从空间结构的角度，可将音乐分为两大类：只有一个声部的单声音乐和具有两个或两个以上声部的多声音乐。吉他演奏的绝大多数是多声音乐，多声音乐又包括主调音乐和复调音乐。
一主调音乐
我们先来看一首单声乐曲：
两只老虎
我们再来看下面这首乐曲：
两只老虎
沙弥编曲
细心的朋友会注意到，上面这首乐曲是在前一首乐曲的基础上加上了和声伴奏。像这样在一条占主要地位的旋律上加上相对次要的和声伴奏的音乐就是主调音乐。
在主调音乐中，主旋律是音乐的灵魂，和声伴奏处于从属地位：离开了和声伴奏的主旋律变成了单声音乐，离开了主旋律的和声伴奏则没有意义。
二复调音乐
我们再来看一首乐曲：
两只老虎沙弥编曲
我们看到，符杆朝上的音符构成了一条旋律，从第三小节开始，在低音声部又出现了一条旋律。像这样有两条或两条以上各自独立旋律的音乐就是复调音乐。在复调音乐中，每一条旋律都有着同等重要的地位，不存在谁为谁伴奏的问题。
复调音乐又分为模仿式复调和对比式复调两类。
模仿式复调的特点是两个或多个声部旋律相同，但是在节奏上错开，形成后面旋律对前面旋律的模仿。上面的乐曲就是模仿式复调。
对比式复调的特点是两个或多个声部旋律各不相同，各条旋律之间形成了对比。下面的乐曲就是采用对比手法编写的：
两只老虎沙弥编曲
区分主调音乐和复调音乐，无论是对于欣赏和演奏音乐都具有重要的意义。在演奏主调音乐时，我们应该适当地突出主旋律声部，在演奏复调音乐时，每一个声部都同等重要，不可偏废。
延伸阅读
不同风格吉他手持琴有何不同，看完不会正经撸琴了~ ...
话说，你弹琴是什么姿势呢？
如果没猜错，估计有60%的人得说坐着弹吧，哪里还需要各种风格。
要说风格估计也是侧坐，正坐，翘腿坐......
不过事实远不止如此，这不，YouTube的粉丝量高达180多万的JaredDines，就绘声绘色的给大家表演了下不同风格的吉他手的不同持琴风格。
只能说有才，太形象了，看完都快不懂该怎么撸琴了
JaredDines是一名乐队主唱，YouTube的粉丝量高达180多万，发布的视频量也有600多。
他把吉它、贝斯、鼓玩得是相当6，集齐键盘就可以组个“一人乐队”了，并且精通各种唱法，例如黑嗓、核嗓等。
他推出的视频搞笑又有创意，粉丝源源不断。
今天就给大家分享一下前段时间JaredDines上传的不同风格的吉他手的持琴方式。
弹摇滚的
（自以为帅气的饰品，比如反着戴帽子。）
弹古典的
（这小发型整得，挺带劲。这小姿势坐的，像模像样的呢。）
弹爵士的
（弹得非常高大上，但是观众一个个都听不懂吉他手到底在弹什么，如果可以的话，我们只想听：我们不一样。）
弹乡村的
（这小帽子，让我想到了宋小宝...弹琴的时候，吉他手仿佛自己身处辽阔的草原，看这画面就知道了）
弹电子的
（这花T恤➕渔夫帽..可以的。还有这笑容，给99分，另一分怕你骄傲。）
信基督教徒的
（神啊，拜托让我吉他技术变强吧~哔哩嘟哩乌拉...）
弹重金属的
（我最酷，全世界我最diao，快来听我弹琴！）
弹流行的
弹流行的：(不说了，你们自己看视频吧，好想停下来...emmm）
弹硬核的
（“爸爸”的帽子酷不酷！大声告诉我：酷！）
弹新世纪音乐的
（已经沉浸在大自然中了..让我自己享受一会儿，不要打扰我）
综上，如果你是一名吉他手，你是属于哪一种风格？
从不同的角度来谈古典吉他的音色
大约4年前，写过一次这个话题，现在有了新的体会，决定重新再写一次。
关于吉他音色的讨论，大多都是围绕着右手的触弦方式，我想从其他的角度来谈，
我把它分为三个部分，分别是音色的概念、在吉他上的应用和演奏者的个性。一个声音的音色，在物理上是由它的泛音来决定的，泛音的多寡，决定着这个声音的特性，同样是C音，我们可以分辨出这是吉他的声音，那是小号的声音，而这是钢琴的声音等等…..
用物理的角度去解释音色，显得很冰冷、僵硬，如果从音乐的角度，那音色就会被赋予不同的意义和修辞，比如透明的、干净的、亮丽的、有穿透力的、尖锐的、沉闷的…..，似乎音色就像是画家的颜料，经由音乐家的挥洒，音色也具有了个性。
对于画家来说，很难回答那种颜色是好的还是坏的，合理的解释是什么样的颜色适合什么样的题材，画一朵向日葵，正常来说当然是用鲜艳的颜色，除非画家的心境郁闷，这朵美丽的花在他看来是灰色的。可是对于学音乐的人来说，时常会讨论音色的优劣问题，这也是事实，因为不当的弹奏方式或者制作粗糙的乐器，会使演奏出来的声音难以入耳。可是假设当以上两个问题都获得解决时，那么音色对于学音乐的人来说，还有更多的意义吗？
有的，在音乐中，音色需要对比和个性，个性的问题容后再述。大多数音乐作品在完成时，作曲家应该已经预想到整体的形象，包括乐器的配制，和声的运用及结构的松紧等等，剩下的就看演奏者如何诠释，就像漫画家把漫画的线条画好，接下来就是上色和色彩浓淡的运用了；一个演奏者要掌握不同的“发声法”，拥有即使弹同一个音符也能弹出各种色彩的能力，音乐的色彩是看不到的，全凭听觉上的感觉，明亮或阴暗，饱满或松散，圆润或尖锐，这是手指的训练，也是耳朵的训练，学声乐的人无法看到身体内部的器官，只能由老师的引导和自我的判断，逐渐掌握发声的窍门，对于学器乐的人来说，能看到肢体的动作是如何在影响着声音，已经是非常幸运的，可是也因为如此，我们时常会忽略了对耳朵的锻炼，反而吹毛求疵的去要求肢体上的动作。所以在学习掌握良好的弹奏方式时，同时也应该开发自身的耳朵，也就是听觉上的分辨能力，在演奏音乐时能表现出缤纷多样的音色，让音乐生动起来，当然，干净的声音是首先必须学会的，虽然有些现代音乐并不要求完全干净的声音。
耳朵的训练也包括多听，听各种乐器，包括人声的音乐，听各个时代不同的音乐风格，听各种编制的乐器组合以后的效果，听各个地区不同民族的音乐，让脑海中留下印象，当我们抱起手中的吉他时，开始发挥想像力，弹塔雷加的《茶花女主题幻想曲》时，想像手中的吉他是位声乐家，歌唱优美的旋律；弹巴赫的《小步舞曲》时，想像手中的吉他是部大键琴，有着金属般清新的音响；弹朱里亚尼的《大序曲》时，想像手中的吉他是一组管弦乐团，有着各种乐器的丰富色彩…..这是学习音乐很重要的一部分，当我们把所谓的“技巧”都掌握了以后，回过头来才发现这部分的学习太少了，对于喜欢吉他喜欢音乐的人而言，弹琴和听音乐都应该成为生活的一部分，而且拥有同样的比重。
现在来谈谈音色在吉他上的应用问题，首先是硬体部分，按理来说影响吉他音色的主要因素应该是乐器本身和使用的琴弦，这是“先天性”的因素，同一个人弹不同的琴，我们可以分辨出每把琴的区别，可是同一把琴给不同的人弹，也会有不同的感觉，就像MatthiasDammann制作的吉他，给ManuelBarrueco和DavidRussell使用，出来的声音竟是南辕北辙！曾经有一位小提琴家在同一场音乐会中使用了好几把小提琴，理由是每把琴的音色不同，适合的音乐风格也不同，我想除非是职业演奏家或是乐器收藏家，否则很难有此待遇吧，所以这里先把硬体部分的影响因素排除，来谈谈演奏方式对于音色的影响，右手的触弦时常被视为最关键的部分，有很多讨论触弦法的好文章，已经深入地对此分析过了，但我觉得这些文字性的分析，适合已经有一定基础的学习者，不适合初学者。所谓有一定的基础，是指己经能够将听觉和肢体配合在一起，听觉上要求的声音，能够透过肢体的反应表达出来，如果不行，也能透过文字的叙述和观察自身的动作，找到想要的声音，这表示耳朵已经有了明确的仲裁权。对于初学者，我认为直接找老师求教才是最好的方法。
除了右手的触弦，左手的按弦也是影响音色的重要关键，称为“运指法”，也就是把位的安排，当然，想要有干净的音色，首先得把弦按紧，如何施力，方法很重要。我不太喜欢用“按紧”这个词，理想的按弦状态应该是place(放置)，而不是push（施压），按弦需要的力气是以能够弹出声音的前提下，所需的最小力气，只要声音能够清楚的发出来，左手再用更多的力气去按弦，就是浪费力气，结果会导致手指手腕僵硬，影响移动的效率。
而“运指法”所牵涉的范围更接近表达音乐的内容，同一个音在不同的把位弹出，效果不同，如何设计把位和指法，时常困扰着演奏者，因为有些把位上的设计虽然难弹，但这是基于音乐上的需要，再难也得克服，有时谱面上的把位设计是刻意的卖弄舞台效果（造成手指上下飞跃的奇观），其实可以适当的简化。
从塔雷加（1852～1909）开始到之后的吉他音乐，乐谱上通常都已标明重要的左手指法，包括把位。因为自从制琴家AntoniodeTorres(1817~1892)将吉他的有效弦长定为65公分后，吉他的外形才定案，Torres制作的吉他也成为现代吉他的制作典范。换句话说，在Torres之前的吉他外形是五花八门，用现代的吉他去弹奏那时的吉他音乐，会遇到很多指法上的问题，有些在当时的吉他上很好弹的指法，对于体积更大的现代吉他来说，手指需要更多的扩张，而再往前推，就会推到甚至“吉他”都还没出现的时代，现在的所谓文艺复兴或巴洛克时期的吉他名曲，其实都是改编曲，既是改编，就存在“版本”的问题，优秀的改编版本，演奏出来的效果会比较忠实于当时的音乐风格，不至于添加一些奇怪的和声或声部。对于演奏者而言，此时的作品谱面上比较干净，还留有很大的空间，考验着演奏者的深度，要求演奏者深入的分析并决定运指法。
从索尔和阿瓜多等人的时代开始，古典吉他进入一个黄金时期，作曲者本身同时也是演奏者，对于自己弹奏的乐器性能非常了解，设计了适合吉他的演奏技术并创作了大量的吉他乐曲，但在那时，他们使用的都还不是现代的吉他，尽管如此，他们的音乐用在现代吉他上演奏已是非常合适，只是那时的音乐更注重的是一种普遍的风格，我们称其为Classicalperiod“古典乐派时期”，而不是强调乐器本身的特性，所以演奏这个时期的音乐，时常要发挥想像力，要把吉他当作是一组管弦乐团或弦乐四重奏来驱使，音色的变化就显得极为重要，在把位设计上仍有许多空间。
自从Torres吉他的出现和音乐审美观的转变，吉他音乐家们开始在定型的吉他上不断开发新的空间，看看塔雷加的乐谱，就会发现他本人在把位和运指的设计上是如何高明，从他本人的封号“现代吉他之父”中就可以看出他对现代吉他音乐的影响，经过他的设计，吉他所发出的声音具有了真正属于“吉他”的个性，使人一听就知道：这是吉他！
到了近现代，音乐家们对开发吉他音乐兴趣的重新燃起，出现了三种趋势：
一．自身同为演奏者和作曲者，在熟知乐器性能的条件下，不断开发新的演奏和音响效果，这种音乐的乐谱通常都已布满了密密麻麻的指示和钜细粪遗的指法，只要照做，就能大致表现出作曲者的期望，留给演奏者的空间相对早期的吉他音乐来说更小。
比如LeoBrouwer，NikitaKoshikin和RolandDyens等人.
二．作曲者本身不会弹吉他，凭着才华和灵感替吉他谱曲，由于对吉他的性能不如演奏者那么了解，反而会把重心放在音乐的内涵上，创作出具有深度的音乐，最终需要用“吉他”来表现，他们的乐谱通常都需要经过吉他演奏家的“翻译”，所以虽然是吉他曲，但已经过适当的改编，对于演奏者来说，选择版本也很重要，有时还得自己动手改指法，因为不同的演奏家有自己的演奏习惯，他设计的运指法不一定适合每个演奏者，当然在改编之前，最理想的状态是能够找到作曲家本人，在他面前弹奏并交流意见，确定自己的改编没有脱离他对这部作品的期望。这样的作曲家有JoaquinRodrigo，MarioCastelnuovo-Tedesco和AstorPiazzolla等等。
三．干脆改变吉他的外形，用“另类“的吉他来开发新的声音，比如NarcisoYepes的十弦琴，PaulGalbraith的八弦琴和GranSllscher的十一弦琴，他们的吉他的确和传统吉他的声音不太一样，想要弹出他们的音色，除非先去买一把……..
以上就是音色在吉他的应用，除了右手的触弦和左手按弦的方式，我想强调的是，一个弹吉他的人对于自己所弹奏的乐曲，在指法和把位设计的问题上，应该要很认真地对待，因为一个演奏者所安排的运指法，几乎可以代表他对音乐的见解，运指法影响着音色，影响着音响效果，影响着音乐的整体面貌。
最后谈谈演奏者的个性，当我们在听唱片时，时常会被某一个演奏家的琴声所吸引，每个演奏家的琴声都有他们的特点，有时我们会试着去模仿，看自己能不能弹出他们的音色。
其实这个问题如果放在学声乐的人身上，就很困难了，每个人先天的嗓音就不同，有人天生就是男高音，有人天生是男低音，怎么模仿呢，除非先天的嗓音已经颇为接近，否则强迫自己去模仿的结果都是声音做作。不仅嗓音的条件不同，每个人的手指条件也不相同，有的人手指粗短，有的细长，有的指甲薄脆，有的指甲厚实，这些也都影响着每个人在先天上就拥有不同的琴声。JohnWilliams曾经说过，古典吉他的市场只能容下10个职业演奏家（原话大致是这个意思），也就是说，全世界只有10个弹吉他的人，能够只靠演奏来谋生，其他演奏家除了演奏，还需要其他的活动才能养活自己，当JohnWilliams说这话时，古典吉他的发展和现在已经大不相同了，现在有更多的职业演奏家，但是要成为一名“演奏家“，需要什么条件呢？除了经纪公司这种商业因素外，我认为“个性”是非常重要的，不是人格的个性（我们都是从唱片上去了解音乐家，很难有机会接触本人），而是音乐上的个性。以流行歌来作例子，你也许喜欢这个歌手的声音，不喜欢那个歌手的声音，但是你都知道他们的歌声，很多人不喜欢某个歌手，但是当音乐响起，大家都知道这是他唱的，流行歌手的嗓音如果特别，容易被听众记住，那他在市场中就能够占有一席之地，哪怕他的歌声很做作！
一个古典音乐家的音乐也需要个性才会吸引人，从音色的角度来看，目前公认能够把古典吉他的音色表现的圆润甜美的，DavidRussell算是个中翘楚，如果以他的音色标准来衡量JulianBream的音色，那JulianBream的音色一定是不合格的，但这样的比较并没有意义，而且在个人先天手指条件本不相同的前提下，每个人的音色本就不同。一个演奏者在找到属于自己的声音之前，要经过一个漫长的过程，克服先天的条件和掌握触弦的技术，加上对音乐的理解，最终形成一个整体的音乐形象，当我们在听唱片时，其实不光是被演奏家的琴声所吸引，更重要的是演奏家对音乐的诠释和表达，留在我们脑海中的，实际上是一个整体的形象，而不光是单单几个音符的色彩。于是，我们可以分辨出，这是Segovia弹的；这是PepeRomero弹的，而那是山下和仁弹的！
音色的问题，单从物理性质来论析，是很单纯的或是数据化的，若从音乐的角度来看，就应该和音乐的内涵结合在一起，想像一下，弹奏古典吉他的人，如果哪天像弹电吉他的一样，有厂商发明了“塞歌维亚效果器”或“大卫罗素效果器”，接上你的吉他后就能弹出这些大师们的音色，那该有多好！可是表现音乐决不是用单纯的音色问题可以解决的，整体的音乐形象需要演奏者对音乐的理解，让自身的音乐拥有个性，吸引听众，吸引更多的人爱好音乐，陶醉在音乐之中……….
作者倪本初介绍：
1975年生于台湾省台北市祖籍福建省建阳市
1990年起师从台湾吉他名家庄维仁（现任台湾龙门吉他市内乐团指导），学习古典吉他
1991年至95年期间就读台北世界新闻传播学院，在校曾任吉他社教学干部及学生合唱团指挥
1995年至97年入伍服役
1997年随全家迁居故藉福建省
1998年在建阳市成立建阳典雅音乐社，开始在当地推广吉他艺术，教授古典与民谣吉他。
1999年参加上海首届全国吉他师资研修班，结识青年吉他演奏家高艺，陈华亮，此后即时常合作在上海的大学院校举办讲座及音乐会
同年起师从台湾吉他演奏家，现任上海音乐学院教授叶登民。
2000年参加由中华人民共和国教科司，上海音乐学院和吉他之友在福州举办的全国吉他大赛，获三等奖。
同年起担任福建省吉他协会常务理事，福建省吉他考级评委，并在省内外多次举办个人独奏会及学生音乐会。
2002年参加香港国际吉他大赛，进入准决赛阶段的比赛。
2006年底赴上海发展
曾参加过福田进一，费尔南德兹的大师班，获得好评。
在闽期间，不遗余力的推广吉他音乐，所教学生也分别在省级与全国级别的古典与民谣比赛中获奖。
吉他与湿度的关系
今天的吉他自学教程，我们通过表格来说说吉他与湿度的关系
吉他与湿度的关系
实木原声吉他是由几片很薄的木头制作而成(约在3mm左右)，因为木头很薄，表面积有大，所以它既容易很快吸收水分，也容易失去。当木头失去水分时，它会收缩。当木头吸收水分时，它会膨胀。下表可以看到吉他在湿度更替过程中的变化：
相对湿度百分比
短期暴露(1-3天)
长期暴露 (3以上)
90% - 100%
极端高湿度范围
琴体开始胀起，声音质量下降，演奏手感变差，背板的音梁可能会因为木头膨胀而脱胶，弦距在短时间内会变的很高。
所有粘合的部分会开始松动。面板和背板的音梁会松脱，琴桥会从面板上被拉下，吉他面板在琴桥前后膨胀凸起。如果胶水粘合不牢固，那么吉他将不能演奏。指板上14品处将会凸起。吉他内部会发霉。吉他可能自我解体。
85% - 90%
高湿度范围
琴体开始胀起，声音质量稍微下降，演奏手感下降，弦距变高。
音梁在几周后开始松动，面板和背板变得很胀大，琴桥松动或者与面板分离，演奏性能受到影响。指板14品处开始凸起，吉他可能内部开始发霉。
70% - 85%
中高湿度范围
声音质量开始下降。面板开始膨胀。弦距可能稍微升高。
面板和背板出现胀大现象，演奏手感受到影响。指板14品开始凸起。几个月后，吉他开始有发霉的味道产生。
55%-70%
安全范围
适度的暴露在这个环境下不会有很大的问题。
面板和背板可能会比正常水平稍稍凸起。演奏手感将会受到影响。
42%-55%
安全范围
在这种环境里不会发生问题。
在这种环境里不会发生问题。
35%-42%
中等湿度范围
适度的暴露在这个环境下不会有很大的问题。
品丝的边缘可能会感觉锐利，面板轻微凸起，弦距可能降低一些，琴桥的两侧可能会凹陷，吉他可能会打品。
25%-35%
低湿度范围
品丝的边缘开始变得锋利，面板可能开始轻微凹陷
品丝边缘感觉锋利，面板和背板将变平或者凹陷，弦距感觉更低，吉他很可能会打品，琴桥两侧开始凹陷，几个月后琴桥会被拉起，或者折断。
20%-25%
低湿度范围
品丝感觉锋利。面板开始凹陷。弦距会降低的很快，吉他将会打品。
品丝的边缘会感觉非常锋利，面板和背板会变得很平或者凹陷，指板的最后6品可能会陷入音孔范围内，弦距会更低，吉他会打品，琴桥两侧会出现凹陷，面板上的裂缝会延伸到吉他尾端，琴桥可能会被拉下。
10%-20%
极低湿度范围
品丝感觉很锐利，面板和背板逐渐凹陷，弦距会迅速降低，吉他逐渐打品。面板从琴桥至尾部开始开裂，琴桥开始脱胶。
品丝的边缘感觉非常锐利，面板和背板凹陷，最后6品可能会陷入音孔范围内，弦距会更低，吉他会打品，琴桥两侧会出现凹陷，面板上会出现大裂缝，并会延伸到吉他尾端，琴桥脱胶被拉下。音孔饰圈和明显上升。
0%-10%
超低湿度范围
品丝感觉很锋利，面板和背板凹陷，弦距迅速降低，吉他开始打品，面板开始开裂，尤其是琴桥到面板底部的地方，琴桥脱胶掉下。
品丝的边缘感觉非常锐利，面板和背板凹陷，最后6品可能会陷入音孔范围内，弦距会极端的低，指板上下部分打品，琴桥两侧会出现凹陷，面板上会出现大裂缝，并会延伸到面板尾端，琴桥脱胶被拉下。音孔饰圈明显上升。没有分离的音梁挤出吉他的包边吉他面板高起的地方就是音梁的位置。
湿度对吉他的影响非常大，采取应对措施是非常必要的。有些人认为，昂贵的吉他不会受到相对湿度波动的影响。事实上，高端吉他比起一般的吉他，对湿度更为敏感。一把高级别的吉他使用更薄的木材和油漆，它比合板吉他更容易受到天气变化的影响。
吉他的选购与保养
今天的吉他自学教程，我们说说吉他的选购与保养。
吉他的选购与保养
1.吉他的选购：
a.在经济条件允许的情况下尽量买好琴，千万不要贪便宜而后悔, 建议到正规的，有可靠信誉的吉他专卖店购买。
b.选择适合自己手型的琴。
c.拿到一把琴后，先看吉他的外表造型是否美观，油漆是否光洁，有无严重碰伤及箱体是否有开裂处。
d.仔细观察琴颈是否直，琴颈表面是否平，面板是否平。
e.转动每一弦轴看是否都灵活，然后将琴弦调准(最好为标准音高)。
f.每一根弦上的每一格音都要试弹，看有无杂音，如有杂音，则说明音品有高有低，会影响音准及音色。
g.十二音品处的音与相应的空弦音要高八度，否则音位不准。
h.弦第十二音品之间距离不超过5mm为宜，弦与第一音品之间的距离不超过1.5mm为宜，弦品间距过高将会按弦困难，过低又易产生杂音。
i.琴声要响，高音要明亮敏感，低音要浑厚有力，和弦音要和谐饱满。
j.同一牌子的琴也有好坏之分，初学者可请专业的吉他人士帮助挑选。
2.吉他的保养：
a.避免阳光直接照射。
b.避免受潮。
c.避免碰撞。
d.调弦以标准音为限，不可过紧。
e.长期不弹可以放松琴弦。
f.弦轴应保持适当的润滑，可滴少量机油。
g.最好的保养就是能经常弹奏。
吉他的调试与维修
今天的吉他自学教程，我们学习一下吉他的调试与维修。
吉他的调试与维修
1、吉他产生杂音。
吉他产生杂音有多方面的原因：(1)弦与指板的距离太近，会产生打品现象。这时可把下弦枕取下换一个高一点的下弦枕。(2)琴轴或琴马上的的镙丝松动。这是由于震动产生的，只须把用镙丝刀把镙丝拧紧即可。(3)共鸣箱胶合处或箱内梁架脱胶，演奏时脱胶的部伴的琴板振动起来，发出沙哑的噪音。遇到这种情况可使用动物胶或化学胶粘合，按琴体形状用两块厚木片制作两端有镙丝孔的专用粉夹具固定，待胶干后，取下即可复原使用。(4)音品磨损或厂这制作不当产生碰品的现象。可买一个新音品，用小锤轻轻把品的两端先敲入品位凹槽内，敲前先在品位缝上湿些水，再用平整的硬木条搁在音品上，轻轻地把它敲平整即可。
2、吉他琴弦声音发闷。
可用一块干净的湿布把琴弦来回擦一下，还可将琴弦取下用水清冼一下，如无改善的话则应换一套新弦。
3、吉他面板清漆受损。
面板受损一般要由专门人员进行修补，不要自己修理，如果清漆受到损坏，不到绝对必要的情况下，不要将其剥落及凃刷新漆，因为这会破坏吉他良好的音色，如受损的面积较小，可用清漆在受损面薄薄地刷上。
4、吉他的琴弦过高。
把下弦枕取下，用砂纸把弦枕打磨的低一些，但不能太低，否则会出现打品现象，具体的尺度可以自已试试。
古典吉他的历史与现状
第一章古典吉他的历史与现状
要准确追溯吉他的起源实际上是不可能的。首先是因为人类乐器产生的早期距现在十分遥远，大部分木质的乐器在自然条件下很容易腐烂，而音乐本身比乐器更难以保留。如果不运用完善的记谱和录音技术，音乐总是会随时间而逝，很快荡然无存，而且乐器学与音乐学的发展也只是近代的事。所以我们既很难知道古老的乐器的确切结构、当时如何演奏，又不可能知道远古的音乐听起来会是什么样，对于乐器历史的研究往往只能靠片言只语的历史文献或雕塑绘画等考古发现来推测。
尽管如此，人们对于乐器产生的大概过程还是比较清楚的：从模仿鸟兽鸣叫到有音高、节奏变化的喊叫进而产生的声乐，肯定要早于人类器乐的发展。在器乐中最早发展起来并引起人们注意的是节奏乐器，即敲击性乐器。如石块、木头、果壳、骨头的敲击甚至鼓等乐器的出现，在所有的原始民族中敲击性乐器都是很丰富的。中国古代的编钟等就是敲击乐器有了音高变化的高级形式。其次，管乐器即吹奏乐器也很容易由骨管、竹管、苇管、螺壳等的吹奏中发展起来，中国古代的埙就是其中的一种。在人类音乐发展中真正具有划时代意义的是弦乐器的出现。最早的弦乐器就是由狩猎武器发展成的乐弓，现在非洲的某些原始部落中还有乐弓存在。在实际使用中，人们往往在乐弓的弓杆上附加上果木壳、龟甲骨头等以增加共鸣，扩大音量。如图：古老的乐弓、古埃及弹拨乐器--竖琴类、古埃及竖琴类乐器演奏图、在以后的发展中，由于人们对音乐的要求不断提高，乐弓便开始向两个方向发展，一种是增加弦的数量以扩大音域，如竖琴、中国古代的箜筱、著名的希腊里拉琴等。我们现在音乐的标志乐徽就是由里拉的形象组成的，其他如古筝、扬琴，就连现代的钢琴都是这一类的弦乐器与机械技术的结晶，足见弦乐器在人类音乐生活中的影响有多么深远；另一种由乐弓演变成了有若干根琴弦并带有琴颈的弦乐器，演奏时以手指把有限的几根弦按在琴颈上改变弦长来扩大音域这一类的乐器繁多，如吉他、鲁特琴、曼陀林、提琴，及中国的琵琶、胡琴、古琴、三弦、阮等等。以上乐器根据其演奏方法的不同又分为弓弦乐器与弹拨乐器等。
乐徽、古埃及弹拨乐器--吉他类
吉他这一类有琴颈的弹拨乐器的祖先，可以追溯到公元前两三千年前古埃及的耐法尔，古巴比伦（两河流域的苏美尔文化）和古波斯的各种古弹拨乐器。考古学家找到的最古老的类似现代吉他（一样具有内弯的琴体）的乐器，是公元前1400年前生活在小亚细亚和叙利亚北部的古赫梯人城门遗址上的赫梯吉他。8字型内弯的琴体决定了吉他属乐器特有的声音共鸣和乐器特点，这也成为吉他与其它弹拨乐器（如琴体是半梨形的程厥衾制鳎┑淖钕灾氐恪?br
在十三世纪的西班牙，由波斯语逐渐演化成的西班牙语吉他（Guitarra）一词就已经形成，在当时种类繁多的乐器中，已经出现了摩尔吉他和拉丁吉他。其中摩尔吉他琴体为椭圆形背部鼓起，使用金属弦，演奏风格比较粗犷；拉丁吉他琴体为与现代吉他类似的8字型平底结构，使用羊肠弦，风格典雅。
文艺复兴时期是吉他的鼎盛时期。十六世纪四对复弦的吉他和它的近亲──用手指弹奏的比维拉琴，在演奏与创作方面都达到了很高的水准。吉他和比维拉琴不仅深受民众喜爱，而且还常常成为宫廷乐器。当时的吉他、比维拉大师有米兰（Luismilan）、纳乐瓦埃斯（LuysdeNarvaez）、穆达拉（Alonsomudarra），以及十七世纪时五组复弦的巴洛克吉他时代大师桑斯（GasparSanz）、科尔贝塔（Corbetta）、维赛（Visee）等。他们的许多作品现在仍是现代古典吉他曲目中的不朽财富。当时吉他、比维拉琴等乐器所使用的记谱方法还不是现在的五线谱，而是用横线来代表各弦，用数字或字母表示音位和指法，与现在民谣吉他中使用的六线谱类似的图示记谱法。
当时十分兴盛的乐器还有古钢琴和鲁特琴（Lute）。鲁特琴前身是阿拉伯的乌德琴（UD的原意是木头）。我国的琵琶、胡琴等也是汉朝时由当时的阿拉伯国家即西域传入的。当时著名的鲁特琴大师道兰（Dowland）和魏斯（Weiss）等人的作品经后人改编，在今天的古典吉他曲目中也占有重要的位置。伟大的巴洛克音乐集大成者巴赫所创作的不朽作品如大提琴、小提琴组曲、奏鸣曲的吉他改编曲，在古典吉他曲目中的地位举足轻重，尽管有学者对巴赫有没有创作过鲁特作品提出疑问，但他所传世的四首鲁特琴组曲和少量鲁特作品，首首都具有不朽的价值。巴洛克时期的其他一些作曲家如维瓦尔弟的鲁特琴、曼陀林协奏曲，和D.斯卡拉第的古钢琴奏鸣曲的吉他改编曲都在古典吉他曲中占有重要位置。
十八世纪后期鲁特琴和比维拉琴逐渐退出了历史舞台，五对复弦和其后出现的六对复弦的吉他也渐渐完成了它们的历史使命。1800年前后，全新的六根单弦的吉他以其清晰的和声及调弦方便等优点很快得到了几乎全欧洲的青睐，古典吉他的黄金时代终于到来了。
十九世纪初，活跃在当时吉他音乐中心巴黎、维也纳还有伦敦的最著名的吉他大师有索尔（Sor），阿瓜多（Aguado），朱利亚尼（Giuliani），卡罗利（Carulli），和卡尔卡西（Carcassi）。其中索尔和朱利亚尼除了是吉他大师外还是出色的音乐家，他们以杰出的才华为六弦古典吉他创作了包括协奏曲在内的第一批大型曲目，为六弦吉他日后的发展奠定了基础。尤其索尔在创作上承袭海顿、莫扎特的古典音乐传统，除写作歌剧、舞剧音乐外，还为吉他创作了包括系统的练习曲、教程在内的大量优秀作品，被音乐评论家称为吉他音乐的贝多芬。阿瓜多、卡罗利、卡尔卡西的重要作品和他们所作的大量练习曲与吉他教程至今仍是古典吉他中的经典。在十九世纪还有不少音乐家喜爱并演奏吉他，如舒伯特、韦伯和柏辽兹，小提琴魔王帕格尼尼不但擅长演奏吉他，而且还曾放弃提琴演奏，献身于吉他达三年之久，为吉他写下了大量作品。
十九世纪后期著名的吉他音有乐家考斯特（Coste）、默茨（mertz）、卡诺（Cano）、雷冈第（Regondi）等，他们为吉他创作的很多优秀作品都成为了十九世纪吉他音乐的经典。但是不可避免地，在钢琴、管弦乐、歌剧音乐发展的巨大冲击下，吉他在十九世纪中期以后渐渐失去了往日的辉煌，演奏与创作一度处于低潮，这种情况一直持续到十九世纪末吉他才再度复兴。
吉他品质与吉他技术的关系
吉他品质的好坏直接影响着你的技术提高。当然，前提是你在努力的练习吉他。如果不练习，再好的琴也只能是摆设。
吉他品质的好坏与技术的提高主要在于以下几个方面：
1音准。品质好的吉他最基本的能保证音准，音都不准你还弹什么音乐呢？
2手感。品质好的吉他手感会比较细腻、柔滑。弹起来比较舒服，像换把位的时候不会有涩涩的感觉，按弦的时候轻松就能按在品位上。练习琴的琴弦高,紧,按起来非常不舒服,更容易造成手指的伤害!!
3音色。品质好的吉他，音色是非常浑厚的，而且有力度，主要因为吉他面板的做工与木料决定的,特别是做工非常重要,同样的材料,不同的厂子可以做成不同的音色!差的厂子做出来的,甚至音色都谈不上!
4表现力与以后的发展。好吉他弹得声音好，你自然就会去多练，而且感觉声音很美。你就进步得越快。而差一些的吉他则相反。
所以,建议初学者不要图便宜,买那些一两百块的练习琴!起码也要一个40寸甚至是41寸上标准琴!
如何判断吉他的档次与价格？
在吉他入门到吉他高手的演变过程中，一直伴随在身边一刻也不曾离开的那便是吉他。吉他本身的好与坏直接关系到，弹奏着所弹奏乐曲的美感。当然对于根本不懂吉他的人来说，只要是对照吉他谱弹奏出的曲子，不管是什么样的吉他其感受都是一样的。但是对于深爱吉他的朋友们，拥有一把好的吉他是多么的渴望，那要怎样来选择一把好的吉他呢?拿着一把吉他又如何来判断它的档次甚至是价格呢?下面就为大家做了简单的介绍。
三千至五千的西班牙琴，玫瑰木指板背侧板是甲板，用到黑木指板的报价通常超过五千，也就是说，如果西班牙琴黑木指板报价低于五千那很可能是假的，当然这个不等于实际成交价 而且3到5千通常只会用兽骨混合琴码。其实真正日系的琴也是这个标准。国产琴大概3到5千的就有全兽骨的琴码，而且还有黑木指板，甚至有全单板的琴。
关于琴颈，有加强筋的并不一定就是高档琴，够年份的桃花芯木也不会变形。合格的全单通常油漆都是比较薄，而且比较软，有利于面板震动。但是带来一个问题是面板容易凹陷。所有有一定质量的全单琴都是面板很容易花的，指甲轻轻一磕就有指甲陷进去的印痕，很难避免，所以别人的全单琴不借给你弹千万不要怪他。
最后还有一个标准，好的全单琴通常用虫胶，不能湿水，否则胶水就要起泡，严重的就脱胶 这个是比木材受潮更严重的问题，也就是说湿水就起泡脱胶的通常胶水不会很差，可惜通常没有这个机会试的。
弦钮真正高档的也不一定有护套，高档的主要是看是否钨合金，还有是否镀铬。
借此地这个话题, 建议拥有高档吉他的朋友, 一定要爱惜你的琴-----她是非常非常矫贵的!!
电吉他的保养与维护
作为吉他入门的爱好者，吉他谱和吉他应该是最心爱之物，或许有关吉他的一切都非常重要。从第一节吉他教学课一路走过来，不知道经历了多少艰辛，唯独这些东西从不曾离开自己，其中的感情外人是不可能体会的。于是对于琴的维护就显得特别重要了，但往往很多人都忽律了这一点。
任何一把好琴如果因为保养不当而造成的损坏是非常痛心的，而任何事物永远不可能始终完好无损，所以懂得一些基本的维护方法能够使您尽可能长时间的拥有一把心爱的吉他，下面就这些问题谈些个人的建议。
⑴养成轻拿轻放琴的好习惯，及弹琴前后擦拭琴的习惯，尤其是擦拭琴弦，有条件的话每次弹琴后在弦上擦些防锈油，平时在弦钮处也要常加油，并保持加油部位的干净。
⑵放琴时不要将琴斜靠在物体上，应放在琴架上，或装在琴包/琴箱中后平放在某处。
⑶长时间不弹琴时应将琴弦放松些，但不要将弦完全放松，平时应将弦调成标准音高演奏。
维护常识：
琴颈弯曲后的矫正：常见的有两种情况。第一种是琴颈朝上弯曲，发生这种现象的原因主要是琴弦音调的过高，或使用较粗的琴弦(如使用012型的琴弦)，发生这种现象后，应先将弦调成标准音高，同时可通过调整琴颈的钢筋(往紧调)，不要一次将变形的琴颈调直，每次调一点然后放一天后再调，反复几次后基本上会大大矫正变形。
第二种现象是琴颈向后变形，发生这种现象的原因主要是弦调的过松，或琴颈内的钢筋调的过松所致，分析原因后"对症下药"即可，应注意的是以上方法适用于从琴头方向调琴颈钢筋的琴，若琴颈钢筋从指板尾部调时，因用相反的方法矫正。
六根弦发音音量大小不均匀的调整：通过调整拾音器距弦的高度远近来减小或增大音量，这种方法较适用于拾音器表面上无调整螺丝的琴，表面有螺丝的拾音器只要调整螺丝距弦的远近即可。
十二品泛音和十二品实际音的校准：若泛音比实际音高，则通过调琴马尾部的螺丝将螺丝拧松缩短弦长，反之将弦长加长。
关于指甲形状与音色的讨论
自从罗素优美的音色被现场听到后，我想很多人对指甲形状变得不知所措了。我自己也花了较长时间试验用各种形状的指甲来拨弦，得出如下结论（仅仅以两种完全不同的形状A、B为例图示），希望听取琴友们的意见。
我认为不管是哪种指甲形状都可以获得理想的音色，只是拨弦的角度需要与之适应，手腕的高低也同样需要稍作调整，但是由于指甲先天的个体差异，也许有些形状的指甲可以在A、B之间寻找一种适合自己的形状。不同的指甲形状可以获得同样好听的音色还在于它们有许多共同之处：
1.指甲划过琴弦部分的弧度不能太大，甚至可以接近直线（根据具体的指甲而定），以获得拨弦的舒适感（阻力小）；
2.指甲都必须仔细抛光，才可以发出圆润的声音；
3.都必须有正确的拨弦方法（过程）以保证好音色的获得。
另外，好音色来自于演奏者本身对音色的认识和追求——什么是自己理想的音色！这一点比我们想象的更重要！！
一点建议：
非常平坦的指甲用A到B两种之间的形状都可以获得优美的音色，且A更适合喜欢长指甲者；
非常弯曲（勾）的指甲可以使用更接近B的形状，且适合短指甲。
初学者采用B且是短指甲时，由于拨弦的阻力很小，很容易忽略了拨弦的整个过程而造成拨弦方法的错误，使得音色仍然不能如愿。
强烈建议：
初学者音色的学习必须有好的老师现场指导，否则自己奋斗的结果很可能是：多年的努力不如1月的学习啊！
弦与琴箱和音色的关系
现在，很多年轻朋友都想要学得一手弹吉他的好技术。首先吉他入门第一步是拥有一把自己的吉他，接着第二步便是了解自己的伙伴及与他相关的配件等，最后一步才是打磨自己的技艺。本人的琴是johnson6400，用过的人都知道这琴原装的弦是MARTIN的出粗弦，所以手感非常的硬，新手弹这琴都极不适应，所以初学者换弦。
既然要换弦了那么换什么弦，多粗的弦都很有说道，因为弦可以弥补琴箱的不足，当然好的琴比如1500以上的木吉它还是不要换了那样琴的琴弦和琴箱的配比度已经是很完善的了，但是1000块以下的夹板琴在这方面就有些问题了，当然要这样的琴的音以去和全板的琴比是不可能的，但是可以向单板的琴的音色靠拢下面说一下弦与音色。
弦是发生的来源它的声音被琴箱放大从而产生大家最后听到的声音，目前弦的质料主要是由三种金属制造的（什么金属名子忘了！）第一种是看上去很光亮的感钢很多的那种(比如爱丽丝就属于这种了)，第二种是与它感观上差别很大的那种看上去比较暗像是含了许多铅和铁的那种(你去琴行看看有很多生锈的弦就是这种了)，第三种比外观上看在前二种之间，但它的三四五六弦退色后可以看到外面一圈丝很像铜的(暗红色的，正名达达里奥的就是这种，0.10-0.11)第一第二种指的是看一，二弦。
第一种弦的高音音色很亮，低音音色很硬，而且这种弦往往做得比较细来配合这种特性(0.10或0.11)第二种弦的高音很有弹性，低音发闷，这种弦的粗细在(0.11-0.12)第三种的弦在二者之间比较难讲清楚，属性柔和的那种。
接下来说琴箱，不同的琴的制作材料不同，面板多数为云衫。侧板背板，指板琴颈的用料就比较花了，比如本人的琴的侧板背板琴颈是桃花心木的，这种木料的中低音比较好，声音发甜，而且高音就没枫木的亮。(听说有红木的琴，小时后见邻居用过，声音很亮，10年前的事了，估计琴现在卖价也不低)拿本人的琴打个比方的话可以用第二种弦，来把低音的优势发挥出来，而枫木的就可以换第一种的弦让音色亮起来。
那可不可以把二者的特点互补呢?如果你不想花太多的钱去拿一种一种的弦试(也许你能试到最适合的，但你的琴几钱?)你不妨试试把同类型的二套不同粗细的弦配起来用，比如达达里奥的，本人的琴目前是用的0.10的一弦0.14的二弦(这二根是一套的)，0.24，0.32，0.42，0.52的3456弦,因为是同一品牌二种弦的兼容性还算比较好(扫弦不会变得很怪，反而很好听)这样低音发挥出来了，高音也不错(这只是个人偏好而已)。
还有300-1300的琴做得都不是很细致比如琴桥高造成弦离指板高等这些去看怎么打造自己的琴的文章这样可以让手感好起来，不是粗的弦就一定硬的，这和琴本身很有关系，听说弦离琴箱的高度也影响音色，还有尽量把琴调到标准音，这样有助于判别，所以大家努力探索把自己的琴打造成属于自己的吧。
PS：只要琴箱没什么缺陷是可以修正音色的，本人的琴感觉不比1000多的琴差(在琴行试过多把1000朝上的琴)，只要琴箱可以什么都可改变！以上都是本人的观点，可以当我是说糊话，或者大家都知道了那就把当小白吧。
贝斯与电吉他的区别
贝斯与电吉他的区别，在哪里可以看出来?只要稍加注意一下，你就能够知道。下面是小编给大家整理的贝斯与电吉他的区别，供大家参阅!
贝斯与电吉他的区别流行音乐用的贝司(bass)的全称叫低音吉他(bass guitar)，
交响乐里面的贝司指的是低音提琴，也称大贝司(double bass)。
下面的贝司只说低音吉他。
1. 归属上来说，贝司属于吉他，但是仅仅是名字而已。
2. 发展上来说，贝司是为了替代低音提琴而出现的。在贝司出现之前，它的角色是由低音提琴负责的。(流行音乐的低音提琴演奏多用手指拨。)
3. 电声原理上，贝司和电吉他基本无区别，但使用的电子元件有区别。
4. 琴弦上，电吉他一般是6弦，少数7弦。贝司一般是4弦，5弦也不少，6弦也有，7弦，11弦，更多的也有。(当然看起来很怪异就是了)
5. 体型上，贝司一般比电吉他大一些，琴颈要长(也会少见有的贝司琴颈和吉他一样长)
6. 拾音器配置上，电吉他分为单拾音器、双拾音器，又有两双、三单、单单双、双单双等配置;贝司有P拾音器、J拾音器、P+J拾音器等。另外贝司有较多选用主动式拾音器，功率大，吉他没听说过(可能也有)。
7. 拾音器切换方式，电吉他是分档来切换，比如3档、5档;而贝司则是通过旋钮调节不同的拾音器所占的比重，最后出来的音色是两者的综合，所以可以根据比例调节得非常细致(所以贝司的特性有一个概念叫做可调性或者可调范围)，而电吉他则做不到。
8. 旋钮：吉他有音量、音调(tone)，而贝司则是音量、拾音器比重、均衡(两段、三段、四段)。
贝司的练习时间与贝斯的节奏问题记得看过李咏主持的《咏乐汇》那期嘉宾是:朗朗，他说他小时候练琴一天8小时，父亲逼着练，现在练琴用不上那么长时间了也就23小时。
我们新手千万不要一味的追求完美!成天一练就练一天，那就成疯子了，手也受不了的。要科学的练。累了可以听听音乐。听也是一个很重要
的环节。多听，才能弹凑出完美的歌!
乐器之所以为乐器而不是机器，一个要靠手，一个要靠心，练习是手与心的综合练习，不要只是闷头傻练，练成傻子。(吉他版版主)
小弟新手学琴3个多月，自己弹得相当之臭有不对的地方还请大家见谅，大家可以提出意见，小弟更改就是。
谁有更多的见解，给以告诉我。
新手练习一定要跟着节拍器练习! 不要忽略他! 我就花了100多买了个节拍器。 之前用电脑的，但是一打开电脑就有人在QQ喊我玩之类的。
自己也控制不住，于是乎，买了个节拍器，干脆就不开电脑了，练琴时间大增，。。怎么说自己了。。
贝斯本来就是一种控制节奏的乐器，自己的节奏都没有，那么乐队其他的队员怎么办呢?
节奏感是天生的，有的好，有的不好，好不好都最好跟着节拍器练基本音符，4分、8分、16分、3连音、6连音，每拍弹稳，
学好金属电吉他的三大要点学好金属的三大要点：
(1)：多听
(2)：多扒
(3)：多练
〈1〉多听：
所谓多听既是去多听各种风格金属乐队的作品，不断的充实自己的思想，但有很多人误解了多听的含义，多听不一定要指听很多很多的东西，听音乐，尤其是对乐手，就要和学习一样，听一点，消化一点，听完一首歌就要从中学到东西，例如：整首歌的框架处理 自己没有听过的一些技巧或者弹奏的方式等等。只有在每听一首歌就学习一首歌，这样才能不断的提高我们的金属思想，尤其是对好乐队或者说好作品，更要细听 细分析。学到其中的精华，才能为我们以后的创作增加素材。
〈2》多扒
扒带相信很多人都尝试过，扒的东西也都不一样，但说到金属，扒的人就很少了，再说到国外大牌乐队的优秀作品，那么扒的人就更是少上加少了，为什么要扒带呢?扒带能够锻炼我们的什么呢?
扒带可以提高我们对音符的感觉和敏感性，更加能够锻炼我们的听力，还能够使我们比听能各个能更快更好掌握演奏技巧，听完优秀作品就扒，这是一种能够很快提高演奏技巧的方法。
《3》多练
这点就不用多说了，学琴自然就要练琴，并且要刻苦，所谓多听 多扒都必须建立在苦练之上，没有好的基本功，何谈前面两者
传统指弹与现代指弹的区别
我个人认为指弹风格吉他在其发展的过程当中,主要可以分成两个流派,即传统指弹风格与现代指弹风格!
首先说说传统指弹风格,我觉得美国传统指弹风格主要是以Ragtime,乡村blues,jazz风格为代表!而欧洲则是以Celtic,地中海风格音乐为主!在演奏方面,传统指弹的弹奏技巧强调对位和声的演奏，以及交替bass的演奏，对位和声主要出现在欧洲的指弹风格中，而交替bass则更多出现在传统美国Ragtime等风格的演奏!当然美国的一些传统指弹风格也很注重对位和声!这个不是绝对的!再说说传统指弹的代表人物吧!传统美国指弹：LeoKottke,ChetAtkins，欧洲Celtic风格的代表:Bensusan
再说说现代指弹风格,现代指弹风格则是以DonRoss，MichaelHedges等一批吉他大师的创新演奏为主体的，风格更多的是Newage，funk,Latin等曲风!对比传统指弹演奏技巧,现代指弹演奏技巧方面则注重音效有时会运用到效果器，比如大家熟悉的日本演奏家中川砂仁,押尾桑等!现代指弹的音色效果出众，演奏时往往伴随敲击面板，敲打泛音，slap等技术!现代指弹的代表性人物我觉得应该是DonRoss,MichaelHedges
最后说说近期最活跃的两派代表人物，传统指弹：Tommy！呵呵，这个很熟吧！现代指弹：JustinKing!
以上只代表我个人理解的指弹风格吉他,可能有不对的地方,希望大家多多指正,我的文章只起抛砖引玉的作用,希望大家畅所欲言
吉他弹奏入门与提高
吉他弹奏入门与提高，一本教你如何弹奏的吉他教材。下面是小编给大家整理的吉他弹奏入门与提高，供大家参阅!
吉他弹奏入门与提高作者简介李海涛，中国吉他名家，北京青年吉他协会会长。1986年开始学习古典吉他，并自修音乐理论知识。1995年转向民谣吉他的学习与研究。1999年参与录制了由中央音乐学院监制的《跟名师学音乐》VCD教材系列，并演奏了吉他高难技巧六指轮，此举填补了我国吉他界六指轮示范上的空白。2000年底接触了弗拉门戈音乐并开始自学。2001年开始从事音乐教材的编写，编写的教材与弹唱谱书籍有《民谣吉他基础教程》、《民谣吉他一点通》、《民谣吉他实用技巧》、《民谣吉他无师自通》、《名师教你学吉他》、《吉他弹唱独奏曲集》(与中国传媒大学副教授刘天礼合著)、《民谣吉他经典教本》、《吉他弹唱独奏曲集》(分为校园篇、影视篇、上榜篇、经典篇、酒吧篇五册)、《吉他大家弹》、《吉他自学百曰通(初级卷)》、《吉他自学百日通(中级卷)》、《吉他自学百日通(高级卷)》、《吉他之旅》、《吉他弹唱流行前沿》、《流行好歌大家唱》、《中老年电子琴教程》、《吉他新世界》系列、《吉他风暴》系列、《电子琴初级教程》、《吉他独奏小品集》、《吉他自学快速入门》、《新编吉他新世界》等三十余种。其艺术传略先后入编《中国音乐家辞典》(人民出版社)，《中国音乐家图典》(中国文艺出版社)、《百年中国音乐家》(中国文艺出版社)。
吉他弹奏入门与提高介绍《吉他弹奏入门与提高》包括吉他的历史与种类;简谱知识;六线谱知识;右手弹奏法;音程与和弦等20章内容。《吉他弹奏入门与提高》是一本适合各吉他社团与培训机构使用的教材。同时,因书中所附有详细的练习提示,所以也适合有一定自学能力的朋友作为自学教材。《吉他弹奏入门与提高》共分为二十课。作为培训教材来讲,教师可根据教学课时的实际情况进行相应的调整,课与课之间的内容可进行相互串联结合来授课;而若作为自学教材的话,学习者应按照书中所列课时顺序,依次进行学习。在书中,大部分章节都附有课后习题与习题答案,学习者通过做题,能较好地巩固所学知识。《吉他弹奏入门与提高》在写作框架中,以实践为主,理论为辅。书中共收录了100首歌(乐)曲,并附有弹奏提示,在教材类的书籍中,可谓容量超大。学习者在练习时,均可按照自己的喜好对课中所列歌(乐)曲进行挑选性的练习。
吉他弹奏入门与提高目录第一课 吉他的历史与种类
一、吉他的历史
一、吉他的种类
1.按照发音原理划分
2.按照演奏风格划分
(1)古典吉他
(2)民谣吉他
(3)弗拉门戈吉他
(4)电吉他
三、民谣吉他各部位名称
四、吉他的挑选与保养
1.吉他的挑选
2.吉他的保养
附：课后习题
第二课 简谱知识
一、简谱
一、半音与全音
1.半音
2.全音
三、基本音级与变化音级
1.基本音级
2.变化音级
四、变音记号
五、等音
六、音符与休止符
1.音符
2.休止符
七、附点
八、拍子与其表现力
1.拍号
2.拍子的表现力
附：课后习题
第三课 持琴姿势与调弦
一、坐姿持琴
一、站立持琴
二、调弦
1.吉他基本音位图
2.定音哨
3.电子校音器
4.异弦同音对比调弦
5.自然泛音调弦
6.共振调弦
附：课后习题
第四课 六线谱知识
一、认识六线谱
一、六线谱的记谱方式
1.数字记谱法
2.X记谱法
3.箭头记谱法
二、六线谱上的音符与休止符
1.六线谱音符的各部位名称
2.各音符形状
3.各休止符形状
4.六线谱中附点的记法
四、延音线与连音线
1.延音线
2.连音线
附：课后习题
第五课 右手弹奏法
一、右手各指符号及性质
一、各指负责的弦
二、各指指甲的长度
四、各指发力点
五、各指触弦点
六、右手的拨弦位置
七、靠弦奏法
八、勾弦奏法
九、各指拨弦练习
1.P拨弦练习
2.i、m、a的拨弦练习
3.双音练习
4.三音练习
5.交替指拨弦练习
6.分解和弦练习
附：课后习题
第六课 音程与和弦
一、音程
一、音程的度数和音数
1.度数
2.音数
三、基本音程的度数、音数和名称
四、协和音程与不协和音程
1.协和音程
2.不协和音程
五、和弦的概念
六、三和弦
七、七和弦
八、和弦构造形式
附：课后习题
第七课 左、右手配合练习
一、左手各指符号
一、按弦要领
1.拇指位置
2.按弦要求
二、各把位练习
1.把位的概念
2.第九把位练习
3.第五把位练习
4.第一把位练习
四、把位移动练习
五、乐曲弹奏
兰花草
小星星
莫斯科郊外的晚上
诗意
附：课后习题
第八课 和弦图
一、认识和弦图
一、横按
三、和弦图指法的运用
四、和弦的特殊标记
五、高把位和弦的推算
附：课后习题
第九课 常用记号说明
一、反复记号
一、延长记号
三、换气记号
四、强音与倍强音记号
五、换和弦记号
六、乐谱省略记号
七、基本力度记号
八、速度记号
附：课后习题
第十课 左手各指扩张练习
一、第九把位练习
一、第五把位练习
三、第一把位练习
四、延伸练习
第十一课 调与调式
一、调式
一、主音与调式音级
三、音阶
第十二课 C调知识
第十三课 常用技巧说明
第十四课 装饰音
第十五课 G调知识
第十六课 扫弦
第十七课 各调练习
第十八课 临时弦枕
第十九课 连音符
第二十课 流行特快