声乐艺术是一门技术性和实践性非常强的学科，仅凭理论知识和文学资料去进行学习是非常困难的，它主要是通过正确的发声训练和不断的歌曲演唱来逐步完成的。每位歌唱者必须通过发声练习的途径，掌握科学的歌唱发声的基本方法，使歌声美妙动人。
一、歌唱发声练习的目的和要求
歌唱发声练习的目的，简要地说，就是将歌曲演唱中对声音所需求的各种技术环节，通过有规律、有步骤的发声练习，逐步提高歌唱发声的生理机能，调节各歌唱器官的协作运动，养成良好的歌唱状态，使歌唱发声的技术成为歌唱表现的有力手段，为达到声情并茂的演唱服务。
我们练声的目的是要调整巩固科学的发声状态，把良好的歌唱状态保持到歌唱中去，改变平时生活中自然的发声习惯，使之成为符合歌唱发声的习惯和状态，所以必须明确我们练声的目的，而不是简单的“开开声”而已。
歌唱发声练习要求每个歌唱者首先要了解和熟记歌唱发声器官的生理部位及其功能，掌握歌唱发声的基本原理，全面理解其精神实质，通过反复的练声及歌唱实践来消化和验证其歌唱规律。因此在发声训练过程中应注意以下几点要求：
1）每位歌唱者一定要充分理解和运用气息发声和气息控制的方法（即横隔膜的呼吸方法），因为在整个声乐功能系列中，歌唱呼吸是最重要的一环，是整个歌唱建筑的基础，因此必须明确呼吸的重要性，重视练好歌唱呼吸的基本功。
2）打开喉咙，稳定喉头，是歌唱基本功训练的核心，这是歌唱者声乐技巧能否顺利发展的关键之一，很多歌唱者声音上的毛病，多是由于歌唱时喉头不找开、不稳定造成的，而正确的喉头位置是协调呼吸器官的运动，获得稳定、流畅声音效果的关键。
3）要恰当地运用好歌唱的共鸣，要使声音传得远，充满剧场，且圆润，优美动听，这是要经过专门训练的，对于初学者来说，是比较难掌握的课题。由于共鸣训练常常与其它发声基础要求分不开，因此要求歌唱者通过母音的转换，稳定喉头打开口腔，调节气息等手段，把声音振响在鼻咽腔以上的高位置头腔共鸣点上，来增大音量，扩展音域，美化音色，统一声区，使高、中、低三个声区的声音协调一致，天衣无缝，走动自如灵活。
4）正确的发声要与正确的咬字、吐字相结合。通过字、声结合的练习来提高唇、齿、舌的灵活运动能力，使之更完美而生动地表现歌曲和情感和内容。
5）在歌唱发声时，还要注意对音准、节奏的训练，通过发声练习，逐步掌握连、顿、强、弱等全面的歌唱发声技巧，丰富歌曲的表现手段，增强歌曲演唱能力。
6）在每次练习时，都要保持正确的歌唱姿势，正确的歌唱姿势是进入良好歌唱状态的前提。
7）在练声、唱歌前，一定要摒除一切杂念，稳定情绪，要有非常好的心理状态，要有良好的歌唱欲望，要充满信心、放松自如地进入歌唱状态，否则是唱不好歌的。
8）从开始练声起，就要同音乐结合起来，即练声也要有良好的乐感。音程、音阶一方面是肌肉、音准、气息、共鸣等方面的技术练习，同时它们又都是乐曲的组成部分，要给它们以音乐的活力和生命。因此练声一开始，要求每个歌唱者把音程、音阶、练声乐句也唱得悦耳、动听。以上我们可以领悟到，在歌唱发声的过程中，呼吸、共鸣、吐字、表现缺一不行，它们是相互联系、相互促进、相辅相成的，这就是我们所要求的“整体歌唱”的涵义。
二、歌唱发声练习的步骤
歌唱发声基本功的练习，一般按音域进展的规律，可分为三个阶段进行。
第一阶段以中声区训练为基础，掌握基本的发声方法，调节和锻炼肌肉以适应歌唱技术的需要。无论哪一个声部，都应该从中声区开始训练。练中声区的音相对巩固后再逐步扩大音域，要知道声乐学习要从基础入手，中声区是歌唱嗓音发展的基础，基础必须打得扎实，要记住“欲速则不达”的道理。
第二阶段是中声区的基础上，适当扩展音域，加强气息与共鸣的配合训练，练好过渡声区（即换声区的训练），为进入头声区的训练打好基础。第二阶段的练习是关键的一环，需要花费的时间相对也比较长，但千万要有耐心和信心，不要急于唱高音，要沉得住气，等这段音域巩固后，再进入高声区的练习。
第三阶段即高声区的练习可以在比较巩固上两个阶段的基础上加强音量音高的训练，进一步扩大音域，做较复杂的发声练习，使各声种达到理想的音高范围。这了阶级的练习要特别注意高、中、低三个声区的统一，音的过渡不要发生裂痕和疙瘩，重点是加强头声区的训练，获取高位置的头腔共鸣，从而达到统一声区的目标。这样我们歌唱发声的乐器基本制造完毕，可以唱一般难度较大的歌曲了。
三、歌唱发声练习的起音
发声练习开始的时候，必然会遇到如何起第一个音的问题，我们称它为歌唱时的“起音”或“起声”。歌唱的起声可分为激起声、软起声、舒起声。
1、激起声
是当吸气完毕后，胸腔保持不动，声带先自然闭合，然后，再以恰当的气息冲击声带使之振动发声，这样发出来的声音结实有力，我们在发声训练如顿音、跳音的练习中常常使用，也用这种方法纠正声带漏气的毛病。此时与之相应的呼吸方法往往采用急吸急呼。
2、软起声
软起声是声带在开始闭合的动作时，气息也同时往外送，开声门与气息振动声带同时进行。这种方法气息的冲击力比较“激起声”要柔和，发出的声音比较平稳、舒展。我们发声训练中也常常在练连音和长音中采用，同时也用“软起声”的发音方法来纠正喉音的毛病，与之相应的呼吸方法往往采用缓吸缓呼法。
3、舒起声
舒起声是声门先开，然后气息再振动声带，它的特点是先出气而后发声，像叹气一样。在劳动号子中，常常用到这种起声法。在发声训练中，这种方法可用来纠正声音过于僵硬的毛病，在通俗唱法中使用较多，较口语化。总之，歌唱的起音首先要精神饱满，全身协调，根据不同类型的练声曲例来确定起音的方法，注意起音的音量不要过分强，以舒适的mf或mp音量为合适。
四、歌唱发声练习曲
练习曲的练习，是发声歌唱的重要的基础训练。练声曲可以用各个母音或混合母音或子母音混合音，也可以用音阶的音名１２３４５６７等等来练唱，也可以在练声曲上安排歌词来练习叫带词练习。发声练习过程中，是以声音效果和发声器官肌肉适度的标准去调整发声器官的机能和状态的，每个人的发声器官的构造、嗓音条件、声音类型、发声习惯各不相同，因此，并不是每一种类型的练习都必须唱，而是有计划、有针对性地进行选择练习，而且不同的学习阶段，选择的发声练习也是不同的，但一般情况下，开始的练习总是选择元音和比较平稳的音阶开始练声。一般来说选择“o”或者“u”之类的比较圆润的元音开始着手练习，因为这些元音容易形成需要的空间，比较容易保持喉咙打开的基本状态，也比较容易形成喉咙空间的状态。但这也不是绝对的，唱歌者应根据自己的感觉找到最适合自己的母音来练习。我们在练习中要多动脑子，善于思考，千万不能一个劲地傻唱。
1、“哼鸣”的基本练习
一般在开始练声时，先练练“M”是有益的，因为发这个音容易达到高位置和靠前、明亮、集中的效果。练习哼鸣时首先上下唇自然地闭上、口腔内部要打开，好象闭口打哈欠的感觉，感到声音向高位、额窦、鼻窦处扩展，但切勿把声音堵塞在鼻腔里，否则会发出鼻音。
2、母音的练习
除进行哼鸣练习外，更多地是进行母音的练习，如a，i，o，u，e等单母音练习，也可用混合母音练习如ma，me，mi，mo，mu等等。
3、连音练习
人们常说：“不会连贯就不会歌唱。”歌唱声音的主要表现力就在于声音的连贯优美，只有连贯的声音才能唱出动人的旋律线来。为了使声音有更多的连贯性，可以将练习的音域相对拉宽些，练习也可以随之难度更大些。
4、顿音练习
顿音唱法又称为断音唱法。要求唱得清晰，短促，灵活，富有弹性，集中感强。练习时要注意一字一音的灵活性和一字一音的连贯性。
5、连音和顿音结合的练习
在基本掌握了连音和顿音唱法的基础上，可以加连音、顿音结合在一起的练习，这样有利于歌唱状态的统一，顿音好象是一个“点”，连音像是一条“线”，这样以点带线，便声音的位置统一，并保持气息均匀流畅。
6、保持共鸣位置不变的练习
在“哼鸣”练习中我们已经讲了找共鸣位置最好的办法就是体会“哼鸣”感觉，如果这个共鸣焦点找准了，那么其它所有的音都应该向这个哼鸣位置靠拢，这样才能达到歌唱的高位置，使声音上下统一。
7、声音灵活性的练习
这种练习主要是为了适应歌曲演唱中快速、流动的要求，以达到更积极的身体、喉咙、气息的配合。
8、结合字声练习（带词练习）
要求根据词意富有想象，有意境，有画面，语气有表现，声音有乐感，有感情地去唱。力求做到字准腔圆，以情带声，声情并茂，慢慢地向歌唱歌曲作品过渡。
9、练声注意事项
1）要注意保护好自己的嗓子，适当地练唱，发声练习的时间，初学时20分钟一次为宜，以后逐渐地加至半小时或一小时，坚持每天练习最重要，绝对避免用全音量来练习。大声地乱唱，容易使歌唱器官受损。
2）在没有能力唱高音之前，切勿作高音练习，经常唱一组你最满意的音，选择曲目更要谨慎，不要唱不适合自己的曲目。
3）每次练习应有新鲜感，精神集中，感兴趣地练习。
4）练习时要多用慢的、短的乐句作为最初的练习。
声乐训练特别需要时间，奇迹是没有的。“百分之十的智慧，百分之九十的努力。”
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2022吉他教学——基本乐理知识——如何为词谱曲？
说到作曲，那是一门很高的学问。世界之所以没有出现两首相同的曲子是因为每个作曲家都不尽相同！因为他们的性格、审美观、生活阅历、时代背景和作曲风格的各异使音乐绎放出五彩缤纷的魅力。
这里我只是跟大家浅谈一下，我们拿到一首好的词（或诗歌）后如果为词谱曲，为美妙的诗韵写上优美的旋律！
1、读词，领会词义和思想感情
我们先把词读几遍，从中体会词意的思想感情。（词的情感也就是曲的情感）同时我们也在词的情感间确立了歌曲的调性（比如大小调等）和音乐风格。
2、分析词的结构（词的结构划分决定曲的曲式结构）同时在词句中划分节奏。
说到词的节奏划分也就是为词设计节奏。这一点是要靠我们平时多练、多研究、积累了经验后，我们才能设计得更好。
3、设计音乐主题
音乐主题是音乐的呈现部分。在大型的乐曲里，有时是一个乐段都是音乐主题。而在我们的流行歌曲里面，一般歌曲的前一个乐句作为歌曲的主题！音乐主题就像一颗种子，它的好坏优劣决定着它是否能成长成大树。所以一首好的歌曲都是一个好的主题发展出来的！所以写好音乐主题很关键！一定要力求精辟！
4、发展主题完成音乐
我们设计好了音乐主题后，我们就根据这个主题去发展，最后成为一首完整的音乐！那我们如果去发展呢！
在作曲的基本法里有（起、承、转、合）
所谓“起”就是我们所说的呈现的音乐主题
所谓“承”就是承接的意思，也就是说，歌曲的第二乐句承接了（“起”就是主题的乐句）在作曲技术上称为（重复）有时是变化重复。重复手法是作曲技法里最主要的发展手法，这也是比较常用的一种手法。
所谓“转”也就是转变，它的乐句和前两个乐句产生了强大的对比，曲风的变化使人耳目一新，从而使原来的主题乐句扩大了发展的空间，使音乐不断向前发展！这就是（对比法）也是常用的手法之一，（它的对比是，跟前两乐句间，节节奏的对比，音乐高的对比等等）其实音乐就是在不断地重复和对比中进行的。即有冲突又有统一。
所谓“合”就是合在一块，也就是概括总结的意思！这一句总结了前三句的曲风！它的做法是：有时是再现了“承”的部分（让人加深对主题曲的印象）、有时是把“承”和“转”设计合在一起成为“合”使歌曲完整统一。
（起、承、转、合）作为作曲的基本法，指导着音乐的创作与发展！它不但是乐句与乐句间的发展手法，同时也是乐段与乐段间甚至是乐章与乐章间的发展手法！
2022吉他教学——基本乐理知识之呼吸问题纠正方法
（一）漏气
吸气后，控制气息的能力较差，往往在出声前气漏掉，或气声同时呼出，造成“沙音”或气不够用。纠正的方法：加强气息控制，加强咬字，避免漏气。
（二）用通常说话的呼吸唱歌
这是“白声”、“喊声”、“憋唱”的根。这种唱法，遇到困难的乐句或高音区，喉部、咽部及颈部肌肉就会用力帮忙，而出现脖粗脸红的紧张状态。
纠正的方法：加强锻炼，控制气息的能力，把劲下移两肋和腹肌，不要追求音量，可用小声闭口哼唱寻找混合共鸣，避开紧张。
（三）呼吸量小而不积极
表现为声音虚弱、漂浮、过分单薄、细、没有共鸣等。喉部用力时则表现“咩咩声”。
纠正的方法：加强“吸气”的深度，控制“呼气”时（即加强收腹提气的力量与吸气控制力量的对抗，）体会气声结合，声音的结实变化，理解气息的作用，必要时，专门训练大音量的方法，锻炼“呼气”的力量。
（四）呼吸“僵”
原因是控制呼吸的力量和动作死板，如：控制呼吸力量过大，肌肉失去弹性，不能灵活的适应歌曲旋律的变化，通常表现为只能延长音程跳动不大的连贯性曲调，不能唱节奏性强，速度轻快，音程跳动较大的旋律，或虽然能唱，但不能突出，常把一首朝气蓬勃的歌曲唱得死气沉沉，无精打采。
纠正的方法：加强跳音，华彩乐句和速度快、节奏性强的歌曲练习加以解决。
总之，气息不正确的原因，往往是呼吸器官不积极工作，造成其他器官的用力帮忙，使下颚僵硬，颈部紧张，或控制不适当，使气息失去灵活弹性，都是不利于唱歌的。因此，无论任何时候，任何情况之下，只要是歌曲，就不能漫不经心地随便唱，就是发一个简单的音，也要作到情绪饱满，有目的地体会歌曲与呼吸的关系，和气息的御用。流畅、自如、圆滑、优美的歌声来自正确的呼吸方法和对呼吸的控制作用，正确的呼吸是自然、舒畅、均匀、不紧张、不僵硬的。
2022吉他教学——吉他乐理的基本组成
基本的乐理对于刚开始接触吉他的初学者非常重要，在吉他入门之前一定要对基本的乐理有全方位的了解，这样在上吉他教学课时都会轻松许多。如果不懂乐理就不能更好的学习吉他，所下面的内容是学习吉他不可缺少的部分。
乐曲的基本组成
一首完整的乐曲是由一些固定的音乐单元组成，分清这些音乐单元，对于学习乐理是非常有好处的。一首完整的曲子，由很多不同时值的音符组成不同的小节，再由这些小节组成不同的乐句，由不同的乐句组成不同的段落，由段落组成完整的乐曲。关于这些不同的组成单位，我会在以后慢慢讲解。
1、时值
时值是音乐中非常重要的组成单位，它控制着音符发音的长短，按照一定时值演奏的音符才能奏出美妙动听的音乐。一个人在演奏一首乐曲时，即使音符弹得非常正确，如果音符的时值不正确，那么它的音乐也是非常糟糕的，所以正确联系好不同时值的音符，对于我们初学者是极其重要的。
我们给予一个时值的定义：时值就是控制音符长短的单位，他的计算单位是：拍我们目前的记谱方法有三种：五线谱、六线谱、简谱等。在这三种不同的记谱方法中，它们表示时值长短的方法略有不同，但大体相似，他们都是以五线谱为基础形成的。
2、运用在吉他上的记谱方法：六线谱
六线谱是世界上通用的一种专为吉他设计的记谱方法，我们在学习吉他时，接触最多的也是他。六线谱的基本结构是由六根间隔相等的线组成，这六根线分别代表吉他上的六根弦，最下面的一条线，代表吉他的第六根弦，注意，是第六，不是第一，这个要反过来理解的，然后依次是又上到下看谱，倒数第二根线代表第五根弦，下面的依次类推。
在六线谱上方有不同的英文字母表示不同的和弦，还有一些特殊的符号，表示一些特色音的演奏方法，这方面的内容会在学习这些技巧时候详细讲解。
3、具体时值的表示方法
所有风格的音乐都是由众多不同时值的音符组成,他们是全音符,二分音符,四分音符,八分音符,十六分音符,三十二分音符,六十四分音符,二分付点音符,八分付点音符,十六分付点音符,切分音符,及一些组合音符等,这些不同的音符,以后再慢慢介绍.想要学习好吉他上,各种技巧的时值表示方法,我们首先要学习各种音符及节奏在六线谱上的表示方法.
吉他教学——基本乐理知识之发声吐字方法“以气振声”
传统的戏曲是前辈艺术家们精心创造和千锤百炼的综合性艺术。象河北梆子、评剧以及其它一些地方戏曲和京剧，在声腔上虽不属同系，尖团等的讲求不同，但大多是以唱、念、做、打四位一体的综合性的演出形式。唱、做、念、打，内行人把这四个字称为“四功”，其中把唱排在“四功”的首位，足见其对戏曲的重要性。因此前辈艺术家们对发声经过反复实践，积累了丰富的训练经验，由于剧种有别或行当的不同，而在表现手段上有所差异，在嗓音的运用上也存有区别。但在发声、吐字、行腔、气息的运用上，以及对轻、重、缓、急、抑、扬、顿、挫等方面的要求都是大同小异的。
戏曲的唱念都是属于声乐学，要求尽善尽美，悦耳动听。通过前辈的传授，个人体会其目的，主要是为感动人。要表现出剧中人的思想感情，不但要音色美，而且要字音准确，让听众字字入耳才能引入入胜。所谓“悦耳容易动人难”的道理就在于此。要想解决这个难题，必须寻求对嗓音的训练方法，就今天的探索而言，就气、声、字、音、情五个字予以阐述。连起来讲是：以气振声，以声立字，以字导音，以音传情，以情动人。下边将以上诸条以个人体会加以阐明。以气振声大家都知道，“气乃声之源”，欲发声必先具(储存)气，无气则声不鸣。因此需要明了气息的来源于呼吸系统的有机配合，必要时还需借助于腹部诸内脏的帮助。
在演唱前需要储备气息的时候，气息由鼻腔吸入，经过喉腔气管，支气管在交换气息的肺部储存，肺部因储气而扩张，横隔膜因受到压迫而下垂，腹部诸内脏也随之被迫下降，致使小腹凸起。在唱腔的开始和行腔延续的过程中，气息也同时逐渐外呼，肺也随之收缩，横隔膜腾起，小腹(即内行人称谓的“丹田”气息，“丹田”在腹部正中线脐下针灸穴位“气海”“关元”等部位)收缩，促使腹部诸内脏上升，支撑横隔膜拱挤肺部以增加其收缩力来供给唱腔沿续时所需要的气息。无论唱段或唱腔长短，都要得到呼吸系统这样反复的有机配合。内行人管这种配合简称为“气口”，要求运用“气口”必须得当，储存气息时不要为恐怕声嘶力竭而吸气过快，引起端肩鼓腹影响人物形象的美感。
明朝沈宠绥所著的《度曲须知》文献中写道偷气、取气、换气、歇气，就气等五种在演唱时依照唱腔长短及感情的需要，灵活运用气息的方法。要想在唱腔上轻重缓急运用得力就必须找对“气口”，只要找对“气口”才能唱出感情所需要的力度，从而达到应有的艺术效果。在“京剧唱腔十忌”中有“忌横气”一条，苏移同志对此条解释说“横气就是演员在演唱中不会使用气口，或精神过于紧张，把气横在胸部而不能运用自如地演唱。气口运用不好，还会导致声带的过度疲劳”。可见“气口”对演唱的重要作用了。
发声是人类的本能，但音质有优劣之分，平常人们称为嗓子好坏，嗓子的好坏对平常人是无关紧要的，而对于演员来说则是极其重要的条件。故内行人管嗓子叫作“本钱”。那么以气振声与嗓子的好坏又是什么关系呢？关系是相当密切的。在人的呼吸系统喉部中间有两片象皮筋儿一样弹性很强V形的带状器官，叫作声带。吸气时，两片声带自然分离，让声门张开，通常呼气时也是这样，当需要发出声音时两片声带相适闭守宋接受呼出气息的吹击，这时声带就在吹击的振动下发出声音。并在喉头肌肉和呼出气息缓急的密切配合下，使声带宽、窄、长、短、薄、厚等张力得到适度的调节时，便可发出强、弱、高、低不同声音的变化。因此古代以“莺声燕语““虎啸龙吟”“声如洪钟”“响遏行云”“绕梁三日”“珠圆玉润“等夸张美化词语，来形容声乐的雄壮和美妙。
但古书上对发声时所表现的毛病也给予了指正和警戒，如《度曲须知》所讲：“曲品尤宜端庄，不可合眼摇头，咂唇歪口，囊鼻仰首，咳嗽，又或高低轻重添减太多，所谓撒钱声(按古钱为铜质撒落时能发出声音)，拉锯声“。以上所指多是在发声时形体上表现出来的毛病而损伤形象的美感以及告戒不要流于没有旋律的自然主义腔调，同时也指出了技巧上的要求。如“不可高低轻重添减太多”，所谓“高”是冒调，“低”是塌调，“轻”是唱的飘忽无力，“重”则失去抑、扬、顿、挫的控制能力，“添”指的是乱加闲散字或坠板，“减”是指丢板，使节奏失去平稳。这些都是在演唱时要特别注意的。
声带受到气息的振动便发出声音，每个人都是如此的。但是声带的形状和人的面貌一样，无一相同。女性的声带生成就比男性的声带短而窄，所以女声比男声高而细。但同样是男性或同样是女性，也因声带的宽窄、长短、薄厚的不同，所以发出的声音也是不一样的。在童年时期，男女的声带区别不大，声音也没有明显的差别。这个期间就是通常所说的“童音”。随着身体的发育，大致到十四、五岁之后，二十岁以前为“变声期”，内行人叫“倒仓”。在这个期间内，不论男女的声带都要起些变化，尤其是男性变化更加明显。这是因为声带的变宽，变厚而引起的嘶哑，甚至连说话也感到困难。但也有些人却变化不大，所以“倒仓”的时间也比较短。在旧社会的科班里，有的师傅不了解这是生理上的客观规律，埋怨学生们是因为不健康的心理所造成。
故而在学生们“倒仓”期间反而催促他们多喊多唱，并说这样便能喊出个“铁嗓子”来。这种理论没有科学根据。按生理情况来说，这样恐怕是有百害而无一益的。即或有个别人能喊出来，也是极其特殊的现象，大多数人因声带劳累致伤不能开口演唱而改行，造成终生遗憾。所以在变声期间，要有规律的安排好生活，不要过多地使用嗓子还是益多害少的。就是声音变好之后人与人之间的嗓音也还是有高低宽窄之分。当然这里有音质的不同和运用“气口”上的方法问题，这就需要在训练上下功夫，也可在同台之间选择音高相近的进行合作。这样既不强人所难，也可避免造成人才上的荒废。
基本乐理知识之发声吐字方法“以气振声”
传统的戏曲是前辈艺术家们精心创造和千锤百炼的综合性艺术。象河北梆子、评剧以及其它一些地方戏曲和京剧，在声腔上虽不属同系，尖团等的讲求不同，但大多是以唱、念、做、打四位一体的综合性的演出形式。唱、做、念、打，内行人把这四个字称为“四功”，其中把唱排在“四功”的首位，足见其对戏曲的重要性。因此前辈艺术家们对发声经过反复实践，积累了丰富的训练经验，由于剧种有别或行当的不同，而在表现手段上有所差异，在嗓音的运用上也存有区别。但在发声、吐字、行腔、气息的运用上，以及对轻、重、缓、急、抑、扬、顿、挫等方面的要求都是大同小异的。
戏曲的唱念都是属于声乐学，要求尽善尽美，悦耳动听。通过前辈的传授，个人体会其目的，主要是为感动人。要表现出剧中人的思想感情，不但要音色美，而且要字音准确，让听众字字入耳才能引入入胜。所谓“悦耳容易动人难”的道理就在于此。要想解决这个难题，必须寻求对嗓音的训练方法，就今天的探索而言，就气、声、字、音、情五个字予以阐述。连起来讲是：以气振声，以声立字，以字导音，以音传情，以情动人。下边将以上诸条以个人体会加以阐明。以气振声大家都知道，“气乃声之源”，欲发声必先具(储存)气，无气则声不鸣。因此需要明了气息的来源于呼吸系统的有机配合，必要时还需借助于腹部诸内脏的帮助。
在演唱前需要储备气息的时候，气息由鼻腔吸入，经过喉腔气管，支气管在交换气息的肺部储存，肺部因储气而扩张，横隔膜因受到压迫而下垂，腹部诸内脏也随之被迫下降，致使小腹凸起。在唱腔的开始和行腔延续的过程中，气息也同时逐渐外呼，肺也随之收缩，横隔膜腾起，小腹(即内行人称谓的“丹田”气息，“丹田”在腹部正中线脐下针灸穴位“气海”“关元”等部位)收缩，促使腹部诸内脏上升，支撑横隔膜拱挤肺部以增加其收缩力来供给唱腔沿续时所需要的气息。无论唱段或唱腔长短，都要得到呼吸系统这样反复的有机配合。内行人管这种配合简称为“气口”，要求运用“气口”必须得当，储存气息时不要为恐怕声嘶力竭而吸气过快，引起端肩鼓腹影响人物形象的美感。
明朝沈宠绥所著的《度曲须知》文献中写道偷气、取气、换气、歇气，就气等五种在演唱时依照唱腔长短及感情的需要，灵活运用气息的方法。要想在唱腔上轻重缓急运用得力就必须找对“气口”，只要找对“气口”才能唱出感情所需要的力度，从而达到应有的艺术效果。在“京剧唱腔十忌”中有“忌横气”一条，苏移同志对此条解释说“横气就是演员在演唱中不会使用气口，或精神过于紧张，把气横在胸部而不能运用自如地演唱。气口运用不好，还会导致声带的过度疲劳”。可见“气口”对演唱的重要作用了。
但古书上对发声时所表现的毛病也给予了指正和警戒，如《度曲须知》所讲：“曲品尤宜端庄，不可合眼摇头，咂唇歪口，囊鼻仰首，咳嗽，又或高低轻重添减太多，所谓撒钱声(按古钱为铜质撒落时能发出声音)，拉锯声“。以上所指多是在发声时形体上表现出来的毛病而损伤形象的美感以及告戒不要流于没有旋律的自然主义腔调，同时也指出了技巧上的要求。如“不可高低轻重添减太多”，所谓“高”是冒调，“低”是塌调，“轻”是唱的飘忽无力，“重”则失去抑、扬、顿、挫的控制能力，“添”指的是乱加闲散字或坠板，“减”是指丢板，使节奏失去平稳。这些都是在演唱时要特别注意的。
故而在学生们“倒仓”期间反而催促他们多喊多唱，并说这样便能喊出个“铁嗓子”来。这种理论没有科学根据。按生理情况来说，这样恐怕是有百害而无一益的。即或有个别人能喊出来，也是极其特殊的现象，大多数人因声带劳累致伤不能开口演唱而改行，造成终生遗憾。所以在变声期间，要有规律的安排好生活，不要过多地使用嗓子还是益多害少的。就是声音变好之后人与人之间的嗓音也还是有高低宽窄之分。当然这里有音质的不同和运用“气口”上的方法问题，这就需要在训练上下功夫，也可在同台之间选择音高相近的进行合作。这样既不强人所难，也可避免造成人才上的荒废。
2022吉他教学——吉他音阶练习
导读： 说起音阶练习，大多数人想到的可能是无数种音阶。什么自然大小调音阶，和声大小调音阶等等等等.‘
这些音阶的练习，无论在任何乐器中，都是伴随一个演奏者一生的练习，从初学到最后技术与音乐性日趋成熟之后，不同的阶段都有不同的练习目的。但单就从技术入手，音阶的练习价值到底在哪些地方，恐怕无几人能晓。我认为，在学琴初期，尚未能打下坚实的技术基础以前，音阶练习不在多，而在精。那现在就以小弟个人经验，谈谈音阶的几个基本的练习目的和如何把一条音阶弹好。
演奏音阶的要求主要在以下几点：
1、音与音之间完成的要连贯，给人感觉一气呵成。
吉他的乐器本身的特点造成，发出的音是以颗粒状出现。这一点与钢琴相似，比起其他弓弦乐器来，在发音的连贯流畅方面就有一些劣势。所以为了做到连贯统一，吉他演奏者必须掌握的基础的一项技术，就是保留指法。在音阶练习中，如要做到连贯统一，也就必须运用保留指法这个技巧。这就是说，要保持每个音之间不间断，必定在弹完某个音后某个指头必须保留在琴弦上，以使其延长。并且这个保留的手指，不能影响下一个音的出现与质量。在演奏音阶中，做到这一点，必定可以练习手指的独立性。这也是音阶的基本练习目的之一。
2、音色要统一，优美。
一条完美的音阶，音色应该是统一，优美的。一个完美音的发出，综合了左右手的很多细微的技巧，非一日之功。在音阶练习中，我们就要积累对音色美感的认识，和对音色的敏感。左手按弦的方式，按弦的力度，时机，等等条件，都能影响到音色。右手的过弦速度，力度，角度，也能影响到音色。其中涉及面较广，就不详细解说。提出音色要求，只是希望大家在演奏音阶的过程中，培养一个对音色的意识。
3、强弱的起伏。
音乐是有规律的，如果遵循这种规律，那音乐既可得到生命。成为活生生的东西，这样才具有感染力。其中很重要的一点，也是小弟看到过很多人忽视的一点，就是演奏中的强弱起伏。这也就是平时所说的音乐中的感情体现的一个方面。那强弱的规律，在音阶中很好体现，所以我们应该在音阶练习中形成科学正确的对音乐的理解方式。具体的做法很简单，就是上行的音阶渐强，下行的音阶渐弱。很多人在演奏中，虽然乐感能到位，但却没有做过这方面的训练，基本工夫不够，所以造成想强强不上去，想弱弱不下来。所以音阶也是练习这方面的一个很好的工具。
4、速度的均匀。
与前面几点相比，速度是最不容易被练习者疏忽的一个问题。但真正对速度的要求，不仅仅是在快，更重要的是在慢。关于这个，可以举个很简单的例子，当你在以 60的速度1对8的弹一个音阶的时候，也许你的每个音之间的时值是很均匀的。而当你以每分钟60拍的速度1对1或者1对2的时候弹同一个音阶，你的每个音的时值会变的很不平均。所以我提倡的还是慢练，越慢越好。在慢练的过程中，去努力做到上面所说的3点。当这三点都做的很完美了速度也均匀了，自然音阶也能弹到很快了。并且快而精。
以上是从音乐性的角度出发，所谈的音阶练习的几个要求与方法。大家可以从上面的要求看出，音阶的练习几乎包含了所有音乐最基本的内容。所以无论什么程度的演奏者，音乐的练习都是必不可少的。
给大家介绍了小弟一点不是经验的经验，希望能对大家有用。由于时间仓促，水平有限，文中有很多错误之处，还希望大家批评指正。
2022吉他教学——音阶如何练习？
大部分吉他教学里，音阶练习对于才吉他入门的菜鸟们来说是一种最佳的练习形式，因为它将手指的灵活和双手的协调练习与速度、力度和耐力的培养结合在了一起。此外，还能从中得到宝贵的乐耳锻炼与节奏训练。你只要有规律的正确练习，就能自然而然的得到所有这些收获。
要知道这世界上根本就没有一种所谓的正确练习方法；而对于你来说，最好的练习方法是你自己养成的。关键是要有计划，而且要严格按照计划练习。现在你已经知道了，就你的弹奏而言，最严厉的评判永远只会是你自己。要运用下面这些评判方法来帮助你保持正确的练习。
★下面这些建议—其中一些很具体，另一些则是泛泛的—将帮助你制定出自己的练习规律。要特别注意每一条建议—事实上，你迟早会运用这些建议的。
★如果你每天练习一个小时，那么你应该花十到十五分钟来练习音阶。要按这个比率根据你每天的总练习时间相应增加或减少音阶练习时间。
★每次练习开始时，可以先弹奏一些比较容易或比较熟悉的练习—比如，一个顺琴颈半音级进(既一个品格一个品格的上下级进)的八度大调音阶音型。
★弹奏每个音阶练习时要将它唱出来。在学习用新的指法弹奏一些听上去熟悉的音阶时，这种方法尤其有用，因为这有助于你提高耳朵与手的协调性。这种技巧也能使那些好的即兴演奏者自如的弹奏他们能够想到的任何旋律乐思。
★交替进行机械性和音乐性的弹奏。试着对练习进行一些句法和圆润性处理，可以包括机械性的断奏和流畅而富有表现力的圆滑演奏。
★使用节拍器和鼓机。良好的速度感和节奏感对任何音乐来说都是至关重要的。节拍器能够帮助你在提高弹奏速度时记录下你的进展。记住，千万不要在你还没有掌握好之前就用较快的速度进行弹奏。
★试着用节拍器或鼓机给你提示一个速度，然后再关掉节拍器，弹奏音阶或者音阶练习。弹奏结束后，重新打开节拍器，看看你在结束时的速度是否与开始的速度相同。(在弹奏速度极慢的练习时，这简直可以算是试金石—不信你试试看)
★试着在鼓机的伴奏下弹奏交叉节奏。例如，你可以在鼓机弹奏连续八分音符时用低音吉他弹奏三连音音型，这样你就能练习三拍和两拍的对比。你也可以在鼓机弹奏曳步舞曲音型时弹奏连续的八分音符，这样你就能练习两拍与三拍的对比。
★倒过来弹奏你所熟悉的音型，或者从不同的地方开始弹奏。我们习惯于认为音阶总是先上行，然后再下行。为了增加一些变化，你可以先弹奏下行音阶，然后再弹奏上行音阶。如果你想看看自己对某一种特定的指法究竟掌握到什么程度，你可以从中间某个地方开始。
★运用音阶来学习新的右手技巧。如果你弹奏时主要运用匹克(即拨片)，那么你可以试着用下面的手指拨弦法练习；当然，如果你主要运用手指拨弦法，你也可以试着运用匹克拨弦。选择一些熟悉的音阶音型，这样左手部分就能完全自然运动。
2022吉他教学——音响知识的详细介绍
要想学好吉他，不光是练吉他就可以的，很多还未吉他入门的学习者们，每天就盲目的练吉他，但是却忽略了一个很重要的因素，那就是音响了。音响的重要性和吉他本身都相差不了多少，下面就为大家普及下音响的知识吧，这不是吉他教学课，这只是我与大家的交流沟通，希望可以帮到大家。
信噪比
是指音箱回放的正常声音信号与无信号时噪声信号(功率)的比值。也用 Db表示。例如，某磁带录音座的信噪比为50dB，即输出信号功率比噪音功率大50dB。信噪比数值越高，噪音越小。国际电工委员会对信噪比的最低要求是前置放大器大于等于63dB，后级放大器大于等于86dB，合并式放大器大于等于63dB。合并式放大器信噪比的最佳值应大于90dB;收音头：调频立体声之50dB，实际上以达到70dB以上为佳;磁带录音座之56dB(普通带)，但经杜比降噪后信噪比有很大提高。如经杜比 B降噪后的信噪比可达65dB，经杜比 C降噪后其信噪比可达72dB(以上均指普通带);CD机的信噪比可达90dB以上，高档的更可达l10dB以上。信噪比低时，小信号输入时噪音严重，整个音域的声音明显感觉是混浊不清，所以信噪比低于80dB的音箱不建议购买!而低音炮70 Db的低音炮同样原因不建议购买。
扬声器材质
低档塑料音箱因其箱体单薄、无法克服谐振，无音质可言(笨笨熊注：也不尽然，设计好的塑料音箱要远远好于劣质的木质音箱);木制音箱降低了箱体谐振所造成的音染，音质普遍好于塑料音箱。通常多媒体音箱都是双单元二分频设计，一个较小的扬声器负责中高音的输出，而另一个较大的扬声器负责中低音的输出。挑选音箱应考虑这两个喇叭的材质：多媒体有源音箱的高音单元现以软球顶为主(此外还有用于模拟音源的钛膜球顶等)，它与数字音源相配合能减少高频信号的生硬感，给人以温柔、光滑、细腻的感觉。多媒体音箱现以质量较好的丝膜和成本较低的PV膜等软球顶的居多。低音单元它决定了音箱的声音的特点，选择起来相对重要一些，最常见的有以下几种：纸盆，又有敷胶纸盆、纸基羊毛盆、紧压制盆等几种，纸盆音色自然、廉价、较好的刚性、材质较轻灵敏度高，缺点是防潮性差、制造时一致性难以控制，但顶级HiFi系统中用纸盆制造的比比皆是，因为声音输出非常平均，还原性好;防弹布，有较宽的频响与较低的失真，是酷爱强劲低音者之首选，缺点是成本高、制作工艺复杂、灵敏度不高轻音乐效果不甚佳;羊毛编织盆，质地较软，它对柔和音乐与轻音乐的表现十分优异，但是低音效果不佳，缺乏力度与震撼力，它广泛流行于高档音箱中，一致性好失真低，各方面表现都可圈可点。此外还有像纤维类振膜和复合材料振膜等由于价格高昂极少应用于普及型音箱中，就不谈了。扬声器尺寸自然是越大越好，大口径的低音扬声器能在低频部分有更好的表现，这是在选购之中可以挑选的。用高性能的扬声器制造的音箱意味着有更低的瞬态失真和更好的音质。普通多媒体音箱低音扬声器的喇叭多为3～5英寸之间。用高性能的扬声器制造的音箱也意味着有更低的瞬态失真和更好的音质。
音箱从结构形式上分，可以分为书架式和落地式，前者体积小巧、层次清晰、定位准确，但功率有限，低频段的延伸与量感不足，适于欣赏以高保真音乐为主的音乐爱好者，也是我们多媒体发烧友的首选;后者体积较大、承受功率也较大，低频的量感与弹性较强，善于表现滂沱的气势与强大的震撼力，但做得不好层次感与定位方面会略有欠缺。对于不同音乐的爱好者来讲，这也是在选购以前应该了解的重要内容。由于PC用家很少有具备放置大型落地箱的条件，所以小巧的桌面书架式音箱应该是多媒体有源音箱的首选。总的来说：只要功放模块设计合理，箱体越大，喇叭越大，声音越中听。
可扩展性
这是指音箱是否支持多声道同时输入，是否有接无源环绕音箱的输出接口，是否有USB输入功能等。低音炮能外接环绕音箱的个数也是衡量扩展性能的标准之一。普通多媒体音箱的接口主要有模拟接口和USB接口两种，其它如光纤接口还有创新专用的数字接口等不是非常多见，因此不多作介绍。
音效技术
硬件3D音效技术现在较为常见的有SRS、APX、 Spatializer 3D、 Q-SOUND、 Virtaul Dolby和 Ymersion等几种，它们虽各自实现的方法不同，但都能使人感觉到明显的三维声场效果，其中又以前三种更为常见。它们所应用的都是扩展立体声(Extended Stereo)理论，这是通过电路对声音信号进行附加处理，使听者感到声像方位扩展到了两音箱的外侧，以此进行声像扩展，使人有空间感和立体感，产生更为宽阔的立体声效果。此外还有两种音效增强技术：有源机电伺服技术(本质上利用了赫姆霍兹共振原理)、BBE高清晰高原音重放系统技术和“相位传真”技术，对改善音质也有一定效果。对于多媒体音箱来说，SRS和BBE两种技术比较容易实现效果很好，能有效提高音箱的表现能力。
音调
指具有一特定且通常是稳定音高的信号，通俗的讲是声音听来调子高低的程度。它主要取决于频率，还与声音强度有关。频率高的声音人耳的反应是音调高而频率低的声音人耳的反应是音调低。音调随频率(Hz)的变化基本上呈对数关系。不同的乐器演奏同样频率的音符，音色虽然不同，但它们的音调是相同的，也就是演奏声音的基频是相同的。
音色
对声音音质的感觉，也是一种声音区别于另一种声音的特征品质。不同的乐器在发同一音调时，它们的色可以迎然不同。这是由于它们的基频频率虽相同，但谐波成分相差甚大。故音色不但取决于基频，而且与基频成整倍数的谐波密切有关，这就使每种乐器和每个人有不同的音色。
动态范围
声音中最强与最弱的比值，用 Db表示。例如一个乐队的动态范围为90dB，这意味着最弱部分的功率比最响部分的低90dB。动态范围是功率之比，与声音的绝对水平无关。如前所述，人耳的动态范围从0到130dB。自然界各种声音的动态范围的变化也是很大的。一般语言信号大约只有20～45dB，有些交响乐的动态范围可达30～130dB或更高。但由于一些因素的限制，音响系统的动态范围很少能达到乐队的动态范围。录音装置的内在噪音决定了可能录制的最弱音，而系统的最大信号容量(失真水平)限制了最强的音。一般把声音信号的动态范围定为100dB，故音响设备的动态范围能做到100dB，就很好了。
总谐波失真(THD)
指音频信号源通过功率放大器时，由于非线性元件所引起的输出信号比输入信号多出的额外谐波成分。谐波失真是由于系统不是完全线性造成的，我们用新增加总谐波成份的均方根与原来信号有效值的百分比来表示。例如，一个放大器在输出10V的1000Hz时又加上 Lv的2000Hz，这时就有10%的二次谐波失真。所有附加谐波电平之和称为总谐波失真。一般说来，1000Hz频率处的总谐波失真最小，因此不少产品均以该频率的失真作为它的指标。但总谐波失真与频率有关，因此美国联邦贸易委员会于1974年规定，总谐波失真必须在20～20000Hz的全音频范围内测出，而且放大器的最大功率必须在负载为8欧扬声器、总谐波失真小于1%条件下测定。国际电工委员会规定的总谐波失真的最低要求为：前级放大器为0.5%，合并放大器小于等于0.7%，但实际上都可做到0.1%以下：FM立体声调谐器小于等于1.5%，实际上可做到0.5%以下;激光唱机更可做到0.01%以下。
由于测量失真度的现行方法是单一的正弦波，不能反映出放大器的全貌。实际的音乐信号是各种速率不同的复合波，其中包括速率转换、瞬态响应等动态指标。故高质量的放大器有时还注明互调失真、瞬态失真、瞬态互调失真等参数。(l)互调失真(IMD)：将互调失真仪输出的125Hz与lkHz的简谐信号合成波，按4：1的幅值输入到被测量的放大器中，从额定负载上测出互调失真系数。(2)瞬态失真(TIM)：将方波信号输入到放大器后，其输出波形包络的保持能力来表达。如放大器的转换速率不够，则方波信号即会产生变形，而产生瞬态失真。主要反映在快速的音乐突变信号中，如打击乐器、钢琴、木琴等，如瞬态失真大，则清脆的乐音将变得含混不清。(3)瞬态互调失真：将3.15kHz的方波信号与15kHz的正弦波信号按峰值振幅比4：1混合，经放大器后，新增加全部互调失真的产物有效值与原来正弦振幅的百分比。如放大器采用深度大回环负反馈，瞬态互调失真一般较大，具体反映出声音呆滞、生硬、无临场感;反之，则声音圆滑、细腻、自然。
立体声分离度
指双声道之间互相不干扰信号的能力、程度，也即隔离程度，通常用一条通道内的信号电平与泄漏到另一通道中去的电平之差表示。如果立体声分离度差，则立体感将被削弱。国际电工委员会规定的立体声分离度的最低指标， lKHz时大于等于40dB，实际以达到大干60dB为好;欧洲广播联盟规定的调频立体声广播的立体声分离度为>25dB，实际上能做到40dB以上。立体声通道平衡指的是左、右通道增益的差别，一般以左、右通道输出电平之间最大差值来表示。如果不平衡过大，立体声声像位置将产生偏离，该指标应小于1dB。
阻尼系数
是指放大器的额定负载(扬声器)阻抗与功率放大器实际阻抗的比值。阻尼系数大表示功率放大器的输出电阻小，阻尼系数是放大器在信号消失后控制扬声器锥体运动的能力。具有高阻尼系数的放大器，对于扬声器更象一个短路，在信号终止时能减小其振动。功率放大器的输出阻抗会直接影响扬声器系统的低频 Q值，从而影响系统的低频特性。扬声器系统的Q值不宜过高，一般在0.5～l范围内较好，功率放大器的输出阻抗是使低频 Q值上升的因素，所以一般希望功率放大器的输出阻抗小、阻尼系数大为好。阻尼系数一般在几十到几百之间，优质专业功率放大器的阻尼系数可高达200以上。
等响度控制
其作用是低音量时提升高频和低频声。由于人耳对高频声、特别是低频声的听觉灵敏度差，要求在低音量时对高频和低频进行听觉补偿，即要求对低频有较大提升，对高频也有一定量的提升。换句话说，当音量减小时，信号中低频部分的减小较高频部分为少。等响度控制即满足此要求，等响度控制一般为8dB或10dB。
三维音场处理和环绕声
普通两只音箱为什么会使我们听到并不存在的好像是背后发出的声音呢?大家知道，立体电影就是眼睛产生的错觉而三维音场的产生离不开耳朵的错觉。种种硬件3D音效技术如SRS、虚拟杜比和软件3D技术如EAX、A3D等就是充分研究了人耳接受声响的原理后为降低成本而推出的新技术。本质上讲通过多音箱完成三维音场的效果比两只音箱虚拟出的声场好很多。所以环绕声应该以多音箱配置为主，它们的定位感和空间感强。
乐理基础之音阶练习对2022吉他教学非常重要
近来，很多吉他新手通过咱们网站的吉他教学视频学习时遇上了一些问题，比如对吉他教学视频里很多乐理方面、音阶等基础知识知之甚少。对于任何乐器而言，音阶都是基础的基础，但同时也是重点中的重点，也是最需要耐心和时间练习的技术。
可以这么说：看一个演奏者是专业水平还是业余水平，第一就看他音阶弹的如何就行了。很多人练习数年可是仍然无法突破。还是磕磕绊绊，噼里啪啦。原因就是方法不对，没有找到音阶的突破口。
钢琴大师吉泽金说：如果每天认真正确的进行短暂的音阶练习，那么他的演奏水平将会超过那些练习数年的学生。
各种书上都有练习方法，总结如下，可以作为每日练习使用。
第一步：匀速练习，主要在于熟悉音阶的位置。
注意要点：
1、每一个音都要饱满；
2、每一个音后，都要检查按弦的放松，手臂可以自如的左右晃动以检查是否放松足够；
3、速度要均匀，(可以用节拍器)最忌讳简单的地方快，难的地方慢，或者一带而过；
第二步：前附点，后附点练习，(不懂附点请查书)即使是钢琴和提琴这两种都是最重要的音阶练习节奏。是其它练习节奏的基础.这种练习方法原理是难度分解。将音阶的难度分解为任意两个连续音之间的难度。
注意要点：
1、重音在附点的那个音上，这个是重点中的重点(吉他书都没有提到这一点，但是在钢琴教学中，这是基本要点)。这样的话“前附点”和“后附点”的重音位置就完全不一样，可以让每一个手指都得到重点练习；
2、开始可以让两个音之间的时值略长(略长只要是为了检查放松，可以做到放松自如就可以算短时间)，等到可以自如的弹奏的时候，时值缩短；
3、在弹奏附点音过后手臂要检查是否放松；
4、放松过后才能演奏下一组的两个音；
第三步：三个音一组，组合如下(P=P=P. |P=P=P. ) (P=P. =P|P=P. =P) (P. =P=P|P. =P=P)由于附点的位置不一样导致节奏的变化，重音的变化、手指难度位置的变化；
第四步：四个音一组、两方法同上，附点位置不同而组合；
第五步：其他节奏类型可以参考各种吉他书或者钢琴教程，以上只是最重要的几点。