作为匹克的初学者，你一定遇到了一个难题：在用匹克演奏华彩（旋律）和分解和弦时，匹克往往找不准弦，该弹的弦没拨到，而不该弹的弦又给拨响了。那么如何解决这个问题呢？下面，我结合自己的练琴实践和教琴经验给朋友们谈几点看法，供初学匹克的朋友参考。
1、右手的位置要固定。在用匹克弹华彩和分解和弦时，一般右手小指应支在吉他1弦下边的面板上（弹扫弦节奏除外）。弹奏时，靠改变右手小指的倾角而使右手（拨片）能稍微上下移动以便能拨到1至6弦。应注意三点：wWW.J961.cOM
（1）右手小指只起一个右手位置的定位作用，只可轻轻支在面板上，不能让它随重力，否则会造成右手的紧张和疲劳。
（2）小指在面板上支点位置离1弦远近要据个人手型及大小而定，并以匹克拨奏1弦和6弦时右手不过于紧张，费力为标准。
（3）右手小指在面板上的支点离琴码的远近直接决定了吉他的音色，要根据歌曲的情绪和个人喜好而定。一般来说，弹奏分解和弦时触弦位置应稍稍偏向琴码一侧，使音色明亮；而弹扫弦节奏时触弦位置应靠近音孔，以求得音响效果更加丰富。
2、匹克的拿法要讲究。在用匹克弹华彩或分解和弦时，右手握匹克要多些，即匹克露出部分要少些（当然也不可过少），这样我们更容易掌握匹克，对控制拨弦力度和准确找到该弹的弦都是有利的。
3、拨弦方向要固定。在用匹克弹华彩和分解和弦时，我们一般要用匹克一上一下地拨弦。这一上一下可不是随意的，要加以科学安排，这便于演奏并有利于前后动作的连接。但无论你怎样安排，只要练熟了就不要轻易改变。因为在实际演奏中，哪怕只有一个音的拨弦方向与练习时不同，都可能会让你阵脚大乱甚至弹不下去。
4、进行专门的、有针对性的练习。j961.cOm小编推荐
民谣弹奏与演唱如何能做到一致？
对于吉他入门初学民谣的琴友们来说，一定会遇到这样的情况，那就是：虽然左右手配合的很不错了，但是真正进入弹唱当中却是顾了左手顾不了右手，顾了唱顾不了弹。这是啥原因呢？造成上述几种情况的主要原因是由于自己的心、口、手独立性不强所致，那么吉他入门该怎样去培养这种独立性呢？你可从以下几点入手：
(1)首先，你要把所学的曲目唱熟、唱准，特别是歌曲旋律中较难掌握的切分、连线、休止、附点等；
(2)单独把曲目中用到的和弦转换练熟，特别是那些难度较大的和弦转换更要反复多练；
(3)单独把曲目中用到的节奏音型练熟，特别是那些较复杂的节奏音型更要反复多练；
(4)把左手的和弦与右手的节奏音型结合起来进行完整的伴奏练习，直到熟练为止；
(5)轻声哼唱全曲旋律并加入吉他伴奏；
(6)待哼唱与伴奏完全一致后，正式加入歌词进行自弹自唱。记住：弹唱时要做到旋律、和声、节奏三位一体。
这样，一首成功的吉他弹唱曲就顺利完成了！最后需要告诫大家的是：不要小瞧这短小的六点建议。如果你能真正按我所说的方法去练习的话，你的弹唱水平一定会达到像克莱普顿大师那样游刃有余。
2022吉他教学——民谣弹奏与演唱如何能做到一致？
对于吉他入门初学民谣的琴友们来说，一定会遇到这样的情况，那就是：虽然左右手配合的很不错了，但是真正进入弹唱当中却是顾了左手顾不了右手，顾了唱顾不了弹。这是啥原因呢？造成上述几种情况的主要原因是由于自己的心、口、手独立性不强所致，那么吉他入门该怎样去培养这种独立性呢？你可从以下几点入手：
(1)首先，你要把所学的曲目唱熟、唱准，特别是歌曲旋律中较难掌握的切分、连线、休止、附点等；
(2)单独把曲目中用到的和弦转换练熟，特别是那些难度较大的和弦转换更要反复多练；
(3)单独把曲目中用到的节奏音型练熟，特别是那些较复杂的节奏音型更要反复多练；
(4)把左手的和弦与右手的节奏音型结合起来进行完整的伴奏练习，直到熟练为止；
(5)轻声哼唱全曲旋律并加入吉他伴奏；
(6)待哼唱与伴奏完全一致后，正式加入歌词进行自弹自唱。记住：弹唱时要做到旋律、和声、节奏三位一体。
这样，一首成功的吉他弹唱曲就顺利完成了！最后需要告诫大家的是：不要小瞧这短小的六点建议。如果你能真正按我所说的方法去练习的话，你的弹唱水平一定会达到像克莱普顿大师那样游刃有余。
2022吉他教学——弹奏时如何做到放松？
对于吉他入门的初学者，登台献唱是件十分老火的事情。因为种种原因，初学者在献唱时往往紧张到不行，不仅影响演出效果，甚至严重打击才吉他入门的初学者的信心。放松是每个演奏者都企望具备的能力，如果能轻松自如的上台表现，便再也不必每次下台之后用抱歉的眼神，求取听众的同情了。
那么到底“放松”是什么呢？是否只是只能意会，不可言传的感觉？或者只是少数人得天独厚，天生的才赋？还是每个人都可藉由学习获得的能力？从字义中，我们很可能作这样的联想：大概放松就是松掉肌肉的力量，使整个人变得松软无力吧！但这并不是我们弹吉他所要的放松。或者有的认为藉由某种呼吸的方法，使肌肉的效能达到更高的层次，但这也不是练习放松的正确途径。那么到底弹吉他所指的放松是什么呢？
演奏乐器的“放松”是指正确的选择动作和每个动作都是在有意识之下完成的，所以该用多少力量去按弦、弹弦，便用多少，绝不会浪费一分力气。以左手来说，大部份的人弹吉他用的是虎口和手指的力量，拇指为了对抗指板上其它四指的力量，虎口必须持续不断的用力。如此光靠手指和虎口少数的肌肉要完成整场一个小时的演奏会曲目，结果注定是要痛苦地失败。
因此左手正确地按弦时，虎口和左手拇指是完全不用力的（除了封闭按法需要用到一点虎口的力量之外），因为手指只是被动的角色，随时在休息状态中，左手真正按弦的主角是手腕和手臂；藉由调整手腕的弯曲程度及手臂外伸拉回的动作，把手指放在指板上的正确位置，因此各种手型的正确使用是获得左手放松技巧训练的开端。从基本的纵向手型、横向手型，到进阶的各种综合手型，介于纵向和横向的手型)是征服指板的重要课题。
移把位的技巧亦是由手腕和手臂将手指带离原来的位置，在瞬间使手指到达新的位置。移把位的方法共有三种，依学习的次序为：替换、移位、跳跃，也是需要每天集中注意力，去练习如何正确使用自己的手腕手臂。
记得刚开始学习改变按弦的方式时，一直很不适应且不得要领，一次和老师上课时，他看我努力了半天，表情十分苦恼，便跟我开开玩笑：我是你的老师，而你是你的手腕、手臂的老师，想想办法教他们变聪明吧!
目前常看到年轻的一辈，标榜着用140的速度在练音阶，这是个相当令人担心的事。音阶的真正练习价值不是速度，而是在熟悉指板上不同区间、不同弦，该如何正确地呈现手型及移把位之动作。
唯有从慢速度开始练习，让每个动作，每个声音都在头脑专注下，正确地完成，才能逐渐让左手在指板上自由运动；而速度的获得，不必刻意的追求，有一天它自然会像熟透的苹果般落下，所以正确才是练习放松的目的，速度只是练习下的附产品而已。
我的吉他老师曾说过这样的话：左手只是个工人，而右手是个艺术家!根据个人的经验，以正确的方法和目标专注练习的话，大约只要半年到一年的时间，应该可以完成左手的放松技巧。而右手随着音乐性的成长，却要终其一生不断地去探索它的可能性。
基本上右手的技巧只有两种：基本的勾弦法，和加入固定法之后各种千变万化的触弦法。而学习右手的技巧，必须要有一付好耳朵，否则这些细微的变化，很难用文字去解释。所谓的fijacíon是根据音乐不同表情的需要，而加入不同的肌肉和关节，使之结合为一个整体的弹奏群组；例如，须要弹奏fff强音的和弦齐奏时，只靠手指的力量去勾弦，是无法让吉他达到力度的要求，此时如果将ami三指合并成一个群组，运用手臂和手腕的力量带动整个群组来弹，便可以很轻松地作出强音的要求。
再者，当主弦律在低音部，如大提琴般歌唱，而上声部同时有和声伴奏的情况下；此时音乐上力度的层次应以低音为主，而上声部伴奏居于次要的地位。右手为了区分出不同的声部，可以转动手腕趋向自己，使伸直的大拇指得到最佳的触弦位置，而让其它手指的触弦深度变得较浅，如此改变手腕角度即可很轻松而且清楚地区分出不同声部，也是右手常使用的技巧之一。
如何能够高质量地现场演奏
看题目大家就知道，这是一篇关于怎样提高演奏质量的文章，这个事情说起来容易，好好弹、仔细弹就行了，但是做起来却是很难的。在实际的演奏中尤其是现场演奏中，很多朋友都会碰到高质量演奏的问题，解决不好的话不仅仅影响演奏者的心情，同时也会严重影响到演出质量。
要想高质量地演奏吉他，首先就要明白什么是真正意义上的高质量演奏。所谓高质量指的就是在演出过程中吉他的音色、音量、演奏者的技术发挥、对乐曲的把握，感情的投入程度几乎都要达到了完美的境界。注意，我所说的高质量吉他演奏并不仅仅局限于许多技巧性非常高的片断或者曲目。
一首很简单的歌曲也同样存在着演奏质量高低的问题，而且很多时候越是简单的歌曲越是考验吉他手的综合素质（主要是对音乐的处理和感觉）。好的吉他手无论曲目是简单还是复杂，都能够得心应手、从容不迫地演奏，让听众随着演奏者的感情起伏而起伏，从而陶醉在音乐当中。由此我们可见，一个好的吉他手不仅仅需要完美的技巧，还要良好的音乐素质、丰富的感情和敬业精神，这样才能真正地实现高质量的演奏。那么，许多朋友会问，我现在也想提高我的演奏质量，达到上面所说的程度，到底怎么样才能提高呢？或者说到什么程度才能高质量地演奏呢？下面我们就来分析一下。
能够高质量演奏的吉他手无非是在技巧运用、对音乐的感觉、演奏曲目的熟悉程度和舞台表现这几个方面做得非常出色。同样，如果我们想提高自己的演奏质量也需要从这几个方面来着手。现在我们就来具体地说说应该如何做吧！
一、技巧运用吉他手最重要的一个环节就是技巧，也就是技术水平，它是一切高质量演奏的基础，没有出色的演奏技巧就说谈不上高质量的演奏。谁能想象一个音阶也弹不好的人能够演奏出令人泪下的美妙旋律来？也许有人不相信，说：“Nirvana那几个人的技术也不好，但是演奏得也很好啊？”没错，他们的整体技术是谈不上出色，但是别忘了，他们的音乐虽很简单，但是这几个人天天在弹他们自己的东西，可以说作品已经演绎得炉火纯青了。也就是说他们在自己的音乐这一方面的技巧是很高的，别的人再演奏他们的作品是很难达到他们的高度的。况且，大多数吉他手面临的并不都是punk音乐这样相对简单的音乐，而是很多不同类型的东西都要演奏，这就需要每个吉他手至少有非常扎实的基本功，能够在最短时间内达到音乐的要求。
关于怎么练基本功我在这里就不多说了，每个人都有一套心得。但是至少应该能达到以下几个方面：一是要有足够的速度，能够轻松地弹奏拍速在180的四连音，这样基本上乐曲里面的快速片断就不会难住你了；二是对各种音阶要熟练的掌握，尤其是在不同把位不同弦上都能自如地弹各种调式的音阶；三是和弦一定要熟各种和弦的转位和替代和弦以及指法都要非常熟练；四是演奏的时候每个音符都要清晰饱满，除非乐曲有特殊需要，这是乐曲有没有感染力的一个重要部分；五是对吉他的各种技巧要熟练掌握，我并不是说非要把自己的吉他技巧练得很变态，像Michaelangelo那样，但是一些最常用的技巧像琶音、扫拨、点弦、击拉弦等等还是应该要熟练的掌握的。如果能做到上面的这几点，可以说在吉他技术上就过关了，在演奏世界上绝大部分乐曲时已经没有任何技术难度了，至于能否提高演奏质量的问题就是对音乐的感觉了。
二、对音乐的感觉高质量的演奏和想提高演奏质量，吉他手对音乐的感觉也是至关重要的，如果音乐感觉不好，那么演奏的东西听起来完全是“驴唇不对马嘴”。要是blues听起来像重金属、raggae听起来像民歌、爵士乐听起来像乡村，那还能谈得上欣赏音乐吗？也就更谈不上演奏的问题了。所以，如果想要弹什么像什么，那就要靠良好的音乐感觉来实现。也许又有人会说，对音乐的感觉是天生的，每个人都不一样，也许我就比较差呢？没错，对音乐的感觉是天生的，但是更重要的还是要靠后天的培养，怎么培养呢？那就是多听音乐！不仅仅要听自己喜欢听的音乐，还要广泛地听各种不同的音乐，并且要记住不同音乐的特点，最好能亲自去演奏一下每一种不同的音乐，然后去熟练它的每一个环节。
这样日积月累，对音乐的感觉就会越来越好。许多大师级的吉他手如Stevevai、Joesatriani、Yingwei等等都是会很多种风格的音乐，并且都很爱听很各种风格的音乐，不仅如此，他们还能够将不同的音乐元素糅合到一起，组成自己的特色。大量地、广泛地听音乐，对提高音乐感觉有很大的帮助。在听音乐的同时记住不同音乐的节奏特点、音阶特点、旋律特点等等，再出手时就能够演得像模像样了。还有许多时候，不同的音乐能够激发灵感，往往一首经典的曲目就是这样创作出来的。还有，有的时候好的音乐感觉还能够弥补你技术上的不足，让演奏更加丰满流畅。记住，想提高演奏质量必须提高自己的音乐感觉！
三、演奏曲目的熟悉程度我想这个就不用多说了，如果连演奏的曲目都不熟悉的话，还谈什么高质量的现场演奏。当然，如果对演出曲目的熟悉程度越高，那么就越能提高演奏的质量。当然了，还要分析曲目的走势、调性、情绪的起伏、音阶等等。注意一下难点，这个话题我们在以后专门好好谈一下，在这儿就先说到这里。
四、舞台表现其实无论你在台下的准备工作做得多么的出色，技巧运用再好、对音乐的感觉再高、对演奏曲目再熟悉，如果没有好的舞台表现，那还是等于无法进行高质量的演奏，还是等于提高不了自己的演奏质量。为什么这么说呢？因为舞台表现才是演奏者真正面对观众的环节，也是最能够表现演奏者的情感的地方，如果舞台表现不好，会直接影响到听众对演奏曲目的欣赏和理解，谁愿意去听一场死气沉沉的音乐会呢？可以说舞台表现是提高演奏质量的关键一步！
大家在看外国乐队或者吉他手的现场时，很多人都会注意到他们的感情非常地投入，不仅仅是摇头晃脑，让身体随着音乐起伏，更有的人甚至到了咬牙切齿或者龇牙咧嘴的地步，弹到动情之处往往身体会做出很夸张地动作，这就是一种非常好的舞台表现。当然我不是说大家都应该龇牙咧嘴或者咬牙切齿，而且外国乐手的动作里面也有表演的成分。但是我想让大家注意的是，那些大师级的吉他手或者非常优秀的乐队在现场演出的时候，几乎每一个人都会让身体随着音乐的起伏而起伏，这也就是说他们是用心在演奏！那些动作和表情是出自于内心的情感和对音乐的理解，而且在弹一些非常需要味道的地方，比如推弦、揉弦、滑弦等地方，往往我们能看到大师们的表情很丰富，其实这就是奥妙之处。
大家可以试试，推弦的时候让身体随着推弦的幅度而做出一个向上或向下的动作，会发现这时候的推弦要比固定站着不动听起来有张力，表现也丰富了许多！所以为了让演奏更出色，我们不仅仅要在舞台表现上做到用心演奏，平时练琴的时候也更要用心去演奏，让自己的感情融入到音乐当中去。到演出的时候才能自然而地把自己的感情流露出来，才能让自己的舞台表现更加出色！其实舞台表现不仅仅是每个吉他手自己的事儿，同时也是整个乐队的事儿，在演出时应该让乐手之间也形成交流。只有每个人的舞台表现都好了，整体的表现才会好，才能提高现场演出的演奏质量！在舞台表现方面我建议大家多看看国外乐队的现场演出，如Bonjovi、Guns’nroses、Arosimith、Metallica、软饼干、山羊皮等等不同风格的音乐，不同音乐之间可以互相借鉴。吉他手呢可以多看看Setvevai、Joesatriani、Nuno、Slash等等吉他大师的现场，学会怎么样用感情来控制吉他。
如果每一个吉他手都能够很好地在技巧运用、对音乐的感觉、演奏曲目的熟悉程度和舞台表现这几个方面做得非常出色，那么我相信，每一个人都将很快地提高了自己的演奏质量。到时候每一场演出的现场演奏质量将会有很大的提高，而高质量的演奏和演出不仅仅对于听众和观众，就是对演奏者本身来说演出也将成为一个愉悦的享受。最后我希望大家都能够高质量地现场演奏自己的音乐，让每一个人都深深地感受到音乐的魅力！
左手按弦时的基本要点
吉他教学课程左手的练习往往是作为重点在剖析，左手的练习程度比右手要高很多。吉他爱好者在练习的过程中，也常被左手疼痛折磨的身心俱疲。左手如此重要，那我们在平时练习中应该怎样做呢?又有哪些地方是在练习时必须注意的?吉他入门者尤其要注意了，下面就为大家介绍两点，按弦时的基本要点。
立起来：是指从手臂、手腕、手背到各指形成一个圆弧后，手指的末关节要尽量以垂直于指板的方向立起来用指尖顶端向下按弦。只要具有基本物理常识的人都很容易理解只有垂直于面板用力时，按弦的力量才有可能最小，最省力。如果末关节不能垂直按弦，不但会用力较大，左手容易疲劳和紧张，还常会把琴弦推向或拉向旁边导致音准偏差。一般来说2、3指很容易做到立起来，1、4指不容易立得很好。而且1、4指由于生理关系常会向内收拢使立起来更加困难，但是也要尽量立起来按弦以高标准要求自己。久而久之会逐渐改善直至完全立起来，请大家勤加练习。人的生理机能的可塑性是很大的，几乎任何一个训练有素的吉他演奏家和吉他手都能各指立得很好。从这些小的细节上也常能看出一个人所受训练和教育的规范及严格程度。
到位：吉他是一件发音技术要求很高的乐器，同时吉他也很容易出现杂音。除了右手技术不正确常会导致音量微弱，音色单薄和大量杂音以外，左手按弦位置不正确也常会产生大量杂音，使本来充满魅力，惹人喜爱的吉他变成令人生厌，噪杂不堪的“噪音乐器”。左手按弦到位是指每一次按弦时都应尽量靠近品柱，但又不要使手指挨到品柱甚至按到品柱上，这样右手才能以最小的力量获得最好的声音。左手按弦不到位往往有两种情形，①手指按到品格正中或更靠上，手指按弦离音品太远会导致琴弦振动时打品或蹭品的杂音;②手指按弦离品柱太近，或按到品柱上，这时即使右手拨弦技术再好，声音也会发闷甚至发不出声来。这两种情形都应尽量避免，在初学阶段就应提高要求，养成严格和精确的按弦习惯。
如何控制右手的弹奏振幅？
记得吉他入门前上过一堂吉他教学课，课上老师告诉我们：右手的重要性一定不能忽视，其实右手是非常重要的，而且控制上要非常注意。那具体的方法有哪些呢?
一种手背手指部分都比较放松,弹奏所发的力经放松的手腕部传递给手指拨玄发音.这种"控制"由于手指触玄点距离控制中心点[小臂和右手的连接处]较长,不容易控制振幅幅度大小.[现在流行的古典吉他弹法]
另一种手指部分放松,手背相对紧张,进入飙速弹奏的"一级戒备".控制振幅的中心点在手背与手指的连接处[即指根发力的说法].这种"控制"因手指触玄点距离控制中心点较短.因而容易控制弹奏振幅的大小.[类似于拂拉门哥吉他的弹法]
二者相同点:指根以下手指部分都要相对静止.否则弹奏的角速度过大不容易恢复原态.至于能否以小振幅奏出刚亮有力度的音[力度强弱的控制能力问题],这就是手腕手指强度等手指机能功底的问题了.非花大工夫不可.手指机能好了,速度就快了,爆发力强了,小振幅就能弹出大力度的音了.
推弦的方法及推弦时需注意的问题
推弦在吉他弹奏中也实属常见，但不包括吉他入门以下水平的人，推弦在吉他高手和职业吉他手中经常可以看到，这样的演奏方式想要做好也并非易事，在吉他教学中也很少有老师会针对这个问题进行详细的分析讲解。看到网上有推弦的方法及需注意的问题，就想分享给网友们，希望对大家有所帮助，相互学习，共同进步。
关于推弦的几个问题：
1、杂音：推弦时的杂音怎么解决?
可以用右手消音、可以用食指貼住其他線來推弦、右手锁定，用右手手掌护住，还有左手也要注意垂直点。
2、应用范围：木吉他推弦一般在哪几跟弦上进行?调到标准音，最多能推多少度?
一般来说1、2、3弦往上推;4、5、6弦往下拉、民谣如要使用推弦，在标准音律上只能推小2度。 如果实在急需用推弦，则可把所有弦下调至bB调，便可以最多推小3度。 如果急需用大3度推弦，则可把所有弦下调至A调。
3、适用手指：早期的很多吉他手用小指推弦，但90年代的大部分吉他手用3指代替。用3指推弦更容易上手，可以减轻小指的负担。遇到双音推弦，应该用2指和3指，而不用3、4指。要彻底放弃小指推弦。
如何推弦?推弦的时候应该是手腕发力的，如果用手指发力肯定不对，最起码的后果是严重磨品。书上面的图解比较详细，按它的说明练，应该没有问题的。平时没事的时候可以用左手搭在自己的右手腕上找找感觉。
手腕基本上是向右转动，注意是平行而不是垂直，手指与手腕垂直，这样在手腕转动时，手指就自然将弦推过去了，千万不能手指发力，否则很容易钻到下一跟弦的下面去，这样的结果很容易把品磨坏不说，出来的音色就特别容易“脏”，不好制音，还是按照标准的工作来吧。推弦这东西和吉它其他的技巧差不多，就是找感觉，练着练着只要找到感觉了，以后就觉得越来越顺。
如何学习美国流行重金属弹奏
美国的重金属之都洛杉机有几百支金属乐队，能涌现出来的都是佼佼者。学习美国的流行金属，可以从中学到很多布鲁斯的音阶和技巧的运用，他们的编曲方式不像欧洲的乐队那么工整，那么受古典的和声影响，所以很好听，比较难学。推荐给喜欢美国流行金属的朋友10个乐队，如下:
1、穷街乐队（SkidRow）
18岁等solo太经典了，吉他和主唱的交互辉映很棒。
2、毒药乐队（Poison）
主音吉他C.C.的技巧真的很完美，要学习他的优美狂暴的solo。
3、Kiss乐队
把老摇滚推向流行摇滚的先驱，很多产的乐队。
4、BonJovi
R.S.的吉他编曲技巧不难、但是很有味道。流行金属的典范。
5、Dokken乐队
乔治林奇的左手快速连勾滑音技巧是必需要学的。
6、Ratt乐队
流行金属的典范之一，主音吉他手怀特迪马迪尼也是一位高手。
7、大白鲨乐队（GreatWhite）
把南部摇滚和流行金属结合的很好，编曲很有布鲁斯金属的味道。
8、白蛇乐队（WhiteSnake）
前后几名大师都加入过，包括Vai。
9、大先生乐队（Mr.Big）
顾名思义，四个技巧性大腕儿的组合，Paul的吉他出神入画。
10、白狮乐队（whitelion）
创作了很多好听的流行金属的慢歌。
以上我推荐的是80－90年代的美国本土的流行金属乐队，欧洲的（如蝎子等金属乐队）改天再写。我感觉，流行金属的学习是很有意义的。首先，我们受大调音阶的影响太深，普遍没有布鲁斯的感觉，研究这些乐队的编曲方式，会给我们摇滚方面的作曲和编曲带来质的飞跃。
全曲的通弹、全面学习金属歌曲的曲式和solo的安排，结尾solo和开始前奏的安排，布鲁斯在大调歌曲的运用等等，包括主唱的和谐，bass和鼓的编排。希望喜欢流行金属的朋友，把时间花在研究和全曲的排练上，涌现出等多的黑豹和零点乐队。
如何用20小时学会吉他？
一万小时理论曾风靡全球，但是花一万小时训练出来的，都是世界级大师或金牌运动员。如果将技能层级比作山峰，对普通人而言，到山顶既费时又不一定讨好，半山腰的风景已经很棒了。况且，全世界能有几个莫扎特，又能有几个科比？
确定学习不是奔着世界第一时，很多事情就会变得轻松一点。最新研究发现，学会一样新的技能，只需要20小时。
打个比方，大学期末考想考及格，你只需要突击复习两星期；但想考高分，则需要学习至少半学期。
学渣的春天在于效率，在于体验——人生很短，世界很大，我们不可能样样精通，却可以都略懂一二。如果你不想继续做只会看热闹的外行，那么可以试着掌握快速学习的方法和思路，主要有三个步骤：
（一）了解：
了解接下来要学习的东西，拿吉他来说，得先吉他由什么组成，如下图——
为方便理解，这是目前最简洁直观的电/木吉他的结构图。不用记太多，只需要知道哪部分叫什么名字，发声的原理是怎样的。
吉他是拨弦乐器，一共6根弦，又被称作六弦琴。拨动琴弦，琴弦震动而发声，声音从音孔出传入琴箱产生共鸣。
吉他可分为单板吉他与合板吉他，单板吉他由一整块天然木头制作，音质更好，售价更高，现市场起价3千元。新手最好选用300元以内的吉他过渡，王思聪们可忽略此选项。
（二）分解：
20小时，分30节课，每节课保证40分钟专注练习。也就是说，一个月内，每天抽出40分钟，就能学会吉他。
1、生理适应阶段：
①学习正确姿势，5分钟；
初步讲解
②搜索【爱的罗曼史简易版吉他谱】练习三天，效果是可以流畅弹出三连音效果和简单左手转换；
爱的罗曼史
③搜索【兰花草Am和弦吉他谱】练习两天，效果是简易弹唱无障碍；
识谱
④学习左手练习四个基本和弦（C和弦、Am和弦、F大七和弦、G和弦），并同时用右手练习53231323（一弦为最细弦，吉他）分解和弦节奏，以C和弦为例（其他和弦可自行搜索，不赘述），如图——
先练习左手的转换15分钟，再练右手的分解动作10分钟，最后左右手协调练习15分钟。
重复练习六天，并弹唱《你知道我在等你吗》【搜索：“你知道我在等你吗吉他谱”图片即可】。目标效果：a.左手手指起茧，按压和弦不再生疼；b.流畅转换和弦，节奏平稳，不紧不慢；c.弹唱时，人声不抢拍、不慢拍。
许多技能只是细节的重复而已。必须专注，将复杂动作先拆成一个个简单动作重复训练到熟练程度，换下一个，最后再组合起来练习。不建议小孩子学吉他，因为吉他要用力按和弦，骨骼发育阶段容易让手指变形。
2、右手节奏节拍训练：
题海战术，既然对和弦已经熟捻于心，就开始用新的节奏，不同的和弦组合来训练自己的演奏技巧。——
参考练习曲目
选其中两首训练即可。如果自己有“不超过6个和弦，又好听”的曲谱（如《狮子座》、《有没有人告诉你》）也可以，只挑两首练，一首容易（如《心愿》），一首较难（如《不再犹豫》）。
专注训练八天，目标效果：节奏把控平稳，和弦转换自然，演唱不会荒腔走板（节拍和音准都正确），弹奏与演唱同步时协调，整首歌听起来曲从句顺。
3、大横按和弦：
19天的专注训练之后，你会发现，手指也不疼了，扫弦也有自信了。是时候用挫败感让你更努力了，很多人练吉他就这坎过不了而放弃。大横按指吉他演奏中用食指按住所有6根琴弦，是吉他演奏中的一种必学技能，也是重要的分水岭。常用的大横按和弦为F和弦与Bm和弦。以F和弦为例，转换时中指先按，以中指为基点，大拇指按住琴颈背部中央，同时将横按一品的食指及只按一根弦的无名指和尾指同时按在弦上。
F和弦示意
初练时，食指力量不足，不能按实指板，导致吉他哑音。这很正常，不要气馁，可以先找好视频教材，重复训练。失败，重来，再失败，再重来，不必把失败当回事，尝试一次花不了十秒钟。慢慢地，食指力量就会跟上来。
当食指进入状态，就要看其他手指之间的协调性了。最关键要找对大拇指在琴背的位置，一旦习得要领，其他都可以迎刃而解。以出错率为10%为及格线。方法得当，两天就会；不得要领，两三年都不会。即使会了也要多练几天巩固，所以这一关估计会费时五天左右。
4、指弹：
从第一个分解步骤开始，重温自己练习所得，找出不足处着重再练习；继续学新曲目，如《童年》、《白桦林》、《姑娘》、《情非得已》、《同桌的你》等；练习歌曲的开头前奏，如《知足》、《十年》、《你知道我在等你吗》、《月亮代表我的心》等前奏，纯用吉他弹出伴奏和主旋律的音。最后六天的目标：温习旧曲，一首新曲，两首前奏指弹。
小结：第①关——手指起茧；第②关——和弦转换；第③关——节奏感；第④关——大横按；第⑤关——前奏指弹。过了五关，你就超过了大多数不会吉他的人了。
（三）不懈：
如果想就此结束，也是一个选择。毕竟用学会的套路弹唱大部分流行曲都能应付，偶尔遇到有挑战性的歌曲，花时间练一练也能达标了。
吉他是易学难精的乐器。想往编曲方向进修，可多学乐理、和声、钻研指弹；想多学节奏，伦巴、恰恰、西班牙风格都是不错的突破方向；想组个乐队，则琴艺的精进及与鼓手keyboard手贝斯手的磨合并重。
学无止境，而且音准和节拍最好可以录制起来，对比大神们的弹奏，看看哪里还可以改进。将事情做到极致，很难，也很值得。运动员为了几秒的距离在比赛，诗人们为了一个字在推敲，摄影师为细微的光与影在斟酌，厨师为更好的色香味而试探火候，万般不懈，皆因热爱。
学习越深入会越吃力，尤其是从91分到99分，经常会因一些小失误就被扣分。学霸说考得不好，一发考卷又是九十几分，你以为他在装逼，其实九十几分和九十几分真的不一样。作为小时候的学霸，长大后的学渣，我能骗你？
用一个月里的20小时学到一个小技能，或找到一个小爱好。漫漫人生路里，陪你走过世事沧桑的，有时候就是这把破旧吉他伴你呐喊吼叫。至于撩妹和装逼，亲测无效。
浅谈在吉他弹奏中靠弦与不靠弦的技巧
不少琴友可能一直纠结于吉他弹奏时手掌是否靠不靠弦这个问题，其实一般来说演奏旋律音的时候尽可能用靠弦法弹奏，这样可以让音乐的旋律突出，因为靠弦法弹奏出来的音乐声量比较大，然而弹奏分解和弦的时候则要用不靠弦法来弹奏，所以在学习吉他的时候都是这样演奏的，要分清楚哪些是旋律，哪些是和声伴奏。
那么我先介绍一下靠弦和不靠弦的两种弹奏法的要点和技巧吧~
（一）靠弦
靠弦奏法是指拨弦后，手指靠在下一根弦上放松。放松后的手指应有弹性地回到原来位置，为下一次拨弦做好准备。
靠弦奏法的特点是增强了弦向面板方向的振动。根据前面讲到的吉他发声的原理，这就加强了琴的共鸣，这就是靠弦奏出来的音通常要比不靠弦的饱满的原因。
需要注意的是掌指关节（大关节），在靠弦奏法时，应该在所拨弦的临近的下一根弦的上方。如果要拨第一弦，大关节就应该放在第二弦的上方。（见上图）这样便于发力和靠弦。
（二）不靠弦
有说法把不靠弦叫做勾弦，其实这种说法不确切。因为不靠弦奏法并没有“勾”的动作。实质上，靠弦奏法应该被看作不被下一根弦打断的靠弦奏法，拨弦后手指继续拨向手掌根部。不靠弦的发力方式，运动方式跟靠弦是一样的，只是右手放置的位置稍有不同：掌指关节（大关节）应该放在正在拨的弦的正上方，这样可以保证离弦的后续动作不会触碰其他琴弦（大家特别注意大关节的位置哦）
最后还是觉得大家先学靠弦，再向不靠弦转化，最终达到不靠和靠的声音接近 二者动作还是有区别的，不靠弦奏法掌握了，也可发出和靠弦相接近的声音 不靠弦奏法我认为要先找好角度和发力点，才能正确发音。不靠弦奏法是一种新的演奏体系，并不是指具体的动作。为了丰富音色增强表现力，有时也会靠弦弹。但已经不同于传统奏法把靠弦做为必需的表现手段了。而且其勾弦出来的音色也不同于传统的勾弦音色了~。
如何更换吉他弦
我们为什么要学更换吉他弦?我们的吉他琴弦用久了会出现锈蚀的现象。如果在潮湿的南方，这是很常见的事情。即使在干燥的北方地区，琴弦没有锈蚀，用久了之后也会老化、磨损，它的弹性和张力也会逐渐消失。而我们吉他的音色取决于两个方面：吉他木材用料和琴弦品质。前者，一旦确定之后短时间是无法改变的，那么在后者严重磨损之后，这无疑会在极大程度上影响我们弹奏出来的音色，所以定期更换琴弦以保持良好的音色和手感是非常有必要的。
更换琴弦的周期是要根据自己的实际情况来决定的，一般破晓一个月换一次琴弦，因为经常在使用，琴弦的磨损还是比较严重的。当然，有时候可能有同学在调音的过程中或者其他什么意外情况下琴弦不小心断了，那就需要换上一套新的琴弦了。那么问题来了：如何更换琴弦呢?现在破晓来教大家!
一、卸下旧琴弦。
换弦，说白了就是卸下旧琴弦换上新的琴弦。那么具体的第一步，就是转动弦钮，松开你所有的琴弦了。一般是将弦钮逆时针转动，琴弦就会松开了。松开琴弦之后，这时你需要把固弦锥从琴上卸下来，这时我们会借助一个尖嘴钳，这东西在五金店几块钱一个，大家可以去买一个，方便一点。如果一时没有的同学可以用钥匙利用杠杆原理把它撬起来，但是注意别撬断了。
将固弦锥撬起来之后紧接着就是把缠在弦钮上的弦抽出来，这时要注意安全，因为它可能会弹出来，头部尽量隔远一点。
图中我是以六弦为例子，当我们把六弦卸下来之后，可以把它缠成一个圈留着，下次断弦的时候可以临时使用一下。当然六弦一般是不会断，一二弦大家可以保留一下，毕竟这两根弦很容易断。
二、换上新弦。
好了，这时我们就开始拆开新弦的包装。那用什么琴弦好呢?破晓一般都是使用散装的达达里奥exp16，粗细为012-053的琴弦，一套大概30左右，不太贵。大家有兴趣可以点击查看详情。当然如果对琴弦品质要求很高而且不差钱可以选择伊利克斯的磷铜弦，大概100多一套，点击查看详情。可以说两套弦都不错，当然后者更加出色，毕竟价格摆在那里。
接下来将新的六弦插入对应的固弦锥孔里，然后压紧固弦锥，一定要固定紧哦!
紧接着把弦的另一头拉到五弦的位置，然后用尖角钳剪短。因为琴弦都要预留3cm左右，不然容易从弦钮中滑出来，那样就悲剧了。
OK，这一步做好之后，我们就要把琴弦插进弦钮的小孔中，差不多半厘米左右出头就行了。然后是拧紧弦钮，这时我们会用到一个小工具巻弦器，很便宜，一般买琴店家都会送的，大家应该都有。
然后我们开始绕弦，注意绕弦的时候一定要让绕的弦处于出头的琴弦的下方，这样琴弦才会处于一个比较稳定的位置。这事我们转动巻弦器，在旋转巻弦器的同时，另一只手一定要拉着琴弦，不然琴弦会从弦钮的孔里跑出来，很麻烦。
慢慢转动弦钮，使琴弦绷紧，大概就成了下面这个样子，接着大家可以用手拉一拉琴弦。因为新弦并未完全绷紧，所以我们用手拉一拉，使它张开一点，这样后面的调音会少几遍。
六弦换完之后，用同样的方法把其他弦也换上去，然后就可以调音试弹了，如果有不会调音的同学请看这里《没有调音器?手机软件也可以给吉他调音》。之前也说过了，新弦很容易跑音，因为还没完全张开，所以需要我们多调几遍。
扫弦练习：扫弦时怎样才能显得不那么乱
对于扫弦的练习，在很多吉他教学课上或者吉他教科书中，都有或多或少的讲解。基本上都是将各类型吉他扫弦分开来讲，但我个人觉得本质上扫弦无论用在电吉他或木吉他，技巧都一样的，区别只是在于演奏的手法。下面都是关于扫弦的描述，并没有区分是电吉他还是木吉他。
拨片扫弦
一般来说是用拇指和食指夹住拨片，较尖的一头向里朝着弦的方向。尽管这被认为是很标准的握拨片的手势，但有些速度大师们却偏偏使用其他很独特的方式，比如：Eddie Van Halen用拇指和中指握拨片（因为他的食指要经常用来点弦）；James Hetfield和Steve Morse用三个手指持拨片（拇指、食指和中指）；Pat Metheny是用拨片圆的一端拨弦。如果你持拨片的姿势不正确，但你觉得这样能让你的手在拨弦时很舒服，那你可以不必去刻意纠正。
现在将你的手掌根部轻搭在琴桥的前端，这个技巧叫做“手掌制弦”，手掌压弦的力量越大，拨弦奏出的声音就越“哑”。在快速的独奏拨弦时，轻轻地制弦既不会影响弦的发音，还能有助于消除不必要的杂音。拨片触弦的位置也是很重要的：越靠近琴桥，拨弦发出的声音就越尖锐和洪亮；越靠近琴颈，拨弦发出的声音就越柔和、圆润。
拨片击弦的角度也同样影响琴弦发出的音色。当手持拨片与琴弦平行，拨片的尖角正对琴弦时，弹奏出的声音是最清晰而且饱满的。当手持的拨片与琴弦有一定的角度时，弹出的声音不够饱满，但这样有助于提高速度，因为拨片在弦上滑过时所受的阻力较小。
拨弦有两个基本动作，上拨和下拨，在弹奏中交替进行。动作非常简单，但要想达到不寻常的速度，就要掌握一定的技巧了。有些吉他手习惯用肘关节带动小臂拨弦，腕关节僵硬；有的吉他手完全靠拇指和食指的圆形运动来回拨弦；大多数的吉他手使用的，也是我认为最好的方法，就是由腕关节发力拨弦。手腕放松才能更好的控制力量。
手指扫弦
一、手指扫弦一般采用两种手法：民谣吉他的弹奏关键。
① 大拇指扫弦：手指自然伸展，略呈弧形，所有反弦动作都用大拇指完成，这种手法扫弦声音丰满，整体性好，缺点是一来一回音色不够统一且亮度较差。
② 拇指与食指交叉成“十字”，其余手指呈飞鸟状伸开（自然并拢也可），下击时用食指指甲背，上击时用拇指指甲背。这种扫弦声音清脆明亮、音色统一，缺点是声音略显单薄。
二、扫弦除了要把节奏扫准外，音色的优劣也是衡量一个吉他手水平高低的重要标准。吉他爱好者扫弦时爱犯的毛病主要有两个：
① 声音支离破碎，音色混浊，一来一回音色差别很大，特别是往上回弦时第一弦声音特别突出，给人突兀的感觉。
② 扫弦时右手手指没吃住弦或吃弦不够，声音轻浮，缺乏张力。
三、正确的扫弦非常讲究统一性、协调性。手臂、手腕、手指的触弦角度、触弦轨迹、触弦深浅都直接影响了扫弦的音色。优美的扫弦需要以上各项都达到最佳状态。
① 扫弦时，右手的运动要以手腕为主，右手小臂因为手腕的挥动而被带动。手腕一定要放松，但又应该有一定的控制，这是一个难点。各位要反复对着镜子甩动手去感觉。直到你的手腕姿式很潇洒，松弛而有弹性，而且又控制得很好，即为合格。
② 手指指背与弦接触的角度也很重要，这不应是直角，而是一个60度左右的锐角。形象地说，向下出弦时食指指甲（或大拇指肉垫）稍微向里让一让，向上击弦时大拇指指甲也稍微往里让一让，“让”的目的是显了保证让指甲背而不是指甲尖去触弦。
③ 手指指甲背扫弦的轨迹应是弧形的，绝非直上直下。向下出弦时手指朝琴头方向画圈，向上出弦时手指朝琴码方向画圈。
④ 手指与弦接触的深浅对音色影响也很大。触弦过深手指容易绊在某根弦上导致声音的破碎，过浅会吃不住弦，声音便轻浮而缺乏张力。
⑤ 切记，和弦的音响效果应是整体的，扫弦的感觉应是“一片一片”而非“一根一根”的。这需要多动脑筋、多练习。
弹吉他时如何保证左手的放松
历来的吉他教学认为，左手是纯技巧的，很多习琴者看人演奏时多是将注意力集中于左手的指法和动作。我认为，以往的吉他教学是曲解了“技巧”的意思。技巧是为音乐的需要而存在的，脱离了音乐的需要，技巧根本无所适从。
因此，在这里技巧分为“音乐技巧”和“肌体技巧”两种。音乐技巧是为了克服一些由于乐器或手的限制而创造出来的一些处理方式；肌体技巧则是为了完成某些动作而锻炼出的肌体运动能力。注意，虽然我用了“运”一词，但演奏音乐绝对不是奥林匹克比赛。下面将从这两个方面说一些要诀。
柔软和整体运动
这是我认为非常非常重要的一个重点。保持左手的柔软，决定了你的左手能否配合右手创造出音乐。不要以为左手只是按在弦上即可，弦乐器的演奏中，按弦的手的一些非常细微的变化将决定你发出的声音是何等层次的音乐，甚或有没有音乐。需要保持柔软的不止是手指，而是整个左手，从手指的各个关节到手腕再到手臂直至肩膀，甚至到左边的身体。
把最接近指尖的第一关节看作是指尖接触指板的弹性延伸，第二关节则是第一关节的延伸，第三关节是第二关节的延伸，依此类推……同时，将手腕看作是第四关节；需要注意的是：我们的拇指的第三关节在手腕处，与第四关节直接相连。将整个前臂看作是一个手的话，手肘则是第三关节。
这里，我们可以看到一个整体的运动装置——我们的左手。
机械僵直的手带来的是缺少变化和行动不便。音与音之间的变化，亦即音乐本身一些细微的变化，绝对需要左手的柔软动作加以实现。
例如一个滑音：吉他音乐中有两大类滑音：演奏滑音gliss.和表情滑音port.——我们可以在不少近现代的作品中看到。演奏滑音的音响效果是从启音开始就发声，一直延续到目标音；表情滑音则是很多演奏者没有充分理解的。它实际模仿的是人声。我过去曾学过声乐，对这种滑音有很深的体会。我们人发出不同的音高靠的是声带的变Mi之前有个明显的很小的滑向Mi的滑音，这个就是表情滑音。器乐都是从模仿声乐开始的，在这里也不例外。
如果缺少了这种表情滑音，那么我们的演奏听起来就会很机械——即所谓的缺少情感。表情滑音的音响效果是在滑动的过程中发出的，从弱到强，但是个非常短暂的过程，这就要求我们的左手在移动的过程中，从不按下弦逐渐过渡到按下弦；还包括这个过程的速度控制，这绝对不是一个匀速过程，因此就要求我们的整个左手，尤其是手指与手腕保持相当的柔软，一些情况下，这种柔软甚至要扩展到第一关节。
有一些弓弦乐器演奏家，例如我非常欣赏的小提琴家Fernando Suarez Paz(他也是Piazzolla的五人乐团中的小提琴手；Assad兄弟的多张录音中的小提琴手)，他在处理一些语气非常强烈或非常需要歌唱性的乐句时，将旋律中一些重要的音处理成非常短的表情滑音，即演奏c音时，实际演奏比b略高的音，然后滑到c音。
因此，保持左手的柔软，是演奏出音乐，尤其是有线条，有歌唱性，有音乐性的音乐的必要条件。因为音乐本身即是音符间的一些变化，如果没有这些变化，音乐便失去了趣味、感染力和美，也便不是音乐了，而要保持左手的柔软，整体性的运动又是必不可少的。