所谓“转调”就是由一个调进行到另一个调。调有近关系调和远关系调。在大调中，它的关系小调和它上方五度、下方五度的两个大调，及这两个大调的关系小调，为五个近关系调。在小调中，它的关系大调、和它上方五度、下方五度的两个小调，及这两个小调的关系大调，为五个近关系调。
一般进行的方法是：
一、最基本的转调方法是在转入新调之前，把原调结束在该调主和弦上，然后经过新调的某一属功能和弦，如属和弦、属七和弦、属九和弦、减七和弦而进行转调，这种转调称为属和弦转调。
二、同名大小调的互换，称为平行调转调法。如C大调转如C小调，通常通过两调的属和弦互换，两个大小调的属功能和弦相同。
三、也可以利用根音升高半音而进行转调。如：1 → #1 → 2，从C调转入D调。
四、也可以不用上面的规则，自由的转入其它调，最常用的是把握乐曲的一刹那间隙而转调。
五、更多的情况是在原音乐主题上的反复，最常见的是小二度的转调。象崔建的《浪子归》由E调转为G调，而旋律不变。
第二十四课：吉他编曲的方法
吉他的编配是很深奥的学问。各人的经验、技巧、乐感不同，编配出来的东西相差很多。建议还是多弹好的原版谱集。
基本的方法：
1.确定歌曲的调式。以1、3、5其中一个音开始并结束在1音或5音上的是大调，以3或6开头并结束在6音上的是小调。大调歌曲主要配大调和弦；小调歌曲主要配小调和弦。
2.歌曲的开头和结尾应配主和弦。大调为C，小调为Am。
3.终止前的一个小节配属七和弦或属和弦。大调为G7，或G，小调为E7或Em。
4.属七和弦前应配下属和弦。C → F → G7 → C。
5.然后再为每小节配和弦。小节中的音明显倾向于某一和弦就配上该和弦。
6.如果小节中的音对任何和弦的倾向性都不明显的，就应以重拍上的音或时值较长的音为准。
7.考虑和弦进行是否合理。三度、四度、五度、六度连接是良好进行，二度、七度为不良进行。
8.用代理和弦美化和声。
流行音乐的特点：
一、和弦进行程式化
1.C → F → G → C
2.C → Am → F → G → C
3.C → Am → Dm → G → C
4.C → Dm → G → C
5.C → G/B → Am → G → F → Em → Dm → G → C
6.C → Em → Am → Dm → G → C
二、和声配置围绕旋律为中心，允许反常的和声序进和声部进行。
三、大量使用爵士味和声。
使用七和弦、六和弦、增和弦、减七和弦以及各种高叠置的九和弦、十一和弦、十三和弦，这些和弦的运用使和音变得富有刺激性。象在C → Dm → G → C中出了开始和终止用主和弦外，其他和弦完全可以全部变成七和弦。
还有一些象低声部的半音下行和高音声部下行来编配和弦。
四、重视和弦色彩的变化
如用F/G代替G，以bB或G/F代替G。运用挂四和弦、九和弦、七减五和弦、大七和弦。
最后引用一句西蒙的话，当记者问到西蒙：“您配置和弦是仅仅凭声响效果吗？”，西蒙是回答是：“噢，当然，取决于声响效果，选择那些听起来最有意思的和弦。”还是需要更多的感觉，多弹些谱，你一定会成功的！J961.CoM
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2022吉他教学——浅谈吉他编曲的基本方法
当吉他水平到了一定的程度，你就可以进行编曲了，还未吉他入门的新手们肯定是没有办法做到的，这是一个漫长的过程。下面给大家简单的谈谈，编曲的一些基本方法。
1、确定歌曲的调式。以1、3、5其中一个音开始并结束在1音或5音上的是大调，以3或6开头并结束在6音上的是小调。大调歌曲主要配大调和弦;小调歌曲主要配小调和弦。
2、歌曲的开头和结尾应配主和弦。大调为C，小调为Am。
3、终止前的一个小节配属七和弦或属和弦。大调为G7，或G，小调为E7或Em。
4、属七和弦前应配下属和弦。C → F → G7 → C。
5、然后再为每小节配和弦。小节中的音明显倾向于某一和弦就配上该和弦。
6、如果小节中的音对任何和弦的倾向性都不明显的，就应以重拍上的音或时值较长的音为准。
7、考虑和弦进行是否合理。三度、四度、五度、六度连接是良好进行，二度、七度为不良进行。
8、用代理和弦美化和声。
流行音乐的特点：
一、和弦进行程式化
1、C → F → G → C
2、C → Am → F → G → C
3、C → Am → Dm → G → C
4、C → Dm → G → C
5、C → G/B → Am → G → F → Em → Dm → G → C
6、C → Em → Am → Dm → G → C
二、和声配置围绕旋律为中心，允许反常的和声序进和声部进行。
三、大量使用爵士味和声：使用七和弦、六和弦、增和弦、减七和弦以及各种高叠置的九和弦、十一和弦、十三和弦，这些和弦的运用使和音变得富有刺激性。象在C → Dm → G → C中出了开始和终止用主和弦外，其他和弦完全可以全部变成七和弦。还有一些象低声部的半音下行和高音声部下行来编配和弦。
四、重视和弦色彩的变化：如用F/G代替G，以bB或G/F代替G。运用挂四和弦、九和弦、七减五和弦、大七和弦。
最后引用一句西蒙的话，当记者问到西蒙：“您配置和弦是仅仅凭声响效果吗?”，西蒙是回答是：“噢，当然，取决于声响效果，选择那些听起来最有意思的和弦。”还是需要更多的感觉，多弹些谱，你一定会成功的!
2022吉他教学——消音的方法介绍
吉他手的弹奏技巧从吉他入门到达人无时不刻不影响着吉他手们的方方面面，下面就来和大家聊聊吉他消音有关的话题。一般情况下，以下几种情况需要消音：
1.有休止符时；
2.乐曲结束(终止》时；
3.乐段，乐句中止时；
4.旋律的分句、呼吸处；
5.变换和弦时的低音(特别是空弦低音)；
6.断奏(音符上加黑点表示，演奏时为该音符时值的一半)；
7.弹奏强音时其他空弦被激起的共鸣音(特别是低音弦)；
8.需要以顿音加强节奏跳跃感的乐段。
消音的方法：
1、直接消音法
用拨弦的右手指或按弦的左手直接消音：
(1)右手拨过弦的手指指尖肉垫许接轻轻按住琴弦；
(2)左手按弦的手指放松浮在琴弦上。
2、间接消音法
用其他没有参与拨弦和按弦的手指或其他部位来消音，常见的方式有：
1.用小指外侧或小指侧节边轻捂住琴弦：
2.用拇指外侧或拇指侧掌边轻捂住琴弦；
3.用右手拇指内侧或外侧指肉部份触靠；
4.用左手不用的手指伸直触碰琴弦；
5.用右手将要弹奏的手指止住前一个音(前后音符在同一根弦时)。
2022吉他教学——关于抒情曲演奏养成与一些初级编曲的个人经验
大家好，我是暴力。在这篇贴里提供出我朋友平常练习经历所总结到的一些经验之谈，提供大家参考借鉴。我朋友水平是在不高，所以可能会有些观点有所错误，希望大家能谅解，取自己所需要的东西来提高自己的技艺。
我朋友是从大一开始接触练习吉他的，至于以前他好像天天和我一起泡吧，压根没时间去学习其他乐器。感慨下时光飞逝，现在他和我都已经毕业出来工作了。呵呵，期间在各种吉他网站自由平和的论坛陪伴下也留下了很多美好的记忆~
因为他是个大帅哥（压力好大）加上我们倆都觉得吉他弹好能更容易泡妹子,所以这小子在指弹曲练习中更偏重练习的是一些优美旋律为主的抒情把妹曲（我有一手好歌喉）久之对于如何更好地演奏出这些曲子以求对妹子能产生一击必杀的效果有了些个人的经验见解（弹唱结合天下无敌~吼吼~）提供给大家作为参考之用，不免可能有些废话闲话，大家见谅。抒情曲既然以旋律见长，我们俩觉得演奏时最重要的就是“情”，当然“技”也是非常不可缺的一方面。他和我说他在练习新曲的时候有个习惯，再初次过遍全曲的时候会细微体会下这曲子表达是怎样一种情感，让人能感触到有如何的画面。等到你自己演奏的时候，则就是按照你自己的感觉来重现你对曲子的体会了。“感动别人请先感动自己”当你自己能在演奏中感受到你需要表达出来的画面，相信离感动别人不远矣。想弹好抒情曲之前，请先努力使自己能成为一个“感性”的人，因为曲子中很多能见真情的细节不仅需要有足够的技术支撑，更需要一颗细腻的心来研磨把握。国内诸多吉他演奏家中，这小子和我说，他尤其崇拜董运昌，黄家伟，古冰三位老师的抒情曲编曲演奏，三位老师的许多抒情曲不仅编曲旋律空灵，而且演奏细腻，在十几年阅历积累沉淀下能带给人很强的听觉冲击。建议喜欢抒情曲的朋友可以多练习下三位老师的一些作品，不仅对于演奏功力提升有帮助，更是为标准调弦特殊调弦编曲能提供很良好的参考学习素材。
在演奏当中，有两个技巧的养成我觉得对于旋律曲是很重要的，琶音和揉弦。
在抒情曲当中不可避免会碰到一些多个声部同时发声或者是双音的地方，而如果用手指同时拨弦的话，往往出来的感情色彩有限，如果能用琶音演奏，有个短暂先后顺序的拨弦，会让声音的听觉效果更有层次感。加以不同力度不同右手拨弦位置的一些变化，则要表达的感情能更容易的流露出来。这里我觉得要留意个问题，在GTP的大部分记谱当中往往不会标记琶音的技巧标注，很多时候要你根据自己的理解来加上琶音技巧的使用，但并不是每首曲子都适合从头琶到尾，这样或者会效果不是太好，以曲而定，适当的琶音使用绝对会使你的抒情曲演奏感情得到升华。
揉弦对于时值长的音修饰重要性相信无需多说，但这里强调的是我们俩毕业的那所大学有次邀请古冰老师去讲课，在老师那了解到了一个概念，和弦的揉弦。古冰老师强调的并不是单个音的揉弦了，而是按好某些和弦所有按弦手指的一个同时揉弦，这样对于整个和弦的发音都会有一个很细微的变化效果，但在某些特定的地方，正是这么一个细微的变化能起到一个很强烈的感情催化剂。希望大家可以多加揣摩这个概念。感谢古冰老师的分享~
看过很多网友的视频，有种感觉，似乎大家都不太喜欢拇指按弦，很多地方都只是在半音递减递进的时候才会参与进去。其实他个人觉得吧，适当的更改下指法多加进些拇指按弦进去可以更简化指法，而且可以多出多余的手指按其他的音，拇指“发达”的同学是个很好的优势。但最好的话注意低音的一个保持，因为有时加进拇指按弦换下一个和弦的时候往往低音会断掉。对于很多抒情曲除非是刻意需要断音效果求的节奏变化的曲子，这是个忌讳。保持一个持续的低音进行特别是在做了录音混响之后能有一个很好的和声空间。
谈到录音，不得不说到还有个后期加工问题，针对于录音来说。音色做了混响之后可以使得整个曲子给人的听觉感受有个很大的提升，但要注意个度的问题，有些曲子做的太飘渺反而效果弄巧成拙。这个涉及到个人的一些不同音色审美口味。提供个我个人业余录音的音色处理方法，我偏好内录，因为相对来说内录出来的声音会更干净些（但也跟你的器材线材有关，低档的话有一定电流音，但如果你没有个好的电容MIC还是内录吧）而且按我的处理方法，内录的声音处理出来会效果更好。还有就是经济比较宽裕的朋友我推荐你们购买把古典的电箱琴。
很多曲子用古典电箱内录出来的声音那是别有一番风味啊，而且古典琴插电的声音一般会比一般的民谣电箱声音柔和美丽很多。如果是原声吉他演奏的音色加工，建议半夜带个口罩去厕所吧，地球人都知道的~
2022吉他教学——和弦初步练习方法
先让我们看看这个表 音名 C D E F G A B 唱名 1 2 3 4 5 6 7 音级 Ⅰ Ⅱ Ⅲ Ⅳ Ⅴ Ⅵ Ⅶ 音级名称主音、上主音、中音、下属音、属音、下中音、导音。
在音阶中，C是最稳定的音，称为主音，其它音相对它来说都是不稳定的。对主音最有支持力的是上方五度音G和下方音F，它们分别代表属功能和下属功能，称为属音和下属音。A与主音关系最近，称为下中音，D与下属音关系较近，称为上主音，E和B分别称为中音和导音。
和弦又是什么呢？让我们再看看音的关系吧！和弦是由三个或三个以上的音，按照三度关系叠置起来。
在主音上构成的三和弦，即13 5 ，称为"主和弦"，记为C；在上主音上构成的三和弦，即2 4 6，称为"上主和弦"，记为Dm；在中音上构成的三和弦，即3 5 7，称为"中和弦"，记为Em；在下属音上构成的三和弦，即4 6 1，称为"下属和弦"，记为F；在属音上构成的三和弦，即5 7 2，称为"属和弦"，记为G；在下中音上构成的三和弦，即6 1 3，称为"下中和弦"，记为Am；
C，F，G根音到三音为大三度，三音到五音为小三度，统称为"大三和弦"。Dm，Em，Am根音到三音为小三度，三音到五音为大三度，统称为"小三和弦"。我们得到了这样一个表。
音名 C D E F G AB 唱名 1 2 3 4 5 67 音级 ⅠⅡ Ⅲ Ⅳ Ⅴ Ⅵ Ⅶ 音级名称 主音 上主音 中音 下属音 属音 下中音 导音 三和弦构成 1 3 5 2 4 6 3 5 7 4 6 1 5 7 26 1 3 和弦名称 C Dm Em FG Am。
在C大调中，主和弦C，下属和弦F,属和弦G称为正三和弦，其构成了和声的骨架。主和弦稳定性最强，常用于歌曲的开头和结尾，属和弦对主和弦也最具有支持力，从属和弦进行到主和弦的倾向最强烈，常出现在主和弦前。下属和弦可以进行到主和弦也可以进行到属和弦，经常出现在歌曲的高潮和副歌部分。这些都是很好的和弦进行。
吉他教学——吉他编曲的方法
吉他编曲是很深奥的学问。各人的经验、技巧、乐感不同，编配出来的东西相差很多。
基本的方法：
1.确定歌曲的调式。以1、3、5其中一个音开始并结束在1音或5音上的是大调，以3或6开头并结束在6音上的是小调。大调歌曲主要配大调和弦;小调歌曲主要配小调和弦。
2.歌曲的开头和结尾应配主和弦。大调为C，小调为Am。
3.终止前的一个小节配属七和弦或属和弦。大调为G7，或G，小调为E7或Em。
4.属七和弦前应配下属和弦。C → F → G7 → C。
5.然后再为每小节配和弦。小节中的音明显倾向于某一和弦就配上该和弦。
6.如果小节中的音对任何和弦的倾向性都不明显的，就应以重拍上的音或时值较长的音为准。
7.考虑和弦进行是否合理。三度、四度、五度、六度连接是良好进行，二度、七度为不良进行。
8.用代理和弦美化和声。
流行音乐的特点：
一、和弦进行程式化
1.C → F → G → C
2.C → Am → F → G → C
3.C → Am → Dm → G → C
4.C → Dm → G → C
5.C → G/B → Am → G → F → Em → Dm → G → C
6.C → Em → Am → Dm → G → C
二、和声配置围绕旋律为中心，允许反常的和声序进和声部进行。
三、大量使用爵士味和声。
使用七和弦、六和弦、增和弦、减七和弦以及各种高叠置的九和弦、十一和弦、十三和弦，这些和弦的运用使和音变得富有刺激性。象在C → Dm → G → C中出了开始和终止用主和弦外，其他和弦完全可以全部变成七和弦。
还有一些象低声部的半音下行和高音声部下行来编配和弦。
四、重视和弦色彩的变化
如用F/G代替G，以bB或G/F代替G。运用挂四和弦、九和弦、七减五和弦、大七和弦。
2022吉他教学——扫弦练习方法
扫弦是比较难精通的技巧，弹奏时间长了，才能慢慢提高水平。初学者往往扫弦的节奏单调，音色不均匀，加上姿势不自然不好看。学习一段时间后，很多初学者都不愿意继续练习，而是陶醉在自己觉得还不错的分解和弦里面，孰不知扫弦在他内心已经成为永久的痛。每当他看到高手扫弦弹唱时，那阵阵悠扬的声音让他很不是滋味。于是他又决心再练，结果还是无法进步。
扫弦主要是两方面，一个是音色，一个是节奏。
音色要均匀清亮是件很难做的事。我自己也做不好。那天我在琴行听见老师在扫弦时发出的声音，简直就像细沙在丝绸上刮过！扫弦是极具魅力的，除了潇洒，还有那音色。我一直认为钢琴是水晶的声音，古典吉他是泉水的声音，而好的民谣吉他就是丝竹的声音，很有东方色彩。我好象扯远了。好，言归正传，我讲讲自己摸索的一些方法（具体手型就不讲了）：
1、音色如果太硬可以调整食指指甲接触弦的面积，面积越大，音越柔和。
2、扫的时候要干脆，接触弦的时间不能长。
3、手放松，就像在甩手一样。
4、左手和弦要按紧，不然会有杂音。
5、边扫边调整右手的角度，达到最佳效果。
6、坐姿端正，全身不要紧绷，扫的时候整体上觉得自己很潇洒。（可照着镜子练）
7、左手可用制音的方法，即轻压和弦，右手扫闷音，也能听出是否均匀。
再说节奏。关键是情感。把握了情感你也就能控制节奏！
1、照谱扫弦的时候，不要全部按它写的弹，就是说不要它说上就上，它说下就下，你自己凭感觉去扫，书只有参考作用。
2、不要一味扫六根弦，要学会时上时下。对初学者来说，这主要是由音的高低决定的。
3、脚踩拍子，从最简单的节奏型扫起。
4、听MP3的时候，注意架子鼓的节奏，很有启发性。比如在高潮快来的时候，可学着到5，6弦反复向下急扫来衬托气势。
5、学着边扫边加入一些单音或和弦，这在使用拨片时更重要。也要学着加入一些大拇指和食指的琶音。
6、多看高手扫弦，偷学他们的技巧。
2022吉他教学——关于指型的一些学习经验
说句心里话，我对于指型也曾有过段不短的时间去死记硬背，但是效果不是很好，弹的时候总会有慢半拍的感觉，而且只是音阶模进与上下行的弹奏话，很容易忽视了消化和理解而把一个指型变成一个单纯的机械去运动，这也是为什么总是在正常练习中容易出问题了。但是经过一段时间的思考和与网友不断的交流和沟通，我也逐渐有了自己的一些自我的学习经验，想和大家分享一下关于指型，指板音阶记忆的一点心得，如有不妥之处，还请各位指正。
1、关于标准音下吉他空弦的音程
我们知道，如果没有采用特殊调弦法，那么吉他从六弦到一弦的空弦音，音名分别是E，A，D，G，B，E（3，6，2，5，7，3），关键的3－6－2－5－7的重要来源之一。这几个空弦音有什么意义呢？
从音程角度出发，从低音到高音，即六弦到五弦，五弦到四弦，四弦到三弦，二弦到一弦，分别为：3－6，6－2，2－5，7－3，这几个都是纯四度音程，这说明在这几根弦之间的指板音阶上是有着一定规律与联系的。唯一特殊的是从三弦到二弦（5－7），是一个大三度音程，也就是说，如果某些在低中音弦上的进行的有规律的指法，一旦到了三弦与二弦之间上，就会发生变化，其直观反映应该是二弦的品位向后移一品（一个半音），才和三弦构成一个纯四度音程。那么，接下来以强力五和弦与四度和弦为例说明这点。
2、关于五度双音和弦（强力五和弦）与四度双音和弦的推导与构成
很多初学者都知道五度双音和弦的构成与指法相对来说比较简单，通常两根手指头搞定。相邻的两根弦，一个手指头按根音，另一个手指头按五度音。基本上在六，五，
四，三弦上只需要保持这个手型来回移动就能推导出其他的五和弦了。
为什么是这个手型呢？
前面我们讨论到：六弦到五弦，五弦到四弦，四弦到三弦，二弦到一弦，之间都是纯四度音程，而五度双音和弦两个音之间的音程是纯五度，也就是比纯四度要多一个全音，反映在指板上，正好是两品。举个例子：六弦三品是G，五弦三品是C，这两个音之间是纯四度音程，如果想构成一个强力五和弦，那么需要把按在五弦三品的手指往后移两品，挪到五弦五品上，即为D。G－D是为纯五度音程，也就构成了一个G5的五度双音和弦。
那么，四度双音和弦的推导便如此：G－D是五度音程，通过音程转位我们就知道，D－G就是四度音程。这个D-G怎么按呢？五弦五品是D，四弦五品就是G，也就是说，你只需要用一根手指头，同时按住这相邻的两根弦的同一品，一个四度音程的G5和弦的就出现了。
3、关于三弦与二弦之间音程导致的指型变化
好，六弦到五弦，五弦到四弦，四弦到三弦，音程一样，双音和弦的指法也是一样的。但是三弦到二弦时，音程发生了变化，由之前的纯四度变成了大三度，少了一个半音，我们再想用之前的指法来做双音和弦，就会出现错误。这时候的指法也跟着变化了，要再向后移动一个品位（一个半音）才满足上下纯五度或者纯四度的音程。比如想在三弦和二弦上，做一个A5和弦，那么，食指按住三弦二品，那么你的无名指或者小指，按的就不应该是二弦四品了，而应该是二弦五品，与之前的手型相比，正好又往后移了一个半音。至于在三弦和二弦上，做四度双音和弦，道理也差不多，指型和之前比发生了变化。
4、关于指板音阶记忆的一点想法
前边说了那么多，其实有价值的就在于：六弦到五弦，五弦到四弦，四弦到三弦，二弦到一弦之间都是纯四度音程，而三弦到二弦之间是大三度音程。这个有什么意义呢？
也就是说：在六弦到三弦这几根弦上，你随便按上某弦的某品出来的音，与它下边相邻弦的同一品的音，必然是纯四度关系。直观点说，只要在这几根弦上，某一品是个1，那么它下边的那根弦的同一品一定是4；如果某品是7，那么下边那根弦的同一品一定是3；同理，如果某品是6，那么下边那根弦的同一品是2；某品是5，下边那根弦的同一品是1——总之，即符合纯四度音程音阶的规律。
值得注意的是：如果某品是4，那么它下边那根弦的同一品，并不是7，而是#6。因为4－7是一个增四度音程，4－#6才是纯四度音程。
胡思乱想了很多，写了大半天，不知道对于各位朋友有没有帮助。不知道以前有没有人总结过，本篇文字是我一个字一个字打出来的。如果对您有帮助，那么我本人十分高兴；如果您觉得有问题，欢迎指正~
2022吉他教学——古典吉他自然扫弦的方法
古典吉他教学一直以来就以严格著称，每一个动作都得做的工工整整。其他方面更是如此了，关于古典吉他的自然扫弦，下面就为各位简单的介绍一下。
A 关于音色：
我们历来都有对不同音色的明显喜好。有人为大卫.罗素的音色而着迷，有人认为朱利安.布里姆拥有吉他完美的音色，同时，几乎没有人会对佩佩.罗梅洛的音色表示出厌恶。大师们的音色是否有着共同的特征在刺激着我们的耳朵呢?我想这就是我们所说的通透、穿透力。
让我们大致对一个音的振动进行分析。每一个乐器发出同一音高的音时，我们能清楚地辨认出它是什么(小提琴、钢琴或吉他等)，这是因为因为它们各自具有自己的音色，而这正是由它们的振动频谱所决定的。也就是说，一个音实际上包含了多种频率的振动的叠加。其中最低的频率(基频)就是我们所听到的音高。在此基础上还有基频的2倍、3倍…….等频率的叠加构成了每个乐器独特的音色，而我们把比基频高的其他频率称之为泛音(更确切地说应当是滤掉某个频率以下的低频，剩下的频率的集合称为泛音)。假如我们把其中不同频率的振动一次定义为0级、1级、2级……..等等，那么每种乐器的各级振动的强度(振幅----大于等于零)是不同的，因此形成了他们独特的音色。
对于拨弦乐器(包括钢琴)，在其振动的各级频率大致固定(特有的、从而区别于其它乐器)的情况下，我们仍然可以人为的控制其细微的变化这。首先，要知道琴弦上每一点的运动(振动)速度是远大于手指的运动(拨弦)速度(对于钢琴来说则是琴槌击弦和离弦速度)的。因此，不可避免地在手指(琴槌)离弦时，振动的琴弦中某些频率的泛音被手指(琴槌)不同程度地阻尼掉了，就是个人的音色特点。当然，这还包括了拨弦前的手指动作(击弦前琴槌速度)的影响。
对于吉他，众所周知，拨弦前的动作(绷弦过程)会影响到个人的基础音色，这里不作讨论。我仅就手指离弦的动作对音色的控制作一些肤浅的解释。当手指离弦速度越快，被消除的高频振动越少，此时的音听起来越清澈、透亮;反之，则柔和、厚重。如此，在我们已有的基础音色前提下，通过控制手指的离弦速度，就可以获得更丰富的声音色彩，从而使音乐更生动而富于层次感。
B 关于手指运动
那么，如何才能有效地控制手指的运动呢?我这里目前能想到的答案只有‘放松’二字。
首先，我想斗胆提出一个与大家所接受的拨弦方式完全不同的一个概念，即自然拨弦法。在一段时间内我们总是习惯于用‘第三关节发力’和‘第二关节发力’来描述不同的拨弦方式。在我的教学实践中，从来都是避免使用‘发力’这个词，而是尽量用‘运动’去解释，这样做的直接好处是，我们很容易理解‘和钢琴的琴槌与琴弦一样，吉他的音色也直接取决于指甲/指尖与琴弦之间的相对运动’(这里先不考虑拨弦位置和角度的问题)。
现在回到自然拨弦法上来，手指运动的目的是直接获得音色而服务的。而根据前面的分析，手指(指尖)越灵活越能获得丰富的音色，而这灵活可以用手指的相对放松程度加以描述。自然拨弦法正基于此!它强调手指的每一个关节都参与拨弦运动(当然一般指自然运动，即正向弯曲)。这时，我们不再把目光集中在‘哪个关节发力’这一表象，而是直指‘指尖运动的灵活性’这一实质。
自然拨弦法所强调的自然运动，当然是指生物意义上的自然运动。换句话说，它不表示长期打篮球的手指的‘自然运动’或者长期握笔的手指的‘自然运动’这些个性，而是有利于吉他演奏的生物意义上的‘自然运动’，因此它是具有严格规范的‘自然运动’。
伸出一个手指，凭空做一个(无阻力的)拨弦动作，最自然而放松的动作是‘每个关节都正向运动(弯向手内侧)’，这就是最符合生理特点的运动。无论你想仅用‘第三关节发力’或‘第二关节发力’都将导致僵化，更何况我们不必自欺欺人地掩饰真正的发力点都来自手腕以上的前臂上的某些肌肉而不是关节!!!
C 关于音色控制和演奏速度
如果你认同自然拨弦法，那么下面的训练可以带来至少两个方面的明显提高(在正确的指导下)。
训练法粗探：1. 用极轻的音量和较夸张的单个手指的运动来巩固自然拨弦法的动作。目的：手指极度放松，并适应生理弯曲;2. 分别控制第三关节和第二关节作为主要运动关节(第一关节由于生理原因，其运动对音色的影响次于前二者)。目的：使手指的灵活性进一步提高，并在运用中立刻获得有变化的音色;3. 其它要点，指甲宜稍短些，手腕放松(关键之一)，从前方看来，手腕手臂几近直线。其他有关右手的基本姿势在此描述难免带来误解，在此略。
通过训练，采用自然的生理运动形式的拨弦，可以在音色变化和右手演奏速度上有明显提高。先说音色，在自己已有的基础音色前提下，如果不拘泥于‘发力关节’的束缚，我们可以通过自然拨弦法的练习使手指的灵活性显著提高，从而轻易地控制拨弦和离弦速度，得以在不改变手型、位置、角度的前提下获得丰富的音色。其总体原则是：更多的第二关节运动使音色更清澈、透亮;更多的第三关节运动使音色更柔和、厚重。再说速度，在合理运用自然拨弦法后，由于手指的运动更符合生理弯曲，更有利于放松(灵活)，正确的训练短期内就可以达到右手速度的提升(我自己由于多年前右手严重的受伤而导致的拨弦紧张、手腕跳动等毛病也因此根除)。
D 提示：
1. 琴弦振动得以在吉他上放大，其本质是作用于面板的张力(弯矩)的周期变化而非琴弦的振动方向。结论：勿需妄想地控制振动方向，从而进一步解放右手，可以在必要时进一步缩短手指在琴弦的滞留时间，一如钢琴琴槌与琴弦之关系。
2. 从各位大师迥异的右手分析，显然得出‘第三关节发力’与‘第二关节发力’之争论的徒劳。结论：自然运动的个性与普遍性使然，放松第一。
3. 手指在琴键上的各种运动(尽管名目繁多)通过杠杆直达琴槌与琴弦的相对运动，说明钢琴的‘一百种音色’完全取决于琴槌击弦和离弦的速度——一如右手在吉他弦上的作用。
2022吉他教学——超级细致的吉他速度练习方法
新手对于速度的渴望是相当强烈的，特别是看到大师们超精彩的演奏时。这种渴望是可以理解的，但是连吉他谱都还没看明白之前就想要速度，这未免也太不现实了。因此给大家几点建议，希望这些方法能够帮助到大家尽快实现速度梦。
一、我来给大家说说怎样把弹奏的速度练到220以上的极限吧!我看到一位网友说的每天练习6-7个小时就可以练的很快，我觉得这样说太简单了!要想把自己的速度练到220以上除了每天做5个小时以上的练习以外还，你用来弹奏的设备也是很重要的，首先，你必须要采用1毫米以上厚度的拨片，最好是专业的速度拨片。其次是你的吉他，最好是使用电吉他(比较好的电吉他)来练习，而且你的电吉他最上面的拾音器的功率要在6K以上，否则你的吉他功率就跟不上你的速度!
说完了设备，其次是你在练习时使用的音色。在练习这样的超速度的情况下，不能使用太重是失真音色(如：死亡金属)，使用太重的失真你弹快了你就不知道你在弹什么了!在印象的调整上：高音开大一点，低音开小一点!中音可以根据自己的音箱已经吉他的情况进行调整，最好是比高音略小!现在接着说联系的方法，方法分为入门和提高。在进行入门之前需要进行掰手练习，这个大家都知道就不多说了，入门是进行半音阶，手指的组合为1234的时候我们又6铉向1铉依次进行 ，再又1铉向6铉，4321的指型也一样。然后是三连音，三连音的指型有124、134、和123。先说124的指型：124的指型跨度至少为5个品，就是说每2个手指之间至少间 隔一个品。然后是134的指型：134指型的跨度至少在4品，就是说你13两个手指之间至少间隔1品。对于123的指型应用也很广，几乎所有的吉他大师都很注意这个指型，123手指主要是作为取代134的指型，就是说12两个手指之间间隔1品，用123的指型取代134的指型的好处在于23这两个手指的灵活性比34两个手指的灵活性要 大，这样可以使我们弹的更快、更轻松。
这里所说的手指的跨度只是对与一般的同学，手比较大的同学可以自己应用这样的组合进行大跨度的组合练习。大家在练习三连音的时候先要选择一个音阶，然后在所选择的音阶上自由的组合练习，这样比我告诉大家在哪几品上练习更有效!这样也可以提高大家的创作能力! 提高的练习就是练习如YNGWIE这样的速度型吉他大师的作品和自我创作(前面说的选择音阶进行自由练习就是为这里做准备)。提高部分最困难，这需要大家有明确的目标的极具乐感的头脑，这不但是进行练习也是进行创作!在提高练习中的琶音和点铉以及勾铉，在以后再给大家进行讨论!
二、这里主要讲述关于主音吉他速度的一些技巧和练习，下面我们就开始学习吧!(其实我个人总是认为盲目的追求速度是错的，重要的是在于表达想法而不是表现自己，也许你的速度很快，如果要你弹慢的呢?所以感情是很重要的!)A.手指独立性练习：(5条练习)将你的音箱调到清晰，无失真的音色，慢慢的练，保持稳定的节奏。关键是准确度和控制力，而不是速度。注意：1.将手指贴近弦;2.正确按品位;3.用手指尖练习;4.当下一个来临时，抬起每一个手指 ;B：颤音练习 为了消除不需要的杂音，用食指轻轻的按，并制音相连的弦;C.槌击音至新的一根弦必要时用食指护弦;D.连续性练习一个连续是指一系列旋律思想重复演奏。以三连音连续的音阶是很好的左手练习。
对于一个主音吉他手来说，必须发展演奏技巧使其能演奏出他想象中的东西，任何音符连接。一个连续的布局应能有效的运用设备中已存在的能力，而不是分隔的学习每一个技巧。技巧练习练习是改进特定技巧的工具。他们能使你致力于单个技巧，是你能很快的掌握。通过正确的练习，能使你在你几星期或几个月，而不是几年，获得成功。
慢慢的演奏，不要出错。你的手指将以你的训练而移动。假如你快速练习，到了100次你能说到101次，你突然就能正确而清晰的演奏么? 慢慢的练习出来的手指将更稳定更自信。考虑质量，不要考虑数量。过分集中注意力会让你紧张，焦虑。这种压力会使你犯更多的错误，反过来又加重你的焦虑。不要压迫自己，保持平稳而流利的节奏。与节奏结合的自然运动会阻止心理障碍的产生!既然练习是按提高某种技巧而设立的，你应该明白练习的目的是什么，然后在你练习时，集中注意力。 假如你联系某种技巧太多的时间，你实际上会开始走向反面。演奏一些不同的东西，再回到原来所练习的，你会发现原来这么容易!
三、可能是受唐朝的影响吧,我在刚学琴时满脑袋都是想我要怎么弹的快,天天背个琴,对着镜子摆姿势,使劲的练,后来速度真的上来了.我也挺骄傲的,上酒吧去显,可是我发现我的速度是行,可和人家一比 我弹的特别的脏 杂音大,那时我还在上学,有的是时间,我就琢磨,我练的方法肯定不对,酒吧的吉他手,也说我的手抬的高.那就练左手吧,1234每个人都弹过,我的练习方法是,在6弦弹完换5弦时,1指弹5弦1,234指在6弦不动然后是2指 3指 4指 在下行慢慢的练到震音的速度.然后是1243 2134 刘传的吉他精彩乐句里有一共32个.还有234指弹123 和134指的357 134 124 都是同样的方式.然后是各种音阶,虽然很累手,但可以保证你以后可以弹的很干净,所以现在我一直认为干净在速度之上,就是能听出个数,也练习了手指的协调.如果你有时感觉弹快时,左手好象有些飘,不妨练练,可能听起来挺简单.但要是练一下,你会发现,很累手的,坚持住,这就是基本功. 以上是我个人的观点.
四、首先，我认为演奏快音阶除了要左右手配合密切外，还要注意几点：(1)左手的姿势 要正确，抬指不能过高;尽量靠近弦，这样就能减少手指在空中停留的时间 从而提高速度。(2)左手换把要快速`准确 (3)为了减少杂音，所以要做到‘弦离品后，指不离弦’电吉他 上这一点最重要，(4)掌握好PICK的上拨和下拨的原理，这个要自己把握才能熟练 (5)刚一练不能追求快速，处理好意识和技巧的协调，做到每个音都均匀连惯，切 不可急求成使发音不清楚(6)利用开弦音过渡。 最后你要长久的 坚持下去，每天1个小时的练习就可以了。如果上面的你都能做到，那你一定能弹出一连串华丽 清脆 快速的华彩来的。努力吧，你一定能成功的!
五、关于节拍和速度的理解：速度是每个主音吉他手都关注的问题，但现在看了些留言，发现很多吉他手没有把速度和节拍结合，所以就有了每分钟‘220拍16音符’这个模糊的速度概念。学声乐的都应该知道，一般视唱歌谱前都有一个节拍速度，比如‘4/4 146=4分音符’，意思是这歌谱是每4分音符为一拍，每小节有4拍，每分钟演唱速度是146个4分音符的时值。即这歌谱在4/4拍的前提下速度是1 46，是快板，速度算是较快的。
但如果是这样的节拍速度‘4/4 146=8分音符’，那速度就不同了，可以说时值[时间]少了一半，速度也就是行板。所以，衡量吉他手的弹奏速度，必须要联系节拍的定位，有些吉他手说速度达到200多，这200的速度是200=4分音符，还是200=8分音符呢?试想一下，如果是4 /4 200=4分，那他一分钟的弹奏速度就是200个4分音符，合等于400个8分，再合等于800个16分音符每分钟-------一分钟要弹奏800个的16分音符，可以算算一秒钟你要弹奏几个音?- ------至少是13个音符，不要说是左手跟不上，你的右手一秒钟弹13下弦[且不一定是同一根弦]就是个要突破的极限。所以，吉他手说弹奏220拍的16分音符，假如是220=4分[每分880个16分，每秒几乎15下]，那他可以和世界大师媲美了，如果是220=8分，那就不一样了，速度就一般了。所以，说速度时，别忘了节拍!!!再一次说明，人的极限是2 40=4分，要是还不相信我的话，我还是建议：买张音乐光盘装在电脑上，测一测就知道!
六、速度练习之一 ：不知你有没有想过弹的象JOE STRIANI或YNGWIE MALMSTEEN那样又快又准确?以下的练习将会对你的速度和准确性有所帮助。或许你觉得帮助不大，这可能因为每个人的练习方法不同而已，从我练习的体会来看，练习复杂的音阶对速度提高有很大帮助。相信对大多数练习者还是适用的。
2022吉他教学之拨片的使用方法
吉他教学中，对于拨片的介绍并不是很多，有的也只是粗略讲解，点到为止。对于一个使用拨片的吉他手来说，怎样拿拨片，使用什么样的拨片并且使用好它是很关键的。我也练习过一些教材，但总认为对拨片的使用方法介绍的不够详细，下面我就讲讲我的一些体会。
如果你喜欢玩速度，那么我认为对拨片的的拿法更应该讲究。因为在快速的演奏当中既要弹的清楚而且还不能出现杂音。我一般使用1.5mm的拨片，拨片的形状因人而异，主要看自己的习惯了。因为1.5mm的拨片过弦时不会打弯，也不太厚。拇指和食指的指肚紧夹住拨片，夹角为90度。拨片的尖端最好留三分之一到四分之一的距离防止在快速振臂时拇指或是食指碰到琴弦出现杂音。
拨片同弦之间要有一定角度，其余的三指可自然的打开，小指也可做个支点支在琴上。右手拿好拨片后用振臂方法弹奏，注意振臂要求手腕不动，小臂上下振动动作越小越好。开始时大臂肯定会很酸，手不听使唤，最好练习一些半音阶，节拍器调到60左右。往后找一些yngwie malmsteen的东西，由慢到快练习最好。
2022吉他教学——四种常用的调弦方法
初学者平时练习吉他的过程中，最大的困扰之一应该有调弦吧。由于对乐理知识的匮乏，和刚刚接触吉他的生疏，调准琴弦应该是件很难的事情。有四种常用的调弦方法，菜鸟们快来看看吧!
第一种：如果有效果器的话可以用效果器辅助调音
第二种：如果有键盘一类的乐器，按照键盘相应的音高调音
第三种：没有其它器乐可以听家里座机电话的盲音，是标准的A。选择以上三种方法中的一种调好一弦的标准空弦音(E)，用第三种方法的话，听一下电话的盲音，按住一弦五品来对音高。
一弦调好后，按以下：
二弦五品对一弦空弦
三弦四品对二弦空弦
四弦五品对三弦空弦
五弦五品对四弦空弦
六弦五品对五弦空弦
这样的原理来调其他的弦。可以不用这种顺序，只要调准一个音，其余的都按这种关系去调就可以。
第四种：泛音调法。用此种方法一定要有基础，并且耳音相当的好，能直接哼出基本音的音高，对于初学者来讲不适用，最好把基本的调法掌握好，等熟悉音高后慢慢就能调的熟练。
2022吉他教学——吉他入门的具体练习方法与步骤
很多吉他入门的新手常常在自己练习的时候显得不知所措，因为才吉他入门的缘故、很多高层次的理论性知识明显不足。所以很多新手在吉他入门后，因为这些原因便从此辗转反侧，从此停步不前。今天我们就来讨论讨论新手该练些啥东西？
第一步，照着六线谱把它弹出来，这个过程可能很枯燥，因为要重复很多遍，这个过程只是为了让你掌握技巧，让你的手体去会这个技巧该怎么弹，你可以不知道自己弹的究竟是什么音，这不重要，只要尽量试着把它弹出来就行了。
第二步，只看五线谱或简谱把练习弹出来，这个过程应该注意每弹一个音都要用身体去体会这个音的音高，这个过程可以帮助你熟悉音阶和指法，应该注意学着作者的谱指法是怎么安排的。(第一遍对你来说只是知道该怎么弹，这样的练琴对你来说就和体育运动差不多，根本对音乐的学习没有用处，不过很可悲的是，我觉得很多人练琴都只停留第一遍这个层次上，以为可以弹出来就完事了)
第三步。不看谱把练习弹出来。不过要说的是，很多人以为背谱就是把旋律作为指板上的位置记下来，我觉得不应该这样这样的。上面的第二遍要你在练习的时候用身体去感受音高就是为了这里做准备，到你练到第三遍的时候应该是预先在心里把下一个音哼出来，然后用身体去体会这个音应该在指板上哪个位置。
当你在指板上把这个音弹对了，你就有一种很舒服的感觉。如果不对，究竟是高了还是低了，然后再凭听力去把音找对，这个过程我觉得非常重要，背指板应该是对音高的感觉，绝不是位置。对音高的感觉是非常重要的,我觉得这种感觉对扒谱以及即兴都是有很大的帮助的。
2022吉他教学——浅谈提高吉他演奏速度的方法
吉他入门的菜鸟们，在看到高手们快速流畅的演奏时，心里总是激动不已，以至于追求速度就成了他们的首要目标。其实不然，速度是在基础之上更高层次的东西。水平不够盲目的追求速度只会适得其反。谈到速度，那接下来我就跟大家聊聊速度的话题吧!
先对于半音阶来说，每天对着节拍器苦练，的确能达到一定的速度，但是大部分人音的质量不高，经常还出现漏弹、弹错音、跨错弦的现象。为什么呢?主要还是音的基础没有打好。怎么练呢?长音是最重要的。具体做法是把节拍器开到六十，如果你有个好的节拍器或者电子节拍器甚至可以开的更低，在这个速度下弹全音符，就是一小节一个音。注意!不是一拍一个音!要求：每个音的音头都要明显，延音不许出现滋滋的打品声，而且在音的延音过程中从响到轻应该是很平稳的，不许出现突然停顿的状况。还要注音节拍，抢拍和拖拍都是不允许的。在这个速度弹稳以后，再将速度上升一格，接着练，一般一个速度至少练习一个满发条。这很难!许多人会因为忍受不了而放弃，但只要坚持下来，就会发现原来提高速度是一件很容易的事。
其次就是左手的手型，按完一个音在按下一个音的时候，这个手指还是保持在指板上，依次类推，包括换弦的时候也是如此。这样练有三个目的：1)练习指劲(力度)2)打开手指(就是跨音)3)强制养成一个手指幅度小的习惯(手指抬的低否直接影响速度)当然在实际运用中是不可能这样弹的，这样弹就是为了强制性的养成良好的手型。在速度达到120以后，可以看情况放开。 再次就是右手。由于人身体结构的限制，所以左手在换把位时容易连带运动，所以在换把时需要右手强化一下，具体可以在弹半音阶时右手做重拍移位，举例：重+++ +重++ ++重+ +++重 +重+重 +重重+ 等等。统统慢练到快。可以把左右手不均的毛病彻底改掉。
以上三样综合练习，可以说是速度的倍增器，注意严格按照我说的做。另外，在弹到120的时候是个坎，需要多做练习。当然这不是最终的，人们往往会找到舒服又适合自己的手型，但这样做是养成良好手型的基础。 还有一点，很多人谈到练琴的时候都会说"苦练"，其实这就大错特错了!千万不要把练琴当作苦差事，要保持愉快的心情练琴，注意休息，累了就休息，这是为了让疲劳的双手保持最佳状态的办法，想想看，在你累的要死的时候再让你背着煤气罐爬20层楼梯~~~~如果不垮才怪呢!手也一样。千万不要练的恨琴，这样是练不好琴的。你都恨他了，还指望他为你唱歌吗?
2022吉他教学——吉他音阶练习
导读： 说起音阶练习，大多数人想到的可能是无数种音阶。什么自然大小调音阶，和声大小调音阶等等等等.‘
这些音阶的练习，无论在任何乐器中，都是伴随一个演奏者一生的练习，从初学到最后技术与音乐性日趋成熟之后，不同的阶段都有不同的练习目的。但单就从技术入手，音阶的练习价值到底在哪些地方，恐怕无几人能晓。我认为，在学琴初期，尚未能打下坚实的技术基础以前，音阶练习不在多，而在精。那现在就以小弟个人经验，谈谈音阶的几个基本的练习目的和如何把一条音阶弹好。
演奏音阶的要求主要在以下几点：
1、音与音之间完成的要连贯，给人感觉一气呵成。
吉他的乐器本身的特点造成，发出的音是以颗粒状出现。这一点与钢琴相似，比起其他弓弦乐器来，在发音的连贯流畅方面就有一些劣势。所以为了做到连贯统一，吉他演奏者必须掌握的基础的一项技术，就是保留指法。在音阶练习中，如要做到连贯统一，也就必须运用保留指法这个技巧。这就是说，要保持每个音之间不间断，必定在弹完某个音后某个指头必须保留在琴弦上，以使其延长。并且这个保留的手指，不能影响下一个音的出现与质量。在演奏音阶中，做到这一点，必定可以练习手指的独立性。这也是音阶的基本练习目的之一。
2、音色要统一，优美。
一条完美的音阶，音色应该是统一，优美的。一个完美音的发出，综合了左右手的很多细微的技巧，非一日之功。在音阶练习中，我们就要积累对音色美感的认识，和对音色的敏感。左手按弦的方式，按弦的力度，时机，等等条件，都能影响到音色。右手的过弦速度，力度，角度，也能影响到音色。其中涉及面较广，就不详细解说。提出音色要求，只是希望大家在演奏音阶的过程中，培养一个对音色的意识。
3、强弱的起伏。
音乐是有规律的，如果遵循这种规律，那音乐既可得到生命。成为活生生的东西，这样才具有感染力。其中很重要的一点，也是小弟看到过很多人忽视的一点，就是演奏中的强弱起伏。这也就是平时所说的音乐中的感情体现的一个方面。那强弱的规律，在音阶中很好体现，所以我们应该在音阶练习中形成科学正确的对音乐的理解方式。具体的做法很简单，就是上行的音阶渐强，下行的音阶渐弱。很多人在演奏中，虽然乐感能到位，但却没有做过这方面的训练，基本工夫不够，所以造成想强强不上去，想弱弱不下来。所以音阶也是练习这方面的一个很好的工具。
4、速度的均匀。
与前面几点相比，速度是最不容易被练习者疏忽的一个问题。但真正对速度的要求，不仅仅是在快，更重要的是在慢。关于这个，可以举个很简单的例子，当你在以 60的速度1对8的弹一个音阶的时候，也许你的每个音之间的时值是很均匀的。而当你以每分钟60拍的速度1对1或者1对2的时候弹同一个音阶，你的每个音的时值会变的很不平均。所以我提倡的还是慢练，越慢越好。在慢练的过程中，去努力做到上面所说的3点。当这三点都做的很完美了速度也均匀了，自然音阶也能弹到很快了。并且快而精。
以上是从音乐性的角度出发，所谈的音阶练习的几个要求与方法。大家可以从上面的要求看出，音阶的练习几乎包含了所有音乐最基本的内容。所以无论什么程度的演奏者，音乐的练习都是必不可少的。
给大家介绍了小弟一点不是经验的经验，希望能对大家有用。由于时间仓促，水平有限，文中有很多错误之处，还希望大家批评指正。