造成这种差别的一个重要因素就是：练习时间而非能力、就你个人而言，一天练习3小时与一天练习6小时，是绝对不一样，到底多少时间适合，则因人而异。下面我要谈的是另外重要的一点就是，在保证练习时间的前提下，如何提高练习效率：
1、每次都要正确地“热身”
刚从别人那里拿来一堆快得像机关枪似的旋律就开始练习，这可不行。弹吉他也像跑步或任何形式的运动一样，手指需要先做“热身运动”，才能达到良好状态。你首先需要做一些左手手指的扩展运动，从幅度小的到幅度大的，这样可以让血液流到你的指尖。然后再做一些音阶弹奏练习。这类练习有很多，你可以选择一套自己喜欢的。
2、学新东西时 练习速度不犯错
这一点再怎么强调也不过分，每次你学弹一首新旋律的时候，你第一次弹的状况就是你的大脑被指令牢记。并在将来照样弹出的状况。因此，如果你允许自己弹错，而不停下来纠正，你实际上是在告诉你的大脑，可以一遍一遍地犯同样的错误。除非你借用某种信号，让你的大脑知道错误是不可接受的。否则，错误就会被编成程序，永远地停留在你的潜意识里。一旦定好了程序，犯同样错误的可能性总是存在的。即使你想努力重新改写程序，你的潜意识里也是有了弹奏同一段旋律的两个程序。这样，你上了台用哪一种程序呢？正确的概率只有百分之五十，这多可惜。要避免这一点，就需要你在平时的练习时，不要弹错，以不弹错为准放慢速度。
3、弹熟一个旋律，在脑子里想象它
在你缓慢地正确无误地弹奏一段旋律之后，把吉他放下，闭上眼睛。你需要保持绝对安静，不要看电视 ，不要让任何东西打扰你。在脑海里想象刚才正确的弹奏动作。想象刚才弹奏的音符(特别是重点难点)。想象你的手指在缓慢地弹奏一个又一个音符。你要学会这种想象，它可以使你的练习效率提高30%。也就是说，别人弹奏10遍，你只要7遍加3遍想象就可以了，并且效果好得多。这种练习可以在沉思或入睡之前进行。这种练习的另一个好处是可以培养你快速集中注意力的能力。
4、在练音阶等技巧时，可以看电视或聊天
这一点听起来有点奇怪，我来解释一下。前面说过，在你学新东西的时候，要尽量减少分神的东西，以便使你的头脑遍好正确的程序。但是，到了你真正学会了，可以闭上眼睛想象出整个旋律的时候，就应该让负责速度和灵活性的神经元接管它们。所以看电视的时候进行音阶等练习，实际上是分散你大脑的注意力，让它不再起作用，这样就可以最大限度地放松，而让神经元最大限度地发挥，这样速度就产生了。看电视或聊天时若觉得吉他音量大的话，可以用一块布塞在靠近琴码处的弦的下面。
5、弹奏的时候不要看手或吉他的琴颈
如果你还要问“为什么不能看”的话，那么你就需要把上面的内容重新再读一遍。我们已经知道了让大脑不起作用的好处，现在我们再让你的眼睛也起不了作用。再说一遍，如果你弹曲子的时候眼睛还得看指板，那么说明你还没有真正掌握这个曲子。不仅如此，你甚至还不了解吉他上的各个位置。在演奏音乐的时候，眼睛是五种感觉器官中最不重要的一个。想一想，贝多芬及一些盲人音乐家，他们的优势在于，当没有视力的时候，听觉和触觉的敏感性会提高到一个新的水平，试一下闭着眼睛弹的效果。
6、一定要背谱
当你把一段旋律的节奏。速度。把位。和音符都搞清楚后，就应把谱子放到一边去，越早越好。你要努力记住谱子上的一切，并把它转化成旋律刻在脑子里。今后你只要想到了这段旋律，马上就可以把它弹出来。
7、大量的短时间练习效果最好
一个人的注意力只能维持一定的时间。已经证明了，几次短时间练习加上休息，比起依次长时间的练习，效果要好。我自己弹琴时发现，如果集中精力练一个小时到二个小时后，休息15到30分钟，然后再接着练，练习的效果就非常好。如果我某一天不在状态，或者不知为什么注意力不集中，我就把没段练习时间缩短到15分钟，中间可能休息15分钟。实验一下，找到你自己独特的生物钟，然后再决定什么时候练习及练习多长时间。
上述这7个秘诀有的你可能知道或听说过，也可能正无意识地使用其中的1、2个。这是不行的，也是远远不够的，你要真正理解并持之以恒地全面使用它们。刚开始的时候可能有些不太适应，熟练运用之后，效果会很明显。当你与的同伴一起开始学琴，而你运用了这些秘诀，3个月后看一看，你肯定会发现比他进步快。
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2022吉他教学——提高练琴效率的几条秘诀
专业吉他手之所以专业，很大程度上是因为他们有大量的练习时间。在国外职业吉他手每天练习（包括排练）8到10小时是很平常的事。而业余吉他手之所以“业余”很大程度上是因为他们只能在有限的业余时间里练习。两者在能力.水平上的差别是极为明显的.而造成这种差别的一个重要因素就是:练习时间而非能力.就你个人而言,一天练习3小时与一天练习6小时,是绝对不一样.因此我要说,第一重要的是保证足够的练习时间.到底多少时间适合,则因人而异.下面我要谈的是另外重要的一点就是,在保证练习时间的前提下,如何提高练习效率,如何能使练习事半功倍.
几条秘诀:
1:每次都要正确地"热身"
刚从别人那里拿来一堆快得像机关枪似的旋律就开始练习,这可不行.弹吉他也像跑步或任何形式的运动一样,手指需要先做"热身运动",才能达到良好状态.你首先需要做一些左手手指的扩展运动,从幅度小的到幅度大的,这样可以让血液流到你的指尖.然后再做一些音阶弹奏练习.这类练习有很多,你可以选择一套自己喜欢的.
2:在学新东西的时候,练习的速度以不犯错为准.
这一点再怎么强调也不过分,每次你学弹一首新旋律的时候,你第一次弹的状况就是你的大脑被指令牢记.并在将来照样弹出的状况.因此,如果你允许自己弹错,而不停下来纠正,你实际上是在告诉你的大脑,可以一遍一遍地犯同样的错误.除非你借用某种信号,让你的大脑知道错误是不可接受的,否则,错误就会被编成程序,永远地停留在你的潜意识里.一旦定好了程序,犯同样错误的可能性总是存在的.即使你想努力重新改写程序,你的潜意识里也是有了弹奏同一段旋律的两个程序.这样,你上了台,用哪一种程序呢 ?正确的概率只有百分之五十,这多可惜.要避免这一点,就需要你在平时的练习时,不要弹错;特别是最初的几次.而不弹错的关键就是放慢速度.多慢才合适呢?以不弹错为准.(在这里我想说一点我个人的愚见,不仅是平时对着谱练习时要注意这一点,像我们这些玩bass的菜鸟在平时扒带的时候也要注意,尽量听准了音,在最初的几次把谱完整的扒出来,当然到了一定时候即兴玩得很好的时候也可以自己加些东西进去,使音乐更加完美.)
3:一旦你弹熟一个旋律,微放下吉他,在脑子里想象它.
在你缓慢地正确无误地弹奏一段旋律之后,把吉他放下,闭上眼睛.你需要保持绝对安静,不要看电视 ,不要让任何东西打扰你.在脑海里想象刚才正确的弹奏动作.想象刚才弹奏的音符(特别是重点难点).想象你的手指在缓慢地弹奏一个又一个音符.你要学会这种想象,它可以使你的练习效率提高30%.也就是说,别人弹奏10遍,你只要7遍加3遍想象就可以了,并且效果好得多.这种练习可以在沉思或入睡之前进行.这种练习的另一个好处是可以培养你快速集中注意力的能力.
4:在练音阶或其他重复性技巧的时候,可以看电视或聊天.
这一点听起来有点奇怪,我来解释一下.前面说过,在你学新东西的时候,要尽量减少分神的东西,以便使你的头脑遍好正确的程序.但是,到了你真正学会了,可以闭上眼睛想象出整个旋律的时候,就应该让负责速度和灵活性的神经元接管它们.所以看电视的时候进行音阶等练习,实际上是分散你大脑的注意力,让它不再起作用,这样就可以最大限度地放松,而让神经元最大限度地发挥,这样速度就产生了.看电视或聊天时若觉得吉他音量大的话,可以用一块布塞在靠近琴码处的弦的下面.
5:弹奏的时候不要看手或吉他的琴颈.
果你还要问"为什么不能看"的话,那么你就需要把上面的内容重新再读一遍.我们已经知道了让大脑不起作用的好处,现在我们再让你的眼睛也起不了作用.再说一遍,如果你弹曲子的时候眼睛还得看指板,那么说明你还没有真正掌握这个曲子.不仅如此,你甚至还不了解吉他上的各个位置.在演奏音乐的时候,眼睛是五种感觉器官中最不重要的一个.想一想,贝多芬及一些盲人音乐家,他们的优势在于,当没有视力的时候,听觉和触觉的敏感性会提高到一个新的水平,试一下闭着眼睛弹的效果.你观看最出色的乐手演奏,就会注意到他极少看自己的手或吉他(即使偶尔看也是另外意义上的看,不是去棒子机找准音符).你应该看你应该看的地方,如:你的观众.要养成不看手或琴颈的良好习惯,这一点很重要,并且要从现在开始.
6:一定要背谱.
当你把一段旋律的节奏.速度.把位.和音符都搞清楚后,就应把谱子放到一边去,越早越好.你要努力记住谱子上的一切,并把它转化成旋律刻在脑子里.今后你只要想到了这段旋律,马上就可以把它弹出来.
7:大量的短时间练习效果最好.
一个人的注意力只能维持一定的时间.已经证明了,几次短时间练习加上休息,比起依次长时间的练习,效果要好.我自己弹琴时发现,如果集中精力练一个小时到二个小时后,休息15到30分钟,然后再接着练,练习的效果就非常好.如果我某一天不在状态,或者不知为什么⒁饬Σ患??我就把没段练习时间缩短到15分钟,中间可能休息15分钟.实验一下,找到你自己独特的生物钟,然后再决定什么时候练习及练习多长时间.
古典吉他大师
世界上著名的古典吉他大师，它们的练习以及它们弹奏的曲子，是我们古典吉他爱好者学习的基础。下面是小编给大家整理的古典吉他大师，供大家参阅!
古典吉他大师1佩佩罗梅罗佩佩罗梅罗(Pepe Romero - Guitarist)，1944年3月8日出生于西班牙马拉加，吉他演奏家。
佩佩的第一次专业演出还是在与父亲一起举办的音乐会上，时年7岁。作品有《父亲教我的歌》、《阿兰湖艾斯兹协奏曲》。
1958年，佩佩罗梅罗一家移居美国加州之后，佩佩与他的父亲及兄弟一起建立了世界一流的古典吉他组合罗梅罗四重奏。尽管佩佩以其古典吉他的演奏闻名遐迩，但他对于故乡安达鲁西亚传统的弗拉门科音乐始终充满了激情。次年就以一名弗拉门哥吉他手的身份录制了他的首张现代派唱片Flamenco Fenmeno! 当时的他只有15岁。
佩佩罗梅罗还首演了一些历史上有名的作曲家的主要作品。作为著名的古典吉他独奏家，佩佩曾与世界上最著名的指挥，如内维尔马里纳阁下(Sir Neville Marriner)、尤金奥曼迪(Eugene Ormandy)、阿瑟菲德勒(Arthur Fiedler)等和最负盛名的乐团，如圣马丁室内乐团(the Academy of St. Martin-in-the-Fields)、蒙特卡罗爱乐乐团(the Monte Carlo Philharmonic)、意大利室内乐团(I Musici)等合作过。
佩佩的一张唱片《父亲教我的歌》中演绎了他父亲最喜欢的也是原创性的作品。其后他还发布了他为联合国儿童基金会(UNICEF)录制的一套波契里尼(Boccherini)吉他五重奏和弦乐四重奏，包括一首对马德里夜曲的吉他改编音乐。他最新的一张独奏唱片是一套才华横溢的艺术演绎为吉他而作的歌剧幻想曲。
继1991年夏天与I Musici(意大利著名的室内乐团)合作的唱片完成之后，1992年春天，佩佩又和内维尔马里纳(Neville Marriner，英国老牌指挥大师)及圣马丁室内乐团(The Academy of St. Martin-in-the-Fields)合作录制完另外一张激光唱片《阿兰湖艾斯兹协奏曲》及罗德里戈的独奏作品选。佩佩还是电影记录片《阴影及光明：罗德里戈的耄耋之年》中的主要人物，这部影片获得了大量奖项，包括芝加哥国际电影节、国际艾美奖及圣弗朗西斯科国际电影节中的各种奖项。在佩佩最近的音乐唱片分类中罗列了50多张唱片，其中包括由内维尔马里纳和艾娜布朗(Iona Brown)任指挥、与圣马丁室内乐团合作的20多首协奏曲。另外，他还重新演绎及初次公演了一些作曲家的主要作品，如索尔(Fernando Sor)、莫里诺(Francesco Molino)、卡鲁里(Fernando Carulli)、梅兹(Johann Kaspar Mertz)、波契里尼(Luigi Boccherini)等等。1983年，罗德里戈为佩佩写了最后一首吉他协奏曲《节日协奏曲(Concierto para una fiesta)》，这首作品由菲利普唱片录制。塞戈维亚(Andres Segovia)和作曲家托罗巴(Federico Moreno Torroba)选择了佩佩为其录制《吉他与管弦乐的对话(Diologos entre guitarra y orquesta)》的世界首演;这首作品最初是为塞戈维亚而作。1996年1月，由拉菲尔(Rafael Frubeck de Burgos)任指挥，佩佩在柏林首演了作曲家劳伦佐(Lorenzo Palomo)的作品《安达鲁西亚夜曲(Nocturnos de Andalucia)》。同年，佩佩的父亲Celedonio Romero去世，佩佩世界首演了父亲的吉他协奏曲及管弦乐作品《El Cortijo de Don Sancho》，由马歇尔帕尔默(Michael Palmer)指挥美国交响乐团(American Sinfonietta)。
古典吉他大师2山下和仁山下和仁 1961年3月25日生于日本九州长崎(Nagasaki)，八岁那一年开始跟随父亲山下亨(Toru Yamashita)开始学习吉他。
1978年，他首度在日本进行巡演，一年之后，他同东京爱乐管弦乐团同台献艺，同年在巴黎实现了欧洲的首次登台，并被认为是吉他最伟大的发现。1984年，山下和仁在多伦多吉他艺术节进行了加拿大的首次演出。1987年，长笛家詹姆斯加尔维(James Galway)邀请山下到美国举行一次二重奏巡演。他们在纽约、波士顿、芝加哥、华盛顿特区、和匹兹堡的演出为这位年轻的日本吉他大师带来了巨大的成功。结果他接下来便举行了一次个人巡演，途经洛杉矶、旧金山、纽约、华盛顿、圣路易斯，多伦多，和温哥华，他的音乐会门票总是全部售光。1988年，山下和仁在著名的维也纳音乐大厅(Musikverein)举行了一场独奏会。1989年，他在日本最著名的剧院东京卡萨尔斯剧院(Casals Theatre)举行了由七场音乐会组成、名为山下和仁的世界(The World of Kazuhito Yamashita)的系列演出。这7场音乐会跨时12个月，高潮是一次演出中卡斯特诺沃-特德斯科(Castelnuovo-Tedesco)所作的《戈雅的24首随想曲》(24 Caprichos de Goya)。该系列音乐会以连续两个晚上演奏巴赫的六首奏鸣曲和组曲结束。山下和仁在1994和1999年分别再次举行了系列音乐会。
古典吉他大师3杨雪霏杨雪霏，著名的古典吉他演奏家，是中国古典音乐家在国际舞台的代表之一。在其学生时代，杨雪霏就已高超的天赋备受瞩目。18岁时获英国著名吉他手约翰克里斯托夫威廉斯赠送他的珍藏吉他斯莫尔曼吉他。2005年获英国皇家音乐学院选为院士，并与百代唱片签约。多年来活跃在国际主流音乐舞台，杨雪霏被古典音乐电台Classic FM 评为我们时代最杰出的一百位古典音乐家之一。
杨雪霏，作为罕有的活跃在国际舞台上的中国吉他演奏家，被誉为当代其中一位最令人瞩目的音乐家新星。
10岁那年，西班牙大使观看了她的吉他首演。12岁，她不顾父母的反对，拒绝了北京最好的中学的邀请，进入了音乐学院。当时的条件异常艰苦，她甚至找不到一把好吉他，直到1995年威廉姆斯来中国巡演结束后把自己的吉他留给了杨雪霏。14岁那年，她来到马德里，为高龄眼盲的作曲家罗德里格演奏了他创作的那首不朽名作《阿兰胡埃斯协奏曲》。
2000年6月杨雪霏成为中国第一个取得学士学位的吉他本科毕业生，同年9月她作为第一个中国学生，也是全球第一个吉他学生获得英国皇家音乐学院委员会全额奖学金，赴英随米高卢因(Michael Lewin)及约翰米尔斯(John Mills)修读研究生课程。2002年以罕有的高分取得由英国皇室成员颁授学院的演奏家文凭、研究生文凭及院长特别奖，并获邀与皇家音乐专科学院交响乐团合作演出阿兰胡埃斯协奏曲。2012年以杰出成就，被授予皇家音乐学院院士荣誉。
吉他入门 和弦转换的高效练习
导语：和弦是由三个或三个以上的音按三度叠置关系纵向结合而成。也许有些同学现在不懂这句话的意思，不要紧，慢慢来，这个阶段大家心里只要有和弦这个概念，以后我会在基础乐理篇详细讲解一下和弦的构成。废话也不多说了，这是我在网上找的各个调式常用和弦的指法图，大家可以参考一下
好了，现在进入正题，如何才能高效的练习和弦的转换呢?下面我会为大家剖析一下要注意的要点。
一、按和弦时，手指尽量靠近品丝，但不要按上去。
例：
在进行这一步的时候，首先要确保左手手指甲已经剪掉。现在我们来看图，右边是C和弦的指法图，箭头的意思的手指尽量靠近品丝;而左边是C和弦的具体按法，指法是对的，但是，这样按弦是完全错误的，大家可以试一下，这样按是不是很难把弦按实，从而导致哑音或闷音的出现。而靠近品丝，则更加省力。
二、在手指离弦的过程中，尽量保持手指的距离越小越好。
在转换和弦时，我们的手指放开琴弦的一刹那，不要离开琴弦太高，这样会使和弦转换速度降低。这在弹慢一点的歌曲的时候看不出来什么，但是那种稍微快一点的歌曲，你的手指就跟不上了，所以大家要养成一个良好的和弦转换习惯。
三、转换和弦时，能不移动的手指尽量不要移动。
例：
我们可以看到，当从C和弦转换到Am和弦时，只有一个位置变动了，那就是5弦3品变为了3弦2品。这个时候，我们根本不必把所有手指都抬起来，而只需要把无名指从5弦3品挪到3弦2品，这样就可以快速的完成两个和弦之间的转换。当然，有时候我们的中指太靠近品丝，而使得无名指不好移动，这时也可以稍稍挪动一下中指的位置。类似的和弦准换还有很多 ，如Am转D7,C转Fmaj7,G7转Dm等。
四、当变换两个相同指型的和弦时，保持指型不变移动手指。
例子：
从图中我们可以看到，Am和弦和E和弦，如果你在吉他指板上按着它们，指型都是一样，只是所处的位置不同而已。对于这样的两个和弦，在转换它们时，我们只需要保持指型不变，把整体位置前移或后移就行了。类似的和弦还有Em和弦转A9和弦。
五、当两个和弦无任何相同之处时，先移动要按根音和低音弦的手指。
例：
为什么要这样?
当我们在弹奏右手分解和弦时，常常是先弹根音(一个和弦的最低音)和低音弦，而后再弹高音弦，这样在和弦转换不能一步到位的时候，可以尽量避免右手弹到了那跟弦，但是左手还没按到那跟弦上面。当然，世事无绝对，有些右手分解节奏型是从高音弦开始的，那就要根据实际情况改变了。但是大部分情况下，都是先弹根音或者低音弦。
OK，看到这里我想大家心里对如何高效练习和弦转换已经有了一个深刻的认识。还有最后一点要说的就是，小编认为，最好的和弦转换方法就是，在保持这些原则的前提下，来回转换两个和弦，哪里转换有问题，就转换哪两个和弦。当初破晓练琴就是这么练习的，现在分享给大家，希望大家每天都有进步!有兴趣的同学可以看公告加入我们的QQ群，大家一起学习进步。
古典吉他入门时间
古典吉他要多长时间才能够入门，才能对古典吉他的知识技巧都有一定的了解?下面是小编给大家整理的古典吉他入门时间，供大家参阅!
古典吉他入门时间1.其实古典吉他能入门就要2-3年了
2.古典吉他 和 小提琴 钢琴 被并称为 3大乐器
自弹自唱 一般是用民谣吉他
当然你古典吉他学个2个月 自然也会自己弹唱
只是古典吉他曲子难度更加高深 真的是一辈子也学不完
古典学1年当然可以用民谣弹流行曲
这里你说的弹可能是说弹唱吧?那是当然没问题的
学吉他的你如果只是为了弹唱那直接学民谣好了
但如果你想像更高的方面发展就学古典 古典吉他学好了 弹民谣吉他完全不是问题 转电吉他也很快的
古典吉他高音弦上的音符和练习1、高音弦第一把位练习
吉他高音三弦第一把位至第五把位的音符见右图，我们先来学习第一把位的音符和它们的指法。
高音弦第一把位单弦练习
三弦综合练习
①以上练习中临时升降音较多，请细心弹奏。
②练习3为3/8拍，这种以八分音符为一拍，一小节三拍的节奏与3/4拍的节奏很类似，，注意打拍子练习。
③练习1-4可先用右手单指练习，再用交替弹法，练习5必须运用im交替练习。
④练习5中出现了十六分音符，每拍为四个音，初学者可先将此小节时值扩展一倍，每个音变成半拍，作为难点单独练习，然后再按原谱中的时值演奏。
2、高音弦第五把位的练习
高音弦第五把位的音符形成了一个八度的大调音阶，和低音弦第五把位小调的音阶练习一样，我们可以用这八个音组成四条音阶练习，为培养综合音乐能力，请大家先不要参照以下给出的乐谱，可先自己在五线谱本上练习用这八个音组成和上一讲小调音阶结构相同的大调音阶练习，再和以下的练习对照检查，然后进行练习。
①以上练习可都用ima交替弹法，也可先用im练熟后再用ia或ma练习。
②以上练习可先用靠弦弹法，然后再试用不靠弦弹法。
③参考练习：在音阶练习中采用节奏变化可以有效提高练习效率，除以上这类节奏变化外，用附点音符练习音阶不但可以练习附点节奏，而且对于提高左右手技巧有着很好的效果。常用的附点节奏有两种，
前附点：
后附点：
请把以上练习1先改成前附点和后附点的节奏，练熟并掌握前后附点的节奏后，再把练习2和练习3改成八分音符的前后附点并进行练习。
④以上练习请尽量打拍子练习，以培养良好的节奏感。有条件的同学可使用节拍机。
小乐曲：小星星
请把上一讲学过的小星星，每个音提高八度写出乐谱并在高音阶第五把位演奏。
3、高音弦综合练习
①注意附点节奏与其拍子的打法。
②乐曲末尾出现了连线，当圆滑线出现在两个同音高的音之间时称为连音线或延音线，表示后面的音不同再弹，把第一个音的时值延长到第二个音即可。如果当连线连接两个或几个不同音高的音时，也是要表示这几个音之间要演奏地圆滑，但是要用到吉他上连音或圆滑音的技巧来演奏，请区别两者的不同。
①这首小乐曲中出现了弱起小节，即音乐不是从第一拍开始，而是从第三拍弱拍开始，打拍子时可先数两拍休止符，再从第三拍开始弹。
②倒数第三小节第二拍的延长音记号，表示这个音可以自由延长。
①这首乐曲为6/8拍，是由两个3/8拍构成的复拍子，初学者在练习时应每三拍为一组，一小节打六拍。
②注意在每小节第四拍上出现的附点音符。
③这首乐曲临时升号较多，请注意不要弹错。
④在乐曲第一段和第二段末尾出现了第四弦第四品的#4，左手应遵循指法规律用4指按，请不要弄错。右手可用P指，也可用其他指来弹。
4、高音弦第一把位和其他把位的综合练习
除了在本书第五讲中所讲过的换把技术外，吉他在实际演奏中还有多种实用的换把方法，下面结合上面的小乐曲一一进行讲解。
⑴利用空弦音换把：如本乐曲在第一次换把时，从第一把位换到第三把位，并从第三把位换回第一把位时，都是利用空弦音上的音符轻松地实现把位转换的，请在本乐曲中找出其他利用空弦换把的地方。
⑵利用乐句的终止或休止符进行换把：如本曲第二次换把，从第一把位换到第三把位。既使有时乐段或乐句终止时没有休止符，实际在演奏时也会有小小的停顿，这个停顿就和休止符一样可以利用从而方便地进行换把。
⑶利用滑指或滑音进行换把：如本乐曲第三次换把时，就是利用1指从第二弦第一品滑到第三品而换到第三把位的，本曲第四次换把也是利用1指从第一弦第三品滑到第五品，通过第三把位换到第五把位的。
以上这些常用的换把方法应勤加练习并灵活掌握，通过这些方法，可以巧妙地解决换把的技术困难，有效减小乐曲难度并使演奏自然流畅。但是这些方法不能解决所有的问题，在大多数时候流畅的演奏只有靠扎实的换把基本功才能实现，请重视换把基本功的训练。
5、高音弦和低音弦的综合练习
两条音阶练习
在这条练习中出现了和弦，和弦的弹法我们将在以后的课程中学习，这两个和弦也可先不弹。
这是一条三度模进练习，左手指法运动频繁，请从慢速开始练习.
在高低音的综合练习中，左手一般不会有更多困难，但右手指法的安排往往是困扰初学者的问题，在实际的演奏中，右手指法的安排往往比较灵活，对于演奏家来说右手指法(也包括左手指法)的安排往往带有浓厚的个人色彩，常常依据演奏者对音色的追求和对音乐的理解，当然，也有很多时候是为了演奏方便。
对于初学者或学习吉他的学生，指法安排更多应考虑练习和方便的需要，在高低音的综合练习中，我们建议可采用以下两种方法：①P指弹④⑤⑥三根弦的音，高音用ima中任何一种方法交替，其中i、m交替最为常用;②不论高低音弦全用ima交替，这时P指应停留在不用的低音弦上以保持右手稳定，ima指注意在弹低音弦时拨弦方向应与琴弦垂直以防止杂音，在这种指法安排中，有时为了右手指法安排方便，拇指也需要偶而弹奏最低的一两个音。
6、吉他进阶：高把位的音符与有升降号调的弹法
我们在右图吉他指板音位图上给出了高音弦上第七到第九把位的音符，请大家作为思考题把第七把位的音符一一写在以上空白的五线谱上并标明指法。
作为课外作业，请自己制作一张从吉他第一品直到第十二品的指板音位图，标出从低音弦到高音弦，从低把位到高把位的每一个自然音，并另外写出相应的五线谱对照记忆，为以后进步打下坚实的基础。
这是著名的吉他名曲《爱的罗曼斯》的主旋律，我们可以通过它来练习第7和第9把位的音符，并学习有升降号调的弹法，同时为以后学习这支乐曲打下基础。
有升降号的调的演奏和无升降号的C大调或a小调的演奏无本质区别，只需要在演奏前先看清调号，有几个升或降音，并根据升降号的位置判断清楚需要升或降的都是哪些音，然后在弹的时候遇到这些音，不论是高音或低音，都是按升降号升或降半音即可。读谱时建议大家用固定调读谱，不论升降与否都按C大调的唱名来读，需要时可在音名前加读一个升字或降字，以防止混淆。
以上乐曲第一段是和G大调同谱号的e小调，只有一个升号比较简单。第二段转到了的同名大调E大调，共有四个升号，请大家细心辩认。除此之外，乐曲中还出现了临时升降号，请认真练习。
除在乐曲第二段中有六小节在第九把位演奏，其余都在第7把位演奏，请注意利用滑音来进行把位转换。在第一段第10小节中出现了4指的扩张指法，注意扩张时4指仍要保持到位和立起来。
乐曲为A-B-A三段体的曲式结构，D.C的意思是从头反复，Fine是结束的意思。
8、分解和弦的演奏
吉他优美动听的声音，丰富多变的音色，再加上圆滑音(连音)、装饰音等多种技法，还有像提琴那样既能美化音色又能加深音乐感情表现的揉弦，这所有的一切使吉他演奏出的旋律十分迷人。吉他除了有擅长演奏旋律的旋律乐器特点之外，更重要的是吉他同时还是和声乐器。
和钢琴、风琴、手风琴等一样，吉他也是和声乐器。擅长演奏和弦及和弦伴奏，这不但使吉他常常为人声伴奏(民谣吉他就是最好的例子);还能为其他乐器或另一个吉他伴奏，常见的形式有：吉他与小提琴、吉他与长笛的合奏(帕格尼尼和朱利亚尼等作曲家就作有很多这类作品)或与更多乐器的合奏，如：吉他五重奏(如波凯里尼的吉他五重奏)，吉他二重奏、三重奏、四重奏，乃至吉他乐团就更常见了，而且和钢琴等一样，一把吉他还能在演奏旋律的同时为自身提供丰富的伴奏，这就是为什么钢琴曲或吉他曲往往丰富多彩、优美动听，而单独一把提琴则要单调得多的道理，当然提琴这样的旋律乐器在钢琴或乐队的伴奏下或在演奏无伴奏作品时会完全不同。同时，因为和声乐器本身就能独立演奏多声部的音乐和完备的和声，所以传统的管弦乐队不把它们包括在内。
在专业的音乐学习中，除去本专业的乐器演奏或演唱之外，还有许多课程是必修的，如基本乐理、和声学、视唱练耳、音乐史、音乐欣赏等。其中和声学就是研究和弦和和弦的应用的音乐基础课。在学习古典吉他的学生和众多的吉他爱好者中常常有这样的误解，就是觉得仿佛学习和弦和伴奏是民谣吉他和电吉他的事，和古典吉他没关系，古典吉他只要照乐谱弹会几支曲子就行了，知道不知道和弦没关系。这种想法是十分有害的，音乐是一个整体，其中的每一个要素都是息息相关并互相影响的。不了解乐曲的和声构成，甚至许多吉他爱好者中存在弹了几年的乐曲还不知道旋律是什么，调性是什么，曲式结构是什么，乐曲背景是什么这样怎么可能对作品有深入的了解和正确的表现呢?建议每一位吉他爱好者，不论是学习古典还是民谣或是电吉他等，都要重视基本音乐知识的学习。
和弦的种类和构成千差万别，但我们从演奏技法来看，和弦可以分为两类，一类是和弦齐奏，即和弦同时发音，由于这样的和弦记在一竖行上，所以也叫做柱式和弦，有的书中也叫做持续和弦;第二类是和弦音不同时发出，而是按一定的组合顺序先后发出。(反复出现的一定顺序叫做音型)，这样的和弦叫作分解和弦，或琶音。
不论从右手或是左手的演奏技术来看，学习分解和弦比学习齐奏和弦都更容易掌握，下面我们以大家都非常熟悉的卡尔西二十五首练习曲(作品60号)中的第二首来学习分解和弦的演奏方法。
学习指南：
1、这首练习曲较长，初学者可以先学习第一段。
2、这首乐曲音符的时值较短，均为十六分音符，四个音为一拍，初学者练习时不应用快速来练。可以先把每个音打一拍练习，再把每个音打半拍练习，最后在正确掌握的基础上，再按原谱四个音弹一拍。
3、演奏分解和弦时，除P指应靠弦并尽量停靠之外，ima一般都应用不靠弦弹法。初学者在初弹这首乐曲时，如在每拍弹一个音和两个音的阶段，先用Pima全部靠弦方法练习会收到更好的学习效果。
4、靠弦练习时注意右手发音的三个步骤，并注意P与ima转换时右手手型的调整。
5、不靠弦练习时，注意ima指只应大关节发力，向下拨弦，不应有向上钩弦的动作，拨弦时应多向下压一压。
6、这首练习曲均为两拍一个和弦，按和弦时不必一下按好所有的音，可以用到一个按好一个。按好后直到换下一个和弦为止，左手指都应该保留。
7、左手手指按弦时每个手指应尽量到位和立起来，按有些和弦时手臂、手腕、手指都应相应做一些调整，以保证左手用最小的力量。
8、左手换和弦时尽量利用低音空弦音的时值转换，既使没有空弦音可利用时也不能换得太早或太晚。
9、这首分解和弦练习曲的音型中出现了ma指交替演奏同一根弦的情况，初学者可以先把音型改为ma指在不同弦上交替，然后再练习ma指在同弦上交替，这样既能循序渐进，方便掌握，又能收到双倍的练习效果。
10、在学习这首乐曲时科学使用节拍机，会得到很好的效果。
吉他进阶
1、横按：吉他上需要用左手某个手指按住同一品的几根弦时，常常用到横按指法，横按通常是用左手1指横倒下来按住多根琴弦，横按指法常用在以下几种情况下：①有效简化左手指法，避免左手几个手指挤在同一品中按弦;②节省用指，同时还可腾出其他指头按别的音;③避免左手指在同品格的不同弦上来回变动，有时横按时把位的上下移动还能减少左手指在不同品格的来回变动;④左手四个手指需要同时按住五根或六根琴弦时;⑤横按有时还能用于左手指法的转换和连接方便;⑥横按偶尔还能用于消音。
横按技术可根据所按琴弦的多少分为两种：同时按住四到六根琴弦的叫做大横按，同时按住二到三根琴弦的叫做小横按，大横按一般需要左手食指完全伸直按弦，而小横按一般只用食指最末关节伸直即可。在吉他乐谱中，横按常用C、(cejq的缩写)或B、(Barre的缩写)，后面加上食指所在把位的数字来表示。
科学的学习方法可以使学习事半功倍，下面是横按的技术要领：①1指不应用指肉软而厚的指头正面来按弦，而要用1指靠近拇指方向较硬的侧棱来按弦;②1指横按时所有弦上的按弦点都应是靠近品柱的位置，这时1指应与音品平行，而不应是与音品不平行的斜按;③拇指应严格比1指横按的把位低一品，拇指与食指不应正对着用力，这样不科学的方法不但用力很大，容易疲劳和受伤，又不容易按好，而是应该利用杠杆原理，用扭转和平行的力量，用最小的力量巧妙按好横按，并使左手各指保持最大限度的放松。
2、如何用节奏音型和指法变化练习分解和弦
经常变换不同的音型和指法练习分解和弦，不但可以从多角度突破技术，打破单一的动力定型，而且还能增加练习的兴趣，得到最佳的练习效果。下面我们以卡尔卡西第二号练习曲为例，举出一些音型和指法变化的例子供大家参考。
卡尔卡西这首练习曲之所以著名的另一重要原因就是这首练习曲可以作为吉他的高难度技巧--轮指技术的准备练习，以上15种指法变化和节奏变化的两类例子能使轮指准备练习更为有效和充分。
3、指法设计举例：我们以练习曲第2号中经过句为例，列出几种指法设计，希望对大家有所启迪。
4、其他可供选择的分解和弦练习曲在本书39首渐进古典吉他独奏曲中有大量的分解和弦练习，可供不同程度的学生教师选择使用，除此之外，中央音乐学院吉他考级曲目第四级中收录的布洛威尔练习曲NO`6号是一首很好的分解和弦练习曲。阿瓜多的十七型练习也是一首很好的分解和弦练习曲。有一定程度的学生可以学习维拉-罗伯斯十二首高级练习曲中的第一首。
2022吉他教学——吉他入门后看大师如何进一步提高
每位吉他爱好者吉他入门后关于怎样提高自己的演奏水平总是有一点迷茫，光是不懈的练习，每天达到8小时也不能保证你就成为一个真正的吉他高手。当然它能锻炼出你的过硬基本功，和娴熟的和声技巧，但是要想得到出神入化的音乐还需要更多的多样化技巧。
来听一下大师们说什么吧，下面摘录了一些大师们的练琴心得，俗话说的好，世上无难事只怕有心人，愿这些方法能够让你的音乐充满感染力，让你能够找到新的灵感并拓宽你的音乐视野。
1、RustyCooley--把吉他挂高
“一般人都是坐着进行练习的。但长期坐着练习也会带来麻烦。以前我曾经一直坐着练习弹奏我的solo，然后我觉得自己已经完全掌握了这段s0Io。可是等到排练时我发现自己弹得一塌糊涂，因为当我站起来弹时左右手的位置与坐着弹琴时完全不同。现在很多人觉得把吉他挂得比较高看上去不够酷，但我觉得和看上去很酷相比，能把音乐演奏的很酷才是更重要的。zakkWylde把吉他挂得很低，但是他在演奏s010时，会踩在监听音箱，这就是为了抬高吉他的位置。再看看TomMorello，他一向把吉他挂得很高，他自己说演出中他的吉他会磕到自己的下巴。所以为了能够流畅的弹奏吉他，不妨把吉他挂高一些。"
2、RonnieMontrose--要跟着唱
“在你开始弹奏一段solo肘，你应该先尝试把它唱出来，这样你就会感觉到它的效果了。如果你发现唱这段solo的过程中你会变得气喘吁吁的话，那么很明显弹奏这段solo对你来说就太过勉强了。”
3、JoeSatriani---必须要创新
“探索未知的领域才能让你的练习真正变的有意义。如果你每次练习只是一味的重复，那／厶你的进步是有限的。你应该每周都在自己例行公事的练习中加入新的元素，比如找到一组新的和弦、一个新的定弦方法或是一个新的音阶等等。怎样完成这些新东西并不是最重要的，重要的是让你的手指进行一反常态的运动，并任由音乐从你的之间自然流淌而出。”
4、BobBrozman-把吉他当作鼓来敲
“这里有一个新奇的练习方法，它能强化你的节奏感，同时还能帮助你更好地去理解乐句和solo——而且这个练习中你不需要去弹奏任何一个音符。用左手对六根琴弦完成制音，然后用右手按某一个节奏进行扫弦。当你觉得无聊的时候，就换一个节奏型，最好能够快慢结合。你可以把这个练习想象成一段鼓solo，并用心去保持住节奏型带来的律动，最好能够持续5分钟以上。”
5、SteveLukather-学会放松
“当你想提高演奏速度的时候，最重要的事情是放松自己。不要强迫自己的肌肉持续发力，每练习半小时就应该休息一下。只要休息几分钟就能让你从疲劳中恢复过来。在尝试演奏一个复杂段落时，这一点尤为重要。在我小时候，我总是一边看电视一边放松地进行拨弦练习。我在练习时并没有过多的集中注意力，而这种练习方式让我获益匪浅，我既锻炼了技巧又保持了良好的体力。记住一旦你在练习中感到了疲倦，就不该继续练习，要知道腱鞘炎可不是闹着玩的。”
6、NigelTufnel-大声的弹奏
“在你年轻的时候候一定要大音量地弹奏吉他，这样你就会比别人领先一步。如果你一开始就弹奏得过于轻柔的话，会给你带来很多糟糕的习惯。看看那些爵士乐手，他们就弹奏的很轻柔。他们弹的只算是小品所以你可别步他们的后尘。”
7、JimCampilonge-推弦的准确性
比如LarryOarItorl的一个视频教学，在那里面Larry在第五把位弹奏了一个大调音阶，从三弦到一弦弹奏了一个八度，然后他弹奏了同样的音阶，但使用的是推弦的手法，而进行相反的练习(即先推弦弹奏后再释放)会更有趣。用这种方法，你能锻炼推弦的准确性，大调音阶能够给你的推弦的音高提供很好的参照，因为人们对于大调音阶音高的乐感相对强一些，所以用大调音阶练习推弦能够很容易发现自己的推弦是否过高或过低。这个练习对准确性的要求很高，但也很有意思。
弗拉门戈古典吉他大师
我们来了解一下弗拉门戈吉他大师Paco de Lucia。下面是小编给大家整理的弗拉门戈古典吉他大师，供大家参阅!
弗拉门戈古典吉他大师Paco de Lucia简介Paco de Lucia(1947-2014)男，Paco de Lucia是世界上最优秀的Flamenco吉他演奏家之一，本名为Francisco Sanchez Gomez，1947年出生於西班牙南边海港城市阿尔及西拉斯(Algerciras)。Parco de Lucia七岁便能弹奏佛朗明哥吉他，十二岁开始灌录唱片，青少年时期赢得数项比赛之冠，十三岁跟著Jose Greco的佛朗明哥乐团巡回国际表演，很有天赋。
弗拉门戈古典吉他大师Paco de Lucia概况吉他界的变革者
在1960年代以前，佛朗明哥吉他的演奏姿势都是用吉他放在上手臂与大腿间，到了1960年代以后，多数乐手采用Paco de Lucia的方法，将吉他的位置降到大腿上，让腿部承受吉他的重量，手臂较为自由，因此乐手又可以使用较为重一点的吉他。
Paco de Lucia可以说只手改变了佛朗明哥的演奏风潮，他不仅秉承Nino de Ricardo的粗犷强烈情绪表达，更融合了Ramon Montoya这个「古典」派的音乐概念与细腻技巧。他率先将吉他位置放低到大腿上，给了乐手更多表现空间。他以惊人的picado(快速断音)、新的而且速度奇快的alzapua与rasquaedo(刷弦)手法。除此之外，他还不断将其他音乐形式的元素加入到佛朗明哥中(譬如拉丁美洲音乐、爵士乐的的音阶与和弦概念)等。
当代的佛朗明哥吉他艺术要溯源至吉他大师El aestro Patino，他在年轻时代也常做独奏演出，但是他的最大贡献是教出了两个学生Paco el Barbero与Paco de Lucena，这两位学生的学生对当代佛朗明哥吉他风格的创建，有绝对性影响。
优秀教师
Paco el Barbero教出了Javier Molina(1868-1956)，Molina又教出了El Nino Ricardo(1904-1972)。El Nino Ricardo不仅是伟大的演奏家、创新者，他的风格直接影响了Serranito、Manolo Sanlucar、Paco de Lucia。这一派的演奏风格粗犷强硬、情绪澎湃深沉，被称之为very flamenco。
弗拉门戈古典吉他大师Paco de Lucia介绍当时他的父亲，一位半职业的吉他手，意识到了自己的儿子在这方面具有很大的天分，于是便为他提供了各种条件，使得Paco de Lucia可以将自己所有的业余时间都花在练习吉他和研究吉他的演奏技巧上，而这些成果，正是今天我们从他的精彩演奏中所听到、见到的。跟著父亲、哥哥以及家族朋友──吉他大师Nino de Ricardo学习吉他。起初，Paco de Lucia是与他的兄弟Ramn一起演奏二重奏，另外还与他的一个做歌手的兄弟Repe共同组成了名叫Los Chiquitos de Algeciras的二重奏。1962年，兄弟二人双双获得了大奖。此后，Paco de Lucia成为了一位世界级的明星。他将拉丁美洲和爵士乐中的和声御用到Flamenco音乐中，并且影响到了所有新一代的Flamenco吉他手。 Paco de Lucia的演奏出神入化，技巧高超，演奏曲目范围广泛，从传统的Flamenco音乐到《阿兰胡埃斯吉他协奏曲》均演奏，并且还提出了向古典吉他发起挑战的口号。
Parco de Lucia会作曲，也替多位著名西班牙歌者伴奏，包括伟大的吉普赛佛朗明哥演唱家Camaron de la Isla，两人从1960年代一直合作到1990年代初。Parco de Lucia除了拥有自己的乐团，也和John McLaughlin、Chick Corea、Al di Meola、Placido Domingo等
当代古典吉他大师简介
杨雪菲，当代世界公认的古典吉他演奏家。我们来了解一下吧。下面是小编给大家整理的当代古典吉他大师，供大家参阅!
当代古典吉他大师杨雪菲简介杨雪菲，北京人，女，是作为罕有的活跃在国际舞台上的中国吉它演奏家，被誉为当代其中一位最优秀的古典吉它演奏家，新一代的明星演奏家。
当代古典吉他大师杨雪菲成就杨雪霏的演奏不仅具有东方人特有的细腻与诗情，并且具备女性演奏家所罕有的魄力与激情，加以对乐曲深刻的理解和超群的技巧，使她在负笈英国的短短几年中，以惊人的速度建立了她的国际演奏事业，演出、评论和访谈经常出现在不同国家的各种媒体上。
在许多国家和重要音乐节演出独奏、协奏曲及室内乐音乐会，其中包括英国、美国、加拿大、新加坡、泰国、韩国、香港、中国、日本、德国、希腊、塞尔维亚和黑山(前南斯拉夫)、芬兰、法国、荷兰、波兰、西班牙、克里地亚、意大利、墨西哥、比利时、丹麦、爱尔兰等;重要场地有英国的威阁莫音乐厅,、国家人像画廊、菲尔菲德音乐厅、皮卡迪利教堂、柏林爱乐音乐厅、汗堡音乐厅、阿拇斯特丹音乐厅、纽约林肯中心、新加坡滨海音乐厅、香港大会堂音乐厅、香港文化中心、西班牙皇家马德里音乐厅，韩国音乐殿堂音乐厅、台湾国家音乐厅与旧金山赫伯斯特剧院等。
在依莉莎白女皇音乐厅她与BBC交响乐团演出罗德里戈的贵绅协奏曲，在公爵音乐厅与RAM交响乐团演出阿兰胡艾斯协奏曲，纪念罗德里戈诞生百周年，在普赛尔音乐厅，世界首演著名的PLG集团(Park Plane Group)委约添姆士索特(Timothy Salter)为她创作的平衡(Equipoise)，2003年底作为唯一的独奏演员参与逍遥之夜音乐会(Night of the Proms)，于欧洲多国巡演54场，观众合共约80万人，实况演出在欧洲电视播出，而录音录象由BMG作世界发行，在英国BBC Proms(世界最大规模的音乐节)上，BBC电台3现场直播了她的成功演奏，曾经合作的乐团包括，英国室乐交响乐团、首尔交响乐团、澳门交响乐团、香港管弦乐团、西班牙杜兰多交响乐团等;2007年将会与多于10个不同的交响乐团演出多场吉它协奏曲音乐会。
她极具个性和出类拔萃的演奏，曾启发很多作曲家为她而创作乐曲，或把作品题献予她，由美国GSP公司录制，有关中国题材的专辑于2005年二月发行，内容包括由她本人改编自中国音乐的吉它独奏曲，以及多位不同国籍的作曲家，专诚为她而创作或编写的作品，专辑中的大部份曲目将会是世界首次录音。
2005年底成为百年来首位签约百代(EMI)公司的亚洲吉它演奏家，将会录制一系列的唱片，新唱片将会全球发行，首张唱片于2006年4月份开始作国际发行。
当代古典吉他大师杨雪菲经历出生于北京，七岁时在学校内于陈长玲老师主持的课余吉它小组中开始接触吉它，十岁随陈志正式学习古典吉它，不久后在中国国际吉它艺术节中初次展露她的才华，获得参与的各国专家及听众的一致赞赏，以至西班牙领使赠予她一把西班牙音乐会吉它。十二岁在东京演出,获得日本吉它联盟授予的特别奖，日本著名吉它制作家河野贤赠予她一把他本人制作的吉它。十三岁获得由北京颁发的银帆奖，同年进入北京中央音乐学院附中，成为中国第一个主修古典吉它演奏专业的学生。在中学期间杨雪霏曾到西班牙、葡萄牙、日本、中国香港、中国澳门、中国台湾及澳大利亚等多个国家及地区演出，亦多次出现在各地电视台及电台节目中。
少年时期的她，已经具备惊人的技术及鲜明的音乐个性与感染力，给听众留下深刻印象，著名作曲家罗德里哥(Joaquin Rodrigo)出席她的马德理演奏会后说 我简直无法相信这是一个只有十四岁的年轻人的演奏。1995年，吉它大师约翰威廉斯(JohnWilliams)听了她的演奏后，感动之余，把他自己的斯摩曼吉它留下给她作演出之用。
2000年她的首张独奏专辑面世，获得世界各地的高度好评，同年6月于中央音乐学院毕业，成为中国第一个取得学士学位的吉它本科毕业生，9月作为第一个中国学生，也是第一个吉它学生获得英国皇家音乐学校联盟的全额奖学金，赴英国皇家音乐学院随米高卢因(Michael Lewin)及约翰米尔斯(John Mills)修读研究生课程。
2002年以罕有的高分成绩毕业，获得由英国皇室成员颁授学院最高的 DipRAM 演奏家文凭，每年只提名一人的院长奖，以及多个其它奖项，在毕业前已被国际著名的经理人公司Askonas Holt邀请加入。2005年以杰出成就，获得皇家音乐学院颁授院士荣誉，为当年获得这殊荣中最年轻的被提名者。
法国古典吉他大师介绍
法国有哪些著名的古典吉他大师?罗兰迪恩斯大家认识吗?下面是小编给大家整理的法国古典吉他大师，供大家参阅!
法国古典吉他大师罗兰迪恩斯介绍罗兰迪恩斯(Roland Dyens )生于1955年10月19日法国突尼斯，9岁起开始学习吉它演奏，是当今世界上著名的吉它演奏家、作曲家、编曲及即席演奏者。
作为演奏家，在其早年获得的荣誉中，包括意大利亚历山大国际比赛中的维拉-罗伯斯奖项，为表彰他的录音Hommage Villa- Lobos而颁发的AcademieCharles-Cros头等奖。1988年，迪安斯被法国的Guitarist(吉它手)杂志评选为100位最杰出的吉它演奏家(包括所有风格)。
迪恩斯在不断努力成为一名器乐演奏家的同时，一直保持着极大地热情跟随法国作曲家兼指挥家Dsir Dondeyne学习作曲，并曾经获得和声、对位法和评论方面的头等奖。曾跟随法国作曲家兼指挥家庞塞学习作曲，并曾经多次获奖。目前，迪安斯的演奏和作品在世界范围内受到了好评。的确，他的作品为吉它演奏的可能性带来了新的曙光。由于他独特的天分以及其作品的创新性，使得我们不得不承认迪安斯是当今最富创新意识的音乐家之一。迪恩斯具有非凡即兴创作能力. 他的吉他音乐吸取民间音乐和爵士乐的许多精华,并加以很好的融合。 探戈(1985)是迄今为止他最脍炙人口的作品。还有小奏鸣曲(1986)，写于自己遭受了心脏病发作之后，获得广泛的演出。迪恩斯在很多地点参加音乐节并演出，举办大师班,包括欧、美国和亚洲。他目前任教于巴黎国立音乐院，吉他教授。
加拿大音乐学者恩利克罗必朝(Enrique Robichaud)根据过去27年的古典吉他唱片数据研究，利用电脑运算超过1万张唱片(涉及4000多个吉他家和6500多个作曲家)，提供了精确的统计数据，统计了100首最受欢迎的古典吉他作品。其中，排名第一位的是塔雷加的《阿尔汉布拉宫的回忆》;罗兰迪恩斯则是目前健在的作曲家中排名最高，并有三部作品入选。
评论家们认为迪恩斯是当今音乐界超一流的吉他作曲家、演奏家、即兴演奏者;他亦是极少数能真正跨越，并融合古典、Fingerstyle与爵士风格之吉他奇才!多首他创作的乐曲，被全球一流吉他手视为必弹曲目，曲风大胆潇洒，富有多层情绪。最为人所认识的作品包括人造皮革探戈(Tango En Skai)、天秤座奏鸣曲(Libra Sonatina)、以及乡愁曲(Saudade No.3)等。这些乐曲的展现方式与技巧，均完全打破旧有结他演奏的创作意念与限制，真正将吉他艺术带到更高的境界，让人一再回味。
法国古典吉他大师尼古拉德安捷罗斯尼古拉德安捷罗斯 (Nicolas de Angelis)，1953年11月26日生于圣克罗德，法国音乐家。作品有《悲伤西班牙》等。
10岁左右，他开始向吉他大师葛西亚学习吉他。16岁时，安捷罗斯加入一个法国最具潜力的演奏家所组成的乐园，良师益友的经验交流，使他的弹奏技巧达到了炉火纯青的地步。
18岁开始，他替许多知名流行音乐歌手伴奏。之后，安捷罗斯得到达芬(Delphine)唱片公司保罗德塞内维尔(Paul de Senneville)和奥利维埃图桑(Olivier Toussaint)的赏识，他们邀请他在理查德克莱德曼(Richard Clayderman)的专辑唱片中演出。
法国古典吉他大师尼古拉德安捷罗斯主要作品由于他的不凡表现，最终成为达分唱片的专属音乐家。安捷罗斯在中国拥有较多的听众，其最为中国听众所熟悉的专辑为《人们的梦》
内有曲目:《悲伤西班牙》(Lspagnole)
《金色的旋律》
《关塔娜美拉》(Guantanamera)
《奇异的关联》(Baroque connection )
《旅途》(Voyage)
《鸽子》(La Paloma)
《我的太阳》(O Sole Mio)
《爱情之爱情》(LAmour Amore)
《月光》(Sonate au Clair de Lune)
《梦之果》 《花》(Les Fleurs de Printemps)
《人们的梦》
《b小调前奏曲》
《镜中的安娜》(Quelques Notes pour Anna )
顶级古典吉他大师简介
世界上，古典吉他大师的排名是怎样的?你更爱哪一个大师的演奏风格?下面是小编给大家整理的顶级古典吉他大师，供大家参阅!
顶级古典吉他大师：巴利奥斯逝世50年后，人们才真正意识到巴里奥斯这位巴拉圭吉他天才的艺术成就。
顶级古典吉他大师：维拉罗伯士他的《前奏曲一号》至今还是古典吉他最佳教程。
顶级古典吉他大师：SVEINN EYTHORSSON吉他界最推崇的大师之一，无数练习曲被膜拜。
顶级古典吉他大师：科斯特浪漫乐派时期法国吉他音乐界的代表人物。科斯特6岁开始学吉他，18岁已成为吉他演奏家并教授吉他。
顶级古典吉他大师：朱利亚尼十九世纪吉他音乐的领军人物。
顶级古典吉他大师：塔雷嘉塔雷加是第一位将其他乐器的作品改编为吉他演奏的音乐家。
弗朗西斯科塔雷加(1852～1909)Trrega，Franciso，西班牙吉他演奏家、作曲家。塔雷加是第一位将其他乐器的作品改编为吉他演奏的音乐家。
弗朗西斯科-塔雷加出生于西班牙的比利亚雷亚尔，8岁起与一位盲人吉他手Manuel Gonzalez学习吉他，同时还跟随一位盲人音乐家Eugeni Ruiz学习钢琴。Julin Arcas听说了塔雷加非凡的音乐天赋，于1862年带领他前往巴塞罗那学习。13岁那年，1865年塔雷加带着一把吉他只身前往瓦伦西亚过着流浪自由的生活，后因国家动荡而参军。1874年塔雷加获得富商Antonio Canesa的资助得以进入西班牙马德里音乐学院进行深造，不过他主修的是钢琴，但最后还是选择了吉他伴随他一生。1877年塔雷加在马德里的阿尔汗布拉剧场举行了一场吉他独奏音乐会，获得了巨大的成功。一年以后，又在巴塞罗那举行了第一次吉他演奏会。从此，塔雷加开始了各地的巡回演出，1880年在巴黎、伦敦等地演出，被誉为吉他的萨拉萨蒂。不少二十世纪上半叶主要吉他演奏家出自他的门下，其中包括廖贝特，福特亚，普霍尔等人。在演奏技法上，塔雷加开发了许多吉他的特殊演奏技巧，如左手独奏、大鼓奏法、小鼓奏法、以及轮指的演奏等。 还改进吉他演奏姿势把吉他放置姿势的重心移到了左脚，成为了今天吉他演奏的标准姿势。他还使泛音奏法，尤其是八度的泛音奏法成为吉他常用的一种演奏技法而丰富了吉他在音色方面的表现性能，使当时已经没落的吉他演奏重获新生，将吉他这把古老的乐器提升到了前所未有的高度。作为吉他史上里程碑的人物，塔尔雷加也被称为近代吉他之父。1885年，塔雷加定居巴塞罗那，致力于吉他创作，1888年，完成其代表作《阿拉伯风格随想曲》;1896年，创作了吉他名曲《阿尔汗布拉宫的回忆》。1909年12月15日在西班牙巴塞罗那逝世。
顶级古典吉他大师：索尔很多杰出的吉他演奏家都认为，自己的成就在很大程度上要归功于自己在索尔的练习曲上所下的苦功。
费尔南多索尔，1778年2月14日出生于西班牙巴塞罗那，是西班牙古典乐派作曲家、吉它演奏家。
自幼学习吉它，少年时代已很有造诣。十九岁时在巴塞罗那上演所作歌剧。此后曾在马德里、巴黎、伦敦、莫斯科等地演奏吉它，同时大量创作音乐作品。1827年后定居巴黎，从此一心研究吉它艺术。
索尔生命的最后两年无疑是在悲伤中度过的，他在1837年夏天失去了他心爱的女儿，从他所写的最后一部交响乐就可以看出，索尔处在极度的消沉和沮丧之中。一位当地的记者记录了索尔为女儿举行弥撒的过程。索尔亲自演奏钢琴，在他女儿坟墓的上空，乌云逐渐聚集，以至暴雨倾盆。
两年后，索尔去世了。他为世人留下的宝贵遗产两百多年来历久弥新，吉他因为有了索尔而获得了强大的生命力。他把吉他从一个不为人知的音乐社会的底层，带到了一个她从未达到过甚至是想象过的高度!
顶级古典吉他大师：阿瓜多阿瓜多的吉他技巧，基本上倾向于机能派，可说已达到巴喜利欧神父和猛雷迪等流派的顶点。
阿瓜多的吉他技巧，基本上倾向于机能派，可说已达到巴喜利欧神父和猛雷迪等流派的顶点，他的吉他技巧在《吉他教程》的后半部有所反应。现在发行的《吉他教程》又两种版本，一种是阿瓜多的原版，二是马德里国立音乐学院吉他系主任教授德.拉.马萨(Region Sainz De Lamaza)在尊重阿瓜多的意图的基础上，适应现代吉他教育的需要而编辑的联系作品。以上两种版本的《吉他教程》，其中都又各种圆滑音练习，并且加以应用做出多种类的装饰音。在所有的指板上，每一个音都有其分配的使用法;另外，和弦在吉他上的用法也都有详细的说明。值得注意的是，阿瓜多与用指头弹弦的索尔不同，他主张用长指甲的右手拨弦。此外，阿瓜多还发明了专供吉他使用的谱架。
西班牙著名吉他演奏家、教育家、作曲家。
顶级古典吉他大师：卡尔卡西意大利著名吉他演奏家、教育家、作曲家，他平生最重要的贡献之一就是作品59号的《卡尔卡西古典吉他教程》。
卡尔卡西的吉他作品有73号共包含300多首曲子。其中建立在OP.59基础之上，经日本沟渊浩五郎修订的《卡尔卡西吉他教本》(人民音乐出版社于1986年1月出版)在我国吉他爱好者手中几乎人手一册。他的作品比其前人更充满新时代的气息，特别在作曲时，他总是很合理地处理各种技法，因而其愉快的练习曲受到广泛的欢迎，对吉他教育贡献很大，其地位可略比与钢琴的车尔尼或是小提琴的开塞。
也许是太注重技巧安排的合理性的缘故，有人认为，他的许多作品在音乐上受到限制而不够深入。以流传广泛、用作教本的OP.59为例，其中不少曲目以今天的眼光看，确是如此。但作为教本的继续，编号60的25首练习曲却称得上篇篇珠玑，每一首都有其独到而高效的训练价值。25首加在一起，则涵盖了全面的吉他演奏技艺(无论技巧上还是音乐上)。学习OP.60应在已正规习琴2年左右，对常用大小调及基本技巧已初步掌握时进行。经认真练习，你会发现，它是从初中级迈向中高级水平的良好阶梯，在这一程度上难以找到更好的替代作品，这就使OP.60成为每一个学琴者攀登高峰的必经之路。
当然，随着吉他技巧的发展以及人们认识水平的提高，《卡尔卡西古典吉他教程》的历史局限性也日渐突出，学者如果单纯依靠这一本教材，难免在音乐鉴赏和技巧发展上有失全面。因此，这本书也一直在各国吉他教育家的不断修订和改编之中。
顶级古典吉他大师：卡鲁里法国最杰出的吉他演奏家。卡鲁里作有三百首以上的吉他曲。许多作品迄今依然被选作吉他教材。
卡鲁里是他那个时代的天才之一，他9岁便担任管风琴手，12岁时作有第一部清唱剧在罗马上演。后一直被英国人SirPeterBeckford所赏识，与卡鲁里父亲达成一项协议，资助卡鲁里学习音乐直到他满二十一岁，于是卡鲁里被带到英国深造7年。
1798年卡鲁里以大键琴演奏家身份在伦敦获得声誉，演出频繁，此后在欧洲大陆巡回演出，获得成功。卡鲁里在他那个时代与海顿、莫扎特、贝多芬的声誉齐名，1803年，卡鲁里来到维也纳，在约瑟夫二世的要求下，卡鲁里与莫扎特在维也纳宫廷举行了著名的钢琴演奏比赛。
卡鲁里以卓越精湛的技巧领先，莫扎特以情趣优美见长，结果双方不分胜负。1803到1807年间，卡鲁里的一系列交响乐作品在伦敦、巴黎、慕尼黑、莱普锡上演，不断受到公众好评。海顿与卡鲁里之间一直保持着真诚的友谊。海顿曾造访过卡鲁里在伍斯特郡的乡间别墅，卡鲁里曾送给海顿一件镶银的饰品为礼物。
弹吉他时如何保证左手的放松
历来的吉他教学认为，左手是纯技巧的，很多习琴者看人演奏时多是将注意力集中于左手的指法和动作。我认为，以往的吉他教学是曲解了“技巧”的意思。技巧是为音乐的需要而存在的，脱离了音乐的需要，技巧根本无所适从。
因此，在这里技巧分为“音乐技巧”和“肌体技巧”两种。音乐技巧是为了克服一些由于乐器或手的限制而创造出来的一些处理方式；肌体技巧则是为了完成某些动作而锻炼出的肌体运动能力。注意，虽然我用了“运”一词，但演奏音乐绝对不是奥林匹克比赛。下面将从这两个方面说一些要诀。
柔软和整体运动
这是我认为非常非常重要的一个重点。保持左手的柔软，决定了你的左手能否配合右手创造出音乐。不要以为左手只是按在弦上即可，弦乐器的演奏中，按弦的手的一些非常细微的变化将决定你发出的声音是何等层次的音乐，甚或有没有音乐。需要保持柔软的不止是手指，而是整个左手，从手指的各个关节到手腕再到手臂直至肩膀，甚至到左边的身体。
把最接近指尖的第一关节看作是指尖接触指板的弹性延伸，第二关节则是第一关节的延伸，第三关节是第二关节的延伸，依此类推……同时，将手腕看作是第四关节；需要注意的是：我们的拇指的第三关节在手腕处，与第四关节直接相连。将整个前臂看作是一个手的话，手肘则是第三关节。
这里，我们可以看到一个整体的运动装置——我们的左手。
机械僵直的手带来的是缺少变化和行动不便。音与音之间的变化，亦即音乐本身一些细微的变化，绝对需要左手的柔软动作加以实现。
例如一个滑音：吉他音乐中有两大类滑音：演奏滑音gliss.和表情滑音port.——我们可以在不少近现代的作品中看到。演奏滑音的音响效果是从启音开始就发声，一直延续到目标音；表情滑音则是很多演奏者没有充分理解的。它实际模仿的是人声。我过去曾学过声乐，对这种滑音有很深的体会。我们人发出不同的音高靠的是声带的变Mi之前有个明显的很小的滑向Mi的滑音，这个就是表情滑音。器乐都是从模仿声乐开始的，在这里也不例外。
如果缺少了这种表情滑音，那么我们的演奏听起来就会很机械——即所谓的缺少情感。表情滑音的音响效果是在滑动的过程中发出的，从弱到强，但是个非常短暂的过程，这就要求我们的左手在移动的过程中，从不按下弦逐渐过渡到按下弦；还包括这个过程的速度控制，这绝对不是一个匀速过程，因此就要求我们的整个左手，尤其是手指与手腕保持相当的柔软，一些情况下，这种柔软甚至要扩展到第一关节。
有一些弓弦乐器演奏家，例如我非常欣赏的小提琴家Fernando Suarez Paz(他也是Piazzolla的五人乐团中的小提琴手；Assad兄弟的多张录音中的小提琴手)，他在处理一些语气非常强烈或非常需要歌唱性的乐句时，将旋律中一些重要的音处理成非常短的表情滑音，即演奏c音时，实际演奏比b略高的音，然后滑到c音。
因此，保持左手的柔软，是演奏出音乐，尤其是有线条，有歌唱性，有音乐性的音乐的必要条件。因为音乐本身即是音符间的一些变化，如果没有这些变化，音乐便失去了趣味、感染力和美，也便不是音乐了，而要保持左手的柔软，整体性的运动又是必不可少的。
吉他弹唱入门与提高
学习吉他弹唱时，大家有没有参考过吉他弹唱入门与提高这本书籍呢?下面是小编给大家整理的吉他弹唱与入门提高，供大家参阅!
吉他弹唱与入门提高信息作/译者：东方卓越 出版社：同心出版社
出版日期：2002年05月
ISBN：9787805935812 [十位:7805935815]
页数：152 重约：0.355KG
定价：￥14.80
吉他弹唱与入门提高出版社同心出版社成立于1992年8月，是由中共北京宣传部主管、北京日报报业集团主办的一家综合性出版社。每年出书百余种，不少图书在国内各种评比中获奖。
具有媒体优势和出书范围广泛是同心出版社的两大特色，京报集团旗下的北京日报、北京晚报、北京晨报等媒体，在提供出版资源和新书宣传等方面者给予同心出版社强大的支持。本着三贴近原则，该社出版了一批颇受读者欢迎的政治、经济、法律、文艺、教育等方面适合不同层次人群需要的图书，
如《三个代表与执政党的建设》、《升旗大典》、《师德全书》、《50位诺贝尔大师致中国青少年》、《古城返照记》、《文化名人忆母亲》、《文化名人忆学生时代》、《名家谈日记》、《地球是我家》、《绿色社区建设指南》、《新世纪常用法律新编系列》、《音乐、美术教程系列》、《人生漫笔》系列丛书、《特别访谈：走近邓小平》、《觉建筑》、《奥运金融工程》、《鲁迅家庭大相簿》、《北京健康手册》、《北京文学典藏》、《把雨水带回家》、《我的前半生》、《文坛三剑客》、《花间一壶酒》、《中国人史纲》、《北京文学55周年典藏》、《礼仪365》、《国学365》、《影响孩子一生的101个经典童话》系列、《与老虎做邻居》、《音乐、美术教程》系列、《著名学者人生漫笔》系列丛书等。
吉他弹唱与入门提高目录第一课 吉他选购与保养
第二课 吉他调弦法
第三课 认识简谱符号
第四课 六线谱
第五课 C大调基本和弦
第六课 Am调(a小调)的三个基本和弦
第七课 C大调和Am调音阶练习
第八课 各种拍子的基本指法及练习
第九课 如何锻炼左右手
第十课 击弦法及节奏型
第十一课 切音的方法
第十二课 吉特巴及伦巴节奏型
第十三课 摇滚和附点节奏
第十四课 慢摇滚(Solw Rock)的技巧
第十五课 和弦构成的原理
第十六课 探戈节奏
第十七课 C调以外的世界
第十八课 移调的方法
第十九课 分解和弦指法突破
第二十课 快二拍指法及节奏
第二十一课 圆滑奏法
第二十二课 节奏技巧突破
第二十三课 复杂和弦的变化规则
第二十四课 中、高把位和弦推算
第二十五课 怎样为歌曲配和弦(一)
第二十六课 怎样为歌曲配和弦(二)
第二十七课 即兴伴奏法
第二十八课 前奏、间奏总论
经典老歌
摇滚金曲
校园民谣
流行在线
乐队：如何有效的利用排练时间
对于乐队或者做音乐的人来讲，最有效率、最出成绩的就是大家在一起排练了。通过排练，每个人都能获得与其他人在音乐上交流的机会，尽情地表达自己在音乐上的想法和体会，而且通过排练还可以不断地提高自身的技术水平。可以说，排练是每个音乐人必做的功课。随着音乐爱好者和乐队如雨后春笋般的不断涌现，很多城市都相应地出现了专门用于乐队排练的地方——排练室。
设备一般也都比较齐全，拥有公用的鼓、镲、吉他和BASS音箱以及扩声音箱等等。条件好的甚至有空调、调音台、数字多轨录音机等等。但是一般这样的排练室的收费不会很便宜，虽然乐队每个人可以均摊排练费用，一个月下来对于预算不是很宽裕的乐队来说仍是一笔不小的支出。所以如何有效地利用排练时间，能够在最短的时间里达到最好的排练效果是每个乐手都要考虑的问题。因为高质量的排练不仅仅是节约了宝贵的时间和金钱，对每个乐手或者乐队来讲也是一件非常享受的事情。
那么如何才能有效地利用排练时间呢？依笔者的经验来看，到排练室来进行排练的大多数都是以乐队的形式，而且大部分都是用真正的吉他、鼓和BASS，里面的人少则三四个，多则七八个。所以本文就以乐队形式排练为重点来说说有效地利用排练时间的问题。一般的乐队排练分为几种最常见的性质：演出性排练、录音性排练和创作性排练。我们现在就逐一来分析。
演出性排练
演出性排练，也就是乐队将面临着演出，为了获得满意的演出质量，才来进行的排练。像这种排练，是最容易节省时间的办法，因为首先对歌曲来讲，每位乐手都基本上已经了然于胸了，只是在某个环节或者什么地方不是很熟悉，不过这不要紧，主要是对乐谱或者歌曲的段落不熟练，排练正是要解决这些问题。那么怎么能有效地进行排练呢？其实很简单，每位乐手在家里的时候不要光顾着练琴练鼓什么的，每天练习的时候最好把自己乐队的作品或者要演出的作品自己在家里反复地练习几遍，尤其是对于自己不是很熟练的地方或者技术难度比较大的地方，只有这样，每个人才能在排练的时候尽量少出错误，才能更好地注重音乐性和整体性。
笔者有时候在看演出时经常发现台上的乐手会很紧张，演奏起来面无表情，显然是在完成他所演奏的东西，而音乐的感情、段落、呼吸等等就顾不上了，严重的时候还会破坏音乐的整体感觉。发生这种情况就是因为乐手对自己所演奏的东西还不是百分之百的熟悉，演奏起来没有达到得心应手的地步，而这正是自己在家里练习不够所造成的。所以，在排练之前每个人最重要的事情就是在家里先把要排练的或者要演出的东西反复地演奏，这样排练起来的效率会成倍的提高。
那是不是大家都熟练了，排练的时候简单地过几遍就可以了呢？不是的。因为演出的时候，台上所有的乐手是一个整体，是同时在完成一件作品。为了更加完美地完成这个作品，所以在排练的时候每个人在自己不出错误的同时还要仔细地聆听其他乐器的声音。对于旋律乐器来说最应该注意的是鼓和BASS，因为这两个是节奏的基础，而鼓手和BASS手就应该互相聆听对方的声音，从而找到一个共同的律动感觉。这样才能把音乐的节奏和律动做好，而且同时还要注意音乐的段落和色彩，通过不断地调整自己的感觉来达到和音乐最匹配的地步。这样的话无论是在排练还是演出，音乐的整体感都会非常好。
另外，虽然是在排练室里排练，并没有真正面对观众，但是每个人都要想象一下真正演出时的情景，把自己的心情最好能调整到和演出时一样，这样就会变得有激情，而音乐也会变得非常有感染力。很难想象一支好的乐队在排练室是死气沉沉的，而一到了台上就会激情四射，所以在排练时一样也要培养演出时的情绪。这样做还有一个好处，就是在你激动起来的时候减少犯错误的概率，让演出效果更好。还有就是演出性排练时最好能把上场后的情况都考虑到并且模拟一遍，比如歌手应该说什么话，在第几首歌的什么位置会加入某个乐手的即兴solo等等，模拟得越细致，演出的质量也就越高，演出的效果也越好。我们看到国外乐队的现场演出非常好，那就是因为在台下他们把每一个环节都想好怎么去做了，甚至连走路的路线和步伐都设计好了。还有一点，就是每个乐队在演出之前最好能去彩排一下，也就是俗称走台，因为这是实际了解演出场地点状况和音响设备状况的好机会，跟音响师做必要的沟通也是必不可少的，这些都是演出性排练的一部分。
录音性排练
顾名思义，当然是乐队马上要进录音棚来录制专辑或者单曲一类的作品。在进录音棚之前，乐队必须要进行很多很细致的排练工作，从而确保录音的质量和节省时间（因为录音棚的费用更高，实在是不敢在棚里浪费时间）。那么录音之前的排练就显得至关重要了，因为这直接影响到作品的品质。以笔者的乐队为例，由于我们经常会到录音棚录音，所以每个乐手都非常有经验了。首先，在排练之前每个人依然要在家里先把要录音的东西反复地演奏，然后在例行的排练时，我们每个人都会把要录音的作品中的自己的那部分乐谱写出来，然后按照乐谱反复地进行共同排练，可以说要把每一处细节都要考虑得清清楚楚，并且演奏得没有丝毫问题了才可以。还有一个很重要的问题就是乐器的solo，尤其是电吉他、键盘等乐器，可以说经常会有大量的solo在音乐里面，所以在录音性排练里要格外地的重视solo，应该说要把每一首作品的solo都要事先编写完整，每一处转折、每一处过门都要编写得很详细，而且排练的时候还要把solo单独提出来进行练习，看看和弦是否正确，整体的结构对于音乐作品来讲有没有什么影响。
对于难度比较大的一些solo段落更是要反复练习，不断地熟练它，这样做不仅会为录音节省大量的时间，而且对于自己来讲也是一个快速提高技术的方法。不过录音时的solo最好能够跟现场演出时一样，这样对于乐队来讲作品的完整度更好。对于那些即兴成分比较大的，自由度比较高的段落，在排练的时候可以按照不同的想法来排练出几种不同感觉的东西来，然后都进行熟练的练习，这么做的好处是在棚里录音的时候可以迅速地把几种不同感觉的东西全都录下来，然后进行比较和筛选，为缩混留下非常好的素材。
其实录音性排练在整体上和演出性排练差不多，但是要更注重细节，而且每个人都要认真仔细地把自己的乐谱写下来，然后大家可以把整首作品的感觉记住，这样在进录音棚的时候就不会产生感觉或者情绪上的问题，能够顺利地完成录音工作。
创作性排练
创作性排练是每个乐队最重要的一种排练方式，因为几乎每个乐队都会在这种排练的方式下产生无数新的动机、新的想法，往往一首精彩的作品就是在这种排练环境下产生的。而且创作性排练是排练方法里面自由度最高的一种，有时候大家会随心所欲地演奏一些东西，然后逐步地跟进。也正是由于自由度很高，这种排练方法很容易变成聊天会，时间花了不少但是成果并不多。有的人觉得既然是来创作，在家里就不用做什么准备，其实这也是不可取的。为什么呢？因为我们每个人在家里练习的时候也依然会有灵感的火花迸发出来，而且这些火花也许是非常精彩的，然而了排练时由于没有做准备很可能会想不起来了，而勉强想起来也往往失去了当时的那种感觉，这岂不是很可惜？
所以，在家里的时候，每个人都要进行单独的创作工作，如果有好的想法或者动机，哪怕是一句听起来很特别的旋律，都要马上写下谱子来，然后还是要反复地演奏这个东西。也许在演奏的时候就会有更多更好的想法不断涌现呢。当然，在演奏的时候也不能单单想着这个东西，拿吉他手举例来说，当他在弹奏的时候，还要考虑BASS怎么去弹，鼓怎么去敲才能和这段东西达到一致，也就是说不仅仅要考虑旋律或者和声进行，还要进行一定的编曲工作。如果家里有条件可以用电脑来进行最简单的编曲，因为这样能够初步地听出整体的感觉，便于日后排练。
前面说的只是每个人在家里应该进行的工作，那么排练的时候呢？每个人就可以把家里已经成形的东西拿出来，让大家来听听，交流一下，看看有什么更好的想法。而且最好的方法是大家按照这段动机来排练一下。在排练的时候如果大家都觉得非常有兴趣或又有了更加精彩的动机的时候，就可以一直进行下去直到某一个段落结束为止。这样的排练任何人都会觉得非常有意思而不会觉得枯燥。很多人在创作性排练的时候总是觉得每个人的想法都南辕北辙，总是难以统一，其实这也是因为交流不够，在排练的时候应该先把自己要表达的意思完整地表达出来，然后说一说自己的想法是什么，这样大家就会能够更快地理解并且融入到音乐当中去。当然了，每个人都会有自己的想法，能够聆听别人的想法也是提高排练效率的好方法。
说了这么多关于如何有效地利用排练时间的问题，我想再强调一点并不是说每次排练都会非常精确，因为对于乐队或者乐手来讲所面对的事情也许不止一件，所以排练时间其实是非常灵活机动的。更加合理的方法是把排练时间分成几个部分，开始时是演出性排练，后一半的时间就是创作性排练了，这样更能够节约时间。如果这样每个人在家里面的工作就会更多，脑子里面要记住的东西也就会更多。
高质量高效率的排练对每个乐手来说都是一件开心的事情。从每一次排练中大家都能够找到自身的不足，都能够把自己的音乐做得更加完美，这才是排练的成果。最后还有一个非常重要的事情，那就是：遵守时间，别迟到。这直接关系到排练的效率问题。