大约4年前，写过一次这个话题，现在有了新的体会，决定重新再写一次。
关于吉他音色的讨论，大多都是围绕着右手的触弦方式，我想从其他的角度来谈，
我把它分为三个部分，分别是音色的概念、在吉他上的应用和演奏者的个性。一个声音的音色，在物理上是由它的泛音来决定的，泛音的多寡，决定着这个声音的特性，同样是C音，我们可以分辨出这是吉他的声音，那是小号的声音，而这是钢琴的声音等等…..
用物理的角度去解释音色，显得很冰冷、僵硬，如果从音乐的角度，那音色就会被赋予不同的意义和修辞，比如透明的、干净的、亮丽的、有穿透力的、尖锐的、沉闷的…..，似乎音色就像是画家的颜料，经由音乐家的挥洒，音色也具有了个性。
对于画家来说，很难回答那种颜色是好的还是坏的，合理的解释是什么样的颜色适合什么样的题材，画一朵向日葵，正常来说当然是用鲜艳的颜色，除非画家的心境郁闷，这朵美丽的花在他看来是灰色的。可是对于学音乐的人来说，时常会讨论音色的优劣问题，这也是事实，因为不当的弹奏方式或者制作粗糙的乐器，会使演奏出来的声音难以入耳。可是假设当以上两个问题都获得解决时，那么音色对于学音乐的人来说，还有更多的意义吗？
有的，在音乐中，音色需要对比和个性，个性的问题容后再述。大多数音乐作品在完成时，作曲家应该已经预想到整体的形象，包括乐器的配制，和声的运用及结构的松紧等等，剩下的就看演奏者如何诠释，就像漫画家把漫画的线条画好，接下来就是上色和色彩浓淡的运用了；一个演奏者要掌握不同的“发声法”，拥有即使弹同一个音符也能弹出各种色彩的能力，音乐的色彩是看不到的，全凭听觉上的感觉，明亮或阴暗，饱满或松散，圆润或尖锐，这是手指的训练，也是耳朵的训练，学声乐的人无法看到身体内部的器官，只能由老师的引导和自我的判断，逐渐掌握发声的窍门，对于学器乐的人来说，能看到肢体的动作是如何在影响着声音，已经是非常幸运的，可是也因为如此，我们时常会忽略了对耳朵的锻炼，反而吹毛求疵的去要求肢体上的动作。所以在学习掌握良好的弹奏方式时，同时也应该开发自身的耳朵，也就是听觉上的分辨能力，在演奏音乐时能表现出缤纷多样的音色，让音乐生动起来，当然，干净的声音是首先必须学会的，虽然有些现代音乐并不要求完全干净的声音。
耳朵的训练也包括多听，听各种乐器，包括人声的音乐，听各个时代不同的音乐风格，听各种编制的乐器组合以后的效果，听各个地区不同民族的音乐，让脑海中留下印象，当我们抱起手中的吉他时，开始发挥想像力，弹塔雷加的《茶花女主题幻想曲》时，想像手中的吉他是位声乐家，歌唱优美的旋律；弹巴赫的《小步舞曲》时，想像手中的吉他是部大键琴，有着金属般清新的音响；弹朱里亚尼的《大序曲》时，想像手中的吉他是一组管弦乐团，有着各种乐器的丰富色彩…..这是学习音乐很重要的一部分，当我们把所谓的“技巧”都掌握了以后，回过头来才发现这部分的学习太少了，对于喜欢吉他喜欢音乐的人而言，弹琴和听音乐都应该成为生活的一部分，而且拥有同样的比重。
现在来谈谈音色在吉他上的应用问题，首先是硬体部分，按理来说影响吉他音色的主要因素应该是乐器本身和使用的琴弦，这是“先天性”的因素，同一个人弹不同的琴，我们可以分辨出每把琴的区别，可是同一把琴给不同的人弹，也会有不同的感觉，就像MatthiasDammann制作的吉他，给ManuelBarrueco和DavidRussell使用，出来的声音竟是南辕北辙！曾经有一位小提琴家在同一场音乐会中使用了好几把小提琴，理由是每把琴的音色不同，适合的音乐风格也不同，我想除非是职业演奏家或是乐器收藏家，否则很难有此待遇吧，所以这里先把硬体部分的影响因素排除，来谈谈演奏方式对于音色的影响，右手的触弦时常被视为最关键的部分，有很多讨论触弦法的好文章，已经深入地对此分析过了，但我觉得这些文字性的分析，适合已经有一定基础的学习者，不适合初学者。所谓有一定的基础，是指己经能够将听觉和肢体配合在一起，听觉上要求的声音，能够透过肢体的反应表达出来，如果不行，也能透过文字的叙述和观察自身的动作，找到想要的声音，这表示耳朵已经有了明确的仲裁权。对于初学者，我认为直接找老师求教才是最好的方法。
除了右手的触弦，左手的按弦也是影响音色的重要关键，称为“运指法”，也就是把位的安排，当然，想要有干净的音色，首先得把弦按紧，如何施力，方法很重要。我不太喜欢用“按紧”这个词，理想的按弦状态应该是place(放置)，而不是push（施压），按弦需要的力气是以能够弹出声音的前提下，所需的最小力气，只要声音能够清楚的发出来，左手再用更多的力气去按弦，就是浪费力气，结果会导致手指手腕僵硬，影响移动的效率。
而“运指法”所牵涉的范围更接近表达音乐的内容，同一个音在不同的把位弹出，效果不同，如何设计把位和指法，时常困扰着演奏者，因为有些把位上的设计虽然难弹，但这是基于音乐上的需要，再难也得克服，有时谱面上的把位设计是刻意的卖弄舞台效果（造成手指上下飞跃的奇观），其实可以适当的简化。
从塔雷加（1852～1909）开始到之后的吉他音乐，乐谱上通常都已标明重要的左手指法，包括把位。因为自从制琴家AntoniodeTorres(1817~1892)将吉他的有效弦长定为65公分后，吉他的外形才定案，Torres制作的吉他也成为现代吉他的制作典范。换句话说，在Torres之前的吉他外形是五花八门，用现代的吉他去弹奏那时的吉他音乐，会遇到很多指法上的问题，有些在当时的吉他上很好弹的指法，对于体积更大的现代吉他来说，手指需要更多的扩张，而再往前推，就会推到甚至“吉他”都还没出现的时代，现在的所谓文艺复兴或巴洛克时期的吉他名曲，其实都是改编曲，既是改编，就存在“版本”的问题，优秀的改编版本，演奏出来的效果会比较忠实于当时的音乐风格，不至于添加一些奇怪的和声或声部。对于演奏者而言，此时的作品谱面上比较干净，还留有很大的空间，考验着演奏者的深度，要求演奏者深入的分析并决定运指法。
从索尔和阿瓜多等人的时代开始，古典吉他进入一个黄金时期，作曲者本身同时也是演奏者，对于自己弹奏的乐器性能非常了解，设计了适合吉他的演奏技术并创作了大量的吉他乐曲，但在那时，他们使用的都还不是现代的吉他，尽管如此，他们的音乐用在现代吉他上演奏已是非常合适，只是那时的音乐更注重的是一种普遍的风格，我们称其为Classicalperiod“古典乐派时期”，而不是强调乐器本身的特性，所以演奏这个时期的音乐，时常要发挥想像力，要把吉他当作是一组管弦乐团或弦乐四重奏来驱使，音色的变化就显得极为重要，在把位设计上仍有许多空间。
自从Torres吉他的出现和音乐审美观的转变，吉他音乐家们开始在定型的吉他上不断开发新的空间，看看塔雷加的乐谱，就会发现他本人在把位和运指的设计上是如何高明，从他本人的封号“现代吉他之父”中就可以看出他对现代吉他音乐的影响，经过他的设计，吉他所发出的声音具有了真正属于“吉他”的个性，使人一听就知道：这是吉他！
到了近现代，音乐家们对开发吉他音乐兴趣的重新燃起，出现了三种趋势：
一．自身同为演奏者和作曲者，在熟知乐器性能的条件下，不断开发新的演奏和音响效果，这种音乐的乐谱通常都已布满了密密麻麻的指示和钜细粪遗的指法，只要照做，就能大致表现出作曲者的期望，留给演奏者的空间相对早期的吉他音乐来说更小。
比如LeoBrouwer，NikitaKoshikin和RolandDyens等人.
二．作曲者本身不会弹吉他，凭着才华和灵感替吉他谱曲，由于对吉他的性能不如演奏者那么了解，反而会把重心放在音乐的内涵上，创作出具有深度的音乐，最终需要用“吉他”来表现，他们的乐谱通常都需要经过吉他演奏家的“翻译”，所以虽然是吉他曲，但已经过适当的改编，对于演奏者来说，选择版本也很重要，有时还得自己动手改指法，因为不同的演奏家有自己的演奏习惯，他设计的运指法不一定适合每个演奏者，当然在改编之前，最理想的状态是能够找到作曲家本人，在他面前弹奏并交流意见，确定自己的改编没有脱离他对这部作品的期望。这样的作曲家有JoaquinRodrigo，MarioCastelnuovo-Tedesco和AstorPiazzolla等等。
三．干脆改变吉他的外形，用“另类“的吉他来开发新的声音，比如NarcisoYepes的十弦琴，PaulGalbraith的八弦琴和GranSllscher的十一弦琴，他们的吉他的确和传统吉他的声音不太一样，想要弹出他们的音色，除非先去买一把……..
以上就是音色在吉他的应用，除了右手的触弦和左手按弦的方式，我想强调的是，一个弹吉他的人对于自己所弹奏的乐曲，在指法和把位设计的问题上，应该要很认真地对待，因为一个演奏者所安排的运指法，几乎可以代表他对音乐的见解，运指法影响着音色，影响着音响效果，影响着音乐的整体面貌。
最后谈谈演奏者的个性，当我们在听唱片时，时常会被某一个演奏家的琴声所吸引，每个演奏家的琴声都有他们的特点，有时我们会试着去模仿，看自己能不能弹出他们的音色。
其实这个问题如果放在学声乐的人身上，就很困难了，每个人先天的嗓音就不同，有人天生就是男高音，有人天生是男低音，怎么模仿呢，除非先天的嗓音已经颇为接近，否则强迫自己去模仿的结果都是声音做作。不仅嗓音的条件不同，每个人的手指条件也不相同，有的人手指粗短，有的细长，有的指甲薄脆，有的指甲厚实，这些也都影响着每个人在先天上就拥有不同的琴声。JohnWilliams曾经说过，古典吉他的市场只能容下10个职业演奏家（原话大致是这个意思），也就是说，全世界只有10个弹吉他的人，能够只靠演奏来谋生，其他演奏家除了演奏，还需要其他的活动才能养活自己，当JohnWilliams说这话时，古典吉他的发展和现在已经大不相同了，现在有更多的职业演奏家，但是要成为一名“演奏家“，需要什么条件呢？除了经纪公司这种商业因素外，我认为“个性”是非常重要的，不是人格的个性（我们都是从唱片上去了解音乐家，很难有机会接触本人），而是音乐上的个性。以流行歌来作例子，你也许喜欢这个歌手的声音，不喜欢那个歌手的声音，但是你都知道他们的歌声，很多人不喜欢某个歌手，但是当音乐响起，大家都知道这是他唱的，流行歌手的嗓音如果特别，容易被听众记住，那他在市场中就能够占有一席之地，哪怕他的歌声很做作！
一个古典音乐家的音乐也需要个性才会吸引人，从音色的角度来看，目前公认能够把古典吉他的音色表现的圆润甜美的，DavidRussell算是个中翘楚，如果以他的音色标准来衡量JulianBream的音色，那JulianBream的音色一定是不合格的，但这样的比较并没有意义，而且在个人先天手指条件本不相同的前提下，每个人的音色本就不同。一个演奏者在找到属于自己的声音之前，要经过一个漫长的过程，克服先天的条件和掌握触弦的技术，加上对音乐的理解，最终形成一个整体的音乐形象，当我们在听唱片时，其实不光是被演奏家的琴声所吸引，更重要的是演奏家对音乐的诠释和表达，留在我们脑海中的，实际上是一个整体的形象，而不光是单单几个音符的色彩。于是，我们可以分辨出，这是Segovia弹的；这是PepeRomero弹的，而那是山下和仁弹的！
音色的问题，单从物理性质来论析，是很单纯的或是数据化的，若从音乐的角度来看，就应该和音乐的内涵结合在一起，想像一下，弹奏古典吉他的人，如果哪天像弹电吉他的一样，有厂商发明了“塞歌维亚效果器”或“大卫罗素效果器”，接上你的吉他后就能弹出这些大师们的音色，那该有多好！可是表现音乐决不是用单纯的音色问题可以解决的，整体的音乐形象需要演奏者对音乐的理解，让自身的音乐拥有个性，吸引听众，吸引更多的人爱好音乐，陶醉在音乐之中……….
作者倪本初介绍：
1975年生于台湾省台北市祖籍福建省建阳市
1990年起师从台湾吉他名家庄维仁（现任台湾龙门吉他市内乐团指导），学习古典吉他
1991年至95年期间就读台北世界新闻传播学院，在校曾任吉他社教学干部及学生合唱团指挥
1995年至97年入伍服役
1997年随全家迁居故藉福建省
1998年在建阳市成立建阳典雅音乐社，开始在当地推广吉他艺术，教授古典与民谣吉他。
1999年参加上海首届全国吉他师资研修班，结识青年吉他演奏家高艺，陈华亮，此后即时常合作在上海的大学院校举办讲座及音乐会
同年起师从台湾吉他演奏家，现任上海音乐学院教授叶登民。
2000年参加由中华人民共和国教科司，上海音乐学院和吉他之友在福州举办的全国吉他大赛，获三等奖。
同年起担任福建省吉他协会常务理事，福建省吉他考级评委，并在省内外多次举办个人独奏会及学生音乐会。
2002年参加香港国际吉他大赛，进入准决赛阶段的比赛。
2006年底赴上海发展
曾参加过福田进一，费尔南德兹的大师班，获得好评。
在闽期间，不遗余力的推广吉他音乐，所教学生也分别在省级与全国级别的古典与民谣比赛中获奖。
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主调与复调的不同
从空间结构的角度，可将音乐分为两大类：只有一个声部的单声音乐和具有两个或两个以上声部的多声音乐。吉他演奏的绝大多数是多声音乐，多声音乐又包括主调音乐和复调音乐。
一主调音乐
我们先来看一首单声乐曲：
两只老虎
我们再来看下面这首乐曲：
两只老虎
沙弥编曲
细心的朋友会注意到，上面这首乐曲是在前一首乐曲的基础上加上了和声伴奏。像这样在一条占主要地位的旋律上加上相对次要的和声伴奏的音乐就是主调音乐。
在主调音乐中，主旋律是音乐的灵魂，和声伴奏处于从属地位：离开了和声伴奏的主旋律变成了单声音乐，离开了主旋律的和声伴奏则没有意义。
二复调音乐
我们再来看一首乐曲：
两只老虎沙弥编曲
我们看到，符杆朝上的音符构成了一条旋律，从第三小节开始，在低音声部又出现了一条旋律。像这样有两条或两条以上各自独立旋律的音乐就是复调音乐。在复调音乐中，每一条旋律都有着同等重要的地位，不存在谁为谁伴奏的问题。
复调音乐又分为模仿式复调和对比式复调两类。
模仿式复调的特点是两个或多个声部旋律相同，但是在节奏上错开，形成后面旋律对前面旋律的模仿。上面的乐曲就是模仿式复调。
对比式复调的特点是两个或多个声部旋律各不相同，各条旋律之间形成了对比。下面的乐曲就是采用对比手法编写的：
两只老虎沙弥编曲
区分主调音乐和复调音乐，无论是对于欣赏和演奏音乐都具有重要的意义。在演奏主调音乐时，我们应该适当地突出主旋律声部，在演奏复调音乐时，每一个声部都同等重要，不可偏废。
“谈”吉他（下）什么是最重要的技术
有一种技术你不能没有它，它是所有其他技术的根基。那是一种能移动山脉，建造摩天大楼，甚至能让一个98磅重的弱者击败阿诺德-施瓦星格的力量！！！
哦，够神秘的了。到底是什么技术呢？？？
目的：寻找音乐成功的关键
设定目标我们先来做个选择：首先用“目标”来代替“目的”。那么他们究竟有什么不同？
目标是一种渴望或心愿。他可能会变得强大，但他也是不精确的。举一个“目标”的例子：“我要和JOEPASS弹的一样好。”
目的则是达到目标的渠道，你可以看到，听到或感觉到投入一个练习中的目的。最重要的是，目的是可预测的。这里有很多精确的目的来作为一个目标的侯选。
去弹JOEPASS专集里的每一段SOLO，在一年中只干这个！（译者注：好象我们中很少有这么模仿的，通常是来几个经典的大师段子就算完事）
这是一个真正意义上的目的吗？那么我们怎么知道什么时候才是个够呢？一些目的的标准需要回答以下这些问题。
目的的标准1。练习是必须的，包括你得知道要达到的水准
2。必须做练习笔记，而不是简单的说出来
3。必须定期的检验自己练习的效果
4。你做的练习必须是对你有巨大作用的（译者注：不要练热门但却是对自己毫无用处的东西，比如你打算成为一个BLUES风格的乐手那么“传说中”的扫拨就别去管它了）
5。必须超越自己现有的水平，当然你也要现实点
6。最后让我们仔细体会每一条然后运用到我们的“JOEPASS目标”中去
预见性是必须的你可以让自己弹完JOEPASS专集中的每段SOLO，并且在一年中只干这个吗？你能在一年内弹完他专集中的每段SOLO并且以他80%或者更快的速度完成吗？这些成果是可预测的吗？让我们来推翻这些：你可以数出JOEPASS所有专集SOLO的数量，你可以或不能在一年中在已经弹过的SOLO中达到他那个速度。
在你弹之前你能预测自己是否有能力拿下这些SOLO吗？这对你来说可能是个盲区，但是我们可以用很多方式来说明这个。如下：
1。找10个JOEPASS迷，并且为他们演奏这些SOLO。但在你演奏之前先别告诉他们是哪首歌里的。事实上，你该给你的听众们来点汇特尼-修丝顿或者披头士的东西。当你给他们演奏JOSPASS时，你可以数得出其中有几个人能听出你弹的和JOEPASS弹的究竟有什么不同：）
2。给你信任的吉他老师演奏这些，他的判断和建议对你的演奏是大有好处的。
3。演奏时只用节拍器并且把你弹的录下来，录音将会给你最好的答案（译者注：这点见Y.J.MARLMSTEEN的教学文章，他是很好的例子--速度+精准=YJM）
训练笔记是必要的这会让一些音乐家糊涂。为什么在练习时做记录呢？尤其是在你要做JOSPASS这么个单一目标时也得这么干？
因为笔记会给你一个清晰的概念，让自己的目的变得一目了然。还有我建议你去测试自己。
怎么来测试？把任何的细节问题写到纸上然后试着解决。例如：“我该用什么指法去弹消邦练习中的第三条？”在你问题下面写出至少五条解决方法，别介意这些答案看起来有点傻乎乎的。做一周这样的练习，到那时你就会有我该记录什么样的问题和不该记录什么的本事了。
让我们回到JOSPASS中来。如果这是我的目标，而且我已经把他们记录到了我的训练日记中了，或者我已经把他们记到纸上并贴到了门上，那么你已经通过了这个测试。
给自己的训练定个期限是必须的“难道我不想和JOEPASS弹的一样好吗？”人们通常是不会那样说的，不是吗？但是我们说的所谓--对不起，我不如他，这时你就要在你的练习中记下“我的目的不是在学习他的SOLO中出现任何错误”有一件事很重要那就是：在突如其来目的中吸取力量，那是工作中的一种微妙的力量，当你说“难道我不想和JOEPASS弹的一样好吗？”这句话时。心理学知识告诉我们不论我们集中于干什么事情都要把握自己的方向，不论好坏，肯定或否定。运用于此就是我们得找出在学习JOEPASS的SOLO中的哪怕是仅有的一处错误，当你忽略了那些甜美的声音时错误就出来了。
在你的笔记里这么写：在一年中弹JOEPASS专集里的每段SOLO
通过“定期的”自我测试必须对你有巨大的帮助这是显而易见的，但是让我们再讨论一下这个。弹完JOEPASS的SOLO对你或其他什么人有价值吗？或许你会想：弹的和JOEPASS一样好将会赢得其他音乐家的尊重。我的观点是如果你不是很倾心于JOEPASS的东西，那么这个目的就算失败了。你得建立新的目标了！
超出你的能力范围该怎么办？如果你根本不能把JOEPASS弹精了，就用不着再建立这个目标了。你也不必再弹他们了，因为这些SOLO超出了你的能力。如果你仅仅是个初学者，那就别给自己定这样的目标了。JOEPASS是一位顶尖的音乐家和超级SOLO艺术家。如果你刚刚开始的话那将会占用你大量的时间。为什么不在一年中选择你能够的着的东西呢？这些东西将会在以后帮你完成JOEPASS的目标的。
漫无目的的工作就象出游不带地图一样，你可以得到一辆最快的车，但你根本不知道开往何处，你只是空转轮子。你必须停下来！！！
与其这么干不如花几天或几周时间去想想自己到底要得到什么样音乐。思考也是你练习的一部分。
如何去描述或感受所谓的音色
今天的吉他自学教程，我们来说说民谣吉他弹唱：如何去描述或感受所谓的音色。
如何去描述或感受所谓的音色
音色通常可以说是主观的，但我们可以试著去描述吉他音色的各种特性。这边我们借用Larry Sandberg 在他的著作 The Acoustic Guitar Guide中所说的∶把吉他音色用下面六种面向来描述∶
1.Tone
吉他的音色其实是很特殊的，甚至每种厂牌也有自己的音色，我们都知道当弦震动时，它声音组成是基音以及泛音，这些吉他的震动频率不同，所以听起来音色也就不一样。
而吉他的侧背板是影响吉他音色非常大的一个因素. 玫瑰木会有一种有灵性、较深沈的音色，桃花心木则比较甜美、软性及圆润且共鸣良好。枫木的音量跟玫瑰木一样大声，但是低音的感应比较弱，高音的感应则更强。
2.Volume
所谓音量是指你的吉他听起来有多大声， 这不是要用分贝去量测。. 音量的大小其实跟面板的材质、内部力木和侧背板的坚硬度有关。 比较粗的弦也会比较大声是因为它让面板震动幅度的比较大。 比较大的吉他当然也会比较大声一点，因为它的面板更大而且共鸣箱也比较大!!
3 Presence
饱满度也是一种很主观的东西，它指的是你的吉他声音听起来有多饱满? 一个简单的测量方法是当你轻轻柔柔的弹吉他时，你对这声音满意吗??有好饱满度的吉他即时音量小声的弹，音色也会相当不错的。 面板在这里其实扮演了重要的角色!!
4 Balance
平衡度是指高音与低音之间音量上以及饱满度上的协调性，在平衡性佳的吉他上，每个吉他的音都是均衡的，如果吉他的低音比较重，通常称作轰。乡村乐手跟民谣歌手通常喜欢这样的吉他，Fingerstyle演奏者比较喜欢偏向高音平衡的吉他，平衡度通常跟吉他的大小有很大的关系。它也同时受侧背板材质的影响，(玫瑰木就比桃花心木还要轰), 跟音孔的大小也有关 (音孔比较大的吉他比较偏向高音平衡).
5 Separation
分离度是指吉他弹奏时每个音都可以同时清楚的被感受，例如你刷一个E和弦，你听到的是一团声音，六根弦融在一起的感觉或者是六根弦很独立的声音?? 分离度跟吉他的等级有关，但也跟吉他弹奏者的触弦力道有关。
6 Sustain
持续度是指一个音发声後延续多久? 如果声音是很快的衰减，那麽持续度就不好， 所以这跟吉他的等级有关，更具体的说，面板的震动影响的持续度， 它也影响的了音色的各种特性!
不同风格吉他手持琴有何不同，看完不会正经撸琴了~ ...
话说，你弹琴是什么姿势呢？
如果没猜错，估计有60%的人得说坐着弹吧，哪里还需要各种风格。
要说风格估计也是侧坐，正坐，翘腿坐......
不过事实远不止如此，这不，YouTube的粉丝量高达180多万的JaredDines，就绘声绘色的给大家表演了下不同风格的吉他手的不同持琴风格。
只能说有才，太形象了，看完都快不懂该怎么撸琴了
JaredDines是一名乐队主唱，YouTube的粉丝量高达180多万，发布的视频量也有600多。
他把吉它、贝斯、鼓玩得是相当6，集齐键盘就可以组个“一人乐队”了，并且精通各种唱法，例如黑嗓、核嗓等。
他推出的视频搞笑又有创意，粉丝源源不断。
今天就给大家分享一下前段时间JaredDines上传的不同风格的吉他手的持琴方式。
弹摇滚的
（自以为帅气的饰品，比如反着戴帽子。）
弹古典的
（这小发型整得，挺带劲。这小姿势坐的，像模像样的呢。）
弹爵士的
（弹得非常高大上，但是观众一个个都听不懂吉他手到底在弹什么，如果可以的话，我们只想听：我们不一样。）
弹乡村的
（这小帽子，让我想到了宋小宝...弹琴的时候，吉他手仿佛自己身处辽阔的草原，看这画面就知道了）
弹电子的
（这花T恤➕渔夫帽..可以的。还有这笑容，给99分，另一分怕你骄傲。）
信基督教徒的
（神啊，拜托让我吉他技术变强吧~哔哩嘟哩乌拉...）
弹重金属的
（我最酷，全世界我最diao，快来听我弹琴！）
弹流行的
弹流行的：(不说了，你们自己看视频吧，好想停下来...emmm）
弹硬核的
（“爸爸”的帽子酷不酷！大声告诉我：酷！）
弹新世纪音乐的
（已经沉浸在大自然中了..让我自己享受一会儿，不要打扰我）
综上，如果你是一名吉他手，你是属于哪一种风格？
吉他入门——吉他琴弦、琴音与音色的关系
对于还未吉他入门的新手而言，当吉他需要换的时候，换什么弦?多粗的弦?都是非常困惑的。因为弦可以弥补琴箱的不足，当然好的琴比如1500以上的木吉它还是不要换了那样琴的琴弦和琴箱的配比度已经是很完善的了，但是1000块以下的夹板琴在这方面就有些问题了，当然要这样的琴的音以去和全板的琴比是不可能的，但是可以向单板的琴的音色靠拢下面说一下弦与音色。
弦是发生的来源它的声音被琴箱放大从而产生大家最后听到的声音，目前弦的质料主要是由三种金属制造的(什么金属名子忘了--!)第一种是看上去很光亮的感钢很多的那种(比如爱丽丝就属于这种了)，第二种是与它感观上差别很大的那种看上去比较暗像是含了许多铅和铁的那种(你去琴行看看有很多生锈的弦就是这种了)，第三种比外观上看在前二种之间，但它的三四五六弦退色后可以看到外面一圈丝很像铜的(暗红色的，正名达达里奥的就是这种，0.10-0.11)第一第二种指的是看一，二弦。
第一种弦的高音音色很亮，低音音色很硬，而且这种弦往往做得比较细来配合这种特性(0.10或0.11)第二种弦的高音很有弹性，低音发闷，这种弦的粗细在(0.11-0.12)第三种的弦在二者之间比较难讲清楚，属性柔和的那种。
接下来说琴箱，不同的琴的制作材料不同，面板多数为云衫。侧板背板，指板琴颈的用料就比较花了，比如本人的琴的侧板背板琴颈是桃花心木的，这种木料的中低音比较好，声音发甜，而且高音就没枫木的亮。(听说有红木的琴，小时后见邻居用过，声音很亮，10年前的事了，估计琴现在卖价也不低)拿本人的琴打个比方的话可以用第二种弦，来把低音的优势发挥出来，而枫木的就可以换第一种的弦让音色亮起来。
那可不可以把二者的特点互补呢?如果你不想花太多的钱去拿一种一种的弦试(也许你能试到最适合的，但你的琴几钱?)你不妨试试把同类型的二套不同粗细的弦配起来用，比如达达里奥的，本人的琴目前是用的0.10的一弦0.14的二弦(这二根是一套的)，0.24，0.32，0.42，0.52的3456弦,因为是同一品牌二种弦的兼容性还算比较好(扫弦不会变得很怪，反而很好听)这样低音发挥出来了，高音也不错(这只是个人偏好而已)。
还有300-1300的琴做得都不是很细致比如琴桥高造成弦离指板高等这些去看怎么打造自己的琴的文章这样可以让手感好起来，不是粗的弦就一定硬的，这和琴本身很有关系，听说弦离琴箱的高度也影响音色，还有尽量把琴调到标准音，这样有助于判别，所以大家努力探索把自己的琴打造成属于自己的吧。
只要琴箱没什么缺陷是可以修正音色的，本人的琴感觉不比1000多的琴差(在琴行试过多把1000朝上的琴)，只要琴箱可以什么都可改变!以上都是本人的观点，可以当我是说糊话，或者大家都知道了那就把当小白吧。
弦与琴箱和音色的关系
现在，很多年轻朋友都想要学得一手弹吉他的好技术。首先吉他入门第一步是拥有一把自己的吉他，接着第二步便是了解自己的伙伴及与他相关的配件等，最后一步才是打磨自己的技艺。本人的琴是johnson6400，用过的人都知道这琴原装的弦是MARTIN的出粗弦，所以手感非常的硬，新手弹这琴都极不适应，所以初学者换弦。
既然要换弦了那么换什么弦，多粗的弦都很有说道，因为弦可以弥补琴箱的不足，当然好的琴比如1500以上的木吉它还是不要换了那样琴的琴弦和琴箱的配比度已经是很完善的了，但是1000块以下的夹板琴在这方面就有些问题了，当然要这样的琴的音以去和全板的琴比是不可能的，但是可以向单板的琴的音色靠拢下面说一下弦与音色。
弦是发生的来源它的声音被琴箱放大从而产生大家最后听到的声音，目前弦的质料主要是由三种金属制造的（什么金属名子忘了！）第一种是看上去很光亮的感钢很多的那种(比如爱丽丝就属于这种了)，第二种是与它感观上差别很大的那种看上去比较暗像是含了许多铅和铁的那种(你去琴行看看有很多生锈的弦就是这种了)，第三种比外观上看在前二种之间，但它的三四五六弦退色后可以看到外面一圈丝很像铜的(暗红色的，正名达达里奥的就是这种，0.10-0.11)第一第二种指的是看一，二弦。
第一种弦的高音音色很亮，低音音色很硬，而且这种弦往往做得比较细来配合这种特性(0.10或0.11)第二种弦的高音很有弹性，低音发闷，这种弦的粗细在(0.11-0.12)第三种的弦在二者之间比较难讲清楚，属性柔和的那种。
接下来说琴箱，不同的琴的制作材料不同，面板多数为云衫。侧板背板，指板琴颈的用料就比较花了，比如本人的琴的侧板背板琴颈是桃花心木的，这种木料的中低音比较好，声音发甜，而且高音就没枫木的亮。(听说有红木的琴，小时后见邻居用过，声音很亮，10年前的事了，估计琴现在卖价也不低)拿本人的琴打个比方的话可以用第二种弦，来把低音的优势发挥出来，而枫木的就可以换第一种的弦让音色亮起来。
那可不可以把二者的特点互补呢?如果你不想花太多的钱去拿一种一种的弦试(也许你能试到最适合的，但你的琴几钱?)你不妨试试把同类型的二套不同粗细的弦配起来用，比如达达里奥的，本人的琴目前是用的0.10的一弦0.14的二弦(这二根是一套的)，0.24，0.32，0.42，0.52的3456弦,因为是同一品牌二种弦的兼容性还算比较好(扫弦不会变得很怪，反而很好听)这样低音发挥出来了，高音也不错(这只是个人偏好而已)。
还有300-1300的琴做得都不是很细致比如琴桥高造成弦离指板高等这些去看怎么打造自己的琴的文章这样可以让手感好起来，不是粗的弦就一定硬的，这和琴本身很有关系，听说弦离琴箱的高度也影响音色，还有尽量把琴调到标准音，这样有助于判别，所以大家努力探索把自己的琴打造成属于自己的吧。
PS：只要琴箱没什么缺陷是可以修正音色的，本人的琴感觉不比1000多的琴差(在琴行试过多把1000朝上的琴)，只要琴箱可以什么都可改变！以上都是本人的观点，可以当我是说糊话，或者大家都知道了那就把当小白吧。
正确使用拨片是好音色的关键
每一个吉他入门的民谣新手在弹奏方面或多或少存在一些问题，首先在弹奏方面大致要分为用手指和拨片两种。民谣琴的琴弦是钢弦，这使它在音色方面具有华丽、明亮、穿透力强的特点，由于它的弦比较硬，弹出来的音色也是很有张力有力度感的。而用拨片弹琴则更能充分发挥民谣吉他的这种特性。
如何正确的使用拨片，是决定你能否获得好的音色的关键。拨片的形状各异、厚度也不同，在弹民谣吉他时我建议使用大一些的 、厚度在0.7毫米左右就可以，厚的拨片弹琴时听起来没有高音、而且低音太多，在扫弦时感觉混乱，声部不清晰;而过薄的拨片却是相反，高音太多、没有低音，整个听起来很飘、没有根，我觉得就是0.7左右的最好，高声部明亮但不刺耳、中声部丰富、低声部厚实饱满，整个声部清晰明朗，当然只是正确的使用拨片是不够的，更重要的是我们如何去使用它，这就是我们在弹奏时方法的问题了。
握拨片时用大拇指和食指就可以，拇指要覆盖拨片的一半并与拨片的中轴线垂直，食指则与中轴线平行，且指尖大约在拨片中心的位置，握拨片的力度以拨片不掉为准，遇强则强，遇弱则弱，决不可死死的握着拨片，那样弹出来的声音会很僵硬，力度也不会有太大的变化，毫无美感可言，民谣吉他和钢琴一样，是属于原声的确乐器，它不能借助别的东西加以美化，要想获得好听的音色、和强劲的表现力，比如说抑扬顿挫、轻重缓急之类的表现，那非我们的双手不行。
在弹奏时，拨片应尽量保持一个很好的状态，就是说拨片要尽量垂直与面板，且与琴弦垂直，尽量不要与琴弦成角度，为什么这样说呢？拨片与面板垂直弹，遇到的阻力会增加，我们弹时就会加大力度，这样才会把琴本身所具有的潜质放出来，还有拨片应尽量与琴弦平行，接触的确面积大，声音也会很清澈。在用拨片时，无论是分解还是扫弦，手腕都不要僵硬、要灵活，弹奏时是用小臂带动手腕的。在扫弦时要能感觉到你的拨片是粘在弦上的，该丰富的时候丰富，这要求你基本要把每根弦都扫到，要轻灵的时候轻灵，就是要有声部的选择，不能全弹。
关于指甲形状与音色的讨论
自从罗素优美的音色被现场听到后，我想很多人对指甲形状变得不知所措了。我自己也花了较长时间试验用各种形状的指甲来拨弦，得出如下结论（仅仅以两种完全不同的形状A、B为例图示），希望听取琴友们的意见。
我认为不管是哪种指甲形状都可以获得理想的音色，只是拨弦的角度需要与之适应，手腕的高低也同样需要稍作调整，但是由于指甲先天的个体差异，也许有些形状的指甲可以在A、B之间寻找一种适合自己的形状。不同的指甲形状可以获得同样好听的音色还在于它们有许多共同之处：
1.指甲划过琴弦部分的弧度不能太大，甚至可以接近直线（根据具体的指甲而定），以获得拨弦的舒适感（阻力小）；
2.指甲都必须仔细抛光，才可以发出圆润的声音；
3.都必须有正确的拨弦方法（过程）以保证好音色的获得。
另外，好音色来自于演奏者本身对音色的认识和追求——什么是自己理想的音色！这一点比我们想象的更重要！！
一点建议：
非常平坦的指甲用A到B两种之间的形状都可以获得优美的音色，且A更适合喜欢长指甲者；
非常弯曲（勾）的指甲可以使用更接近B的形状，且适合短指甲。
初学者采用B且是短指甲时，由于拨弦的阻力很小，很容易忽略了拨弦的整个过程而造成拨弦方法的错误，使得音色仍然不能如愿。
强烈建议：
初学者音色的学习必须有好的老师现场指导，否则自己奋斗的结果很可能是：多年的努力不如1月的学习啊！
吉他的拨弦动作技巧对吉他音色的影响
音色是吉他音乐的灵魂，一只曲子的音色好坏关系着曲子是否演奏的出色，为此我们要时刻留意如何提升我们在吉他弹奏的时候把握住音色的变化。而这就要考虑到我们在吉他弹奏时的拨弦动作了。我们的右手是负责直接发声的部分。右手的技巧，决定了演奏出的琴声的素质！
首先我们要考虑手掌发力的问题：
整个拨弦动作中，发力的关节是掌指关节（手掌与手指连结的关节——大关节）。从指根处发力，远端和近端指间关节（小关节）保持屈曲一定角度来完成拨弦动作。这就类似于人走路，是用髋关节运动作为动力来推动人向前的，而不是用膝关节弯曲来完成行走动作。
该过程需要特别注意避免下面两个错误：
错误一、不是从掌指关节发力，而是近端指间关节发力。
掌指关节是人手最有力，最灵活的关节，此关节作为主动关节能使拨弦动作更具力度和速度！而指间关节屈曲带动的拨弦动作只会使音色软弱无力，不饱满，且严重制约了拨弦的速度。
错误二、拨弦的过程中远端指间关节未用力锁住关节，而使指间关节反屈。
拨弦时远端关节须用力锁住成一定的屈曲角度，才能把指根的力量完整传递到琴弦。拨弦时此关节若放松，将使拨弦的力度大打折扣，且形成无效动作，使拨弦速度也大大下降。
下面我们把拨弦的动作分解，那么一共可以分解成四个动作，分别是触弦、压弦、绷弦、放弦。
一、触弦
触弦是手指从运动状态靠近琴弦并轻轻触碰到琴弦的动作。当接触到琴弦后，拨弦开始时才正式开始发力。触弦的动作轻，拨弦力度大，它们之间是有一个二次发力过程的，而不是一次发力来完成触弦及拨弦两个动作，这种二次发力在演奏慢速的曲目时更加明显。
触弦位置不宜太深，指甲与弦并非平行，而是有一个角度，交汇于指甲左侧。
二、压弦
压弦是整个拨弦动作中的发力阶段。指尖（主要是指肉）触弦后，手指沿掌指关节自然的屈曲方向发力，把琴弦尽量压向面板方向。压弦只是一个瞬间动作，但却是非常重要的环节。
拨弦其实就是压弦和放弦的过程。该过程好比射箭的拉弓和放箭，弓拉的越满，箭支射的越远。同理，压弦越深，弦的振动越充分，音色也越有力度，越饱满。而松弦的那一瞬间琴弦偏离初始位置的方向，也就是松弦后琴弦的振动方向，结合上面提到的琴弦的固定方式，那么琴弦振动方向越垂直于面板，传递给面板的振动也将越加充分。（如图，琴弦呈椭圆状垂直运动）。所以，过轻的压弦动作及压弦方向与面板太过平行，是很难得到饱满的声音的。
三、绷弦
通过压弦动作，弦会向面板方向产生一个位移，这时指甲左侧也与弦开始接触，指甲和指肉，会同时把弦锁住，琴弦位移造成张力变大，琴弦势能积蓄待发，如同拉满弓稳住的状态，绷弦的感觉很重要，稳定的音色就靠这种感觉来控制，如果每次拨弦 在压弦的幅度感和绷弦的力度感都一致，音色就稳定统一。
四、放弦
放弦是琴弦从指尖释放的过程。放弦和压弦共同决定了音量和音色，所以放弦的技巧也非常重要。放弦时要特别避免上面提到的第二个错误，不能将最末端的指间关节反屈，这样会造成放弦的拖滞。干脆，果断的放弦能最大程度将压弦时琴弦储备的弹性势能释放为动能，并能得到干净，饱满的声音。
放弦时琴弦从指甲和指肉的交汇处划过指甲斜面并脱离手指。因此，特别对于吉他来说，指甲的形状将对音色产生巨大的影响！
贝斯与电吉他外形有什么不同
贝斯与电吉他，可以看成是两种乐器来分辨它们，它们的外形你们能够看出什么不同之处吗?下面是小编给大家整理的贝斯与电吉他外形有什么不同，供大家参阅!
贝斯与电吉他外形有什么不同贝司属于伴奏型乐器，吉他属于主奏型乐器。贝司通常配合低音地鼓用低音节奏给歌曲做铺垫，吉他一般给歌曲带来比较鲜明的旋律和节奏。外形上电贝司一般琴身较小，琴颈较长，以4弦为主。大家都叫它贝司
贝斯和电吉他有什么区别外形
贝斯往往更大，Leo Fender 老爷子造的第一只 PB 是 34 英寸因为他觉得「这个弦长音质比较好」。常见的是 4 弦或 5 弦，虽然 67 弦这样的奇葩型号也都有来着。
相对的贝斯的曲线也更优雅。把 Strat 比作萝莉的话，PB 就是御姐，作为一个御姐控我盯着 PB 留着口水说。
音质
贝斯的重点不在音质而在其音域。贝斯主攻低音部，四弦的音高从低到高是 EADG，标准调弦比吉他的 3456 弦低一个八度，五弦在四弦的基础上多一根 Low B。对于贝斯来说音质要求并不像吉他那样丰富，效果器也比吉他少，要加也是诸如 Limit 这样改动比较少的，很多时候就是原声。
和吉他一样贝斯的拾音器也有单线圈双线圈之分，例如 Fender 的 Jazz Bass(在汉语语境下这个打缩写会要命的=..=)多为两个单线圈或者琴桥换成双线圈，PB 就是一组双线圈，有的型号会在琴桥处再加一个单线圈。两种拾音器的音色和吉他不太一样，非要比喻就是「PB 是一桶水泼出去，JB 是水龙头射出去」去琴行找两把弹著比较比较算了。
要说更多的区别的话，贝斯弦更粗更重，按弦比较费力。
贝斯和吉他外形上的区别外形区别上贝司的琴颈比吉他要长得多。
贝司的弦比吉他的弦粗。
吉他有两根裸弦，贝司没有。
.贝司的卷弦器比吉他的大。
重量的话 bass比吉他重 bass没有摇把
贝斯和吉他的区别：
1工作频段不同。吉他音箱主要工作在中频和高频，贝司音箱主要是工作在和中频。贝司在乐队中多数时候负责低音铺底，配合打击乐器做节奏效果。
2..功率不同。贝司由于跟打击乐器配合，加上低音本身的听觉敏感度低，一般都做的功率很大。
3..音色效果取向不同。贝司音箱通常带有多段均衡和压缩效果，对音调调整很精细，用压缩提高音色颗粒感。而吉他音箱的音色调整一般比较丰富，跳跃性很大，有时候带有很多效果器。
4..箱体结构不同。贝司一般采用密闭箱体，吉他则密闭、背敞结构都有应用。密闭箱的音色特点是音色丰满、连贯、平滑、颗粒感强，背敞箱高低频凸显，中频凹陷，不适于贝司使用。
贝司和吉他的主要区别还是在于演奏的音域不同，也就是发出的声音音高不同。通常，四弦贝司的(由细到粗)1至4弦比六弦吉他的(由细到粗)3至6弦分别低八度。反映到外观上，就表现为贝司的弦比吉他要粗。
而至于琴弦的数目，则由于各种原因出现了各种弦数的贝司和吉他。除了最常见的四弦贝司和六弦吉他外，贝司的弦数还有3、5、6、7甚至12弦;吉他则还有7、10、12、24弦。而实际上，只要你有能力(自己做)或有money(请人做)，任意弦数的吉他和贝司都有可能出现。
BASS在乐队中属于伴奏低音的, 一般有四根弦，也有用于独奏或表现力更丰富的旋律时用四根弦以上的。
一首完整的歌要有高音,中音和低音组成.就好比音响有高音喇叭,中音喇叭和低音炮.在乐队中,鼓是乐队的框架,吉他是乐队的高音,而BASS就是乐队的灵魂.BASS和吉他的不同之处就是前者是低音吉他而后者是高音吉他.高音吉他的作用是担任歌曲中前奏,间奏和尾奏的华彩(SOLO)和节奏的.所以高音吉他又分为主音吉他和节奏吉他2种.BASS的作用是强调歌曲中每个小节和弦的根音(或和弦音),为高音吉他的演奏做铺垫。
贝司：又名低音吉他在乐队里负责低音部分，使乐队的整体音效变得圆润有活力，贝司是由四根低音弦组成，将原有吉他的三四五六弦降低八度来弹奏。吉他：又名六弦琴，在乐队里负责比较主要的部分，通常有主音吉他和节奏吉他。乐队通长使用的都是电吉他，有自己的风格的时候会加电箱琴(木吉他的进化版，他有内制的拾音器可以插音响)如何训练音色感？
音色感，貌似正统的吉他教学课程中没有这个名词，但众乐手们应该都可以理解，我个人觉得音色感是可以通过训练得到提高的。我用的效果器是gt6，我就拿他做为训练设备，可能有不周全的地方，尽请理解。每个人都想听到好音色马上就能把他调出来，但结果大多不尽人意，设备可能是个大问题，但调试也很重要，本人的调音原则就是：分析和感觉。
分析篇：
抛开琴和音箱的因素，只针对效果器来说，音色“心脏”当然是前级放大器与音箱模拟器。就分析音色而言，一下子就听出来是哪种类型的放大器，是必须掌握的素质，而且只是第一步。训练方法，很简单——听，试。举例：marshall hi gain，这是一个比较常用也比较受青睐的放大器。你先调出他的声音，把其他的如延迟等都关了，感受一下。
找几段用hi gain弹奏的音乐，再比较比较。把你拥有的所有放大器种类都仔细听听，感觉一下，并记住他们的音色特点。用同样的方法也听听各种失真效果器的感觉。这都只是第一步，也就是说先能判断出是哪种类型的，当然，其他的效果如flanger等你都要知道是一种什么声音，这也是最基本的效果器知识。
感觉篇：
这是第2步，也是最后和最难的一步。种类已经分清楚了，接下来该是具体数值了。(做好花n小时调音的心理准备)我将逐个说来。
1、前级放大器
增益(gain)：很多人喜欢把他开到头，也不是这样就不好，根据需要。如果是玩重型的，当然，失真要大。如果要颗粒感的话适中，清音要小。
高中低音：我觉得完全是精神力与思维能力上的训练。我们可以把他比做是一棵大树(千年参天的，呵呵)树叶相当于高音，树干相当于中音，树根相当于低音。只留前把其他的都关掉，调试下列几种模式，感受一下。
低高音大中音小，低中音大高音小，低中音零高音一半，中高音大低音小，等。一边调，一边把他们当作树的摸样，也就是把你调的模式强加于树的形状上。经过训练后，你对“树”就已经有感觉了，可以进行实践了。
2、音箱模拟器：
这个不用怎么多说，反差非常明显不用练都能听出来。
3、失真(distortion)：
这里重点说说fuzz，我们叫他法滋器。据了解，od系列、mt系列几乎占领了我们世界，然而国内涉及fuzz的人并不多。在国外很多大师都用到fuzz，他给人感觉暖暖的圆圆的，有种内在的刚强。
4、均衡(eq)：
像前一样的用“树感法”训练。我现在已经一下子就能听出x棵树是哪个部位突出，那个部位残疾，建议找一个7段eq来训练。其包括高中低音各一段，中高和中低各2段。我就是用这种训练的。(觉得7段eq很有囊括性和引导性)关于eq，大家去听srv。感受一下他的音色，他是eq命。：)eq的作用很大，他可以将烂的设备潜力发挥到极限，大家一定要好好调eq，不过，设备好的话可能不太用到，你需要的高低音好的琴和箱子都可以满足你。
5、延迟，合唱，混响：
这几个不用多说，大家去尝试着弄就可以感受到，这要说的是有些时候在失真里加合唱会有意外的效果哦。
6、特殊效果：
很多很多，哇音，whammy，相位，flanger等等等等~多多运用，会给你的音色带来意想不到的变化。至于调试方面各有各的特点，几乎每一项数值都可以大大改变他们效果，上手很容易。要想不要默守陈规，要大胆创新才行，希望此文多各位能有很大帮助。
右手音色控制技巧的经验总结与讨论
吉他是右手的艺术！自学指弹的朋友们，请你们将左手从那些以你目前的水平根本无法胜任的复杂指法和快速运指中解脱出来，少走些弯路，因为时间是世界上最宝贵的。
自学指弹的朋友们，请你们将右手从那些拍来打去的对琴的非常虐待中解脱出来，没学一就学二是不明智的，少走些弯路，因为时间是世界上最宝贵的。
吉他是右手的艺术，我们为了弹出优美的旋律而学吉他。也许对于不以音乐为终身职业的业余爱好者来说，能陶醉在自己弹奏的曲子中是最高的追求－－如果你学了2年吉他还没有达到这个境界，很可能你正在走弯路。
我们要追求的是干净的演奏和美妙的音色，让快速音阶见鬼去吧，让拍拍打打见鬼去吧。水平达到一定高度的人使用高超的技巧能使音乐更具表现力和感染力，而一个基础很差的人使用高超的技巧是对听众耳膜的折磨。同样一把琴，一个高手弹起来声音洪亮，音色饱满，强弱变化丰富，而一个低手弹起来声音巨大（或特小），音色虚而不实，杂音很多，延音不够，强弱无变化，节奏机械。
今天是本人发表的第一弹，因为篇幅所限，我们主要集中在右手音色问题上展开讨论。
一、首先探讨一下指甲弹奏还是拨片弹奏的问题。
在古典吉他世界中，一百年前有两个流派，一为甲弹派，一为拨片弹派。甲弹派弹奏音量大而响亮，缺点是杂音多。拨片派音色柔和， 演奏干净无杂音，缺点是音量较小。而现在古典吉他则流行指甲和肉兼备的演奏方法。
我在自学钢弦吉他的过程中，为了得到满意的右手音色，曾尝试过ima三指留很长的指甲，也尝试过把指甲全剪掉，纯粹用拨片，结果都不是很理想。最后，我还是选择了以肉触弦，以甲拨弦的方式来演奏。以指尖的肉触弦是不会产生触弦杂音的，而以指甲拨弦也解决了音量的问题，并且，此法亦可在指甲拨弦的响亮音色中加入肉音，实为最佳演奏方法。注意，这要求你ima三指的指甲不能太长，关于指甲长短与音色之间的关系，我们稍后再说。
但p指又是另外一回事，很多自学者对p指的音色是很头疼的。我的方法是，p指在一般弹奏中仅用肉来弹（这需要你的p指有一定的力量），有特别需要表现低音的地方，则以肉兼甲法弹奏。这原本是我自篡的方法，后来发现某古典吉他大师亦推崇此法，我甚为得意 。
很多爱后者有一个误区，就是喜欢把吉他弹的声音巨大。当然，右手力度是一定要训练的，弹奏声大固然是好的。但音量是为音乐而服务的，大家练的是乐器又不是兵器或者一阳指。俗话说不怕长得丑，就怕长得丑还出来吓人，音量和音色之间必须要找到平衡点，仅仅音量大，声音刺耳，实在是对听众最大的折磨！
二、关于触弦、绷弦、放弦的讨论
很多古典吉他教材上都说过，右手弹奏分为三个阶段－－触弦、绷弦、放弦。但这三个阶段到底该如何理解，如何表现，则没有哪本教材说的清楚。此外，钢弦琴也必须深入学习这三个阶段才能得到好的音色。
1、触弦。
指手从指尖向弦运动开始，到接触到弦为止的这个过程叫触弦。
在这个过程中，指尖的肉和指甲同时触到琴弦。我个人的感觉是，指尖的肉起消除杂音的作用，给人一种“止弦”的感觉，而指甲只是贴在琴弦上，为继续下一个步骤做准备。因为如果是指甲先碰到弦，杂音很难避免（甲弹派名家弹奏亦有杂音出现）。
触弦时触弦点和手指的触弦角度是极其重要的，直接决定放弦时的音色。
所谓触弦点，就是指尖相对于琴桥的距离。越靠近琴桥处，泛音越大，音色较刚，越远离琴桥，泛音越小，音色越柔。每个人因为手指、指甲等自身条件有差异，最佳触弦点便也有差异，大家明白了原理后可自行钻研。我的触弦点是音孔稍稍偏后的地方。
所谓手指触弦角度，是指手指与弦产生的夹角－－我们以指肚完全平行于琴弦为0度，以手指左侧完全平行于琴弦为90度。但为何触弦角度的不同会影响音色呢？因为琴弦振动方向垂直于面板的时候音色饱满厚实，而琴弦振动方向平行于面的时候音色就会发虚！我们通过对手指触弦角度的调整，尽量减少平行振动，使琴弦能够更多的垂直振动，从而得到相对饱满厚实的音色！在实践中，手指触弦的最佳角度一般为45度，具体因人而异，原理如此，请大家自行钻研。
2、绷弦。
手指从即将用力开始，到弦即将从指甲上滑过的这个过程叫绷弦。
这个“绷”的动作相当短促，只是一种感觉而无法实际测量。但这个感觉却相当重要，他决定了发力后的音量。
很多自学吉他的人都忽略了绷弦这个动作，让人感觉每个音都是用整个手的力气抡起手指头往琴弦上砸（这个描述虽然夸张了点，但就这个意思）。总之 ，这三步中缺少哪一步都不会得到好的弹奏效果。
3、放弦
弦从指甲上滑过，到手指离开琴弦放松下来的过程叫放弦。
实际上弦不是简单的被你拨响的，而是在你指甲的弧度上滑过！所以我们说“放弦”而不说“拨弦”，这一“放”一“拨”区别大了。
琴弦在指甲上滑动的时间越长，泛音越少，音色越饱满，但太慢了音色也会变得不清晰。反之，滑动时间越短音色越亮。所以，长而尖的指甲滑动时间短，音色较亮，圆而大的指甲滑动时间长，音色饱满，指甲厚，滑动时间长，指甲薄，滑动时间短。。。。所以 ，在放弦这一过程中，我们不但要找到“放”的感觉（不是拨），还要找到适合自己的指甲形状。指甲形状问题我们下面专门讨论。
三、关于指甲修剪的讨论
钢弦琴不同于古典吉他，所以指甲修剪方式也是不同。并且每个人情况不同，还要慢慢寻找适合自己的修剪方式。
我只说比较普遍的 修剪方式。
ima三指的指甲不能太长也不能太短。我认为指甲超过指尖1mm是不够的，至少要1.5-2mm，但是再长就会在弹奏中出杂音。指甲要磨的圆滑，尤其是左侧，要有圆润的弧度（但不必像古典吉他那样磨得左右明显不一边高）。我们追求的最高境界是，ima三指的弹奏音色完全一样。一般来说，a指指甲比m指薄一些，那么弥补的方法恐怕只有涂指甲油增加厚度了！
四、演奏中感情表达的问题
大家先不要迷信大师一定有超能力，要相信自己通过练习也完全可以做到。
首先我们先了解一下人类为何发明了音乐。世界三大艺术：音乐、文学、美术。音乐是为描述创作者情感而存在的，文学是为用抽象的文字描绘形象的事物而存在的，美术是为了描绘景物而存在的。
如果你希望演奏不机械，有感情，那么你要做以下三个步骤： 1、你自己先得有感情。首先你要理解你所演奏的曲子中的感情，你可以去尽量揣摩作曲家的感情，也可以根据自己的感情而做出新的诠释－－怎么做都无可厚非。 2、你需要通过娴熟的技巧将你的感情表达出来，只有这样，听众才会感受到你的感情。如果听众产生了情感上的共鸣，那么你就是个成功的演奏者。 3、给自己找个有一定欣赏水平的听众。
什么是感情，这是很主观的问题，我们暂不讨论。主要讨论一下技巧。
技巧高低是相对而言的，因为技巧是为音乐而服务的，而音乐无非是四个要素：节奏、音高、音量（强弱对比）、音色（我这么表达实际上很不准确）。
这么说吧，世界上有一种东西毫无理智和感情，却能演奏出任何大师的曲 子，那就是录音机（如果你嫌不够就搞3D立体电影录制机和放映机）。录音机本身不具有情感，但它能把大师演奏的节奏、音量、音高、音色忠实复制，谁也不会认为有什么问题。我的意思是，一个感情丰富的你以低劣的技巧演奏出来的曲子仍旧是没有感情的！
怎么办？我们就要在节奏、音高、音量、音色上下工夫啊！这点我们就要向录音机学习了（学习的最终目的是超过录音机）－－我们要追求精确的细节。节奏就不说了，对自学的人来说并不难（除非不愿意好好学点基础乐理）。音高是要靠左右手配合实现的，假设你现在左右手的配合能力为10分，那你就不要去学100分的曲子，至多学15分的曲子。音色前面已经说过也不说了。音量和强弱对比我们要好好钻研了：1、你得能听出CD中演奏的强弱变化－－你得有这个耳力；2、你的设备能够使你有发挥的空间－－你得有一把好琴；3、你的右手至少要娴熟掌握7级由弱至强的力度。总之，找个抒情的曲子，尽你所能copy吧！要有力争分毫不差的精神！
我坚信，扎实掌握几首你能够完美演奏的曲子，比学100首弹的乱七八糟的曲子有意义的多。我们不是专业人士，但一个爱好者将拿手的曲目弹到专业水准却很正常的！记住，技术高低是相对而言的，一个人技术水平一般，但能生动演奏符合自身技巧水平的曲子的演奏者就是成功演奏者
2、绷弦。
手指从即将用力开始，到弦即将从指甲上滑过的这个过程叫绷弦。
这个“绷”的动作相当短促，只是一种感觉而无法实际测量。但这个感觉却相当重要，他决定了发力后的音量。
很多自学吉他的人都忽略了绷弦这个动作，让人感觉每个音都是用整个手的力气抡起手指头往琴弦上砸（这个描述虽然夸张了点，但就这个意思）。总之 ，这三步中缺少哪一步都不会得到好的弹奏效果。
3、放弦
弦从指甲上滑过，到手指离开琴弦放松下来的过程叫放弦。
实际上弦不是简单的被你拨响的，而是在你指甲的弧度上滑过！所以我们说“放弦”而不说“拨弦”，这一“放”一“拨”区别大了。
琴弦在指甲上滑动的时间越长，泛音越少，音色越饱满，但太慢了音色也会变得不清晰。反之，滑动时间越短音色越亮。所以，长而尖的指甲滑动时间短，音色较亮，圆而大的指甲滑动时间长，音色饱满，指甲厚，滑动时间长，指甲薄，滑动时间短。。。。所以 ，在放弦这一过程中，我们不但要找到“放”的感觉（不是拨），还要找到适合自己的指甲形状。指甲形状问题我们下面专门讨论。
三、关于指甲修剪的讨论
钢弦琴不同于古典吉他，所以指甲修剪方式也是不同。并且每个人情况不同，还要慢慢寻找适合自己的修剪方式。
我只说比较普遍的 修剪方式。
ima三指的指甲不能太长也不能太短。我认为指甲超过指尖1mm是不够的，至少要1.5-2mm，但是再长就会在弹奏中出杂音。指甲要磨的圆滑，尤其是左侧，要有圆润的弧度（但不必像古典吉他那样磨得左右明显不一边高）。我们追求的最高境界是，ima三指的弹奏音色完全一样。一般来说，a指指甲比m指薄一些，那么弥补的方法恐怕只有涂指甲油增加厚度了！
四、演奏中感情表达的问题
大家先不要迷信大师一定有超能力，要相信自己通过练习也完全可以做到。
首先我们先了解一下人类为何发明了音乐。世界三大艺术：音乐、文学、美术。音乐是为描述创作者情感而存在的，文学是为用抽象的文字描绘形象的事物而存在的，美术是为了描绘景物而存在的。
如果你希望演奏不机械，有感情，那么你要做以下三个步骤： 1、你自己先得有感情。首先你要理解你所演奏的曲子中的感情，你可以去尽量揣摩作曲家的感情，也可以根据自己的感情而做出新的诠释－－怎么做都无可厚非。 2、你需要通过娴熟的技巧将你的感情表达出来，只有这样，听众才会感受到你的感情。如果听众产生了情感上的共鸣，那么你就是个成功的演奏者。 3、给自己找个有一定欣赏水平的听众。
什么是感情，这是很主观的问题，我们暂不讨论。主要讨论一下技巧。
技巧高低是相对而言的，因为技巧是为音乐而服务的，而音乐无非是四个要素：节奏、音高、音量（强弱对比）、音色（我这么表达实际上很不准确）。
这么说吧，世界上有一种东西毫无理智和感情，却能演奏出任何大师的曲 子，那就是录音机（如果你嫌不够就搞3D立体电影录制机和放映机）。录音机本身不具有情感，但它能把大师演奏的节奏、音量、音高、音色忠实复制，谁也不会认为有什么问题。我的意思是，一个感情丰富的你以低劣的技巧演奏出来的曲子仍旧是没有感情的！
怎么办？我们就要在节奏、音高、音量、音色上下工夫啊！这点我们就要向录音机学习了（学习的最终目的是超过录音机）－－我们要追求精确的细节。节奏就不说了，对自学的人来说并不难（除非不愿意好好学点基础乐理）。音高是要靠左右手配合实现的，假设你现在左右手的配合能力为10分，那你就不要去学100分的曲子，至多学15分的曲子。音色前面已经说过也不说了。音量和强弱对比我们要好好钻研了：1、你得能听出CD中演奏的强弱变化－－你得有这个耳力；2、你的设备能够使你有发挥的空间－－你得有一把好琴；3、你的右手至少要娴熟掌握7级由弱至强的力度。总之，找个抒情的曲子，尽你所能copy吧！要有力争分毫不差的精神！
我坚信，扎实掌握几首你能够完美演奏的曲子，比学100首弹的乱七八糟的曲子有意义的多。我们不是专业人士，但一个爱好者将拿手的曲目弹到专业水准却很正常的！记住，技术高低是相对而言的，一个人技术水平一般，但能生动演奏符合自身技巧水平的曲子的演奏者就是成功演奏者
2022吉他教学——吉他入门吉他琴弦、琴音与音色的关系
对于还未吉他入门的新手而言，当吉他需要换的时候，换什么弦?多粗的弦?都是非常困惑的。因为弦可以弥补琴箱的不足，当然好的琴比如1500以上的木吉它还是不要换了那样琴的琴弦和琴箱的配比度已经是很完善的了，但是1000块以下的夹板琴在这方面就有些问题了，当然要这样的琴的音以去和全板的琴比是不可能的，但是可以向单板的琴的音色靠拢下面说一下弦与音色。
弦是发生的来源它的声音被琴箱放大从而产生大家最后听到的声音，目前弦的质料主要是由三种金属制造的(什么金属名子忘了--!)第一种是看上去很光亮的感钢很多的那种(比如爱丽丝就属于这种了)，第二种是与它感观上差别很大的那种看上去比较暗像是含了许多铅和铁的那种(你去琴行看看有很多生锈的弦就是这种了)，第三种比外观上看在前二种之间，但它的三四五六弦退色后可以看到外面一圈丝很像铜的(暗红色的，正名达达里奥的就是这种，0.10-0.11)第一第二种指的是看一，二弦。
第一种弦的高音音色很亮，低音音色很硬，而且这种弦往往做得比较细来配合这种特性(0.10或0.11)第二种弦的高音很有弹性，低音发闷，这种弦的粗细在(0.11-0.12)第三种的弦在二者之间比较难讲清楚，属性柔和的那种。
接下来说琴箱，不同的琴的制作材料不同，面板多数为云衫。侧板背板，指板琴颈的用料就比较花了，比如本人的琴的侧板背板琴颈是桃花心木的，这种木料的中低音比较好，声音发甜，而且高音就没枫木的亮。(听说有红木的琴，小时后见邻居用过，声音很亮，10年前的事了，估计琴现在卖价也不低)拿本人的琴打个比方的话可以用第二种弦，来把低音的优势发挥出来，而枫木的就可以换第一种的弦让音色亮起来。
那可不可以把二者的特点互补呢?如果你不想花太多的钱去拿一种一种的弦试(也许你能试到最适合的，但你的琴几钱?)你不妨试试把同类型的二套不同粗细的弦配起来用，比如达达里奥的，本人的琴目前是用的0.10的一弦0.14的二弦(这二根是一套的)，0.24，0.32，0.42，0.52的3456弦,因为是同一品牌二种弦的兼容性还算比较好(扫弦不会变得很怪，反而很好听)这样低音发挥出来了，高音也不错(这只是个人偏好而已)。
还有300-1300的琴做得都不是很细致比如琴桥高造成弦离指板高等这些去看怎么打造自己的琴的文章这样可以让手感好起来，不是粗的弦就一定硬的，这和琴本身很有关系，听说弦离琴箱的高度也影响音色，还有尽量把琴调到标准音，这样有助于判别，所以大家努力探索把自己的琴打造成属于自己的吧。
只要琴箱没什么缺陷是可以修正音色的，本人的琴感觉不比1000多的琴差(在琴行试过多把1000朝上的琴)，只要琴箱可以什么都可改变!以上都是本人的观点，可以当我是说糊话，或者大家都知道了那就把当小白吧。