详尽谱种中除了音符，还可标有特定的指法提示，标出按弦/拨弦用指、所需音的按弦品位/弦位。
2.谱号：
古典吉他属于中低音乐器高音谱号记谱，自定的中央C较钢琴的中央C低一个八度。
3.正规古典吉他谱参考样张：
知识扩展：古典吉他的发展历史和社会地位
古典吉他被誉为同钢琴、小提琴并列的世界三大乐器之一。和竖琴、鲁特琴等同属古典式弦琴大类。在指板上由弦枕到琴柄与琴箱结合处是12品格，指板较宽，使用尼龙弦，音质纯厚，音色丰富，没有防护板。主要用于演奏古典乐曲，从演奏姿势到手指触弦都有严格要求，技巧精深，是吉他家族中艺术性最高，最具代表意义，适应面最广，最有深度，最受艺术界肯定的一类。
古典吉他是一种根据200多年前式样成型的以尼龙弦(100年前为羊肠)发声的乐器。古典吉他的构造与其他乐器(民谣吉他、电吉他等)有明显不同;古典吉他以独奏为主、兼顾一定量的重奏、协奏等;手指直接弹奏并结合各种特殊演奏技巧;从音乐的表现来讲：古典吉他以演奏古典乐为主，兼顾一定量的现代经典乐曲。细腻而多变的音色，丰富的多声部和声演奏能力，对不同时期、不同风格不同民族的音乐都能诠释自如。
吉他自学基础教程
在自学吉他的过程中，可能会遇到很多问题，这个时候可以在网上提问得到解答哦。下面是小编给大家整理的吉他自学基础教程，供大家参阅!
AAAA：吉他扫弦的手势与解析扫弦在歌曲伴奏中被广泛的使用，其动作舒畅、飘逸，声音效果激昂奔放，可以表现欢快、洒脱的音乐情绪，具有很强的艺术感染力，并且民谣弹唱中占有很重要的地位，具有很强的表现力。很多初学者对节奏的把握很棘手，认为很困难，其实掌握一些学习方法后就会变得很简单。我们常常将扫弦的节奏型完全动作化，让复杂的节奏用动作的分解来完成往往能做到非常好的效果。
扫弦有两种方式：手指扫弦和拨片扫弦!
下面是手指扫弦的姿势(学起来吧)：
在扫弦的过程中注意保持好这样的手型，即拇指和中指要有一定的韧性。往上挑时用拇指的指甲面，往下扫时用中指的指甲面扫弦。(用手指扫弦时，很多教材上都是用拇指和食指，不管什么方式关键看个人的习惯，顺手，舒适就行。)
关于手指扫弦可以看看以前的一篇经验手指扫弦的要领，里面有一小节郝浩涵的视频教学。
其次就是拨片扫弦，下面说下操作要点：
首先将拇指和食指交叉成90度，将拨片轻轻的捏在两指之间，拨片的尖端与大拇指伸出的方向垂直，大拇指给拨片提供一个面，用拇指和食指的指尖夹着拨片。
很多人在用拨片扫弦时会稳不住拨片，甚至将拨片扫飞，是因为扫弦的方法不对，最主要的原因就是在扫弦时，拨片的面与吉他弦的方向过于平行。实际在演奏过程中，我们是用拨片的两侧触弦的，这样让拨片左右平均受力，就不会让拨片扫歪或扫飞了。
扫弦的时候，大致可以用上面的图来记录右手划过的轨迹，这就是用六线记录扫弦的雏形。我们把手来回扫弦的一个回合定义为1拍，那么在这个1拍包含了一个下扫和上挑，它们各自己占了半拍的时值。
扫弦最重要的就是音色和节奏：要达到音色的清亮透彻是很难的事，我们在听一些高手弹琴的时候会感受到，那种声音就像均匀的细沙淅沥沥的刮在砂纸上，具体的练习方法：坐姿端正全身放松，在左手和弦按准的基础上(这就要练习左手的灵活度)，扫弦的时候右手尽量放松，控制好指甲与弦的接触面积，且接触的时间不要太长，干净利落，自己可以对着镜子练;节奏可以表现歌曲的情感，弹节奏的时候要先练好拍子，从最简单的节奏型练起，扫弦的时候不要一味的扫六根弦，看谱的时候思维不要僵硬的死板的和弦上，凭自己的感觉扫，边扫边加入一些单音或和弦，初学者可以练练这几种简单的扫弦节奏型。
如果你自认为掌握的差不多了，可以试试弹一些简单的歌，比如简单版的《童年》。
吉他自学基础教程：图文详解吉他新手的扫弦技巧在阅读本文之前先来熟悉一下吉他扫弦的手势
来看一张扫弦的图例，应该熟悉吧。
这个练习只要左手按住A和弦，右手在15弦匀速的下扫和上挑就可以了。
基本扫弦节奏型：
图虽然不太清楚，但很容易看懂。
下面我们再来做一个简单的练习：
这是一个纯下拨的练习，右手匀速的下扫就可以了。哈哈!!搞什么飞机，这个练习也未免太简单了!有人已经不耐烦了，因为很多人是来找速成秘籍的。传说中的武林秘籍是有的(科学的练习方法而已)，下面我们来探讨一下扫弦的秘籍。
真理往往酝藏在最简单的现象中。我们再次研究一下上面的这个纯下拨练习，细心的人会发现：虽然是一个纯下拨练习，但我们的右手还必须来回的运动，为了弹下一个下拨，右手必须沿着上挑的轨迹返回，但这个上挑并没有碰到弦。我们称这类现象为假动作。如下图中虚线所示：
假动作的运用将会让我们的扫弦节奏变的很丰富、很即兴，这将给那些节奏感不太好的朋友带来了福音。
好了，你可以回过头来在浏览一下这个帖子，弄懂什么是假动作，这个概念很重要，将成为我们以后变化节奏的手段
我们将图中的第一个上挑和第三个上挑变为假动作，由于上挑变为了假动作，并没有弹到弦，所以前面下拨的音的时值得到了延长。节奏演变图：
可以重新记录为：
特别要注意的是：右手手臂的来回扫弦要始终保持匀速、流畅。很多同学由于假动作的加入，右手的动作变的不协调、不流畅，从而影响了节奏的准确性。请多加练习，加以克服。
通过这种思维，菜鸟们再也不用捧着书到处向人请教这个节奏什么扫、那个节奏什么扫的问题了!纷繁复杂的节奏，我们通过假动作的辅助运用会变的很简单。通过一段时间练习后，你会发现，菜鸟也能很熟练的视奏。
好了!从现在开始，大家就跟我一起操练吧!下面进入实例讲解。我们一起热身，先把下面的基础打好。
要求：来回扫弦力度要均匀、速度要平稳，不宜过快，能够用脚打拍子或用口令数拍子(一、二、三、四)那最好了。下面的练习都是由这个练习演变而成的，都以这个练习为基础的，无论他们的节奏怎么变化，右手来回的运动都应该要匀速、流畅。只有这样才能保证节奏的准确性。
练习一：
演变节奏为：
再次友情提醒：右手一定要匀速、流畅的下扫和上挑。(虽然假动作的加入已让我们的右手变的很很郁闷)这是这个游戏暂时的规则。
吉他自学基础教程：几种扫弦节奏的简单弹奏方法上次分享了一篇关于吉他扫弦的经验，可能操作性不强，现在就一个简单的例子做下介绍：
我们都知道，扫弦的节奏有两种：一种是向下扫弦(由第六弦向第一弦方向扫);一种是向上扫弦(由第一弦向第六弦方向扫)。很多朋友扫弦经常会发现扫不动，尤其是向上扫弦，扫的很不整齐。一般来讲，向下扫弦何意用拇指指肚向下拨弹，也可以用食指的指甲向下击弦，还可以用中指和无名指并进向下弹。向上扫弦最简单的就是用拇指的指甲向上依次扫动，具体几种情况如下图所示。
注：上图中的表示扫弦的方向，穿过几条弦就扫几根弦。如果把握不好，其实全部扫也无所谓，只要扫的整齐好听就可以了。
吉他自学教程入门知识
吉他作为世界上最通俗流行的乐器之一，吉他的学习首先要入门，吉他的入门不仅要熟悉吉他的操作方法，而且对乐理基础知识需要有一定的了解，下面和小编一起去了解一下吉他自学教程入门知识吧，希望对你有帮助!
吉他自学教程入门乐理一、 乐曲的基本组成
一首完整的乐曲是由一些固定的音乐单元组成，分清这些音乐单元，对于学习乐理是非常有好处的。一首完整的曲子，由很多不同时值的音符组成不同的小节，再由这些小节组成不同的乐句，由不同的乐句组成不同的段落，由段落组成完整的乐曲。关于这些不同的组成单位，我会在以后慢慢讲解。
1、时值
时值是音乐中非常重要的组成单位，它控制着音符发音的长短，按照一定时值演奏的音符才能奏出美妙动听的音乐。一个人在演奏一首乐曲时，即使音符弹得非常正确，如果音符的时值不正确，那么它的音乐也是非常糟糕的，所以正确联系好不同时值的音符，对于我们初学者是极其重要的。
我们给予一个时值的定义：时值就是控制音符长短的单位，他的计算单位是：拍。
我们目前的记谱方法有三种：五线谱、六线谱、简谱等。在这三种不同的记谱方法中，它们表示时值长短的方法略有不同，但大体相似，他们都是以五线谱为基础形成的。
2、运用在吉他上的记谱方法：六线谱
六线谱是世界上通用的一种专为吉他设计的记谱方法，我们在学习吉他时，接触最多的也是他。六线谱的基本结构是由六根间隔相等的线组成，这六根线分别代表吉他上的六根弦，最下面的一条线，代表吉他的第六根弦，注意，是第六，不是第一，这个要反过来理解的，然后依次是又上到下看谱，倒数第二根线代表第五根弦，下面的依次类推。
在六线谱上方有不同的英文字母表示不同的和弦，还有一些特殊的符号，表示一些特色音的演奏方法，这方面的内容会在学习这些技巧时候详细讲解。
3、具体时值的表示方法
所有风格的音乐都是由众多不同时值的音符组成，他们是全音符，二分音符，四分音符，八分音符，十六分音符，三十二分音符，六十四分音符，二分付点音符，八分付点音符，十六分付点音符，切分音符，及一些组合音符等，这些不同的音符，以后再慢慢介绍、想要学习好吉他上，各种技巧的时值表示方法，我们首先要学习各种音符及节奏在六线谱上的表示方法、
(1) 六线谱上音的表示方法
六线谱是一种非常通俗易懂的吉他记谱方法，六条线上的数字，分别代表这根弦上相应的品上的音。
(2) 六线谱上节奏的表示方法
节奏技巧不同于其他的演奏技巧，他要根据不同的节奏，来扫规定和弦中六根线的不同区域，而且扫弦的方向也要根据不同的节奏变化。在六线谱中的扫弦方法，是用不同方向、不同长度的箭头表示。
(3) 拍的概念
拍是时值的计算单位，我们在学习时值的时候，最重要的是掌握平稳的拍速，拍速就是在演奏乐曲时候，每分钟弹多少的音。不同的乐曲有不同的拍速，我们要严格的按照谱中规定的拍速来演奏，才能与乐队一起来演奏音乐。如果你在演奏的时候，时快时慢，别人无法与你同步演奏，所以练习好拍速对于每一位演奏者来说，是非常重要的。我们要经过严格训练，把自己变成一个极其准确的节拍器。
(4) 拍的表示方法
一拍是由前半拍加后半拍组成的，时值中最长的基本单位是全音符，他是由四个这样的一拍组成。二分音符是由两个拍组成，四分音符是由一个拍组成，八分音符是由半拍组成，十六分音符是由四分之一拍组成，三十二分音符是由八分之一拍组成，其他更快的音符同理类推。
吉他自学教程入门音名和唱名音名，顾名思义，既为谓音的名称。我们把钢琴(键盘)上每七个一组的白键，分别用英文字母：C、D、E、F、G、A、B命名，就叫做音名，最中间的白键为C音，往右一个为D音，再往右一个为E音，依次类推，七个音重复(只限于白键)。其中，C音到D音的音程为一个全音，D到E为一个全音的音程，下面依次为：E-F为半音、B-G为半音、A-B为全音。举个例子：在C调里面，1=C，意思是C调的1的音名是C，2的音名是D，那么从C音到D音在同一个八度里面，D比C升高了多少呢，我们说，D比C音升高了一度。
在音乐体系中，虽然有着一百多个音高低不同的音，但音名只有这七个基本音，又称做本位音。
升音
将基本音升高半音程，叫做升音(声音?)。用在表示特定音名的字母左上角记#来表示。如：#C、#E。。。。。这里只能表示在前面，不能表示在左上面!
降音
将基本音降低半音，叫做降音，用在表示特定音名的字母坐上角记b来表示。
变化音阶：变化音阶是指包含升、降记号的音阶，它是在自然音阶的每个全音距之间加一个升、降半音。#1 = b2 ， #2 = b3 这是同音，但不同名称。
音符和唱名
记录音乐的方式很多，如五线谱、简谱、六线谱等。
例如，在简谱中，记录音的高低和长短的符号，就叫做音符，它是由7个阿拉伯数字或缀以其他符号构成的。
而记录拟稿的基本符号，只是用七个阿拉伯数字来表示。这七个数字各表示一个音名，其读法就是该音名的唱名：
简谱 1 2 3 4 5 6 7 1 。
音名 C D E F G A B C。
唱名 Do Re Mi Fa Sol La Ti Do。
注意：在这个音阶中 34 相隔半音，71 也相隔半音，其余相邻两音都相差全音，这也是吉它乐理中一个极重要的公式。在吉它指板上，半音是相邻两格之间的距离。
吉他自学教程入门大调与关系小调每个大调都与其上行六度(或者下行三度)的小调互为关系调，它们所使用的音阶相同。
关系大调----关系小调
C=======Am 。
D=======Bm。
E=======#Cm 。
F=======Dm 。
G=======Em 。
A=======#Fm。
bB======Gm。
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