2022吉他教学——左手按弦时的基本要点

吉他教学课程左手的练习往往是作为重点在剖析，左手的练习程度比右手要高很多。吉他爱好者在练习的过程中，也常被左手疼痛折磨的身心俱疲。左手如此重要，那我们在平时练习中应该怎样做呢?又有哪些地方是在练习时必须注意的?吉他入门者尤其要注意了，下面就为大家介绍两点，按弦时的基本要点。
立起来：是指从手臂、手腕、手背到各指形成一个圆弧后，手指的末关节要尽量以垂直于指板的方向立起来用指尖顶端向下按弦。只要具有基本物理常识的人都很容易理解只有垂直于面板用力时，按弦的力量才有可能最小，最省力。如果末关节不能垂直按弦，不但会用力较大，左手容易疲劳和紧张，还常会把琴弦推向或拉向旁边导致音准偏差。一般来说2、3指很容易做到立起来，1、4指不容易立得很好。而且1、4指由于生理关系常会向内收拢使立起来更加困难，但是也要尽量立起来按弦以高标准要求自己。久而久之会逐渐改善直至完全立起来，请大家勤加练习。人的生理机能的可塑性是很大的，几乎任何一个训练有素的吉他演奏家和吉他手都能各指立得很好。从这些小的细节上也常能看出一个人所受训练和教育的规范及严格程度。
到位：吉他是一件发音技术要求很高的乐器，同时吉他也很容易出现杂音。除了右手技术不正确常会导致音量微弱，音色单薄和大量杂音以外，左手按弦位置不正确也常会产生大量杂音，使本来充满魅力，惹人喜爱的吉他变成令人生厌，噪杂不堪的“噪音乐器”。左手按弦到位是指每一次按弦时都应尽量靠近品柱，但又不要使手指挨到品柱甚至按到品柱上，这样右手才能以最小的力量获得最好的声音。左手按弦不到位往往有两种情形，①手指按到品格正中或更靠上，手指按弦离音品太远会导致琴弦振动时打品或蹭品的杂音;②手指按弦离品柱太近，或按到品柱上，这时即使右手拨弦技术再好，声音也会发闷甚至发不出声来。这两种情形都应尽量避免，在初学阶段就应提高要求，养成严格和精确的按弦习惯。

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2022吉他教学——弹吉他时如何保证左手的放松

历来的吉他教学认为，左手是纯技巧的，很多习琴者看人演奏时多是将注意力集中于左手的指法和动作。我认为，以往的吉他教学是曲解了“技巧”的意思。技巧是为音乐的需要而存在的，脱离了音乐的需要，技巧根本无所适从。
因此，在这里技巧分为“音乐技巧”和“肌体技巧”两种。音乐技巧是为了克服一些由于乐器或手的限制而创造出来的一些处理方式；肌体技巧则是为了完成某些动作而锻炼出的肌体运动能力。注意，虽然我用了“运”一词，但演奏音乐绝对不是奥林匹克比赛。下面将从这两个方面说一些要诀。
柔软和整体运动
这是我认为非常非常重要的一个重点。保持左手的柔软，决定了你的左手能否配合右手创造出音乐。不要以为左手只是按在弦上即可，弦乐器的演奏中，按弦的手的一些非常细微的变化将决定你发出的声音是何等层次的音乐，甚或有没有音乐。需要保持柔软的不止是手指，而是整个左手，从手指的各个关节到手腕再到手臂直至肩膀，甚至到左边的身体。
把最接近指尖的第一关节看作是指尖接触指板的弹性延伸，第二关节则是第一关节的延伸，第三关节是第二关节的延伸，依此类推……同时，将手腕看作是第四关节；需要注意的是：我们的拇指的第三关节在手腕处，与第四关节直接相连。将整个前臂看作是一个手的话，手肘则是第三关节。
这里，我们可以看到一个整体的运动装置——我们的左手。
机械僵直的手带来的是缺少变化和行动不便。音与音之间的变化，亦即音乐本身一些细微的变化，绝对需要左手的柔软动作加以实现。
例如一个滑音：吉他音乐中有两大类滑音：演奏滑音 gliss.和表情滑音 port.——我们可以在不少近现代的作品中看到。演奏滑音的音响效果是从启音开始就发声，一直延续到目标音；表情滑音则是很多演奏者没有充分理解的。它实际模仿的是人声。我过去曾学过声乐，对这种滑音有很深的体会。我们人发出不同的音高靠的是声带的变Mi之前有个明显的很小的滑向Mi的滑音，这个就是表情滑音。器乐都是从模仿声乐开始的，在这里也不例外。
如果缺少了这种表情滑音，那么我们的演奏听起来就会很机械——即所谓的缺少情感。表情滑音的音响效果是在滑动的过程中发出的，从弱到强，但是个非常短暂的过程，这就要求我们的左手在移动的过程中，从不按下弦逐渐过渡到按下弦；还包括这个过程的速度控制，这绝对不是一个匀速过程，因此就要求我们的整个左手，尤其是手指与手腕保持相当的柔软，一些情况下，这种柔软甚至要扩展到第一关节。
有一些弓弦乐器演奏家，例如我非常欣赏的小提琴家 Fernando Suarez Paz(他也是Piazzolla的五人乐团中的小提琴手；Assad兄弟的多张录音中的小提琴手)，他在处理一些语气非常强烈或非常需要歌唱性的乐句时，将旋律中一些重要的音处理成非常短的表情滑音，即演奏c音时，实际演奏比b略高的音，然后滑到c音。
因此，保持左手的柔软，是演奏出音乐，尤其是有线条，有歌唱性，有音乐性的音乐的必要条件。因为音乐本身即是音符间的一些变化，如果没有这些变化，音乐便失去了趣味、感染力和美，也便不是音乐了，而要保持左手的柔软，整体性的运动又是必不可少的。

2022吉他教学——练习吉他时怎样才能避免左手损伤

作为吉他爱好者，尤其是吉他入门者，在兴致高的时候，往往一练就是好几个钟头，特别是在做对左手要求高的练习时，如：大横按等，左手容易劳损。吉他教学课程中也讲过，左手劳损其特征是：左手的手掌酸痛，或手指尖内有隐约的刺痛感。若长此下去而不加以注意的话，轻则影响练习效果，重则手指变形引发炎症。
那么怎样预防手指劳损呢?
1、初学者每次连续练琴时间不要超过一个半小时，等手指有一定随每次练琴时间可再延长。
2、若进行长时间练琴，最好分段进行，或练习一小时后休息十分钟。
3、练琴前后用温水浸泡双手，时间不要过长，以五分钟左右为好。
4、新购的吉他弦应用粗布擦几遍后再使用。
5、正确按弦，力度适中。
6、一旦左手指有酸痛感，应暂停练琴或只练右手。
7、练琴前后对手部的各关节进行有规律的活动，使血液流动加速，防止手指僵硬。

2022吉他教学——手指在拨弦时的运动技巧

吉他与手指肯定是不可分割的，在吉他教学中老师也肯定会对手指的运用进行讲解，不管是作为重点进行详细的剖析，还是一笔带过点到即止，总之都会有所涉猎。其实，手指不论是在拨弦还是按弦时都是有一定技巧的，下面就为大家简单总结下，手指在拨弦时的运动技巧。
那么，如何才能有效地控制手指的运动呢?我这里目前能想到的答案只有‘放松’二字。
首先，我想斗胆提出一个与大家所接受的拨弦方式完全不同的一个概念，即自然拨弦法。在一段时间内我们总是习惯于用‘第三关节发力’和‘第二关节发力’来描述不同的拨弦方式。在我的教学实践中，从来都是避免使用‘发力’这个词，而是尽量用‘运动’去解释，这样做的直接好处是，我们很容易理解‘和钢琴的琴槌与琴弦一样，吉他的音色也直接取决于指甲/指尖与琴弦之间的相对运动’（这里先不考虑拨弦位置和角度的问题）。
现在回到自然拨弦法上来，手指运动的目的是直接获得音色而服务的。而根据前面的分析，手指(指尖)越灵活越能获得丰富的音色，而这灵活可以用手指的相对放松程度加以描述。自然拨弦法正基于此!它强调手指的每一个关节都参与拨弦运动（当然一般指自然运动，即正向弯曲）。这时，我们不再把目光集中在‘哪个关节发力’这一表象，而是直指‘指尖运动的灵活性’这一实质。
自然拨弦法所强调的自然运动，当然是指生物意义上的自然运动。换句话说，它不表示长期打篮球的手指的‘自然运动’或者长期握笔的手指的‘自然运动’这些个性，而是有利于吉他演奏的生物意义上的‘自然运动’，因此它是具有严格规范的‘自然运动’。
伸出一个手指，凭空做一个（无阻力的）拨弦动作，最自然而放松的动作是‘每个关节都正向运动（弯向手内侧）’这就是最符合生理特点的运动。无论你想仅用‘第三关节发力’或‘第二关节发力’都将导致僵化，更何况我们不必自欺欺人地掩饰真正的发力点都来自手腕以上的前臂上的某些肌肉而不是关节。

2022吉他教学——征服左手热身练习解析

相信大家看了很多大师的练习曲和许多的吉他教材,也练习了很多,可是觉得好像,左手(反手吉他手就是右手了)练习多到不知道怎么科学和系统的练习,也没有一个系统而稳定的练习,笔者也看了学多,练了一些,觉得有必要把练习系统起来,好让自己的吉他水平稳定的进步,也在这里跟吉他朋友们分享和交流。
现今这个时代,左手的使用越来越多,仅仅比10年前的那帮练琴的吉他弟兄们,现在这些吉他朋友在左手的灵活上要有一定的优势,为什么这么讲,现在那个年轻人不会在电脑上打字呢?想想当你盲打如飞的时候,你的左手是不是也在灵活的运用呢?当然左手有一定的灵活度,特别是十个手指也有一定的独立性,无论你在电脑上打字有多快,这并不能代表你在吉他上能弹多快,为什么呢?因为吉他是让你来演奏美妙的音乐,而键盘只会咔咔的被敲击,而且那位老兄是开着节拍器打字的呢?还不是想什么打什么,这就使我们左手肌肉运动成为一种定式,这也是我们练习吉他的时候要克服的。
分析了现在的状况，找到不足，那么我们如何来系统训练左手呢？首先要预备一些基本的用具：
节拍器（可以去买，也可以在电脑上用这类软件，Vista的侧边栏里就有免费的软件可以到网上去下载，有四种节拍的声音）
校准器（电脑里也有这样的软件，不过你要另行找到接入电脑的线。一定要记住每次练习前都要准确调琴）
这只是你吉他练习的开始，可以说是真正练习演奏的一个热身练习，单单就是这个热身就有很多要分享的。
第一章 整体的练习观念
我们不是单单的练习左手的灵活和技巧，或是能飞速的弹奏，我们的练习是一个整体音乐的训练。
一．节奏感的培养
这是在左手练习的时候，往往希望重视，又往往常常忽略的一个与练习左手密不可分的重要因素，也是音乐本身不可割舍的元素。很多朋友，可以弹几个精彩的乐句，甚至有相当的难度，可是一到节奏练习上玩不转了，记得去年我们的乐队去录制我们的第一张创作专辑的时候，才发现我们是有一定的技巧可是，节奏感真得需要提高。回来开始认真地练习了。所以基本功的训练，一定比一些花哨的技巧要重要的多，也实际的多。
我们在左手练习的时候，一定，一定要开节拍器。让后按照节奏金字塔来练习一些基本的节奏。
节奏金子塔
全音符
二分音符
四分音符
四分音符三连音
八分音符
八分音符三连音
十六分音符
十六分音符五连音
十六分音符三连音
练习的时候不要过于追求速度，要一个一个的认真弹奏，声音要干净，节奏准确，当这个速度你已经不在犯错误的时候再提升10，相信这样慢慢打好根基，你走的稳，才会跑。
二．听力练习-熟悉吉他的声音
大家往往在练习左手的时候，会忽略的事情就是吉他的声音，就是一味的弹，我自己也常常犯这个错误。要开始有意识加强听力的训练。
1.对吉他直板上的声音要有一个整体的了解，牢牢记住所有把位的声音建议大家用固定调就是C调的音为记忆标准，要不那个声音都可以当dao了，幸运的是吉他指板前12品和后12品是音名完全一样，记忆起来少一半，可是音高就高了八度，每个声音都要认真的记忆，当然不是短时间完成的，但是千里之音始于指下，注重并加强听力训练。
2.培养对音程的感觉
完全一度，小二度，大二度，小三度
大三度，完全四度，增四度，减无度
小六度，大六度，减七度，小七度，大七度，完全八度
体会音程之间的感觉。
我们在左手练习时候会遇见那些音程变化，大家自己练习的时候认真总结归纳，并记录下来。
三．双手的协调性
左手不要过分僵硬，或者用力过大，也许开始的时候老是觉得不使劲按声音就不干净，慢慢来当觉得声音干净的时候就尽可能减少力度，直到是用一种自然放松的感觉在弹奏。
右手的拨弦，用拨片，请注意拨片的正确拿法，还有拨弦的角度等问题，慢速最好和弦平行拨，速度快了在改变角度。
注意两只手配合节奏，当你弹奏到节拍器好像消失，融入到你的弹奏里，说明双手的协调性已经很好了。

2022吉他教学——原声吉他进阶：左手的滑音技巧

滑音按其滑动的方向分有：由低音滑向高音的上滑音；由高音滑向低音的下滑音。按右手的动作来区分，有前一个音要拨，后一个音不要拨的连滑音，和前后两个音都需要弹拨的断滑音。
除少数情况，一般滑音都在同一弦上进行，上滑音和下滑音的奏法相同，但上滑音比下滑音容易发出声。另外，在吉它上，较快的滑音比较慢的滑音的效果好，近距的滑音比远距的滑音效果好。
连滑音的奏法是：左手手指按在弦上用右指弹出第一个音，然后用同一个左指紧贴在面板上，作平滑柔和地移动，到达指定位置。即靠弦的余振把经过音（半音阶式的滑音效果）和最终音发出来。
在连滑音中有一个特殊的情况，就是滑音的两个音之间只相差半度，即小二度关系，在吉它上只相差一个音品。这时滑音的效果是无论如何也听不出来，而和连音效果倒差不多，不过，其奏法仍属于滑音性质。采用这种方法大都是为了运指的方便，因为它等于换了一个把位。
断滑音的奏法是：右手先弹出左指按着的第一个音，然后用这个左指紧贴指板平滑柔和地移动到指定位置，用右指把最终音再弹一下。
奏滑音时左指可不必拘泥于同一个指头，根据需要在滑的过程中可以换指。
换指的方法一般有两种：顺势换指和逆势换指。
顺势换指，即在上行时用下面的手指替换上面的手指，在下行时用下面的手指替换下面的手指。用这种方法不会使滑动的手指超出第二个音符的位置 。具体方法是：按第一个音符的手指按连滑音的方式向第二个音符的位置滑动，在滑到另一个手指能够按到第二个音符的同时，马上把另一个手指按下，按在第二个音符的位置上。
逆势换指，即上行时用上面的手指替换下面的手指，下行时用下面的手指替换上面的手指。这各方法会使滑动的的手指超出第二个音符的位置，因此使用时很有可能一不小心使超出第二个音符的音响了起来。这时正确的方法是：按第一个音符的手指照连滑音的方式向第二个音符的位置滑去，在滑到第二个音符位置的一刹那，手指松开，同时马上把另一个手指按下，按在第二个音符的位置上。
在不同弦上的滑音也可用断滑音奏法奏出，但这种滑音其二者之间的经过音不能全部滑奏出来，而只能滑奏出其中的一部分。如何滑奏这一部分经过音呢？一般认为这一部分经过音放大滑音的前一个音符所在的弦上比较合适，同时经过音的终止端不能有太明显的痕迹，应该让它渐弱，含糊些，以免后一个音符出现时产生一个大跳的感觉。
注意：滑音，特别是换指的断滑音的演奏方法很多，不仅仅局限于为上几种，有些演奏家用自己的独特方法，同样能得到很好的效果。例如有的人在滑音时注重滑音的前一阶段，而让后一阶段逐渐淡化；又如在逆势的换指断滑音中，用前后两个音符所需的两个手指同时按在指板上滑动，在滑动的过程中巧妙的换指，等。总之，要注重效果，特别是换指滑音，不要让人听出换指的痕迹，使滑音自然，贺滑。
双音的滑音方法和单音的滑音方法一样。
注意事项：在需要滑音的两个音符中，滑动过程这部分时间总是占在前一个音符上，而第二个音符总是在拍子上出现。因此，在使用滑音技巧时，就要掌握并处理好这部分时间，既要使前一个音符在时值比重上站得住脚，又要使后一个音符在时值上不受影响。有些学生在滑音时，前一个音符刚一出现，就进入滑音过程；也有些学生为了突出滑音效果，盲目地延长滑音过程，结果适得其反，而且影响了后一音符的出现，造成节奏上的脱拍。这些都是不对的。适当的滑音过程仅占前一音符的很小一部分比例。

2022吉他教学——基本乐理知识——发声练习

声乐艺术是一门技术性和实践性非常强的学科，仅凭理论知识和文学资料去进行学习是非常困难的，它主要是通过正确的发声训练和不断的歌曲演唱来逐步完成的。每位歌唱者必须通过发声练习的途径，掌握科学的歌唱发声的基本方法，使歌声美妙动人。
一、歌唱发声练习的目的和要求
歌唱发声练习的目的，简要地说，就是将歌曲演唱中对声音所需求的各种技术环节，通过有规律、有步骤的发声练习，逐步提高歌唱发声的生理机能，调节各歌唱器官的协作运动，养成良好的歌唱状态，使歌唱发声的技术成为歌唱表现的有力手段，为达到声情并茂的演唱服务。
我们练声的目的是要调整巩固科学的发声状态，把良好的歌唱状态保持到歌唱中去，改变平时生活中自然的发声习惯，使之成为符合歌唱发声的习惯和状态，所以必须明确我们练声的目的，而不是简单的“开开声”而已。
歌唱发声练习要求每个歌唱者首先要了解和熟记歌唱发声器官的生理部位及其功能，掌握歌唱发声的基本原理，全面理解其精神实质，通过反复的练声及歌唱实践来消化和验证其歌唱规律。因此在发声训练过程中应注意以下几点要求：
1）每位歌唱者一定要充分理解和运用气息发声和气息控制的方法（即横隔膜的呼吸方法），因为在整个声乐功能系列中，歌唱呼吸是最重要的一环，是整个歌唱建筑的基础，因此必须明确呼吸的重要性，重视练好歌唱呼吸的基本功。
2）打开喉咙，稳定喉头，是歌唱基本功训练的核心，这是歌唱者声乐技巧能否顺利发展的关键之一，很多歌唱者声音上的毛病，多是由于歌唱时喉头不找开、不稳定造成的，而正确的喉头位置是协调呼吸器官的运动，获得稳定、流畅声音效果的关键。
3）要恰当地运用好歌唱的共鸣，要使声音传得远，充满剧场，且圆润，优美动听，这是要经过专门训练的，对于初学者来说，是比较难掌握的课题。由于共鸣训练常常与其它发声基础要求分不开，因此要求歌唱者通过母音的转换，稳定喉头打开口腔，调节气息等手段，把声音振响在鼻咽腔以上的高位置头腔共鸣点上，来增大音量，扩展音域，美化音色，统一声区，使高、中、低三个声区的声音协调一致，天衣无缝，走动自如灵活。
4）正确的发声要与正确的咬字、吐字相结合。通过字、声结合的练习来提高唇、齿、舌的灵活运动能力，使之更完美而生动地表现歌曲和情感和内容。
5）在歌唱发声时，还要注意对音准、节奏的训练，通过发声练习，逐步掌握连、顿、强、弱等全面的歌唱发声技巧，丰富歌曲的表现手段，增强歌曲演唱能力。
6）在每次练习时，都要保持正确的歌唱姿势，正确的歌唱姿势是进入良好歌唱状态的前提。
7）在练声、唱歌前，一定要摒除一切杂念，稳定情绪，要有非常好的心理状态，要有良好的歌唱欲望，要充满信心、放松自如地进入歌唱状态，否则是唱不好歌的。
8）从开始练声起，就要同音乐结合起来，即练声也要有良好的乐感。音程、音阶一方面是肌肉、音准、气息、共鸣等方面的技术练习，同时它们又都是乐曲的组成部分，要给它们以音乐的活力和生命。因此练声一开始，要求每个歌唱者把音程、音阶、练声乐句也唱得悦耳、动听。以上我们可以领悟到，在歌唱发声的过程中，呼吸、共鸣、吐字、表现缺一不行，它们是相互联系、相互促进、相辅相成的，这就是我们所要求的“整体歌唱”的涵义。
二、歌唱发声练习的步骤
歌唱发声基本功的练习，一般按音域进展的规律，可分为三个阶段进行。
第一阶段以中声区训练为基础，掌握基本的发声方法，调节和锻炼肌肉以适应歌唱技术的需要。无论哪一个声部，都应该从中声区开始训练。练中声区的音相对巩固后再逐步扩大音域，要知道声乐学习要从基础入手，中声区是歌唱嗓音发展的基础，基础必须打得扎实，要记住“欲速则不达”的道理。
第二阶段是中声区的基础上，适当扩展音域，加强气息与共鸣的配合训练，练好过渡声区（即换声区的训练），为进入头声区的训练打好基础。第二阶段的练习是关键的一环，需要花费的时间相对也比较长，但千万要有耐心和信心，不要急于唱高音，要沉得住气，等这段音域巩固后，再进入高声区的练习。
第三阶段即高声区的练习可以在比较巩固上两个阶段的基础上加强音量音高的训练，进一步扩大音域，做较复杂的发声练习，使各声种达到理想的音高范围。这了阶级的练习要特别注意高、中、低三个声区的统一，音的过渡不要发生裂痕和疙瘩，重点是加强头声区的训练，获取高位置的头腔共鸣，从而达到统一声区的目标。这样我们歌唱发声的乐器基本制造完毕，可以唱一般难度较大的歌曲了。
三、歌唱发声练习的起音
发声练习开始的时候，必然会遇到如何起第一个音的问题，我们称它为歌唱时的“起音”或“起声”。歌唱的起声可分为激起声、软起声、舒起声。
1、激起声
是当吸气完毕后，胸腔保持不动，声带先自然闭合，然后，再以恰当的气息冲击声带使之振动发声，这样发出来的声音结实有力，我们在发声训练如顿音、跳音的练习中常常使用，也用这种方法纠正声带漏气的毛病。此时与之相应的呼吸方法往往采用急吸急呼。
2、软起声
软起声是声带在开始闭合的动作时，气息也同时往外送，开声门与气息振动声带同时进行。这种方法气息的冲击力比较“激起声”要柔和，发出的声音比较平稳、舒展。我们发声训练中也常常在练连音和长音中采用，同时也用“软起声”的发音方法来纠正喉音的毛病，与之相应的呼吸方法往往采用缓吸缓呼法。
3、舒起声
舒起声是声门先开，然后气息再振动声带，它的特点是先出气而后发声，像叹气一样。在劳动号子中，常常用到这种起声法。在发声训练中，这种方法可用来纠正声音过于僵硬的毛病，在通俗唱法中使用较多，较口语化。总之，歌唱的起音首先要精神饱满，全身协调，根据不同类型的练声曲例来确定起音的方法，注意起音的音量不要过分强，以舒适的mf或mp音量为合适。
四、歌唱发声练习曲
练习曲的练习，是发声歌唱的重要的基础训练。练声曲可以用各个母音或混合母音或子母音混合音，也可以用音阶的音名１２３４５６７等等来练唱，也可以在练声曲上安排歌词来练习叫带词练习。发声练习过程中，是以声音效果和发声器官肌肉适度的标准去调整发声器官的机能和状态的，每个人的发声器官的构造、嗓音条件、声音类型、发声习惯各不相同，因此，并不是每一种类型的练习都必须唱，而是有计划、有针对性地进行选择练习，而且不同的学习阶段，选择的发声练习也是不同的，但一般情况下，开始的练习总是选择元音和比较平稳的音阶开始练声。一般来说选择“o”或者“u”之类的比较圆润的元音开始着手练习，因为这些元音容易形成需要的空间，比较容易保持喉咙打开的基本状态，也比较容易形成喉咙空间的状态。但这也不是绝对的，唱歌者应根据自己的感觉找到最适合自己的母音来练习。我们在练习中要多动脑子，善于思考，千万不能一个劲地傻唱。
1、“哼鸣”的基本练习
一般在开始练声时，先练练“M”是有益的，因为发这个音容易达到高位置和靠前、明亮、集中的效果。练习哼鸣时首先上下唇自然地闭上、口腔内部要打开，好象闭口打哈欠的感觉，感到声音向高位、额窦、鼻窦处扩展，但切勿把声音堵塞在鼻腔里，否则会发出鼻音。
2、母音的练习
除进行哼鸣练习外，更多地是进行母音的练习，如a，i，o，u，e等单母音练习，也可用混合母音练习如ma，me，mi，mo，mu等等。
3、连音练习
人们常说：“不会连贯就不会歌唱。”歌唱声音的主要表现力就在于声音的连贯优美，只有连贯的声音才能唱出动人的旋律线来。为了使声音有更多的连贯性，可以将练习的音域相对拉宽些，练习也可以随之难度更大些。
4、顿音练习
顿音唱法又称为断音唱法。要求唱得清晰，短促，灵活，富有弹性，集中感强。练习时要注意一字一音的灵活性和一字一音的连贯性。
5、连音和顿音结合的练习
在基本掌握了连音和顿音唱法的基础上，可以加连音、顿音结合在一起的练习，这样有利于歌唱状态的统一，顿音好象是一个“点”，连音像是一条“线”，这样以点带线，便声音的位置统一，并保持气息均匀流畅。
6、保持共鸣位置不变的练习
在“哼鸣”练习中我们已经讲了找共鸣位置最好的办法就是体会“哼鸣”感觉，如果这个共鸣焦点找准了，那么其它所有的音都应该向这个哼鸣位置靠拢，这样才能达到歌唱的高位置，使声音上下统一。
7、声音灵活性的练习
这种练习主要是为了适应歌曲演唱中快速、流动的要求，以达到更积极的身体、喉咙、气息的配合。
8、结合字声练习（带词练习）
要求根据词意富有想象，有意境，有画面，语气有表现，声音有乐感，有感情地去唱。力求做到字准腔圆，以情带声，声情并茂，慢慢地向歌唱歌曲作品过渡。
9、练声注意事项
1）要注意保护好自己的嗓子，适当地练唱，发声练习的时间，初学时20分钟一次为宜，以后逐渐地加至半小时或一小时，坚持每天练习最重要，绝对避免用全音量来练习。大声地乱唱，容易使歌唱器官受损。
2）在没有能力唱高音之前，切勿作高音练习，经常唱一组你最满意的音，选择曲目更要谨慎，不要唱不适合自己的曲目。
3）每次练习应有新鲜感，精神集中，感兴趣地练习。
4）练习时要多用慢的、短的乐句作为最初的练习。
声乐训练特别需要时间，奇迹是没有的。“百分之十的智慧，百分之九十的努力。”

2022吉他教学——教你作曲的基本理论

音乐理论说到底就是作曲理论，一般的吉他爱好者在上吉他教学课的时候，老师是不会讲台仔细的，这方面的知识都是专业的。因过于专业化而不易普及。这里仅就重要内容加以简介，以为自学者提供方便。
一、和声学
和声学是研究多个音共同发声的效果，规律的学问。若将旋律比作“骨”则和 声就是“肉”，只有有了和声，音响才变得丰满、协和、动听。和声学地位非常重 要，可谓是一切音乐理论的基础，许多音乐大师都对和声学作出过杰出的供献。但 和声学内容浩繁、规则很多，不易学好。中篇小说《你别无选择》(刘索拉著，“新 时期争鸣作品”)中的那个教授自称学了八年还没学好，可见难度之大。但掌握和声 学基本常识得益最大，值得一试。这里简单介绍一些重要的基本概念和术语。
（一）三和弦
由根音与上方三度音及上方五度音叠合而成的和弦叫“三和弦”。三和弦是构 成和弦功能的最基本的和弦，用得最多。按结构分，三和弦有“大三和弦”、“小三和弦”和“减三和弦”(只有一个)。按功能则可分为“主和弦”(主音为根音的三和弦)、“属和弦”(属音的三和弦)和“下属和弦”(下属音的三和弦)。此外，每个三和弦又有两个转位和弦。主、属、下属这三个和弦称作“正三和弦”，其余的四个叫作“副三和弦”。这四个副三和弦又分属“属功能”组和“下属功能”组。现将自然音阶的七个音所构成的所有原位三和弦分列如下：
根音 功能 种类 符号
1 主和弦 大三 T(或Ⅰ)
2 二级和弦(下属类) 小三 SⅡ
3 三级和弦(属类) 小三 DⅢ
4 下属和弦 大三 S (或Ⅳ)
5 属和弦 大三 D (或Ⅴ)
6 六级和弦(下属类) 小三 SⅥ
7 七级和弦(属类) 减三 DⅦ
除了DⅦ这个减三和弦外，其余六个三和弦都是协和和弦。
（二）七和弦，九和弦，变和弦
三和弦上再叠加一个三度音(根音的七音)形成的和弦叫作七和弦。七和弦是不协和和弦。最常用的七和弦是“属七和弦”(属和弦形成的七和弦)。重属和弦、减七和弦也时常碰到。若在七和弦上再加上一个三度音(即根音的九音)即为九和弦。九和弦也都是不协和和弦。若和弦中除根音外的某个音不按原规律而变换成另一个 音，这样的和弦叫“变和弦”。九和弦与变和弦的功能色彩比较特殊且不易把握，故应用较少;简单作品中基本不出现。
（三）和声声部
和声一般由“高音”、“中音”、“次中音”和“低音”这四个声部构成。在写和声的谱表里高音部处于最上方，低音部在最下方，中音、次中音部在当中。故常把高音部和低音部这两个声部统称为“外声部”，而中音和次中音声部则叫作“内声部”。高音部一般是主旋律声部;两个内声部主要是配置和声，也常被称作“填充声部”。和声在进行、连接中，内声部要求充实平稳，声部间不许交插。低音部始终是和声中的最低音，决定着根音，故它不仅起着基础作用，而且领导着和声的走向，其作用十分重要。 “四部和声”的写作是作曲的重要技能之一，作品不论大小，均应以此为起点(主旋律确定之后，即着手和声写作)。配器使和声织体具体化。(由于不同的乐器分属不同的声部，故总谱可按和声声部写，也可按乐器分组写：如弦乐声部、铜管乐声部、木管乐声部…)不同作曲家的和声风格往々各异：或富丽堂皇，或雄浑宽厚，或清澈透明。如瓦格纳的作品即以华丽著称。
（四）和声的进行、连接、“解决”
和声在乐曲进程中要不断地转换、变化、中止;各声部也要为此恰当地过渡， 连接。因此这是写和声的基本功。和声进行的基本特点是由“稳定”到“不稳定” 再到“稳定”;由“协和”到“不协和”再到“协和”的交替循环。其功能进行的 图式为：T-S-T，T-D-T 或T-S-D-T。小说《你别无选择》中多次提到的所谓“功能 圈”就是这个意思。该小说中还提到“解决”这个术语。这是指不协和和弦(如七和 弦)在进行，连接中向协和和弦转换的方式，其基本法则是将各声部的音向各自最靠 近的协和音过渡，如 7→1;4→3，等;而协和音保持不变。
（五）关于和声的“力度”
《你别无选择》中的那个叫森森的高材生热衷于模仿贝多芬，但由于贝多芬“力度盖世”而使得他成天在钢琴上乱砸以寻求“力度”。他的一句口头禅是“妈的，力度!”通常力度是指音响强度，用意文表示，如“p”代表“弱”，“f”代表“ 强”，“sf”为“特强”等等。但这里的力度则是另一个概念，否则用脚踩钢琴那 “力度”一定超过贝多芬。小说中的“力度”主要指音响效果的力度，即和声的力 度。和声的力度大概与和弦中包含的泛音系列的谐振频谱有关。因此也就与声部的 数量及音程距离有关。一般说来，小三和弦的力度不如大三和弦;单音程的力度不 及复音程(超过八度的音程)的力度;协和和弦的力度不如不协和和弦(减和弦除外) 。所以森森才“在九和弦再叠加一个七和弦”。
如何学习和声学：
(1)、充分理解基本概念，不必死记规则。和声学规则虽多但限制却少。况且记住 这些“禁条”就不会犯大错，因此应先记“禁忌”。
(2)、坚持做习题。音乐不同于数理化，它无绝对的标准，习题也非一种答案。只有多做多练才会记牢，提高。
(3)、多听名曲。这实际上是最有效的手段。初学者可多听简单，好懂又好听的曲子。
二、曲式学
曲式是指乐曲的结构形式。有“单段体”、“两段体”、“三段体”、“变奏 曲式”“奏鸣曲式”及“回旋曲式”等。各主题乐段用“A，B，…”表示。如“两 段体”的曲式图式是“ AB ”;“段体”的图式是“ ABA”，第三段 A与 第一段基本相同。儿童歌曲多为两段体甚至一段体;通俗歌曲多是三段式。而“圆 舞曲”则常采用回旋曲式。
三、复调
“复调”是相对于“主调”而言。如果只有一个声部担任主题旋律，其它声部仅起衬托作用，这样的音乐叫主调音乐。如果旋律声部不只一个，且各声部横向上彼此具有独立性，纵向上构成和声关系，形成和协的有机整体，则这样的音乐叫作“复调音乐”。复调音乐中，各声部的旋律依主次关系被称作“主旋律”、“副旋律”。主旋律只有一个。复调是重要的作曲技法，应用甚广，其理论基础是和声学。“赋格”是复调曲式之一，巴赫将其技巧发展成熟。
四、对位法
对位是“复调音乐”写作技法之一。它以和声学为理论基础，使各声部既协和又相对独立。如重声合唱(三重唱，四重唱)就是用对位法写的。对位法又有“严格对位”和“模仿对位”之分。俄、德音乐理论家推崇、恪守严格对位。
五、旋律
旋律就是曲调。它是一乐曲区别于它乐曲的根本特征，好似建筑物的风格和韵律。“音素”构成“动机”，动机进一步发展成主题从而形成旋律。具体说来，一 定的“音型”、“节奏型”按特定的节奏节拍规律组合形成旋律。旋律具有视觉性 ：它体现在旋律线(符头的连线)上。早期有些音乐家追求“旋律线的优美”，认为 好的旋律视觉上也应是美的。旋律的创作一靠天才二靠灵感三靠实践。旋律写作的技巧性是很强的，其发展手法多种多样，最为丰富。常用的发展手法有：重复，模进，模仿，紧缩，扩展，变化，对比，变奏等。多数概念的讲解要通过板示和视听。(见音乐欣赏讲座(3))。
六、配器
配器法是管弦乐的写作技法，故又称为“管弦乐法”或“乐器法”。但对于一切乐队的演奏乃至于通俗歌曲的伴奏都离不开配器的运用，因此学一点配器知识很有实用价值。学习配器法是要解决如下问题：各种乐器的发声原理，音色，音量及演奏法等 ·各种乐器间音量上的匹配关系 ·正确地选用乐器以求正确地表现作品的主题及风格。
现假设一个例子：我写了一部小提琴协奏曲。但小提琴手拿到谱子后来找我说：没法拉。我坚信写作没有问题：旋律优美、和声丰满。问题在哪?可能有三。一是分谱的音域不对，上限或下限超出小提琴的音域范围。二是我把三和弦写成三个音，而小提琴最多只能同时拉出两个音，琴手当然没法拉。三是和弦音程过大：如一个音在G弦(四弦)上，而另一个则跑到了A弦(二弦)上。当中隔着一根弦，你让他(她)怎么拉?! 再如，一个乡镇企业发了以后买了一堆洋乐，组成了乐团，排演了节目，遂请专家光临指导。可指挥看后大摇其头，表示爱莫能助。原因是⑴乐器数量不匹配，有些超过大型乐团;⑵不讲配器，搞大齐奏，这是专业乐手也难以办到的。
以上两例失败原因盖出于不懂配器常识。此外，在通俗歌曲伴奏中，若不适当运用配器法也可出现一些问题，如“杂乱无章”，“喧宾夺主”之类。但电声乐器的发音、音色、功能特点及演奏技巧等都与传统乐器迥异，自成体系，故传统配器法基本不适合于纯电声乐队。

2022吉他教学——怎样练习一万小时？

随着畅销书《异类》的流行，“练习一万小时成天才”这个口号现在是尽人皆知。也许仍然有不少人相信那些不世出的天才必有天生的神秘能力，但科学家通过大量的调查研究已经达成共识，那就是所有顶级高手都是练出来的。不但如此，最近几年的科学进展，人们可能第一次拥有了一个关于怎样炼成天才的统一理论。
好消息是除了某些体育项目对天生的身高和体型有特殊要求之外，神秘的天生素质并不存在，也就是说人人都有可能成为顶级高手。早在20多年以前，芝加哥大学的教育学家 Benjamin Bloom 就曾经深入考察过120名从音乐到数学多个领域内的精英人物，发现他们幼年时代没有任何特别之处。后人的研究更证明，在多个领域内，就连智商都跟一个人能不能达到专家水平没关系。
有个匈牙利心理学家很早就相信只要方法得当，任何一个人都可以被训练成任何一个领域内的高手。为了证明这一点，他选择了一个传统上女性不擅长的项目，也就是国际象棋。结果他和妻子把自己的三个女儿都训练成了国际象棋世界大师，这就是著名的波尔加三姐妹。这个实验甚至证明哪怕你不爱好这个领域，也能被训练成这个领域的大师，因为三姐妹中的一个并不怎么喜欢国际象棋。
而坏消息是成为大师需要长时间的苦练。每天练三小时，完成一万小时需要十年时间，但这只是达到世界水平的最低要求。统计表明对音乐家而言，世界级水平要求的训练时间是十五到二十五年。但最关键的并不是练习的时间，而是练习的方法。
天才是怎样炼成的？中国传统思维比较强调一个“苦”字，冬练三九夏练三伏，甚至是头悬梁锥刺股。而近代生活条件越来越好，人们则开始强调一个“爱”字，说兴趣是最好的老师，强调寓教于乐，“哈佛女孩”的家长们纷纷写书，介绍自己的孩子如何一路玩进名校。
很多励志故事和流行的成功学书籍最爱强调的似乎是“顿悟”，认为一个人之所以不成功是因为他没想通，他没有认识到真正的自己！好像一旦一个人顿悟到了真正的自己，他就会非常简单地在本来应该属于自己的领域成为天才人物。一个销售员可能认为真正的自己其实是个小说家，一个医生可能认为真正的自己其实是个画家 — 唯一的问题是他们从来没有写过小说或者画过画 — 但他们认为他们距离“真正的自己”只有一步之遥，一旦尝试了就会爆发天才。
所有这些关于成功学的个人经验和励志故事都不科学。假设一个成功人士做过一百件事，包括参加演讲比赛，衣着有个性，听英文歌曲，最喜欢的颜色是绿色等等，他会非常自得地把这一百件事都写进自传，没准还要加上女朋友的影响。然而其中真正起到决定性作用的可能只有四件事，问题是他和读者都不知道是哪四件。
科学家不信励志故事，他们只相信调查研究。在过去二三十年内，心理学家们系统地调研了各行各业内的从新手，一般专家到世界级大师们的训练方法，包括运动员，音乐家，国际象棋棋手，医生，数学家，有超强记忆力者等等，试图发现其中的共性。他们的研究甚至细致到精确记录一所音乐学院的所有学生每天干的每一件小事，用多少时间做每件事，父母和家庭环境，来比较到底是什么使得那些音乐天才脱颖而出。
现在这项工作已经成熟了。2006年，一本900多页的书，The Cambridge Handbook of Expertise and Expert Performance， 出版。这是“怎样炼成天才”研究的一本里程碑式的学术著作，此书直接引领了后来一系列畅销书的出现，包括格拉德威尔的《异类》，Geoff Colvin 的 Talent is Overrated，和 Daniel Coyle 的 The Talent Code 等等。科学家们不但证明了高手是练出来的，而且通过考察各个领域最好的训练方法的共性，总结了一套统一的练习方法，这就是所谓“刻意练习”（deliberate practice）。
过去多年来，训练方法是不断进步的。比如说作曲，假设一名普通学生使用普通训练方法六年时间能达到的水平，另一个学生使用新的训练方法三年就能达到，那么我们可以说这个新训练方法的“有效指数”是200%。统计表明，莫扎特当时的训练，他的有效指数是130%。而二十世纪的天才也许没有莫扎特有名，但其训练水平都能达到300%到500%！十三世纪的哲学家培根曾经认为任何人都不可能在少于30年之内掌握数学，而现在的学生十几岁的时候已经学到多得多的数学，教学方法进步了。事实上，我们今天在所有领域都比过去做得更好，体育世界纪录被不断打破，艺术家们的技巧也是过去根本无法想象的。
训练方法重要性的另一个体现是“天才”的扎堆出现，比如曾经有一个时期俄罗斯对女子网球，韩国对女子曲棍球，更不必说中国对乒乓球的的绝对优势。更进一步，哪怕你这个国家传统上并不擅长这个项目，只要有一名教练摸索掌握了科学训练法，那么他就可以带出一代绝世高手，比如中国花样滑冰教练姚滨。人们经常感慨中国十多亿人居然找不到11个足球天才 — 如果天才是天生的，那么十多亿人必然足以产生很多天才，但天才是练出来的，而中国缺乏有效的练习环境，人口再多也比不上欧洲小国。
刻意练习
首次提出“刻意练习”这个概念的是佛罗里达大学心理学家 K. Anders Ericsson。这套练习方法的核心假设是，专家级水平是逐渐地练出来的，而有效进步的关键在于找到一系列的小任务让受训者按顺序完成。这些小任务必须是受训者正好不会做，但是又正好可以学习掌握的。完成这种练习要求受训者思想高度集中，这就与那些例行公事或者带娱乐色彩的练习完全不同。“刻意练习”的理论目前已经被广泛接受，我们可以总结一下它的特点。
1. 只在“学习区”练习
科学家们考察花样滑冰运动员的训练，发现在同样的练习时间内，普通的运动员更喜欢练自己早已掌握了的动作，而顶尖运动员则更多地练习各种高难度的跳。普通爱好者打高尔夫球纯粹是为了享受打球的过程，而职业运动员则集中练习在各种极端不舒服的位置打不好打的球。真正的练习不是为了完成运动量，练习的精髓是要持续地做自己做不好的事。
心理学家把人的知识和技能分为层层嵌套的三个圆形区域：最内一层是“舒适区”，是我们已经熟练掌握的各种技能；最外一层是“恐慌区”，是我们暂时无法学会的技能，二者中间则是“学习区”。只有在学习区里面练习，一个人才可能进步。有效的练习任务必须精确的在受训者的“学习区”内进行，具有高度的针对性。在很多情况下这要求必须要有一个好的老师或者教练，从旁观者的角度更能发现我们最需要改进的地方。
只在学习区练习，是一个非常强的要求。一般的学校课堂往往有几十人按照相同的进度学习知识，这种学习是没有针对性的。同样的内容，对某些同学来说是舒适区根本无需再练，而对某些学生则是恐慌区。科学教学必须因材施教，小班学习，甚至是一对一的传授。真正高手训练与其说是老师教学生，不如说是师傅带学徒。
一旦已经学会了某个东西，就不应该继续在上面花时间，应该立即转入下一个难度。长期使用这种方法训练必然事半功倍。2004年的一项研究表明，大学生的学习成绩和他们在学习上投入的总时间没有直接关系，关键是学习方法。
2. 大量重复训练。
从不会到会，秘诀是重复。美国加州有个“害羞诊所”（The Shyness Clinic），专门帮助那些比如说不敢和异性说话的人克服害羞心理。这个诊所的心理学家不相信什么心理暗示疗法，什么童年回忆之类，他们相信练习。他们认为使人害羞的并不是事情本身，而是我们对事情的观点。怎么治疗恐女症？做法是设计各种不同难度的场合进行对话训练。最初是在房间内集体对话，角色扮演。然后是到直接跑到大街上找陌生美女搭讪要求约会。最高难度是有意在公共场合做出使自己难堪的事情，比如去超市把一个西瓜掉在地上摔坏。
这种把不常见的高难度事件重复化的办法正是MBA课程的精髓。在商学院里一个学生每周可能要面对20个真实发生过的商业案例，学生们首先自己研究怎么决策，提出解决方案，最后老师给出实际的结果并作点评。学习商业决策的最好办法不是观察老板每个月做两次决策，而是自己每周做20次模拟的决策。军事学院的模拟战，飞行员在计算机上模拟各种罕见的空中险情，包括丘吉尔对着镜子练习演讲，都是重复训练。
在体育和音乐训练中，比较强调“分块”练习。首先你要把整个动作或者整首曲子过一遍，看专家是怎么做的。然后把它分解为很多小块，一块一块地学习掌握。在这种训练中一定要慢，只有慢下来才能感知技能的内部结构，注意到自己的错误。在美国一所最好的小提琴学校里，甚至有禁止学生把一支曲子连贯地演奏的要求，规定如果别人听出来你拉的是什么曲子，那就说明你没有正确练习。职业的体育训练往往是针对技术动作，而不是比赛本身。一个高水平的美式足球运动员只有1%的时间用于队内比赛，其他都是各种相关的基础训练。
反过来说如果没有这种事先的重复训练，一个人面对不常见的事件往往会不知所措。统计表明工作多年的医生通过读X光片诊断罕见病症的水平反而不如刚毕业的医学院学生 — 因为很少遇到这种病例，而在医学院学到的东西早就忘了。最好的办法其实是定期地让医生们拿过去的旧X光片集中训练，而不是期待在工作中碰到。
3. 持续获得有效的反馈。
传道，授业，解惑，老师和教练最大的用处是什么？也许对一般人来说小学老师最大的作用是激发了他学习的兴趣，教会了他什么东西，曾经有过传道授业解惑。而真正的高手都有很强的自学能力，对他们而言，老师和教练的最重要作用是提供即时的反馈。
一个动作做得好与不好，最好有教练随时指出，本人必须能够随时了解练习结果。看不到结果的练习等于没有练习：如果只是应付了事，你不但不会变好，而且会对好坏不再关心。在某种程度上，刻意练习是以错误为中心的练习。练习者必须建立起对错误的极度敏感，一旦发现自己错了会感到非常不舒服，一直练习到改正为止。
从训练的角度，一个真正好教练是什么样的？John Wooden 是美国最具传奇色彩的大学篮球教练，他曾经率领 UCLA 队在12年内10次获得 NCAA 冠军。为了获得 Wooden 的执教秘诀，两位心理学家曾经全程观察他的训练课，甚至记录下了他给球员的每一条指令。结果统计表明，在记录的2326条指令之中, 6.9%是表扬，6.6%是表示不满，而有75% 是纯粹的信息，也就是做什么动作和怎么做。他最常见的办法是三段论：演示一遍正确动作，表现一遍错误动作，再演示一遍正确动作。
与外行想象的不同，最好的教练从不发表什么激情演说，甚至不讲课，说话从不超过20秒。他们只给学生非常具体的即时反馈。所有训练都事先进行无比详细的计划，甚至包括教运动员怎么系鞋带。他们仿佛有一种诡异的知道学员在想什么的能力，即使是第一次见面能指出学生在技术上最需要什么。他们是绝对的因材施教，源源不断地提供高度具有针对性的具体指导。
获得反馈的最高境界是自己给自己当教练。高手工作的时候会以一个旁观者的角度观察自己，每天都有非常具体的小目标，对自己的错误极其敏感，并不断寻求改进。
4. 精神高度集中。
刻意练习没有“寓教于乐”这个概念。曾经有个著名小提琴家说过，如果你是练习手指，你可以练一整天；可是如果你是练习脑子，你每天能练两个小时就不错了。高手的练习每次最多1到1.5小时，每天最多4到5小时。没人受得了更多。一般女球迷可能认为贝克汉姆那样的球星很可爱，她们可能不知道的是很少有球员能完成贝克汉姆的训练强度，因为太苦了。
科学家们曾经调查研究了一个音乐学院。他们把这里的所有小提琴学生分为好（将来主要是做音乐教师），更好，和最好（将来做演奏家）三个组。这三个组的学生 在很多方面都相同，比如都是从8岁左右开始练习，甚至现在每周的总的音乐相关活动（上课，学习， 练习）时间也相同，都是51个小时。
研究人员发现，所有学生都了解一个道理：真正决定你水平的不是全班一起上的音乐课，而是单独练习：
－ 最好的两个组学生平均每周有24小时的单独练习，而第三个组只有9小时。
－ 他们都认为单独练习是最困难也是最不好玩的活动。
－ 最好的两个组的学生利用上午的晚些时候和下午的早些时候单独练习，这时候他们还很清醒；而第三个组利用下午的晚些时候单独练习，这时候他们已经很困了。
－ 最好的两个组不仅仅练得多，而且睡眠也多。他们午睡也多。
那么是什么因素区分了前两个组呢？是学生的历史练习总时间。到18岁，最好的组中，学会平均总共练习了7410小时，而第二组是 5301小时，第三组 3420小时。第二组的人现在跟最好的组一样努力，可是已经晚了。可见要想成为世界级高手，一定要尽早投入训练，这就是为什么天才音乐家都是从很小的时候就开始苦练了。
人脑的学习原理
现代神经科学和认知科学认为，几乎没有任何技能是人一出生就会的。哪怕是对简单物体的识别，把东西抓取过来这些简单的动作，也是婴儿后天学习的结果。一个人一出生的时候根本不可能预见到将来自己需要什么技能，基因不可能把一切技能都用遗传的方法事先编程，那样的话太浪费大脑的存储空间。最好的办法是不预设任何技能，只提供一个能够学习各种技能的能力，这就是人脑的巧妙之处。基因的做法是先预设一些对刺激的基本反应和感觉，比如看见好吃的东西我们会饿等等。这些基本的反应需要调动的神经较少。但对于更高级别的技能，比如演奏音乐，需要协调调动很多神经，就必须靠后天学习了。
人的任何一个技能，都是大脑内一系列神经纤维传递的电脉冲信号的组合。解剖表明拥有不同技能的人，其大脑的神经结构非常不同，比如出租车司机大脑内识别方向的区域就特别发达。也就是说与计算机不同，人对于技能的掌握是在大脑硬件层次实现的。
而最近有一派科学家认为，髓磷脂是技能训练的关键，它的作用是像胶皮把电线包起来一样，把这些神经纤维给包起来，通过防止电脉冲外泄而使得信号更强，更快，更准确。不管练习什么，我们都是在练习大脑中的髓磷脂，就好像把一堆杂乱无章的电线被排列整齐变成电缆。直到2000年新技术允许科学家直接观察活体大脑内的髓磷脂之后，髓磷脂的作用才被发现，而且一直到2006年才第一次被在学术期刊上说明。科学家认为髓磷脂是脑神经的高速公路，提高信号传递速度，并且可以把延迟时间减少30倍，总共提速3000倍，甚至可以控制速度，想慢就慢。
人脑之中分布着大量“自由的”髓磷脂，它们观测脑神经纤维的信号发射和组合，哪些神经纤维用的越多，它们就过去把这一段线路给包起来，使得线路中的信号传递更快，形成高速公路。这就是为什么练习是如此重要。
髓磷脂理论可以解释很多事情。比如为什么小孩常会犯错？他们的神经系统都在，也知道对错，只是需要时间去建立起来髓磷脂的高速网络。为什么习惯一旦养成不容易改变？因为所谓“习惯”，其实是以神经纤维电缆组合的形式“长”在大脑之中的，髓磷脂一旦把神经包起来，它不会自动散开 — 改变习惯的唯一办法是形成新习惯。为什么年轻人学东西快？因为尽管人的一生之中髓磷脂都在生长，但年轻人生长得最快。最激进的理论则认为人跟猴子的最显著区别不在于脑神经元的多少，而在于人的髓磷脂比猴子多20%！解剖表明，爱因斯坦的大脑中的神经元数量是平均水平，但他拥有更多能够产生髓磷脂的细胞。
谁愿意练习一万小时？
看了钢琴家朗朗的传记之后，可能很多人会怀疑是否真的应该让孩子接受这样的苦练。实际上，顶级运动员都是穷人家的孩子。不练这一万小时，一定成不了高手，但问题是考虑到机遇因素练了这一万小时也未必成功。
这就是兴趣的作用了。如果说有什么成功因素是目前科学家无法用后天训练解释的，那就是兴趣。有的孩子似乎天生就对某一领域感兴趣。感兴趣并不一定说明他能做好，就算不感兴趣只要愿意练，也能练成。兴趣最大的作用是让人愿意在这个领域内苦练。
不论如何，刻意练习是个科学方法，值得我们把它运用到日常工作中去。显然我们平时中做的绝大多数事情都不符合刻意练习的特点，这可能就是为什么大多数人都没能成为世界级高手。天才来自刻意练习。

2022吉他教学——如何攻克大横按？

只要对吉他稍稍了解的人都知道，大横按是吉他入门后继续学习中的一道槛儿。很多琴友吉他入门后，为了克服这个难关花了特别多的时间和精力，有些人成功了技术就进一步提高了，但也有很多人一直克服不了，而且相当大一部分人甚至知难而退彻底放弃了。
很多朋友问过我怎样练好大横按，网上也有很多大横按方面的吉他教学方法，文章的、视频的都有。现在的大部分资料只是一般地讲述了琴的因素和一些技巧按法，但还有一个重要内容是没有说到的，这也使得很多朋友即使看了那些资料也不一定能很快克服大横按。
我认为攻克大横按要从3个方面入手：琴、手指力量、技巧
一、琴
这是首要问题，也是硬件问题，这问题不解决也就不用去按大横按甚至练习吉他了。很多大横按教程也提到过琴弦过高不利于按弦，但到底多高才算呢却没有提到。好的，我在这里将毫无保留说出我的经验。打磨吉他的最高水平就是琴弦要尽可能低而又不打品，在这里我先不说我调节打磨琴的方法，但有一点要提出的是我发现当第一品的琴弦离品丝低于0.5mm时就容易打品了，所以第一品的琴弦品丝距离在0.5-0.8mm就足够了，高了难按，低了打品。
现在又出来一个问题了，怎样去测量那丁点距离？告诉你一个好办法，分别拿一块0.5和0.8厚度的拨片插到第一品的琴弦和品丝之间，如果0.5的夹住了，说明弦高小于0.5，这时琴弦就偏低了，但如果在演奏中不打品，你也不用去理会它了，因为每一把琴情况都不同；如果0.8的拨片夹不住，那说明弦高超过0.8了，那就要考虑对琴进行一定的调节甚至打磨了。理想的情况是0.5的不能夹住，但0.8的能夹住，说明弦高大于0.5而小于0.8mm。
我是强烈建议大家买一把标准民谣吉他来练习的，在之前写的很多教程里也充分说明了原因。当然有些朋友由于经济问题或者抱着先花一两百块随便买一把试一试的心理而买把练习琴，用练习琴练习也无妨，但最好要找个懂得的人调节打磨一下。音色先不管，至少要保证练习的手感要好。
二、手指的力量
按弦的手指没有一定的力量基础，即使有再高的技巧也是白搭，这也是我反对一些小孩年龄过小学习吉他的原因。好的，现在又出来的问题就是手指的力量如何训练增强了？多练习当然可以慢慢增强手指力量，但平时也应该有专项训练的。在这里我说说几种方法，大家也可以多去想想还可以使用什么方法。
1、使用专门的手指力量训练器，达达里奥专门出了一款手指力量训练器的，但是稍贵需要一百多块，另外还可以到健身器材店购买那种练握力的健身圈，才几块钱一个，效果也不错的；
2、利用你的琴，手指按在琴弦上，大拇指按在琴颈上，然后把琴倒过来提着，看你能够坚持多长时间。这种方法也是我常用的方法，切记的一点是掌心要离开琴颈，用力的只是几个手指，按弦的手指一定要垂直琴弦。刚开始可以4个手指一起按着琴弦，力量大了就可以单个手指来练习，慢慢延长坚持的时间。练习一个月后你会惊奇发现你的手指力量比以前增强了很多的。

2022吉他教学——学吉他时必须练习的手指操

由于还没有真正的吉他入门，平时我在练习吉他时花的时间比较长，因为这个时候的我积极性最高，在上完吉他教学课程后总会自己脸上好几个小时，这样对手指的要求会比较高，有时手指真的很痛。下面这个操就可以避免手指损伤，让你在练习的过程中可以完全放心，全身心的投入。
吉他手指操一：
1、放松 弹完一首曲子就把手放下来放松一下，以免手指变僵硬。
2、扩指 左手5指伸开，右手5指并拢伸直（类似“7”的手势表示的手型），在左手的每两个指中间往开撑，注意要适度，不要过了也不要撑的不够。需要注意的是左手的5指是以弯曲的形式伸开，因为弹琴是手是弯曲按弦的而不是伸直按弦。
3、压指 右手从左手手指处向上按压，使左手手指和手掌背尽量垂直。同样不要过了，压断了不要找我.
4、当然用一些练习也可以达到效果：
⑴顿音练习 右手在拨弦的同时左手松开但附在弦上，练习手指的控制力；
⑵打音练习 敲到弦的动作是瞬间发力，打完后也是附在弦上；
⑶扩指练习 分横向和纵向，能有效的提高手指的柔韧性和活动范围，效果很好。
吉他手指操二：
其实弹吉他对手指长短粗细的要求并不高，但对灵活性要求很高，我曾进看见过一种手指操，练左手的是：
第一节：把右手拇食指放于左手拇食指之间，用右手拇指第一指节向外推左手拇指第一指节，右手食指第二指节向外推左手食指第二指节，就像给左手手指劈叉！
第二节：将右手拇指、食指放于左手食指、中指之间，右手拇指第一指节轻压左手食指第二指节，食指指尖推中指指尖，同时向外用力，嘴里喊1.2.3，第三，四节是依次换左手手指，方法同！
练右手的是：预备动作：左手放松手指轻拢，右手拇指盯住左手掌心，手指并排放于左手手背中央,
第一节：右手食指不动，其他手指抬起。然后，其他手指放下，食指抬起，反复进行。嘴里默数
123。然后再中指抬起，其他手指放下，其他手指放下，中指抬起，反复进行嘴里默数123.其他的手指依次进行
第二节：右手抬起食指，中指。其他手指不动。然后放下其他手指，食指，中指抬起。反复进行。嘴里默数123。多次后，换抬食指，无名指，其他手指不动。然后其他手指抬起，食指，无名指放下。反复多次，再换该手指操简单，容易，对手指的力量，灵活性都有帮助。

2022吉他教学——如何学好扫弦？

对很多才吉他入门不久的新手而言，扫弦是项很难精通的技巧，需要时间去慢慢进步。初学者吉他入门后，往往扫弦节奏单调，音色不均匀，加上姿势丑，所以不愿意继续练习，而是陶醉在自己觉得还不错的分解和弦里面，孰不知扫弦在他内心已经成为永久的痛。每当他看到高手扫弦弹唱时，那阵阵悠扬的声音让他很不是滋味，于是又决心再练，结果却还是无法进步。
扫弦主要是两方面，一个是音色，一个是节奏：
音色要均匀清亮是件很难做的事。我自己也做不到。那天我在琴行听见老师在扫弦时发出的声音，简直就像细沙在丝绸上刮过！扫弦是极具魅力的，除了潇洒，还有那音色。我一直认为钢琴是水晶的声音，古典吉他是泉水的声音，而好的民谣吉他就是丝竹的声音，很有东方色彩。我好象扯远了。好，言归正传，我讲讲自己摸索的一些方法(具体手型就不讲了)：
1、音色如果太硬可以调整食指指甲接触弦的面积，面积越大，音越柔和。
2、扫的时候要干脆，接触弦的时间不能长。
3、手放松，就像在甩手一样。
4、左手和弦要按紧，不然会有杂音。
5、边扫边调整右手的角度，达到最佳效果。
6、坐姿端正，全身不要紧绷，扫的时候整体上觉得自己很潇洒。(可照着镜子练)
7、左手可用制音的方法，即轻压和弦，右手扫闷音，也能听出是否均匀。
再说节奏。关键是情感。把握了情感你也就能控制节奏！
1、照谱扫弦的时候，不要全部按它写的弹，就是说不要它说上就上，它说下就下，你自己凭感觉去扫，书只有参考作用。
2、不要一味扫六根弦，要学会时上时下。对初学者来说，这主要是由音的高低决定的。
3、脚踩拍子，从最简单的节奏型扫起。
4、听MP3的时候，注意架子鼓的节奏，很有启发性。比如在高潮快来的时候，可学着到5、6弦反复向下急扫来衬托气势。
5、学着边扫边加入一些单音或和弦，这在使用拨片时更重要。也要学着加入一些大拇指和食指的琶音。
6、多看高手扫弦，偷学他们的技巧。

2022吉他教学——弹奏时如何做到放松？

对于吉他入门的初学者，登台献唱是件十分老火的事情。因为种种原因，初学者在献唱时往往紧张到不行，不仅影响演出效果，甚至严重打击才吉他入门的初学者的信心。放松是每个演奏者都企望具备的能力，如果能轻松自如的上台表现，便再也不必每次下台之后用抱歉的眼神，求取听众的同情了。
那么到底“放松”是什么呢？是否只是只能意会，不可言传的感觉？或者只是少数人得天独厚，天生的才赋？还是每个人都可藉由学习获得的能力？从字义中，我们很可能作这样的联想：大概放松就是松掉肌肉的力量，使整个人变得松软无力吧！但这并不是我们弹吉他所要的放松。或者有的认为藉由某种呼吸的方法，使肌肉的效能达到更高的层次，但这也不是练习放松的正确途径。那么到底弹吉他所指的放松是什么呢？
演奏乐器的“放松”是指正确的选择动作和每个动作都是在有意识之下完成的，所以该用多少力量去按弦、弹弦，便用多少，绝不会浪费一分力气。以左手来说，大部份的人弹吉他用的是虎口和手指的力量，拇指为了对抗指板上其它四指的力量，虎口必须持续不断的用力。如此光靠手指和虎口少数的肌肉要完成整场一个小时的演奏会曲目，结果注定是要痛苦地失败。
因此左手正确地按弦时，虎口和左手拇指是完全不用力的（除了封闭按法需要用到一点虎口的力量之外），因为手指只是被动的角色，随时在休息状态中，左手真正按弦的主角是手腕和手臂；藉由调整手腕的弯曲程度及手臂外伸拉回的动作，把手指放在指板上的正确位置，因此各种手型的正确使用是获得左手放松技巧训练的开端。从基本的纵向手型、横向手型，到进阶的各种综合手型，介于纵向和横向的手型)是征服指板的重要课题。
移把位的技巧亦是由手腕和手臂将手指带离原来的位置，在瞬间使手指到达新的位置。移把位的方法共有三种，依学习的次序为：替换、移位、跳跃，也是需要每天集中注意力，去练习如何正确使用自己的手腕手臂。
记得刚开始学习改变按弦的方式时，一直很不适应且不得要领，一次和老师上课时，他看我努力了半天，表情十分苦恼，便跟我开开玩笑：我是你的老师，而你是你的手腕、手臂的老师，想想办法教他们变聪明吧!
目前常看到年轻的一辈，标榜着用140的速度在练音阶，这是个相当令人担心的事。音阶的真正练习价值不是速度，而是在熟悉指板上不同区间、不同弦，该如何正确地呈现手型及移把位之动作。
唯有从慢速度开始练习，让每个动作，每个声音都在头脑专注下，正确地完成，才能逐渐让左手在指板上自由运动；而速度的获得，不必刻意的追求，有一天它自然会像熟透的苹果般落下，所以正确才是练习放松的目的，速度只是练习下的附产品而已。
我的吉他老师曾说过这样的话：左手只是个工人，而右手是个艺术家!根据个人的经验，以正确的方法和目标专注练习的话，大约只要半年到一年的时间，应该可以完成左手的放松技巧。而右手随着音乐性的成长，却要终其一生不断地去探索它的可能性。
基本上右手的技巧只有两种：基本的勾弦法，和加入固定法之后各种千变万化的触弦法。而学习右手的技巧，必须要有一付好耳朵，否则这些细微的变化，很难用文字去解释。所谓的fijacíon是根据音乐不同表情的需要，而加入不同的肌肉和关节，使之结合为一个整体的弹奏群组；例如，须要弹奏fff强音的和弦齐奏时，只靠手指的力量去勾弦，是无法让吉他达到力度的要求，此时如果将ami三指合并成一个群组，运用手臂和手腕的力量带动整个群组来弹，便可以很轻松地作出强音的要求。
再者，当主弦律在低音部，如大提琴般歌唱，而上声部同时有和声伴奏的情况下；此时音乐上力度的层次应以低音为主，而上声部伴奏居于次要的地位。右手为了区分出不同的声部，可以转动手腕趋向自己，使伸直的大拇指得到最佳的触弦位置，而让其它手指的触弦深度变得较浅，如此改变手腕角度即可很轻松而且清楚地区分出不同声部，也是右手常使用的技巧之一。

2022吉他教学——扫弦的技巧和扫弦时应注意的诸多问题

小弟不才，是个尚未吉他入门的爱好者，看了很多歌手在台上弹唱时，扫弦的时候比较多，而且个人觉得扫弦比较帅气一点。至于演奏家们在看着吉他谱演奏时，也有很多扫弦的动作，一时间我便喜欢上了扫弦。
有网友说为什么我买的书和网站上的教程，都没有详细说明右手技巧的方法。我觉得相较于分解，扫弦应该更为难一些，但它却很难以语言来正确说明，需要自己刻苦去摸索和苦练，才能慢慢体会，这好比你看见别人游泳或骑车，即使你看了一百遍，然后自己下水去游，也不可能马上就会，显然这需要慢慢练习才行。当然有了理论上的东西，再结合自己的亲身实践，自然起到事半功倍的效果。
吉他门派众多，雅俗共赏，所以它能风靡世界，吉他那变化莫测、震撼人心的扫弦技法，这种独特优势令从多乐器包括钢琴在内在伴奏方面望尘莫及。要想成为一名优秀的右他手显然不可忽视扫弦的学习。在这里主要谈用手指扫弦的技巧。
一、手指扫弦一般采用两种手法：
①大拇指扫弦，手指自然伸展，略呈弧形，所有反弦动作都用大拇指完成，这种手法扫弦声音丰满，整体性好，缺点是一来一回音色不够统一且亮度较差。
②拇指与食指交叉成“十字”，其余手指呈飞鸟状伸开(自然并拢也可)，下击时用食指指甲背，上击时用拇指指甲背。这种扫弦声音清脆明亮、音色统一，缺点是声音略显单薄。
二、扫弦除了要把节奏扫准外，音色的优劣也是衡量一个吉他手水平高低的重要标准，吉他爱好者扫弦时爱犯的毛病主要有两个：
①声音支离破碎，音色混浊，一来一回音色差别很大，特别是往上回弦时第一弦声音特别突出，给人突兀的感觉。
②扫弦时右手手指没吃住弦或吃弦不够，声音轻浮，缺乏张力。
三、正确的扫弦非常讲究统一性、协调性，手臂、手腕、手指的触弦角度、触弦轨迹、触弦深浅都直接影响了扫弦的音色。优美的扫弦需要以上各项都达到最佳状态。
①扫弦时，右手的运动要以手腕为主，右手小臂因为手腕的挥动而被带动。手腕一定要放松，但又应该有一定的控制，这是一个难点。各位要反复对着镜子甩动手去感觉。直到你的手腕姿式很潇洒，松弛而有弹性，而且又控制得很好，即为合格。
②手指指背与弦接触的角度也很重要，这不应是直角，而是一个60度左右的锐角。形象地说，向下出弦时食指指甲(或大拇指肉垫)稍微向里让一让，向上击弦时大拇指指甲也稍微往里让一让，“让”的目的是显了保证让指甲背而不是指甲尖去触弦。
③手指指甲背扫弦的轨迹应是弧形的，绝非直上直下。向下出弦时手指朝琴头方向画圈，向上出弦时手指朝琴码方向画圈。
④手指与弦接触的深浅对音色影响也很大。触弦过深手指容易绊在某根弦上导致声音的破碎，过浅会吃不住弦，声音便轻浮而缺乏张力。
⑤切记，和弦的音响效果应是整体的，扫弦的感觉应是“一片一片”而非“一根一根”的。这需要多动脑筋、多练习。

2022吉他教学——揉弦技巧的练习方式

很多大师在吉他教学视频中，常常用到的一个技巧“揉弦”，我个人觉得非常帅气，不仅动作漂亮，弹出来的音也有一种悠远的美感，下面就将揉弦的练习方式告诉给大家，与大家共同学习，共同进步。
揉弦的音程差在学习了揉弦的基础以后，我们学习一下揉弦的效果。我们先前提到过，揉弦的表现方法无限大，这其中就包括揉弦的音程差。也就是揉弦动作的“深”与“浅”的问题。练习1中，我们用半音进行演奏。现在大家可以试着用全音，有力气的人还可以用短3度来练习。练习2是一个8分音符的推弦与下拉的练习。我们还可以用16分音符和3连音来练习。这条练习如果熟练了以后，就会对音程和速度的控制能力提高很多。
食指揉弦
作为一名吉他手，在具有一些演奏经验以后，会发现所有揉弦都使用无名指的话，音色会非常单一。这时，大家会想到用中指或食指代替无名指，但这就是揉弦的一大难关。因为食指的指尖比较细，不容易用力。所以用食指揉弦时，要将手指稍稍放平，手指根部作为在琴颈上的支撑点，其余的手指做钟摆式运动。这样才会演奏出生动的揉弦。特别是小指的摆动幅度和摆动速度都影响到揉弦的效果。下面，我们用食指揉弦来演奏一下练习3。
推揉弦
我们刚才说过的揉弦都是将琴弦向上推，发出比较明快的声音。然而，如果需要表现悲伤的情绪时，我们就需要掌握推揉弦技巧。推揉弦顾名思义就是将弦上推以后再揉弦。也就是将推起的弦不恢复原位，在推起的位置附近揉弦。推揉弦是以一个全音为基准，在一个全音附近进行揉弦。但是如果你揉弦的幅度太大的话，反而表现不出悲伤的情绪，这也是揉弦的奥妙所在。
要强调的是，推弦以后立刻揉弦的话，推弦本身的音程也会变得不稳定。在推弦的音程稳定以后再揉弦的效果会更加明确。
在推弦后推揉弦和滑弦后揉弦这两种技巧的组合。在演奏中，尽量体会两种技巧的区别。