电吉他音色处理的调制(中)音量旋钮和失真

今天的电吉他教程，我们讲的是电吉他音色处理的调制(中)音量旋钮和失真。

电吉他音色处理的调制(中)音量旋钮和失真

音量旋钮

音量旋钮实际上也是电位器。

被动式和主动式

被动式音量旋钮被扭大时并不增加信号的放大，当扭到最大时，它会让所有的信号通过。主动式音量旋钮使用了前级放大线路，所以当你增加音量时，信号会被放大。主动式旋钮较昂贵，吉它上一般较少使用。

吉它上的音量控制旋钮

相对而言，把吉它上的被动式音量旋钮顺时针开到最大比较可取，因为这样可以把拾音器的全部音量都送到放大器。如果逆时针旋转得越厉害，从吉它上所拾取的泛音也越少。有些吉它手会把自己吉它上的音量旋钮取下直接接通以减少杂音并传送出所拾取的全部音调。

无音头音：这种用音量旋钮做出的效果同用音量踏板做出的效果是一样的。在音量旋钮最小的时候弹奏一个音，然后用小指把音量旋钮逐渐拧大，让音慢慢飘出来。这种效果听不到音头(即匹克拨弦的声音)，而且能产生虚无缥缈的感觉。

放大器上的音量控制旋钮

如上所述，为了保留泛音成分，吉它上的音量旋钮最好开大，但放大器上的音量旋钮则有所不同，可以任意调节。

音量踏板

带电位器的音量踏板一般噪声较大并且较难控制，质量好的音量踏板都用了一个低敏电阻(购买时要注意这一点)。在泛音的减耗上，音量踏板似乎比吉它上的音量旋钮要小。用音量踏板制做无音头音要比用吉它的音量旋钮做容易得多。

失真

这里所说的失真精确地说应该叫做泛音失真。这种失真通过大幅度增加吉它所发音的泛音成分来产生出刺激、猛烈的声音。

拾音器

有些拾音器的输出非常高，以至不需要通过失真设备就能产生失真。普通的拾音器一般不会失真太多，但大部分拾音器厂商都生产有高输出、能产生失真的拾音器。当你购买拾音器时，最好用一个装有新拾音器的类似吉它试一下。

Humbucking拾音器通常是双线圈的，它们产生的噪声要比单线圈拾音器小，这一点在失真时更为明显。

失真器

Overdrive、fuzz、sustainer、distortion实际上都是同一个意思：失真。它们模仿电子管放大器所产生的泛音失真并有过之无不及，控制旋钮也较之为多。sus-tainer(延音器)通常含有压缩和失真两种效果(参看D小节)。不要总是把失真开到最大，要恰到好处，适可而止。

电子管放大器与固体电路放大器之比较

电子管放大器音色激烈而饱满，很象原音乐器，但要很注意保养。固体电路(或晶体管)放大器音色较干，合成因素较多，通常更适合贝司、键盘或前置放大。

Overdrive前置放大

带有overdrive通道的电子管放大器所做出的失真一般都很不错。它们通常都有一个master音量旋钮和一个lead drive、gain或tube voice旋钮来调节前级放大的输出。制做失真时先把前级开大直到信号失真，然后把主输出级的音量关小(用master旋钮控制)以避免音箱放出的声音过响。

延伸阅读

话筒的选择和人声的处理技巧

歌曲的演唱有不同的风格，不同的要求，也有不同的演唱技巧，所以也就要求音响效果把不同风格的各种类型的演唱都完美地表现出来。美声歌曲是体现音色优美；民族歌曲是体现民族风味和地方色彩；通俗歌曲是体现深沉的情感；而摇滚歌曲则是体现强劲的激情。由于歌曲的风格有所不同，其音响处理的要求也就不同。

话筒的选择

1、 美声歌曲演唱话筒的选择

演唱美声歌曲时应该选用频率响应范围很宽的电容式话筒，安装在高话架上，进行远距离的拾音。在艺术舞台上演唱，话筒与口型的距离一般在20-60cm之间。在大奖赛演唱中，话筒与口型的距离一般为60-80cm.其高度在人脸与口型以上，这样可以将脸露出画面。这种远距离拾音有一定的混响反射声进入话筒，使音色变得混厚、自然、有弹性和空间感。

之所以选用电容式话筒拾音，是因为电容式话筒的频率响应范围宽，神经质高频上限可达18-20kHz。因为美声发声方法音色优美，它的泛音数量多，高频泛音频率很高，高音乐音的高频泛音可达10-20kHz。所以，需要用电容式话筒进行拾音。因为这种话筒可以将歌声中所有的高频泛音的成分全部拾入话筒，并转换成音频信号。由于电容式话筒的灵敏度比较高，所以不可以用手持方式使用话筒。如果话筒离口型太近，会造成话筒过荷失真现象。有些音响素质不高或缺乏音响知识的歌手常常不理解这个道理，一味追求口型离话筒过近，因而造成响度虽然很大，但失真度也变大，使凌晨色变得很差。

具有的话筒型号可选择CRI-3型、CRI-5型和CRI-73型等。

2、民族歌曲演唱话筒的选择

民族歌曲的范围比较大，有些歌曲近似于美声风格，也有些歌曲近似于通俗歌曲的风格，所以其话筒的选择也各有所不同。在艺术舞台上演了民族歌曲时，也应选用电容式话筒进行拾音。但是，口型与话筒的距离要比美声歌曲演唱近一些，一般为20-400cm,且略低于口型位置。在歌舞厅演唱时可使用手持式动圈式话筒进行演唱。

3、通俗歌曲演唱话筒的选择

演唱通俗歌曲时应选用手持近讲动圈式低灵敏度话筒，因为通俗歌曲是以深沉的情感为主要特点，所以应采用近讲、近距离拾音方式。这样就缩短了歌声音源与听音者的距离。从聆听心理学角度上讲，就会产生一种亲切感。

用话筒与口型很近的拾音方法拾取的是完全的真达声，虽然感情亲近了，但是音色却变得很干涩，这就必须进行混响（REV）或者是回声（EVHO）的加工处理。处理以后才会使音色变得丰满、混厚；否则，音色显得干瘪、单调、乏味。所以，演唱通俗歌曲的人声必须要经过混响或者回效果处理，才会使歌声变得悠扬、深沉、混厚、感人。

具体的话筒型号可选择森海塞尔e835(S)、e845、e855、SHUER SM-58型。德国拜亚动力和美国EV也是不错的品牌，有相应的型号可供选择，还可选择AKG D-95型、AKG D-330型、EV N/D-357型、EV N/D857型，以及日本三角牌AT-818型等。

几种典型演唱的调节

下面介绍几种典型的演唱，在调音台上的四频段均衡器中对其音色进行频率修饰和处理方法：

1、对男歌手的音色频率调节

男声基音频率在64-523Hz左右，泛音可扩展到7-9KHz。

要求男歌手的声音要坚实，音色要有力度，但又不至于造成模糊不清。因此，对男歌手音色频率调节要求在4个频率段进行处理。

根据男声的泛音结构，依频谱曲线为据，对男歌手在4个频率段进行加工处理的手法是：

（1）对64-100Hz做小的提升，其目的是为了增加一些浑厚感，也是男低音的音域；

（2）在250-330Hz做大的提升，因为男声基音的主要频率在这个区域，提升此频段可增加基音的力度；

（3）对1KHz左右频段做小的提升，这样可保证泛音的频率表现，增加凌晨色的明亮度，这个频段可延续至3-8KHz；

2、对女歌手的音色频率调节

女声基音频率在160Hz-1.2KHz左右，泛音可扩展到9-10KHz。因此，要使女声得到最佳音色表现，应在4个频率上进行处理。

女声音色表现为圆润、清晰、明亮。

女声歌手的4个频率加工处理的手法是：

（1）160Hz以上，频率低于女声音域，做不提升处理；

（2）250-523Hz音区是女声主要音域，做不提升处理；

（3）对1-3KHz频段进行提升，其目的是为了使音色结构的泛音表现出良好的频率导通特性，使音色更加完美，同时可增加音色的明亮度。

（4）10KHz以上频率给予小的提升，目的是为了使音色的色彩有足够的表现力，可对音色微小，细腻的部分加以表现。

3、对鼻音严重的音色处理

鼻音产生的原因有2个：一是生理上的原因，生理机体有缺陷；二是发声方法或者训练方法不正确，而造成鼻间共鸣过强。

改善鼻音严重和方法应在四频段均衡器上进行频率处理。

（1）对64-100Hz频段进行大的衰减，以消除鼻音严重频带；

（2）对100-100Hz进行衰减，以消除鼻音哼声；

（3）250-330Hz频段略做提升，以增加语音的力度；

（4）3.3kHz左右频段做较大的提升，以增加音色的明亮度、清晰度，

（5）对10kHz频段做小的提升，为的是加强高频泛音的频带表现。
对音色和处理应切掉低音频率，这样就相应地增加了音色的清晰度。如果在3KHz频段做较大的提升，也可明显地提高声音的明亮度和清晰度。

4、对业余歌手音域较窄的音色处理

有些没有经过训练的女歌手，其音色在高音区域范围很窄，声音单薄、刺耳，音色缺乏深度感。因此，对声带窄的业余女声演唱者可用四段均衡器进行音色处理，如图4所示。

对其音色处理着重于音色改善，提升基音区频率，以增加音色厚度；衰减中高音区频率，以消除高频噪声。具体处理方法如下：

（1）250-330Hz频段应予最大的提升，其目的是提升基音区频率，增加凌晨色的浑厚度；

（2）1KHz频段则不提升，以减小音色刺耳的中高频成分；

（3）4KHz频段左右应进行较大的衰减，目的是消除尖噪的高频噪声；

（4）对10KHz频段进行最大的衰减，消除由于声带音色不纯净而产生的高频噪声。

对业余歌手的音色改善应以明亮而不刺耳，圆润而不纯净而产生的高频噪声。

5、对单声音色的频率处理

单声不分男声女声，与女声歌手音域基本一致，这时因为单声音域的频带与女声音域的频带相似，所以其调音的方法也和女声歌手的调音方法相仿。

演员口型与话筒的距离

演员与话筒的距离可分成三种，主要为近距离拾音、中距离拾音和远距离拾音。

1、近距离拾音

话筒的音源的距离为1-5cm,适合于低语调的主持人和通俗歌曲的演唱者。

近距离拾音最适合低音语调主持人的语音拾音，其声音的特点是有较强的真实感和亲切感。因为音源和话筒很近，是绝对的直达声，所以音色纯净、清晰度高。
对评阅进行均衡处理的要求：

（1）对100Hz频段衰减3-6dB，因为有近讲效应，话筒与口型很近，所以低音频率会得到很大的提升。

（2）200-300Hz频段提升3-6dB，这是语言的基本音域；

（3）1-2kHz频段提升3-6dB，可增加音色的透明度，提高清晰度；

（4）8KHz以上频段衰减3dB，以减少高频率噪声，因为语音的高频泛音比歌声要少。

不使用效果器，使主持人音色具备真实感、亲切感。

2、中距离拾音

话筒和音源的距离为5-10cm，适合于民族唱法的拾音。

中时语调的主持人话筒和口型相距5cm；民族唱法歌手口型与话筒相距5-10cm.中音语调主持人声音特点是轻松、活泼、开朗、爽快，使整个歌厅的气氛比较活跃。
民族歌要求发声、吐字、共鸣要清晰、明亮、纯净，具备民族风格与特色。均衡器应进行如下调节：

（1）对100Hz频段不提升不衰减，因为没有近讲效应；

（2）256-440Hz频段应提升3-6dB，为的是增加基音的力度；

（3）对1-3KHz频段应提升3dB，使音色清透，明亮；

（4）对10KHz频段提升3dB，以增加音色的表现力，提高音色的解析力。

3、远距离拾音

话筒和音源和距离为10-20cm,适合于美声唱法的拾音。

顾名思义，美声讲究音色的优美，发声要经过专门训练，所以音色的泛音数量较多，幅度也比较强，整体音色的泛音结构比较丰满，因此，要求电声系统要有足够的宽频带，才能使低频泛音、中频泛音、高频泛音都不被阻拦地顺利通过。要使音响系统有良好的频率传输特性，可以作如下的频率处理：

（1）低频段应提升3-6dB，这样可以增加音色的丰满度和浑厚度；

（2）256-315Hz频段应提升3-6dB，这样可增强基音的力度；

（3）1-2KHz频段应提或3-6dB，这样可以增加音色的明亮度

（4）10KHz以上频段应提升3-6dB，这样可以增加音色的高频泛音表现力，提高音色的解析力。

远距离拾音时，如果想用动圈话筒（CD型），距离可为5-10cm;如果使用电容式话筒（CR型），距离可为20cm左右。

话筒角度的选择

（1）近距离拾音--多用于通俗唱法，话筒和音源的距离为1-5cm,角度应为15°-30°，这样可避免低频气团的噗噗声。如果话筒与口型成0°时，气流声很重，容易产生低频噗噗声；而话筒与口型成15°-30°时，音色的低频、中频、高频声带较为均衡。当话筒置于45°-90°时，语音气流掠过话筒振膜，使音圈振动减小，所以低频声音小，相对高频成分比例增大，但总音量变小。

（2）中距离拾音--适用于民族和美声唱法，话筒和音源距离为5-20cm,角度近似为15°。

（3）远距离拾音--适用于美声和某些乐器的拾音，话筒和音源的距离为10-20cm以上。一般拾取多个声源，例如一个声部、提琴群声。话筒的辐射角的轴线应对准音源，即角度为0°

弦与琴箱和音色的关系

现在，很多年轻朋友都想要学得一手弹吉他的好技术。首先吉他入门第一步是拥有一把自己的吉他，接着第二步便是了解自己的伙伴及与他相关的配件等，最后一步才是打磨自己的技艺。本人的琴是johnson6400，用过的人都知道这琴原装的弦是MARTIN的出粗弦，所以手感非常的硬，新手弹这琴都极不适应，所以初学者换弦。

既然要换弦了那么换什么弦，多粗的弦都很有说道，因为弦可以弥补琴箱的不足，当然好的琴比如1500以上的木吉它还是不要换了那样琴的琴弦和琴箱的配比度已经是很完善的了，但是1000块以下的夹板琴在这方面就有些问题了，当然要这样的琴的音以去和全板的琴比是不可能的，但是可以向单板的琴的音色靠拢下面说一下弦与音色。

弦是发生的来源它的声音被琴箱放大从而产生大家最后听到的声音，目前弦的质料主要是由三种金属制造的（什么金属名子忘了！）第一种是看上去很光亮的感钢很多的那种(比如爱丽丝就属于这种了)，第二种是与它感观上差别很大的那种看上去比较暗像是含了许多铅和铁的那种(你去琴行看看有很多生锈的弦就是这种了)，第三种比外观上看在前二种之间，但它的三四五六弦退色后可以看到外面一圈丝很像铜的(暗红色的，正名达达里奥的就是这种，0.10-0.11)第一第二种指的是看一，二弦。

第一种弦的高音音色很亮，低音音色很硬，而且这种弦往往做得比较细来配合这种特性(0.10或0.11)第二种弦的高音很有弹性，低音发闷，这种弦的粗细在(0.11-0.12)第三种的弦在二者之间比较难讲清楚，属性柔和的那种。

接下来说琴箱，不同的琴的制作材料不同，面板多数为云衫。侧板背板，指板琴颈的用料就比较花了，比如本人的琴的侧板背板琴颈是桃花心木的，这种木料的中低音比较好，声音发甜，而且高音就没枫木的亮。(听说有红木的琴，小时后见邻居用过，声音很亮，10年前的事了，估计琴现在卖价也不低)拿本人的琴打个比方的话可以用第二种弦，来把低音的优势发挥出来，而枫木的就可以换第一种的弦让音色亮起来。

那可不可以把二者的特点互补呢?如果你不想花太多的钱去拿一种一种的弦试(也许你能试到最适合的，但你的琴几钱?)你不妨试试把同类型的二套不同粗细的弦配起来用，比如达达里奥的，本人的琴目前是用的0.10的一弦0.14的二弦(这二根是一套的)，0.24，0.32，0.42，0.52的3456弦,因为是同一品牌二种弦的兼容性还算比较好(扫弦不会变得很怪，反而很好听)这样低音发挥出来了，高音也不错(这只是个人偏好而已)。

还有300-1300的琴做得都不是很细致比如琴桥高造成弦离指板高等这些去看怎么打造自己的琴的文章这样可以让手感好起来，不是粗的弦就一定硬的，这和琴本身很有关系，听说弦离琴箱的高度也影响音色，还有尽量把琴调到标准音，这样有助于判别，所以大家努力探索把自己的琴打造成属于自己的吧。

PS：只要琴箱没什么缺陷是可以修正音色的，本人的琴感觉不比1000多的琴差(在琴行试过多把1000朝上的琴)，只要琴箱可以什么都可改变！以上都是本人的观点，可以当我是说糊话，或者大家都知道了那就把当小白吧。

教你如何调出满意的失真？

很多朋友跟我说他们在调失真的时候总是不能调出自己满意的音色来，感到很苦恼，效果器也是一换再换，但是效果总是差强人意，而且吉他教学课程也没有比较详细的讲解。我想对于很多吉他入门边缘的爱好者可能都有类似的感受，那我就写一点自己浅薄的经验来与大家分享吧

第一，调失真的时候要搞清楚你想调的失真是什么样的?比方说是轻失真还是在重失真，是电子管味道很浓，很固体的，还是那种粉碎感的，这个确定下来后，再开始动手。

第二，如果有条件的话最后能够找一个参照物，也就是说最好能有一个比较好的失真音色做为范本。你可以找自己喜欢乐队的歌曲里面的音色来听，反复地多听一些，这样就能够掌握他们的音色基础是什么。但要知道，很多乐队录音室作品cd里面的声音是经过高质量的录音和混音后的声音，并不是原始的声音，所以我建议大家最好找到现场演出的声音来听，这样就不会受到误导了。

第三，充分利用你手里面的效果器材，每个人的喜好不一样，每个人的器材肯定也不一样，所以对于不同的人有不同的方法，我下面就简要地说说。

很多人喜欢用单块效果器，没错。用单块效果器可以调出很好的声音，但是如果你有一个更好的吉他音箱那就更完美了。为什么呢?其实像外国很多吉他手他们的失真音色更多的是靠音响上面的失真来完成的，所以一个很好的音箱对于你来说是必不可少的。如果你有个不错的电子管音箱，那么你就可以用它的失真来当你的原始失真音源如果喜欢重金属音乐的话，你可以把音响上面的失真调到接近最大的四份之一处，这样听起来失真很浓，很重，然后用音箱均衡来调整音色。比如说marshall的音箱的调节就是失真度及均衡的高低音开到最大 ，contour(轮廓，音色的镶边)也开到最大，而中音则开到最小。这样的声音听起来充满力量，如切割机一般的声音，

高低频丰富，是所谓的hi—gain失真。很多thrash metal乐队经常用这样的音色，比如metallica,pantera等，但是megadeth的声音失真相对就比较弱一点，而且中频比较高，声音听起来会更加结实饱满。轻失真或者弱失真就用音箱上面的overdrive过载就可以做出来，把过载开大，利用电子管天然过载的声音就可以。这种声音对于喜欢blues.poprock的朋友来说是很有用的，国外很多乐队里面的那种清脆悦耳的轻失真都是这样做出来的，弹bules时，轻失真均衡均衡的中频和高频要大一些，这样听起来有更多的六七十年代的效果，弹poprock音色的均衡低频和高频要大一些，这样的声音比较硬朗。

有人会问：我受礼的失真单块岂不是浪费了吗?不浪费，我们可以用他来做solo音色。很多人在做solo音色的时候似乎觉得失真度是越大越好的，除非是有人特意要那种很弱的效果。失真的增大可以使我们轻易的取得很长的延(sustain)，失真度越大，延音越长，而弹起来也就越轻松，失真度对音色的改变是很有影响的，对solo的音色影响不如对节奏音色的影响那么大。所以我们就利用手中的失真单块，把失真单块的失真度调到接近最小，tone调到最大。当你谈节奏的时候，单块是关闭的，当你需要solo的时候就踩开，你会发现失真好象大里，而且弹起来对pick力度的变化反应不那么灵敏，音色更通透，空旷了。这是由于我们加了这个单块使得得输入到音箱的信号增强了。很多大师都是这么使用的，比如nuno用的是pro-corat的overdrive和hughs￠katerner音箱失真，yingwie用的是dod的ovrdrive和marshall音箱：steve vai用的是boss的ds-1和bogner音箱失真等等。

如果我们用的是重金属类的失真单块，就可以不用音箱失真了。用重金属单块的音色就很好了，不如说boss-mt2，它上面的调节钮就有高中低音的调整，而且中音部分的扫频(mideseq)基本上类似于音色镶边，调它可以做出粉碎感和颗粒感很强的音色来，而且说明书上面也有很多音色的调节，我就不一一叙述了。但是值得一提的是，如果感到效果器上面的某个地方还是不尽人意，那再去调整音箱上面的均衡，一般来说音响上面的均衡都在中间就可以了。然后，solo部分可以用压缩单块来进行信号放大处理，boss。dod和mxr的压缩都很捧，注意压缩的量不要太大，压缩比一般在2：1到4：1之间就可以了。而且如果不弹solo的时候最好不要开压缩或者当信号增强用的失真，因为这样弹琴时拨片的力度反映很不明显，对于演奏者来说不好控制音乐的轻重和情绪的变化。

还有很多人用合成效果器，其实这是最容易的一种方法，因为合成效果器把压缩，失真，均衡等等都放在了一起，很方面。但是一些便宜的产品可能会存在声音不真实的现象，不过那也没办法。就拿boss公司所有最经典最受欢迎的吉他效果器和最新推出的吉他效果器，像od-1，ds-1，mt-2，ch-1，dd-3等等可以说拥有了gt6就等于拥有了boss公司的所有吉他单块效果器。这样我们就能方面的选择使用那种效果器来做音色了，方法和上面我所说的用单块做音色的程序是一样的，只不过要靠你自己在它的菜单里面仔细的调整了，下次有机会再向大家说gt6的参数和做音色的方法吧。

第四，好好地调整一下你手里的吉他，如果总感觉失真或者音量偏小，声音很软的话，你就把琴上面的拾音器向上调一点，只要不妨碍弹琴就行了，这样拾音器的功率会增大一点，弹起来也就会更灵敏，更舒服一些。还有，换套新的琴弦也是改进音色的好方法，新弦的声音更清脆，所以失真声音也就会更好一些，听起来好象比原来大一些。

第五，噪音问题。这个问题很多人头疼，其实失真严格说来也是噪音，没办法，有失真肯定会有噪音，适当的减少失真量是减少噪音的好方法。我不去主张开大噪音门或者降噪开关一类的东西，因为这样你的音色会变得忽然内僵硬，尤其是音色的尾部会像给砍断一样难听。失真量多大适合?不同的音乐有不同的需要，不能一概而论，我们拿重金属音色来说吧，我认为你站在音箱(比较大的音箱100瓦左右)前面1到2米处，背对音箱拧开琴的音量然后放开双手。如果逐渐地产生自然回授的萧叫声就说明失真度比较适合，要是马上就叫的话说明失真度大了，要是没声音的话可以适当增加失真度，其他的音乐我就不一一举例了，只不过要记住不是失真度越大越好，也不是越小越好，调出适合你自己音乐的失真，才是最好的。

关于电吉他中sweep的练习问题

一些望友在听了我的第6首kiss_piece.wma后提出一些问题,我抽空做了一下整理贴出来与大家分享.如有不道指出还请原谅.

这首曲子并不向前几首那么注重技术,换句话说就是这收曲子是以音乐为主.我个人较注重整体的东西.在3’10的地方有一段琶音,技巧主要使用Sweep与右手点弦,从技术上讲并不难,下面我较详细的说一下:

第1,2,3音SWEEP下拨,第4音左手无名指击弦.第5,6音用食指但注意食指的护弦问题第7-12音是左手击,勾加上右手点弦(T)第13,14,15音是第二弦的点弦加勾弦.第16音是完全用左手击弦发出,然后滑音至14品则发出第17音.后面就是sweep下拨.最后一个音是滑出来的.

这一段音符的设计完全是Asus47和弦内音:ADEG.在设计这一段时的目的有两个

1.为下一段坐铺垫,由一种向上的感觉(Asus47-A7-Dm7)可以看出这个是最简单的五度解决

2.增加色彩,不至于太单调

电吉他和古典吉他的区别

喜欢吉他的人有很多，因为吉他有电吉他也有古典吉他，所以给大家普及一下这两种吉他的区别。下面是小编给大家整理的电吉他和古典吉他的区别，供大家参阅!

电吉他和古典吉他的区别

想学电吉他，但只能找到教古典吉他的地方，我学好古典吉他后自学电吉他会简单点吗?

不会简单点的 还有可能更难!古典吉他和电吉他完全是两种乐器，无论是吉他本身的结构构成或是演奏指法演奏方式完全是不一样的，所以当你习惯了古典吉他的弹奏方式后再学习电吉他有可能很难改变已养成的习惯，所以可能会更难学。

首先古典吉他主要是用来弹奏古典曲目的，需要学习五线谱，而电吉他不一定要学五线谱，只要看懂六线谱就可以。

第二，古典吉他使用尼龙琴弦，琴弦张力较小，指板宽大，琴颈短，手感方面和电吉他完全不一样。

第三，古典吉他对弹奏姿势要求非常严格，需要将吉他屁股放到两腿之间，琴头翘起，并且右脚需要踩踏脚凳，电吉他没有严格的演奏姿势上的要求。

第四，古典吉他一定要用手指来弹奏，对于右手的姿势和指法有非常严格的要求，但是电吉他很少用手指来弹，而主要是用拨片，所以如果你习惯了手指弹奏想再改为拨片的话是非常非常困难的。

第五，古典吉他主要是弹奏一些经典古典曲目，使用的音阶和和弦类型多为古典式，但是电吉他一般来说使用不到这些和弦，所以当你弹奏电吉他的时候一切都要从头学起。

总而言之，学古典吉他对学电吉他没有什么实质上的帮助，你可以将这两种乐器看做是完全不同的乐器

电吉他和古典吉他有什么区别

十五世纪，西班牙人给这种乐器一个新的名字吉他

吉他大致分为古典吉他;民谣吉他;电吉他;贝司吉他。

对于电吉他与古典吉他的比较

当然有不同，电吉他主要演奏乐曲的高音部分，大多采用封闭式和弦(如大横按，小横按)而且有许多演奏技巧，所以电吉他的演奏在一定程度上比木吉他难得多。

若买木吉他则要看吉他的音准，指板是否光滑，音色是否纯正，其次是外形。若买电吉他，则要根据自己喜欢的风格来挑选斯特拉特形式是主旋律形，与木吉他一样音准、指板、音色是主要的，而且要插上效果器试一下，看噪音是否大，没有噪音最佳，当然在经济允许的条件下买价格比较昂贵的进口琴，如Fender Gibson,质量更能得到保证

3 .木吉他与电吉他的优势

虽然大家认为电吉他能发出很纯的木琴声，但是我要告诉大家的是就是纯木吉他的声音加个麦克会很不错!

木吉他是通过琴的箱体来提高音量 而电吉他是通过拾音器来拾音,然后经过效果器处理,最终通过音箱来表现音乐的 通过对效果器参数的调整,可以有无数种的音色 而木吉他一把琴就只有一种音色

在演奏上,木吉他的演奏按音乐风格可分为民谣与古典两种 民谣吉他演奏不拘与一种,可以指弹或者用拨片，演奏技巧也灵活多样 而古典吉他必须用指弹而且对技术要求，演奏姿势等要求十分严格;按弹奏方法来分有指弹与拨片两种 前者分类也比较多，如弗拉门哥 等 后者使用塞路路制成或金属制成的拨片进行演奏要求一般为上下交替演奏。

木吉他，民谣吉他和古典吉他有什么区别

木吉他，民谣吉他和古典吉他的区别可以从四个方面论述

第一，外形结构的区别

对于古典吉他，在琴弦上使用的是用于独奏和表现音乐较适合的尼龙吉他弦，世界上主要的三大琴弦达达里奥、萨瓦列斯、奥古斯丁就是针对古典吉他的，而民谣吉他使用的是钢弦，由它演奏的性质所定;正规的民谣吉他在品数上是与古典吉他不相同的，在琴的指板与吉他音箱结合处，指板上是14品，而古典吉他刚好是12品泛音点，但有些民谣吉他却是仿造古典吉他制作的;民谣吉他是为伴奏做准备的，所以当然少不了背带，同时就具有背带扣。

第二，演奏形式不同

古典吉他主要可以从事以下演奏方式：吉他独奏、合奏、协奏和伴奏，而民谣吉他的演奏方式单一，只是伴奏，也有不少人用钢弦吉他(民谣吉他)演奏指弹吉他曲目，创作了不少另类的风格，但音乐艺术方面，古典吉他表现力要强的多。初学者我建议学习古典吉他(Classicalguitar)，而电声吉他/贝司却是从古典吉他中逐渐演变的用于乐队伴奏的现代乐器。

第三，学习方法不同

从演奏性质看可以知道学习这两种吉他的学习方法和方式是不同的，古典吉他学习的过程中是要经过正规的姿势、训练和循序渐进的学习练习，严格性和专业性是古典吉他学习提高的特点;民谣吉他在学习中却自由了许多，但在伴奏类型和节奏上下的工夫要多，总体来说入门还是比较简单的，但民谣吉他却是学习吉他二次提高的最大客星，一旦民谣吉他学习成型就很不好在学习古典吉他，可能需要耗费很长时间改正一些错误的指法和技巧，而且速度上也需要重新正规地训练。

第四，艺术内涵不同

古典吉他代表的是音乐艺术的延续发展，作为世界三大乐器的古典吉他更是继承和发扬音乐艺术的化生，他的表现力甚至是超过其他所有乐器，贝多芬、布罗威尔(二十世纪世界音乐代言人)都对古典吉他做出了很高的品价，所以古典吉他代表的是更高一层次的艺术，同样要求欣赏人的音乐素质也要很高;民谣吉他表现的艺术内涵一般从属于演唱人和歌曲，真正把歌曲的内涵通过伴奏来更贴切的表现，当然，双方的配合能力也是需要很好的。

电吉他演奏中左手的细节困惑

下面有我为大家阐述一下电吉他演奏时左手的一些细节问题:

1：关于勾弦。

只针对初级学者，提倡勾弦的时候手指向下做勾的动作，不提倡直接放开手指。

2：关于推弦颤音。

a摇滚布鲁斯奏法，即用大拇指扣住琴颈，以其支点和食指与手掌的连接处为共同支点，锁住按弦的手指，利用手腕的转动来制造推弦颤音

b:古典式推弦颤音：用大拇指在琴颈后面中上方用手腕的转动或直接用手指的力量完成（大多数人会用a方法因为这样比较舒服。如果用单指推弦提倡b方法，用手指的力量）

3：关于揉弦

揉弦的说法很多，直接与演奏风格相连。

A：在品格里做类似走有移动的动作，确切的说是滚动，这中方法大多被古典吉他演奏者使用。

B：类似摇滚布鲁司式推弦，c做向上小幅度推弦的动作（STEVEVAI黄贯中亮子都是这做的）或向下拉的动作在恢复原位的动作来完成。

食指揉弦：食指按弦后，靠近其指甲的关节与中指的靠手掌的关节齐平过错开一点，因为着样你的食指最省力，看起来的动作也相当漂亮。他的发力d:（JOESATRIANISLASH等）手法与滚布鲁司式推弦一致，手指发类似垂直琴颈的里来完成。在如（JOESTAMP，ERICJONSON)虎口紧扣琴颈，手指发=45度的力。

c方法对左手的两个指点需要的力大一些，而d方法对手腕要求的力大一些，电吉他的一般揉弦提倡B方法中的c,d均可，幅度大或剧烈的揉弦提倡B方法中的c方法，同时如果用c,d方法对练习时间的要求很多c,d方法的优点一个手指可完成消音，因为这样琴弦都在这个手指的下方很容易护住，动作美观。用中指和无名指揉弦与食指类似，不多说。

4：关于消音：

本人认为练习的时间长短直接关系着消音，而且主要是在推弦的时候产生。在速弹布鲁司时候，多频率的推弦以至你来不及用其他手指去护弦，所以弹奏的手法一定要熟练，否则你的演奏会噪音百出！一般推弦或推弦颤音的小引提倡用左手的其他手指护弦，以保证演奏的万无一失

5：速弹时手指的发力：

有些人认为速弹时手指不可以“飞”，有的在演奏中飞的厉害。其实这两种观点都是片面的飞的好处，按弦有力，颗粒感好。动作漂亮。缺点：速度上不去

不飞的好处：速度快，容易找准弦，缺点：练习时间不够的话，颗粒感不好。

可见两者是互补的，提倡不飞有要辅助一点点飞，这样两者的优点都能发挥出来，前提是练习时间要达到！呵呵许多吉他手都是这么做的，如果你是一个慢手（速度太快，根本看不清手指的动作）当然是飞不起来的！

吉他自学教程 如何调出满意的失真

今天的吉他自学教程来给大家说说如何调出满意的失真。

吉他自学教程 如何调出满意的失真

很多朋友跟我说他们在调失真的时候总是不能调出自己满意的音色来，感到很苦恼，效果器也是一换再换，但是效果总是差强人意。我想对于很多人可能都有类似的感受，那我就写一点自己牵薄的经验来与大家分享吧.

第一，调失真的时候要搞清楚你想调的失真是什么样的?比方说是轻失真还是在重失真，是电子管味道很浓，很固体的，还是那种粉碎感的，这个确定下来后，再开始动手。

第二，如果有条件的话最后能够找一个参照物，也就是说最好能有一个比较好的失真音色做为范本。你可以找自己喜欢乐队的歌曲里面的音色来听，反复地多听一些，这样就能够掌握他们的音色基础是什么。但要知道，很多乐队录音室作品cd里面的声音是经过高质量的录音和混音后的声音，并不是原始的声音，所以我建议大家最好找到现场演出的声音来听，这样就不会受到误导了。

第三，充分利用你手里面的效果器材，每个人的喜好不一样，每个人的器材肯定也不一样，所以对于不同的人有不同的方法，我下面就简要地说说。

很多人喜欢用单块效果器，没错。用单块效果器可以调出很好的声音，但是如果你有一个更好的吉他音箱那就更完美了。为什么呢?其实像外国很多吉他手他们的失真音色更多的是靠音响上面的失真来完成的，所以一个很好的音箱对于你来说是必不可少的。如果你有个不错的电子管音箱，那么你就可以用它的失真来当你的原始失真音源如果喜欢重金属音乐的话，你可以把音响上面的失真调到接近最大的四份之一处，这样听起来失真很浓，很重，然后用音箱均衡来调整音色。比如说marshall的音箱的调节就是失真度及均衡的高低音开到最大，contour(轮廓，音色的镶边)也开到最大，而中音则开到最小。这样的声音听起来充满力量，如切割机一般的声音，高低频丰富，是所谓的higain失真。很多thrash metal乐队经常用这样的音色，比如metallica,pantera等，但是megadeth的声音失真相对就比较弱一点，而且中频比较高，声音听起来会更加结实饱满。

轻失真或者弱失真就用音箱上面的overdrive过载就可以做出来，把过载开大，利用电子管天然过载的声音就可以。这种声音对于喜欢blues.poprock的朋友来说是很有用的，国外很多乐队里面的那种清脆悦耳的轻失真都是这样做出来的，弹bules时，轻失真均衡均衡的中频和高频要大一些，这样听起来有更多的六七十年代的效果，弹poprock音色的均衡低频和高频要大一些，这样的声音比较硬朗。

有人会问：我受礼的失真单块岂不是浪费了吗?不浪费，我们可以用他来做solo音色。很多人在做solo音色的时候似乎觉得失真度是越大越好的，除非是有人特意要那种很弱的效果。失真的增大可以使我们轻易的取得很长的延音(sustain)，失真度越大，延音越长，而弹起来也就越轻松，失真度对音色的改变是很有影响的，对solo的音色影响不如对节奏音色的影响那么大。所以我们就利用手中的失真单块，把失真单块的失真度调到接近最小，tone调到最大。当你谈节奏的时候，单块是关闭的，当你需要solo的时候就踩开，你会发现失真好象大里，而且弹起来对pick力度的变化反应不那么灵敏，音色更通透，空旷了。这是由于我们加了这个单块使得得输入到音箱的信号增强了。很多大师都是这么使用的，比如nuno用的是pro-corat的overdrive和hughs￠katerner音箱失真，yingwie用的是dod的ovrdrive和marshall音箱：steve vai用的是boss的ds-1和bogner音箱失真等等。

如果我们用的是重金属类的失真单块，就可以不用音箱失真了。用重金属单块的音色就很好了，不如说boss-mt2，它上面的调节钮就有高中低音的调整，而且中音部分的扫频(mideseq)基本上类似于音色镶边，调它可以做出粉碎感和颗粒感很强的音色来，而且说明书上面也有很多音色的调节，我就不一一叙述了。但是值得一提的是，如果感到效果器上面的某个地方还是不尽人意，那再去调整音箱上面的均衡，一般来说音响上面的均衡都在中间就可以了。然后，solo部分可以用压缩单块来进行信号放大处理，boss。dod和mxr的压缩都很捧，注意压缩的量不要太大，压缩比一般在2：1到4：1之间就可以了。而且如果不弹solo的时候最好不要开压缩或者当信号增强用的失真，因为这样弹琴时拨片的力度反映很不明显，对于演奏者来说不好控制音乐的轻重和情绪的变化。

还有很多人用合成效果器，其实这是最容易的一种方法，因为合成效果器把压缩，失真，均衡等等都放在了一起，很方面。但是一些便宜的产品可能会存在声音不真实的现象，不过那也没办法。就拿boss公司所有最经典最受欢迎的吉他效果器和最新推出的吉他效果器，像od-1，ds-1，mt-2，ch-1，dd-3等等可以说拥有了gt6就等于拥有了boss公司的所有吉他单块效果器。这样我们就能方面的选择使用那种效果器来做音色了，方法和上面我所说的用单块做音色的程序是一样的，只不过要靠你自己在它的菜单里面仔细的调整了，下次有机会再向大家说gt6的参数和做音色的方法吧。

第四，好好地调整一下你手里的吉他，如果总感觉失真或者音量偏小，声音很软的话，你就把琴上面的拾音器向上调一点，只要不妨碍弹琴就行了，这样拾音器的功率会增大一点，弹起来也就会更灵敏，更舒服一些。还有，换套新的琴弦也是改进音色的好方法，新弦的声音更清脆，所以失真声音也就会更好一些，听起来好象比原来大一些。

第五，噪音问题。这个问题很多人头疼，其实失真严格说来也是噪音，没办法，有失真肯定会有噪音，适当的减少失真量是减少噪音的好方法。我不去主张开大噪音门或者降噪开关一类的东西，因为这样你的音色会变得忽然内僵硬，尤其是音色的尾部会像给砍断一样难听。失真量多大适合?不同的音乐有不同的需要，不能一概而论，我们拿重金属音色来说吧，我认为你站在音箱(比较大的音箱100瓦左右)前面1到2米处，背对音箱拧开琴的音量然后放开双手。如果逐渐地产生自然回授的萧叫声就说明失真度比较适合，要是马上就叫的话说明失真度大了，要是没声音的话可以适当增加失真度，其他的音乐我就不一一举例了，只不过要记住不是失真度越大越好，也不是越小越好，调出适合你自己音乐的失真，才是最好的。

古典吉他和电吉他的区别

古典吉他与民谣吉他的区别也许不是很明显，但是和电吉他的区别大家应该都能够猜到吧。下面是小编给大家整理的古典吉他和电吉他的区别，供大家参阅!

古典吉他和电吉他的区别

小弟想学电吉他，但只能找到教古典吉他的地方，我学好古典吉他后自学电吉他会简单点吗?

答案：

不会简单点的 还有可能更难!古典吉他和电吉他完全是两种乐器，无论是吉他本身的结构构成或是演奏指法演奏方式完全是不一样的，所以当你习惯了古典吉他的弹奏方式后再学习电吉他有可能很难改变已养成的习惯，所以可能会更难学。

首先古典吉他主要是用来弹奏古典曲目的，需要学习五线谱，而电吉他不一定要学五线谱，只要看懂六线谱就可以。

第二，古典吉他使用尼龙琴弦，琴弦张力较小，指板宽大，琴颈短，手感方面和电吉他完全不一样。

第三，古典吉他对弹奏姿势要求非常严格，需要将吉他屁股放到两腿之间，琴头翘起，并且右脚需要踩踏脚凳，电吉他没有严格的演奏姿势上的要求。

第四，古典吉他一定要用手指来弹奏，对于右手的姿势和指法有非常严格的要求，但是电吉他很少用手指来弹，而主要是用拨片，所以如果你习惯了手指弹奏想再改为拨片的话是非常非常困难的。

第五，古典吉他主要是弹奏一些经典古典曲目，使用的音阶和和弦类型多为古典式，但是电吉他一般来说使用不到这些和弦，所以当你弹奏电吉他的时候一切都要从头学起。

总而言之，学古典吉他对学电吉他没有什么实质上的帮助，你可以将这两种乐器看做是完全不同的乐器，虽然都叫吉他，呵呵。学民谣吉他对学电吉他还会有点帮助的。

古典吉他名曲介绍

(1)《爱的罗曼史》原为一首西班牙民谣，后被作为电影《被禁止的游戏》中的主题曲，纳西索耶佩斯将此曲改编成吉他独奏曲。曲中的旋律在分散和音中缓缓流出，充满温柔和浪漫的气息，是吉他曲中的一首不朽名作。演奏中应注意旋律部分使用靠弦，突出主旋律。

(2)《阿尔汉布拉宫的回忆》这是泰雷加的杰作中的杰作。阿尔汉布拉宫在西班牙格拉那达，是一座著名的古代宫殿。这首曲描写了对阿尔汉布拉宫的印象和回忆，全曲用轮指弹奏，从而流露出颤动性的抒情曲调，既精妙地描画出阿尔汉布拉宫宫殿的景致，又给人以深的感受和回想。

(3)《阿拉伯风格绮想曲》也是有近代吉他音乐之父之称的泰雷加作品中的杰作，他和别的古典派作曲家不同，很少写奏鸣曲或协奏曲等室内作品，而专注于活用了吉他音色的小品之作曲和编曲，这首曲子中飘忽变化的旋律，表现了抒情悠扬的小夜曲风格，使人在广阔音域中欣赏到吉他的美妙的音色。

(4)《泪》这是在小品中继续追求吉他音调色彩的泰雷加的作品里，最能显示泰雷加风格的一首曲，这首曲是二段休体形式，全曲只有十六小节。这首曲通过对六条弦的交替弹奏。表现出吉他多姿多彩的风格和美妙的音响。虽然歌曲名称叫泪，但并不是表现悲哀的泪，而是描写出小孩流出的天真可爱的眼泪的声音。

(5)《阿狄利达》与《泪》一样，学习泰雷加的初学者必须学习《阿狄利达》。此曲以较缓慢速度演奏，曲中在明朗歌唱的部分采用高音部的滑音演奏法，这是吉他以外乐器所无法表现的。

(6)《晨之歌》在泰雷加的作品中，能贯以特殊奏法而又能杰出地表现主题的，就是这首〈晨之歌〉。开始时，只用左手演奏出明朗下降的分散和音，使人想到早晨的钟声，这就要求演奏家具有高度的技巧。

(7)《魔笛变奏曲》与贝多芬大致同期的索尔，是将古典派高格调音乐变为吉他演奏曲目的大音乐家。有为数众多的吉他音乐小品及奏鸣曲每首曲子将具有令人百听不厌的深度。此《魔笛变奏曲》，原是莫扎特的魔笛主题变奏曲，经过索尔的艺术加工改编，施以纤细的吉他技巧，使之成为具有灿烂华丽风格的抒情吉他曲。

(8)《月光》这是索尔为吉他爱好者所做的一首B小调练习曲，排列于作品35-22号，因浮动在分散和音中的美丽曲调而取得〈月光〉曲名，此曲虽是小品，但内容精湛而高深。在这首曲中，可窥见伟大艺术家索尔才能之一斑。同时，这首曲又是塞戈维亚20首练习曲中的第五首，颇有盛名。

(9)《伟大的独奏》 在索尔的作品中，此曲子是较为著名且常演奏的曲子。此曲比起《月光》来说，含有更丰富的管弦乐的韵味。曲首是慢速的序曲，继而进入快板，衔接圆滑而且有富丽堂皇之感。当人们听到这多彩的曲子时，使人无不赞赏贝多芬所说的吉他就是小管弦乐团这句话。

(10)《阿美利亚的誓言》这是泰雷加的学生，米凯尔柳贝特以自己的出身地卡尔达尼亚的民谣为素材而编写的一首吉他曲。这首曲出现好几次经过改换音色的小调旋律，给人留下难忘的印象。

(11)《孔雀之舞》 这首曲由六十世纪西班牙维乌拉琴作曲家演奏家路易斯米兰所作。除编曲外，这首曲可看作是用吉他演奏的最旧曲目。此曲演奏时就如其名所示，表现了优美雅致的旋律，其清纯明净的和音，使人如到了音乐的故乡。

(12)《看牛吧变奏曲》

此曲是16世纪西班牙盲人维卫拉演奏家路易斯德纳瓦埃斯所作。在这首曲中可听到快速拍子的，富于旋律的变奏技法。

(13)《韦伯弟的吉他协奏曲》

与巴赫大致同期，活跃于十八世纪的在意大利确立了协奏曲样式的作曲家韦柏弟，为吉他写了多首协奏曲，如D大调协奏曲，此为快慢快的曲型的三乐章形式的曲子，尤其是夜曲风格的第二乐章，是韦柏弟吉他作品中的最优秀者。

(14)《帕格尼尼的的奏鸣曲》

有小提琴鬼才之称的帕格尼尼，也擅长于吉他音乐，他有包含吉他在内的多首室内乐作品，帕格尼尼的每一首曲子，清澈明亮，都包含着二种乐器的机能要素，使二种乐器的音色水乳交融。

(15)《郐伯特的四重奏曲》

吉他是非常美妙的乐器，然而，能了解其中奥妙者，则寥寥无几，这是舒伯特的一句话。他给我们留下了非常美妙的吉他室内乐作品，如由吉他、横笛、中音提琴及大提琴演奏的四重奏就是这一首作品。

(16)《朱利亚尼的吉他协奏曲》

朱利亚尼除了独奏曲之久，还写了几首吉他横笛二重奏和吉他与管弦乐的协奏曲，协奏曲方面以《A大调协奏曲》而著名，曲中充分使用了吉他的广泛音域，明快的第一乐章，西西利亚纳的格的美妙的第二乐章，以及由吉他与管弦乐完美对照的快乐的第三乐章，充满着古典性丰富旋律，使人如同进入了一个多姿多彩的音乐世界

(17)《大霍塔舞曲》(Gran Jota de concierto)全称《演奏会用大型霍塔舞曲》，是著名的西班牙古典吉他演奏家、作曲家泰雷加的传世之作。不过其难度之高，让一般吉他爱好者难以企及。

(18)《阿斯图里亚斯传奇》(Asturias Leyenda)，原为阿尔贝尼斯(Isaac Albniz)所作的钢琴曲，选自《西班牙组曲第五号》。由此改编的吉他曲版本更为著名。

西班牙组曲中的所有曲子，全部都是用西班牙地名作为标题，本曲就是以阿斯图里亚斯为地名作为标题。阿斯图里亚斯位于西班牙北部。

本曲是一首具有西班牙风格的作品，却充满着东方的色彩。

(19)《拉利亚的祭典》(Fest Lariane)是意大利作曲家路易吉莫扎尼(Luigi Mozzani)的作品，传说是为了悼念死去的女友所作，表达了生者对亡者的怀念之情。全曲主调为a小调，副调为C大调。分为3段，为同一主题的不同变奏。以旋律小音阶完成，情调伤感，近似哭泣。

(20)《卡伐蒂娜》(Cavatina)电影《猎鹿人》主题曲，由梅耶(Myers)作曲、约翰威廉斯(John Christopher Williams)改编的吉他曲。可以说是当今最受欢迎的吉他曲，乐曲结构简单，但它那淳朴真挚的曲调在分解和弦的衬托下令人陶醉!

古典吉他和钢琴小提琴的区别

笔者：小提琴、钢琴、古典吉他被称作西洋三大乐器，和小提琴、钢琴比起来，古典吉他有哪些优势、劣势?

秦 ：它们在艺术表现各有千秋，相比起来，古典吉他的优势是：一、钢琴音色太硬，发音方式机械，并且人们司空见惯，在听觉上已经麻木了。古典吉他的音色非常感性，人性化是它的一大特点。由于古典吉他在国内起步较晚，目前亲临现场欣赏过纯古典吉他音乐的人并不多;在大多数人心目中古典吉他神秘而浪漫;人们只是口碑相传，就象武林中种种传说，人们只是听说，但很少有人亲眼见过。迷人的音色和神秘性是古典吉他的优势之一。二、小提琴太雅，一般听众敬而远之。何况，小提琴演奏一般要有其他乐器伴奏，组织起来不太容易。古典吉他是和声乐器，除了与乐队、小提琴、长笛、男女人声合作演出外，很多时候，就一把吉他也可以搞一场60分钟左右的音乐会。一个有趣的现象是，同样是《舒柏特的小夜曲》，舒曼的《梦幻曲》等世界名曲，小提琴演奏固然感人，但听懂者不多;如果用古典吉他演奏这类名曲，它们一下子就变得亲切甚至通俗起来。当然用古典吉他演奏这类名曲要求演奏者具备高超的右手控弦技术和很高的艺术修养。一个能完成《恰空》、《第二十四首随想曲》的人不见得能演奏这类名曲。我的一些学生能比较顺利完成《伟大的独奏》、《大教堂》等这类难度的曲子，但无法演奏《梦幻曲》这样简单的小品。这种现象在国内吉他界很普遍，值得大家反思三、古典吉他的表现力是钢琴、小提琴无法比的。这用不着多说，听听我的《拉卜楞素描》就知道了。古典吉他制造的各种逼真声响往往让第一次听到它的人感到匪夷所思。在《拉卜楞素描》中，我们就能听到法号长鸣、喇嘛集体诵经以及法会上各种神秘而逼真的声响，就是没去过拉卜楞寺没参加过宗教法会的人，也能从《拉卜楞素描》中感受到宗教的神圣，寺院的辉煌。椐传，参加过拉卜楞寺法会的人，可以免去一年的灾祸;我相信听过我《拉卜楞素描》的人，也可以得到一年的好运说到古典吉他的劣势，就是它的音量太小，不过这和演奏者的功底、琴的质量关系很大。还有一个劣势是致命的，那就是国内从事古典吉他演奏和教学人员的综合素质普遍不高，这一时扭转不了。与其说国内古典吉他的地位不高，还不如说从事这项事业的人的素质不高。只有从事这项事业的人的综合素质和艺术修养上去了，古典吉他的地位自然也就上去了。

笔者：你说人们不了解古典吉他，跟这件乐器本身无关，除了演奏者的素质，曲目安排也是原因之一。根据你的经验，在演出曲目安排上应该注意些什么?

秦 ：首先，演奏者应该搞清楚你在为谁演奏。媚俗固然不可取，但一味地玩高深，一味追求高、大、全更不可取。既不媚俗也不放弃自己的品味，这其实并不难做到。就目前国内大部分城市的演出市场而言，古典吉他在正规音乐厅演出的机会毕竟太少;我们不妨退而求其次，多搞一些小型沙龙化的音乐会。在城市里适合古典吉他演出的场所很多。

笔者：塔雷加也没有搞过大型的独奏音乐会是吗?

秦 ：是的。要是没有塞戈维亚，古典吉他音乐至今可能还不会摆脱沙龙化的命运。

笔者：沙龙化是不是一种倒退呢?

秦 ：不管怎么说沙龙化、贵族化是古典吉他这件乐器的特质，就是在音乐厅演出，它的这种特质也不会改变。中国一部分有钱的人不大习惯到音乐厅欣赏音乐，而倒乐意在他们自己的领地举办一些活动。就乐器本身的特点看，古典吉他最适合到这些场所进行演出。我就有这样一些朋友，他们其实有很高的欣赏能力。我的一些作品就是通过一些沙龙化的聚会中传播出去的。真正欣赏、崇拜古典吉他音乐的并不是十几、二十几岁的中学生、大学生，而是三十岁以上的追求精神生活和生活品位的各界层人士。他们普遍受过良好的教育，经济条件相对较好。我从来不去大学进行演出，我清楚如今的大学生们在精神层面上离欣赏古典吉他音乐还有一段距离;他们喜欢吉他就是喜欢吉他这个词儿，与音乐本身无关。

贝司和电吉他的区别

贝斯和电吉他的区别在哪儿呢?我们可以从哪些地方判断?下面是小编给大家整理的贝司和电吉他的区别，供大家参阅!

贝司和电吉他的区别

贝斯：又名低音吉他，是乐队演奏中的产生低音的主力乐器，它可以使乐队的整体音高变得圆润饱满并且下潜有力。市面上常见的贝斯是由四根琴弦组成，将原有吉他的3456弦降低八度来演奏。

吉他：又名六弦琴，英文名叫Acoustic guitar，也是原声吉他，作为乐队里重要的角色，一般情况下分为主音吉他和节奏吉他。乐队较为普遍使用的是电吉他(Electric guitar)。乐队在展现自己的风格情况下会加上电箱琴(实质是木吉他的进化版，内置拾音器可以连接调音台和音箱，甚至是电脑声卡接口。这样就可以实现声音的放大、处理和录制了)。

如何区分贝斯和吉他，有以下几个特点进行区别：

1.箱体结构设计差异。贝斯的琴箱一般是封闭的，而吉他则有密闭、背敞结构等多种应用。密闭箱音色特质是丰富，平滑连贯性强，颗粒弹性强;背敞箱则拥有凸显高低频，中频凹陷，说明背敞箱不适用于贝斯。

2.不同的声音频段。这也是吉他和贝斯的最主要区别。吉他的音箱主要的工作频段是在中频和高频，贝斯声音听起来则比较低沉，主要集中在中频。因此也决定了贝斯在乐队中扮演的角色一般是以低音铺底为主，配合例如打击乐器(通常是架子鼓)来达到节奏的效果。

3.功率的差异。贝斯的功率大过吉他。一般情况下贝斯要和打击乐器进行配合，低音的听觉敏感度低，因此要使得功率大，才有很好的收听效果。说的简单点，就是贝斯弹起来更加费劲儿，需要更用力一些。

贝斯和吉他最主要的区别：

贝斯和吉他主要区别还是在演奏时的音域不同，简单来说就是发出音高不同。通常，贝斯四弦由细到粗，1至4弦均比吉他的六弦由细到粗3至6弦分别低八度。在外观上看，贝司的琴弦要比吉他的琴弦粗很多。

小编仔细观察过各种贝斯，其实关于琴弦的条数，并不只有四弦贝斯和六弦吉他。贝斯的弦数还有3、5、6、7甚至还有12弦;吉他则有7、10、12及24弦。可以说只要发挥能力和有钱，任意弦数的吉他和贝斯都可能被创造出来。

贝斯虽然在乐队中属于伴奏的低音部分，但有时也有独奏。在乐队中，吉他是乐队的高音，鼓则是乐队的框架，同时贝斯可以作为灵魂部分。贝斯和吉他的不同之处在于前者是低音吉他，而后者则是高音吉他。歌曲的前奏有高音吉他担当，间奏和尾奏的华彩部分有节奏吉他。贝斯则是在强调歌曲中每个小节的和弦根音，为其做背景音色。

贝斯和电吉他有什么区别

从基础讲吉他和bass是一个东西，都叫吉他，只是bass叫做低音吉他。

那么为什么要区别，就是因为音乐的演奏需要，而吉他的低音部已经不能再低，不够厚重。所以继续降几个8度之后，吉他的造型就变化了，要增加多少根琴弦才能到bass的音域。

从外形和琴弦数上判断并非好方法，bass也有12弦的，吉他也有7弦的，所以，我们看个头大，琴弦粗的基本上都是bass。因为琴弦的粗细和振幅变化了，所以品格也会增加，原来吉他的琴颈肯定不能适应bass了。

从音质上讲，bass是用来给音乐铺底的，这样一首完整的曲子才丰满，否则会飘乎乎。因为bass的音色实在太低沉，一般对乐器不敏感的耳朵都不易察觉，所以电声乐器里它并非像他的名称一样神秘而凶猛，凶猛的都是吉他。想听听什么是bass的音色，可以去听张学友的夕阳醉了前奏就是bass和打击乐的小配合，如果听不见那也真没办法了。

普通的4弦bass是用E A D G 四个不同音调的琴弦组成，它的音色其实就是比吉他上边那4跟琴弦低1~4个8度，所以bass也叫做低音吉他，只是音色音域不同而已，所以完全可以当作吉他来演奏，只是因为把位不同使得左手有一些困难而以。之所以看到6弦bass和8弦、深知12弦、24弦的bass出现完全是把低音吉他的演义更丰富了，使它的演奏技巧和功能更加完善与多样化。多为4琴弦的bass因为琴确实很沉，增加一根琴弦琴颈的木材和做工都要增加，那样的话是个体力活啊，

到底贝斯和电吉他有什么区别

流行音乐用的贝司(bass)的全称叫低音吉他(bass guitar)，

交响乐里面的贝司指的是低音提琴，也称大贝司(double bass)。

下面的贝司只说低音吉他。

1. 归属上来说，贝司属于吉他，但是仅仅是名字而已。

2. 发展上来说，贝司是为了替代低音提琴而出现的。在贝司出现之前，它的角色是由低音提琴负责的。(流行音乐的低音提琴演奏多用手指拨。)

3. 电声原理上，贝司和电吉他基本无区别，但使用的电子元件有区别。

4. 琴弦上，电吉他一般是6弦，少数7弦。贝司一般是4弦，5弦也不少，6弦也有，7弦，11弦，更多的也有。(当然看起来很怪异就是了)

5. 体型上，贝司一般比电吉他大一些，琴颈要长(也会少见有的贝司琴颈和吉他一样长)

6. 拾音器配置上，电吉他分为单拾音器、双拾音器，又有两双、三单、单单双、双单双等配置;贝司有P拾音器、J拾音器、P+J拾音器等。另外贝司有较多选用主动式拾音器，功率大，吉他没听说过(可能也有)。

7. 拾音器切换方式，电吉他是分档来切换，比如3档、5档;而贝司则是通过旋钮调节不同的拾音器所占的比重，最后出来的音色是两者的综合，所以可以根据比例调节得非常细致(所以贝司的特性有一个概念叫做可调性或者可调范围)，而电吉他则做不到。

8. 旋钮：吉他有音量、音调(tone)，而贝司则是音量、拾音器比重、均衡(两段、三段、四段)。

贝斯和电吉他的区别

电贝司与贝斯和电吉他的区别在哪儿呢?你可以根据其外观与音色来进行判断。下面是小编给大家整理的贝斯和电吉他的区别，供大家参阅!

贝斯和电吉他的区别

贝斯只有4根弦，最细的都比吉他最粗的还粗2倍多吧.吉他6根弦.应该就是这些区别了吧.还有的话那就是吉他旋纽有6个，贝斯只有4个

贝斯和电吉他有什么区别

流行音乐用的贝司(bass)的全称叫低音吉他(bass guitar)，

交响乐里面的贝司指的是低音提琴，也称大贝司(double bass)。

下面的贝司只说低音吉他。

1. 归属上来说，贝司属于吉他，但是仅仅是名字而已。

2. 发展上来说，贝司是为了替代低音提琴而出现的。在贝司出现之前，它的角色是由低音提琴负责的。(流行音乐的低音提琴演奏多用手指拨。)

3. 电声原理上，贝司和电吉他基本无区别，但使用的电子元件有区别。

4. 琴弦上，电吉他一般是6弦，少数7弦。贝司一般是4弦，5弦也不少，6弦也有，7弦，11弦，更多的也有。(当然看起来很怪异就是了)

5. 体型上，贝司一般比电吉他大一些，琴颈要长(也会少见有的贝司琴颈和吉他一样长)

6. 拾音器配置上，电吉他分为单拾音器、双拾音器，又有两双、三单、单单双、双单双等配置;贝司有P拾音器、J拾音器、P+J拾音器等。另外贝司有较多选用主动式拾音器，功率大，吉他没听说过(可能也有)。

7. 拾音器切换方式，电吉他是分档来切换，比如3档、5档;而贝司则是通过旋钮调节不同的拾音器所占的比重，最后出来的音色是两者的综合，所以可以根据比例调节得非常细致(所以贝司的特性有一个概念叫做可调性或者可调范围)，而电吉他则做不到。

8. 旋钮：吉他有音量、音调(tone)，而贝司则是音量、拾音器比重、均衡(两段、三段、四段)。

贝斯和电吉他有什么区别

1工作频段不同。吉他音箱主要工作在中频和高频，贝司音箱主要是工作在和中频。贝司在乐队中多数时候负责低音铺底，配合打击乐器做节奏效果。

2..功率不同。贝司由于跟打击乐器配合，加上低音本身的听觉敏感度低，一般都做的功率很大。

3..音色效果取向不同。贝司音箱通常带有多段均衡和压缩效果，对音调调整很精细，用压缩提高音色颗粒感。而吉他音箱的音色调整一般比较丰富，跳跃性很大，有时候带有很多效果器。

4..箱体结构不同。贝司一般采用密闭箱体，吉他则密闭、背敞结构都有应用。密闭箱的音色特点是音色丰满、连贯、平滑、颗粒感强，背敞箱高低频凸显，中频凹陷，不适于贝司使用。

贝司和吉他的主要区别还是在于演奏的音域不同，也就是发出的声音音高不同。通常，四弦贝司的(由细到粗)1至4弦比六弦吉他的(由细到粗)3至6弦分别低八度。反映到外观上，就表现为贝司的弦比吉他要粗。

而至于琴弦的数目，则由于各种原因出现了各种弦数的贝司和吉他。除了最常见的四弦贝司和六弦吉他外，贝司的弦数还有3、5、6、7甚至12弦;吉他则还有7、10、12、24弦。而实际上，只要你有能力(自己做)或有money(请人做)，任意弦数的吉他和贝司都有可能出现

BASS在乐队中属于伴奏低音的, 一般有四根弦，也有用于独奏或表现力更丰富的旋律时用四根弦以上的。

吉他、音箱、效果器如何调出电吉他的好音色

从开始接触乐器到现在整整30年了。在这段不算短的时间当中，资讯的取得从早期只能透过外国杂志以及表演的外国人偷学，到现在只要指尖一按，最新最快的资讯瞬间出现在你的电脑/平板/手机萤幕上。

音乐器材也是一样，早先只能迁就于在乐器行店的少数商品，到现在所有商品不管是代理商/乐器店引进，或是透过直购、代购，绝大部分的商品都几乎与国外同步。而器材本身在这30年当中更是日益精进，复刻品几乎以假乱真，处理音色的技术也日新月异。和30年前比较起来，实在不可同日而语。

我们现今生活在器材发展的黄金年代，随便走进一间琴行，任意挑一把吉他、一台吉他音响（无论是管机、晶体、数位模拟）、效果器、甚至像是拾音器这样的配件，不论是入门款或是专业级，都可以调到相对好听、可用的音色。对曾经经历过器材相对匮乏年代的我，现代的乐手们真的是很幸福！

不过诚如先前提到的，好听与可用的音色除了器材本身的品质之外，调整也扮演一个相当重要的角色。对这个主题，名吉他手同时也是Youtube上最受欢迎的器材评论家PeteThron提出了他的做法。以下是PeteThron针对三个对音色影响最明显的部分：吉他、效果器、以及音箱，分享一些调整的基础概念给大家参考。

弦高

这是第一个需要调整的部分。弦距离指板的高度到底应该多少因人而异。一般而言，弦高越低弹起来越容易，不过音色相对会因为琴弦的共振幅度小而稍受影响。反之，弦高越高琴弦的共振幅度较大音色会稍稍提升，然而牺牲掉的是弹奏时的容易程度。这没有一定的标准，每个人都有自己的喜好。不过就我的观察，大部分的吉他手包括我在内，会把弦高调低到不会打弦的范围来增加弹奏时的容易程度。

琴颈弧度

为了能将弦高调低而不会打弦，也不会在推弦时琴音突然不见，可以将琴颈稍稍调弯一点（相对于完全笔直）。我会建议在每次换弦之前可以检查一下琴颈弧度，如果有跑掉的话刚好趁换弦时做调整。

拾音器高度

拾音器的高度（拾音器与琴弦的距离）对音色与音量有显著的影响。拾音器越靠近琴弦时音量越大，但是此时拾音器上的磁石因为距离太近，弱化了琴弦的共振幅度干扰到音色，甚至影响音准产生调音上的困扰。拾音器越远离琴弦时琴弦的共振幅度较不受影响，音色较自然，然而音量却因距离太远而变小丧失了力道。

调整拾音器高度有两个重点：“甜点”（sweetspot，甜美音色出现时的高度）与平衡，而这时要靠的就是自己的耳朵。基本上建议在调整拾音器高度时将音箱设定在clean的音色，而且也不要加上任何的效果器。首先、你可以从任何一个拾音器开始，在clean的音色下弹奏。接着用你的耳朵去听然后开始调整拾音器的高度一直到你认为的“甜点”出现为止。然后依同样的方式调整下一个拾音器，直到所有拾音器的“甜点”都出现。

再来你开始试奏每个拾音器位置，包括两个拾音器一起作用位置。此时的重点则在于音量的平衡，微调到每一段位置的音量基本上差不多就大功告成了。大致上在调整完之后，看起来高音弦部分的高度会比低音弦部分的高度高，而靠近琴桥的拾音器整体高度也会比靠近琴颈的拾音器高度高

吉他音箱

调整音箱时可以在一开始把音色调整钮（或是中、高、低频调整钮）至中（1~10的话先调到5），然后慢慢的把音量调整到听起来舒适的程度。接着切到破音（如果有失真通道的话），由调整gain的大小听听看扩大机的失真表现。

再来便可以开始上下调整各个音色相关的调整钮，先大致了解每个调整钮对音色的影响程度与范围大小，然后在微调至想要的音色。记得在调整时，可以站在音箱前的不同位置听听看同样设定下音色的变化，这会有助于调整出真正喜欢的音色。

如果音箱上有brightswitch（或是brightinput，功能是让音色变亮），而且你决定要使用时，由于brightswitch在音色变亮下会让破音类效果器的声音听起来很刺耳，记得要检查并调整一下overdrive、fuzz、以及distortion的音色（tone）调整钮。建议在使用brightswitch时可以把破音类效果器的tone或treble调整钮转低（甚至转到很低），不够亮时再慢慢转回来。

有些音箱的音量调整钮上有高亮度的电容（brightcap）。这是为了让扩大机即使在较低的音量下还能产生明亮且清楚的音色。随着音量转大，亮度也会开始降低。当音量转到最大时，亮度电容理当没有作用。装有高亮度电容的音量调整钮跟brightswitch的作用相同，会影响破音类效果器的音色调整钮造成刺耳的破音。如果你不喜欢音箱在接效果器之后的音色，或是不满意在低音量下音色听起来毛边很多，建议可以请技师帮你更换不同数值的电容，或是干脆把电容拿掉。这是个很值得做的改装，而且不喜欢的话改回来也很容易。

至于在调整失真的时候，建议可以调整到整个音色快要爆开时然后降回来一点。真的不够破时再用一点boost或overdrive/distortion稍稍推一下即可。如果把破音调得太多会让你的音色不大有变化。想让音色凶一点时、弹奏时只要稍微用一下手劲即可。太多的破音会损失掉力道与动态，而且也做不到那种要破不破音色的美感。可以参考经典摇滚乐（尤其推荐AC/DC与早期VanHalen）的吉他音色当作调破音时的依据。像AC/DC的节奏吉他手MalcomYoung和EddieVanHalen都证明了音乐要猛，是不用靠很强的破音。

MalcomYoung

效果器

调整破音类的效果器的音色（overdrive、fuzz、以及distortion）时，建议将音量调整到踩下效果器时，出来的音量与没踩之前一样或是稍微大声一点，这样做是用效果器「推」音箱。由于失真下声音会被压缩，所以当踩下失真时会有音量变大的错觉，然而事实上就整体的频率而言其实是变低的。自己在家练习时没有感觉，不过乐队或表演时就会发现吉他的声音听不见了，尤其当你因为喜欢失真听起来比较自然与温暖时将tone或treble调低时，这个状况就会更明显。这是在调整效果器音量时要注意的地方。

以上是提供给大家的几个建议。分享这些个人的经验与通则，主要是希望可以协助各位在动手调整时有个参考。然而，真正最重要的是每个人都自由地去尝试，并且找出属于你自己喜爱的音色。毕竟，这是你的器材、你的音乐、你的特色！

谈谈电吉他的护弦和消音

可能很多从木琴转弹电琴与及刚学电琴的朋友一开始就会遇到一个问题，就是弹奏中不知道怎么护好弦，我开始的时候也是弹的木琴，刚接触电琴的时候弹起来呜哩哇啦的，不干净，当时也就有人给我说了弹电琴要护弦消音什么的，但具体怎么个护法就没告诉我了，好像这个问题一说就明白了，不用解释了似的，但其实我是过了好久看了一些书又问了一些人才搞清楚一点点的，这里就说一下我是怎么护弦的，希望大家指正指正。对了，顺便说一下，护弦和消音是两个不同的概念，护弦是指在弹奏之前防护好其他不弹奏的弦，避免不小心碰到它们而出杂音，消音是指弹奏之后消除余韵。当然，在弹奏过程中两个工作都要一起做好的。

左手的护弦大多采用食指虚按琴弦的方法，即左手食指在弹奏过程中成横按状虚按，因为在弹奏中推弦、揉弦的时候做容易碰到其他弦而产生杂音，食指象这样护住弦以后，推、揉的时候就可以放心的让其他不应该发音的弦不发音了。但我在弹奏的时候不习惯把食指伸老长的趴在指版上，所以我左手只护几根高音弦，低音弦用右手的手掌外侧来护，比如弹4弦的时候，左手任意一个空闲的手指虚按1、2、3弦，右手手掌外侧压住5、6弦（靠近琴桥的地方），这样就会感觉左手活动的更方便了。具体手怎么放，我看应该是个人的习惯来决定的吧！

消音也一样，一根弦上的消音不用说，弹完之后左手按弦的手指轻抬虚按就可以了，过弦弹的时候我采用了从高音弦到低音弦时左手空闲的手指消音，从低音弦向高音弦走的时候右手手掌外侧顺着往下消音，这样其实在消音的时候也就护住了弦。这样两手配合熟练了，很自然的就会得到很干净的声音了！

贝斯和电吉他区别

玩过电吉他的人，很容易可以根据电吉他的音色分辨出电吉他和贝斯的区别。下面是小编给大家整理的贝斯和电吉他区别，供大家参阅!

贝斯和电吉他区别

最大的区别是一个是主音```一个是主旋```主音吉他```他是最突出的音色```贝斯是主旋```因为他全是低音``鼓是节奏``音色最接近底鼓的就是贝斯``他是有7音的``他是整个乐队的和声乐器``如果还不明白``你就把吉他最下面两根琴弦挡住``上面的4跟降1个KEY``那样音色应该差不多`不过没有BASS那么浑厚``吉他6根弦 贝司5根弦BASS是弹低音的，主要是用来衬托吉他的 bass不能独奏，只是伴奏。而吉他不是

贝斯调琴入门

许多买过Bass的网友应该都有相同的体认，就是买琴最好自己试弹过，为什么?因为即使是同一厂牌相同型号的Bass，它们的手感和音质都不

会完全一样，别以为厂方或卖琴的老板都会帮你调到最好或最适合的状况，即使如此，等用过一段时间，甚至换了其他厂牌的弦，Bass的状况

都可能改变;所以调琴就应该是Bass手必修的课题。更重要的是，一把Bass调整的好坏，除了手感差别，Tone的影响出乎

一般人想像之外，敝人的Specter和五弦Pedula的Tone，就与其他朋友的相同Bass有明显不同。

调琴的重点包括：

(1)琴桥(Bridge)

(2)拾音器(Pickup)

(3)琴颈(Neck)

(4)其他(有的Bass的上琴枕可以调高低，有的Bass电路板可以微调Tone。)限于时间，今天先介绍(1)琴桥Bridge的调整项目与重点，如果有人有兴趣，再继续介绍。

(1)Bridge琴桥各家厂牌Bridge可供调整的项目各有不同，但基本上应包括：各弦分开调整的高度，前后，倾斜，弦距等四项。

此外，调整时，每条弦必须确实on tune。

1.弦距。不论四弦，五弦，或六弦，各条弦的距离应该是相等的，调整时应以两侧的最粗与最细的两条弦为准，其他弦则平均排列。至于最粗与最细的两条弦，则需以指板的外缘为准，由上琴枕(Nut)到下琴枕看来，弦本身和指板外缘的距离应该是一样的。

2.弦高。基本上以不打板(Buzz)为原则，尽量降低;测试时，以第3格，第9格，第12格，第17格与第24格分别测试。如果只有第3格打板，其他正常，或只有第17格打板的话，那还可能是琴颈(neck)调整的问题，以后谈到时再说明。

然而，弹奏时手指的力量应适中，猛力弹会打板是正常现象;此外，如果你弹奏时指力较轻，弦可放低一点，如果你正在勤练点弦，那就建议你将弦调高一点。还有，有些Bass在将弦调低后，出力弹奏时，Tone会有扁掉的感觉，这也有可能是Neck的问题，找时间再谈。

3.八度音。在前二项搞定后，拿出调音器试试看音准，测试时，以空弦，第5格，第12格，第17格与第24格分别测试;如果空弦准，但其他各位置的音偏高，则将该弦的弦桥调后(朝琴尾的方向);反之，则将弦桥往前调(朝琴首的方向)。如果出现空弦和第十二格准，但前面几格偏高而后面几格偏低的情形，此种case解决较复杂，可能是琴颈Neck扭曲变形(无解)，也可能是琴颈弯曲，或琴颈和琴身接点不当，视情况而定。调整成后，再分别试试第5格和第7格的泛音是否准。这部分只要不是差得离谱就可以了。此外，弦本身若太老旧，八度音是怎样调都调不好的。

4.弹性。这部分的调整较为专业，也是许多Bass手经常忽略的部分，加上调整时，无任何仪器可辅助，完全凭感觉，更是许多人不敢去碰触的部分;所以，最好先认识有调整功力者作U-Bee(预备之日文发音)，万一自己越调越糟，也有得补救。弹性指的是拨弦后，弦本身振动的情形，测试前必须先完成Pickup的调整(事实上，完成前面三项调整后，应该先进行Pickup的调整，然后才是此项)。

插上Amp，各弦分别弹奏，先弹空弦(记得要Mute其他未弹的弦)，看手指(或Pick，如果你习惯用Pick的话)拨动弦时的阻力是否合宜(合宜二字的拿捏尤其微妙);接下来是第5格和第10格，看各弦弹奏时，所发出的Tone是否相当(这里指的是音色的饱和度)。此部份调整是靠琴桥的倾斜度。基本上，上高下低(指的是将Bass背起来后的上下方向)倾斜者，弹起来阻力较大，Tone较硬而实，但饱和度较差;反过来调的效果则相反。这里说的是手弹的情形，如果你惯用Pick，倾斜度的调整则相反。如果真的没把握调好，或越调越糟，最后一步就是，都调成平的。这部分的调整一定要谨慎，且必须是微调，调完记得再Check八度音。此外，弦的弹性也与弦高有关，倾斜度与弦高的配合就得靠经验了。

还有一个重点需了解，好弹的琴，Tone未必较好，有的时候，为了Tone的发挥，必须牺牲一下。

贝斯调琴基础

今天要介绍的是：Pickup的调整。许多同好可能会问，就这么几根螺丝，还能变出什么花样吗?的确!Pickup可以调整的地方是不多，但也是比较容易的部分(比起Bridge和Neck)。

另外，由于这是入门(虽然里面已谈得颇深入)，所以用词较为浅显，对于老手而言，自然废话会多些。

1.先做好万全措施。如果你买的是新Bass，或已经满意原本的音色，在调整前，可以先用铅笔沿着Pickup接近琴身的地方画一圈，这样即使调不到更好的效果，也能够保有UN-DO(回复原状)的功能。

2.了解你的Pickup。不论你琴上的Pickup是宽或窄，是大或小，外观并不很重要，主要执行拾音工作的是里面的电磁蕊;有人以为Jazz型的一定是单排磁蕊，Hambecker型的就是双排，其实不然;在此暂不讨论各家设计之不同和二者之间的差异，谨叮咛诸位，确定Pickup的磁蕊属性与位置，也是非常重要的。

如何确认呢?

EMG有销售一片感磁的薄膜，只要将它放在Pickup上，立刻能显示出电磁蕊的位置与形状。当然各位手上应该不会有这玩意儿，没关系，拿一根铁钉，用拇指与食指轻轻捏住圆形头部的两侧(以铁钉尚能摆动为原则)，将它靠近Pickup上，铁钉受到磁蕊磁力的吸引，自然会偏向磁蕊的位置，在Pickup上缓缓的前后左右移动，观察铁钉尖

的指向，应该可以概略找出磁蕊的形状及位置。

一般来说磁蕊多呈长型，四弦Bass而Pickup为单排磁蕊者，多半是2-2，也就是说单排并列两条磁蕊，各负责两根弦，也有如EMG的某些Pickup是整条磁蕊的。而Dimazio的某些产品虽有点状圆铁柱露出，但仍是2-2设计。大块Humbucker型的Pickup，则有多种变化，除了单，双排之分，还有对角线斜置的设计，Musicman的Pickup不仅是双排，还可以改变串联或并联的不同接法，Dimazio有一款Jazz型单排磁蕊产品，也有类似的功能，可改变不同的音质。至于五弦者，多半是2-3，分别负责较细的两根弦和其他三弦;六弦者，则有2-2-2和3-3两种设计;当然，二款多弦Bass也有整条型磁蕊的Pickup。由于科技的进步，新式的Pickup还有更多花样，在此就不一一赘述了。

3.与弦距的搭配。上次谈Bridge琴桥时，提到弦距的调整。当你确认Pickup磁蕊的位置时，仔细看看每根弦是否都有被磁蕊照顾到。先不要觉得不可思议，我就看过一把Ibenz Bass的D弦离磁蕊甚远，怎么调整，该弦的音量都较小。如果你的琴也有类似情形，在不破坏琴身(挖洞)的情形下，只有重调弦距一途。

4.Pickup拾音器的高度大多知名品牌的厂家都建议：在不影响弹奏的前提之下，应该将Pickup尽量贴近弦。如此会得到最佳的出力(Power)，但若干Active Pickup(装电池的)可能会因为出力过大，而有破音的情形发生，若然，则将Pickup稍降低一些。

5.各弦出力的均衡。这是Pickup调整最重要的部分。插上Amp，以相同的力量拨弦，听看看每根弦的出力是否平均。

谈到这里，可能有人会想起上篇Bridge琴桥 调整的弹性部分，好像也提过类似的话。没错!这部分也要与Bridge配合，不仅是bridge的倾斜度，弦高也要Check。若高音弦较小声，就将低音弦侧的螺丝栓紧一点，让它朝低音弦的方向降低一些，或将高音弦侧提高。反之，则调法亦相反。如果你的Bass不仅一个Pickup，调整时应该各个Pickup独立调整，然后再Check各个Pickup之间出力的均衡。入门者，前后Pickup在各弦单独弹奏之音量，最好相同;而进阶者，则可尝试前后不均衡的调法，可得到不同的乐趣，尤其是酷爱敲弦者。至于Pickup本身的前后(朝Neck方向为前)倾斜度[这里说的是四角都有调整螺丝的形式，如Bartolini Soapbar和Musicman型的，EMG大多只有左右两颗螺丝]，老实说，差异并不明显，不过，对于Tone的饱和度与共鸣，仍有些微影响，尤其是低音弦，进阶者可以自行尝试。倘若调整Pickup的左右高低，仍有某根弦出力较小，或Tone饱和度与其他弦不同，还得再配合Bridge的调校。

贝斯和电吉他的区别有哪些

你喜欢贝斯还是电吉他?你知道它们之间的区别在那里吗?下面是小编给大家整理的贝斯和电吉他的区别有哪些，供大家参阅!

贝斯和电吉他的区别有哪些

通俗来讲，一高一低。

Bass其实是低音部分的统称，男低音，低音提琴这些都可以称作贝斯

现在我们看到的常规形式的乐队基本上有，鼓，低音电吉他(也就是我们现在直接明了说bass)，电吉他，主唱，键盘。对其实是叫低音电吉他，或者电贝斯。

贝斯声音频率估摸在80Hz250Hz之间，这是低音频率，吉他大部分是中高，所以区分度还是挺明显的，而且贝斯声音频率是在人的听力范围里面的。留点心能听到。

区分一首歌曲中的贝斯还有电吉他的声音其实不难，看你听歌的习惯咯，需要留下心。

像有的乐队主唱习惯跟着地鼓的声音踩节奏，有的乐队主唱习惯跟着贝斯踩节奏(贝斯节奏型不特别全场加花的话)，有的吉他手(像我就习惯跟着贝斯踩节奏)，还有对低音非常敏感的人都会很清晰的听得出贝斯在一首歌里面的声音。

在上面说到跟着贝斯踩节奏这个说法，是的，很大部分贝斯在乐队里的作用就是为了维持整个乐队的节奏，如果你能跟着一首歌的节奏来数拍子，那在听的时候可以特别留意一下有哪个声音是从头到尾跟拍子一起走的、完全同步的，而且声音低沉的，那就是贝斯。当然这只是非常通俗来讲，其实留个心就可以了。

如果没有玩过乐队，没有参加过器乐训练，或者相关听力训练之类之类的，可以先从听歌去找一下贝斯到底在哪里，其实他一直都在，只是我们没有发现他。可以去听听Victor Wooten这些贝斯大师的独奏，然后就懂贝斯是怎么回事了，然后听听贝斯比较明显的一些乐队像Red Hot Chili Peppers，甚至beyong(beyond那首冷雨夜里面有bass独奏，估摸还挺多贝斯手会知道这首歌的吧?)，还有一些朋克乐队sex pistol，green day之类的，这些乐队都满大街在放，路过的时候听听也是不错的。

不过像现在核满天飞的情况，很多节奏吉他像trivium之类的直接上七弦琴，贝斯都嘶吼了，这个时候就比较难区分了。但像上面说的那样去试试，留个心，能听出来区别的。

吉他贝斯电位器添加电容的认识

很多網友都會自己換拾音器，焊接修理吉他裡面的線路等，如果有這樣的基本功，我今天在這裡提一些多年來亂搞吉他到處學到的一些吉他線路改進知識給各位參考一下，而且花台幣幾元或幾十元就能辦到，但說是改進有點欠妥，因為改進後的結果你也許不一定喜歡。 我並非學電子出身，可能跟很多網友一樣的是玩電吉他才開始從中漸漸獲得電子知識，所以我的下面的解釋並不專業，但我想這樣的口語化一點的解釋也許可以讓每個人玩電吉他的人都看懂。

首先講音量鈕可變電阻的功能，電吉他裡面的線路有兩極，也就是正極和負極接地，會焊線修護吉他的都應知正極若碰到負極接地就沒聲音了，音量鈕可變電阻的線路工作原理，就是控制正極訊號碰到負極接地的量，轉到零就是100%都碰到負極，所以就沒聲音了，轉到八可能就是20%碰到負極，所以音量稍小一點，為什麼叫可變電阻，電阻這東西的目的就是來阻止電流的通過，它上面的歐姆數值就是阻力有多少，可變電阻就是可以轉它的鈕來改變阻力大小，所以轉到零就是阻力全沒了，正極電流全跑去負極了，轉到一半就是發揮將近一半的阻力，所以音量減半。

但要提一下，一般可變電阻的阻力遞減曲線不一定成線性比例，轉一半不一定是一半音量，這也是很多人提過的線性(Linear)和非線性(Non-Linear)可變電阻的不同，其差別就在轉它們時電阻改變量的不同。

至於轉到10是不是就正極100%不會跑向負極?答案是否定的，我們看到電吉他常用的可變電阻有500K，250K歐姆這兩種數值，這就是指全開轉到10的阻力，這個值事實上並不能達到正負極完全切斷無相關那樣的境界，還是有很少些許正極電流跑向負極，會吃掉一點訊號，不信你們把拾音器的電線直接接到output孔不經過任何可變電阻，你會發現聲音開又亮很多。

至於250K，500K要各用在哪種線路?這要先講一個聲音訊號的特性，當如上面講的正極有跑向負極的通路時，高頻率的音跑過去的速度，比中低頻率快，所以減損也較快，這就是為什麼單線圈的拾音器大多會用250K的，因為它音色較尖亮，用250K阻力較小，可讓它高頻跑掉一些變正好，反之高音不尖的雙線圈大多用500K的，就是要保住它的高頻音，因為500K的阻力較大，你吉他如果覺得高音太尖亮或太悶，先看看是否用了適合的可變電阻，單線圈的吉他廠家裝500K的其實也很多，會讓它tone更亮一些。

改進一：Treble Bleed (或就很多人就稱Bleed)

上面提到高頻音跑向負極比中低頻快，這會造成調音量鈕的一個現象，很多人應有發現, 音量漸漸轉小時，由於電阻越來越小，高頻也當然比中低頻跑掉越多，所以全開10的時候tone很尖亮，開到 8 音量減一點，但發現tone變沒那麼尖亮，變悶一些了，轉到 5 更悶，或簡直沒什麼高頻音了，原因就是高頻跑向負極跟中低頻的量不同。

當然很多人就喜歡這個特性，把音量轉小些也同時在控制tone，但我本人並不喜歡這樣，我音量開小不希望失去高頻，要調tone我喜歡全靠tone鈕去調，這要怎麼改進呢?

Treble Bleed(把它就翻譯做高頻音輸血吧!)這種改進接法，是在Fender Telecaster上面看到的接法，Telecaster鄉村吉他手用的最多，因為他們要那尖亮的鐵味，當然音量調小時也希望保住高頻，所以看下圖，在訊號通過可變電阻時，也就是圖中從左邊那隻腳進去，中間那隻腳出來(大部份的音量鈕應都是圖中的接線法，注意可變電阻的一隻腳要焊接到背殼負極接地)，這兩隻腳間我們給他一個通路，讓一些高頻訊號不跑進可變電阻內，也就是

圖中我們看到的數值是 0.001MFD(或有人寫uF等)的電容器(Capacitor)。

電容器這東西根據它上面數值得不同，有的值會讓聲音訊號經過時低頻被吃掉，有的值反之是高頻被吃掉，所以音響喇叭箱中，幫高中低音喇叭單體劃分頻率範圍的分頻器(Crossover)的主要零件就是電容器，這0.001MFD值正好是適合把吉他訊號的高頻保住，中低頻吃掉，接這樣你就會發現音量轉小時高音會保住不會隨之變差，因通過這電容器的訊號會補給適量的高頻，轉到零一樣正負極間全沒電阻了所以沒聲，音量漸漸轉小時一樣高頻會跑掉越多，這Treble Bleed補的高音也一樣遞減，這電容器在電子材料行大概只要沒幾元台幣吧?

但上面這個圖的例子，是用250K的可變電阻的情況，如果是用500K的(不管單或雙線圈)，光上面這樣接一個0.001MFD電容器你會發現聲音又不太對，音量鈕漸漸轉小時你會發現高音又變太多了，中低音反而減的太多了有點不成比例，這時就要如下圖要再接一個 150K 歐姆，1/2~1/4 Watts的電阻(Resistor)，這原理好像是說會把500K的可變電阻遞減的比例，改變成像300K左右的電阻下降比例，這樣音量下降時中低頻的遞減量，跟那電容器提供過來的高頻音正好成比例，這顆電阻也應只要沒幾元吧?

改進二: Tone鈕的電容器

再來說Tone鈕上面看到的那個電容器，它的工作原理就是讓高頻音跑向負極，因為它的數值也是讓高頻音通過而已，所以你們可以看到它一端是接在負極的，Tone鈕的可變電阻就是控制高頻音跑過這顆電容器的量，同樣的，轉到越小就是跑過去越多，高頻就越減少，所以音色就越悶。

至於這顆電容器的數值，我們通常在單線圈pickup的吉他，例如Fender Stratocaster看到是用0.047MFD的，雙線圈如Les Paul用0.022MFD的，跟上面講過一樣道理的, 這個數值不同造成通過的高頻音範圍不同(這個值中低頻音不通過)，所以tone比較尖亮的單線圈用較大數值的0.047MFD，讓範圍大一點的高頻通過，高音較弱的雙線圈就用數值較小的0.022。 事實上各種廠牌各種不同型的吉他，我從0.01到0.05MFD的電容器都有看到，所以在這個數值範圍內，我就可以買一個不同數值的換上造成不同的調tone結果，例如我覺得裝單單單線圈pickup的Stratocaster的Tone鈕調一半音就太悶了，我就把0.047的換成0.022的，這樣調的範圍是適合我的口味，Tone調到5只悶很少，同理我Les Paul也改成0.01的，大家可以根據自己的口味去實驗各種數值的電容器。

改進三：可變電阻的吃tone改進

如前面提到的，可變電阻全開時不管是正負極間有1000K、500K或250K歐姆的電阻，還是有點高頻音被吃掉，大家可能看過那種沒有Tone鈕，只有一個Volume鈕的吉他，大多是彈重金屬的，例如Van Helen的吉他，這樣做最大目的就是要少一顆可變電阻吃tone，高音會好一些，聽起來開很多。

有人就用這個觀念，把通向Tone可變電阻腳的電線，加裝一個開關以便切斷它，一般吉他線路接法，都是正極訊號線路有一條分支電線通向Tone的可變電阻，所以這條分支被切斷吉他還是有聲音，只是Tone鈕變沒作用，但也同樣的達到上述目的，訊號少經過了一顆可變電阻高音變好，在雙線圈pickup吉他上尤其顯著。

Fender 近年出了一種可變電阻叫 No-Load Pot，其不同處是轉到10時正負極完全分開不通，不會有500K或250K歐姆電阻，所以稱 No-Load，轉到 9 你手會感覺到有點切換點的感覺，調在 9 就是變成傳統的250K電阻，所以轉到10時跟上面裝開關切掉通往可變電阻的線路意思一樣，但好處就是不用裝開關了。

贝斯吉他学习大家谈：弹琴与乐理

贝斯吉他学习大家谈：弹琴与乐理.txt爱尔兰﹌一个不离婚的国家，一个一百年的约定。难过了，不要告诉别人，因为别人不在乎。★ 真话假话都要猜，这就是现在的社会。 贝斯吉他学习大家谈：弹琴与乐理

首先, 你能够唱出各种音阶吗? 或者, 你了解各种音阶的构成音吗?

然后, 你了解各种和弦的构成音吗? 最后, 你会使用和弦音阶吗?

当然这个是一个非常费时间和精力的工程, 但是如果你想做专业的BASS手, 一定要明白这些东西光明白, 这是一个开始, 那么要怎么样去运用呢? 你需要大量的练习, 学习谱子, 思考, 只有熟练了, 才会出效果( 专业和业余的差别就在这里了, 如果不是以音乐做为专业的人, 恐怕很难挤出一天6到8小时甚至更多的时间去练习这些东西)

就象刘月老师说的, 你在即兴的时候( 当然我理解的即兴是根据自己当时的精神状态以及环境等等快速的写出BASS演奏的谱子并且同时演奏出来, 说白了是一种高难度快速度的BASS编排, 当然如果现场安排你来一段即兴, 你完全可以事先根据和声进行先写好谱子, 事实上一些大师们现场的即兴都是事先写好的, 当然人家也有素质玩真正的即兴), 脑子里要反映什么呢? 首先要有一个纵向的反映, 也就是说, 你现在要弹这个小节使用的是什么和弦, 这个和弦有那些和弦内音构成, 可以组成什么音阶,然后要有一个横向的反映, 也就是你下一个小节和声要进行到哪里, 你该怎么样处理这个小节和下个小节不同和弦之间的连接问题( 因为BASS通常走的是一条线, 而不象伴奏钢琴和吉他是在固定的节拍上演奏和弦上所有的音或者功能音)

另外别老觉得大师也都是玩手癖什么的, 没错, 大师几乎都有自己的手癖, 但是他们是怎么对待手癖的呢?

手癖, 只是一种演奏的习惯, 可能A 喜欢用这么一个技巧来表现音乐, B 喜欢用这么一个音阶来表现音乐, 但是虽然这个习惯可能开始就是一种肌肉记忆( 当然大师们的手癖是不是肌肉记忆我不晓得了 ), 到后来, 你在用到自己的音乐里的时候( 不是练习 ), 一定要明白: 我喜欢用的这个手癖, 是哪几个音构成的( 每次演奏的时候, 最好脑子里都能反映出演奏的是哪几个音, 当然如果你是固定调思维模式更好 )? 为什么用这几个音? 他们用在音乐里有什么样的效果(色彩)? 应该在什么时候用在音乐里会比较好听??

明白了这个, 你可能就慢慢的发现, 自己也能象某某大师一样把手癖用在好听的音乐里了, 而不是象国内的某某和思考, 希望对大家有帮助呵!其实流行和JAZZ音乐，和任何一种音乐一样，都一定会有自己独特的音阶和声什么的，先知道他们是由什么音组成，然后在哪种情况里最常用，这是第一步!然后再练，练完了再用!总之就是从：了解--练习--使用--灵活运用--创造!

其实学好乐理可不只是看看乐理书，背背和弦，看看五线谱之类的枯燥乏味机械运动，它应该还包括视唱练耳，音乐风格感受与学习等活动，比如你光看书本上说，C7和弦构成音是1 3 5 b7，然后就不加思索的背诵和弦，背诵指板上的把位，这样有什么用呢?你没有结合你的耳朵的感受，没有结合音乐的感受，当一个C调blues 1级和弦扫出来的时候，你能察觉到那就是你曾经背过的 C7和弦吗?你能立刻反映出你弹奏的b7音与和声配合的音乐效果吗?当你背诵了一个D7和弦，一个G7和弦，当一个D7 G7 1 4走向的funk曲子出来的时候，你能够不依靠手辟，清清楚楚知道自己弹奏的1345 6b7级音组成的律动正在强调哪一个和弦音符吗?当你背诵了一个CM7 Dm7b5的连接，你能根据鼓手的boosa nova律动，弹出符合boosa风格的贝斯伴奏吗?这些东西。。。。。和弦，音阶，节奏型，再你背诵了之后，和你的耳朵挂钩，和你了解的音乐风格挂钩后，你才真正学会了乐理。。。。而不再困惑于背诵了一堆书本，练了全指板把位音阶后，发现自己思想依然空虚，弹琴依然自由自在，缺乏理论指导的问题。