法魔萨古典吉他的英文名是FAMOSA，大家有没有留意到呢?下面是小编给大家整理的法摩萨古典吉他好吗，供大家参阅!
法摩萨古典吉他好吗知道是这个牌子的主力型号，应该是目前国内做工用料顶尖的品牌。配置品质应该没有问题，争取打个折。
古典吉他大师大卫罗素简介大卫罗素被认为是当今最杰出的古典吉他演奏家之一，纽约时报以无与伦比的天才来赞誉他。在过去的十年中，他以精湛的技巧和卓越的音乐素养从全世界的古典吉他演奏家中脱颖而出，成为具有传奇色彩的人物。由于他的非凡天才，伦敦皇家音乐学院于1997年初提名他成为学院的院士。
获奖经历
第47届美国Grammy奖
最佳器乐独奏(不带管弦乐队)(Best Instrumental Soloist Performance (without Orchestra)
Aire Latino (Morel,Villa-Lobos,Ponce,Etc.)
David Russell,guitar
古典吉他大师大卫罗素介绍大卫罗素 1953年生于苏格兰的格拉斯哥，童年时随父母移居到西属梅诺加岛(Spanish island of Menorca) ，他的父亲在那里给他上了吉他启蒙的第一课。16岁的时候，他移居伦敦，在皇家音乐学院跟随海科特昆恩(Hector Quine)学习。大卫的双亲都是艺术家，父亲更是一位业余的吉他高手，家庭的熏陶和在岛上的西班牙文化的影响奠定了大 卫成为一位优秀的音乐家的基础。16岁的时候，大卫移居伦敦，在皇家音乐学院跟随海科特昆恩学习吉他，副修小提琴和法国号。在校期间，他曾两次荣获朱利安布里姆吉他比赛首奖，并获得了拉尔夫沃恩威廉斯基金会的奖学金。其后他得到了西班牙政府的奖学金，在西班牙的圣地亚哥德康波斯特拉跟随荷塞托马斯学习。大卫在国际吉他比赛的成绩也极为优秀。
1 995年，他加入美国Telarc唱片公司，录制了巴拉圭天才吉他家作曲家巴利奥斯的音乐。从那以后，罗素录制了托洛巴的音乐，罗德里哥的吉他协奏曲等专辑，1999年他发行了朱利亚尼的吉他专辑。2001年发行了巴洛克音乐专辑，唱片中收录了巴洛克作曲家维瓦第、史卡拉第、亨德尔、和罗伊列特的作品。
大卫的足迹遍步世界各地，每年都要花大量的时间在全世界进行演出和讲学。当然大卫也在中国上海举办过个人音乐会。
在20世纪70年代，罗素赢得了许多的国际比赛的荣衔，包括亚里坎特(Alicante)吉他大赛、荷塞拉米列斯大赛，在马约卡(Palma de Mallorca)举办的安德列斯?塞歌维亚大赛，和西班牙最著名的泰雷加吉他大赛，并与Opera Tres公司签约，录制了世界上唯一的《泰雷加吉他作品全集》，该专辑是公认的泰雷加作品最佳演绎。此前，罗素也曾经GHA公司录制了两张评价甚高的专辑《十九世纪的吉他音乐》以及《巴赫、亨德尔、史卡拉第作品》。作曲家基多山杜梭拉(Guido Santorsola)、乔治莫瑞(Jorge Morel)、弗朗西斯克兰扬斯(Francis Kleynjans)、卡洛多明尼哥尼(Carlo Domeniconi)都曾作曲题献给他。
1995年，他加入美国Telarc唱片公司，录制了巴拉圭天才吉他家作曲家巴利奥斯(A.Barrios Mangore)的音乐。评论家称赞他那充满睿智的选择，轻松自如的技巧，以及演奏这些作品具有真正的大师水准。从那以后，罗素录制了托洛巴(F.M.Torroba)的音乐，罗德里哥(J.TRodrigo)的吉他协奏曲，塞尔特音乐(Celtic Music)等专辑，1999年他发行了朱利亚尼(M.Giuliani)的音乐专辑。2001年初发行了新的巴洛克音乐专辑，唱片中收录了他自己编曲的巴洛克作曲家维瓦第、史卡拉第、亨德尔、和罗伊列特(Loeillet)的作品。
除了经常在欧洲、北美、中东、亚洲、和非洲巡演之外，罗素也热衷参加各种吉他艺术节和教授大师班。由于他独树一帜的艺术才能，大卫?罗素不论在何处演出，都能吸引大批的听众。他在独奏音乐会以及与管弦乐团合作演出中的光彩相互辉映。他对这门艺术的热爱通过他完美无瑕，得心应手的演奏而得到体现，即使对于难度极高的曲子亦是如此。他对于细节的精雕细琢，以及对于乐句的那些令人兴致盎然的抒情刻划，都显示了他对每一位作曲家试图表现的思想具有某种与生俱来的理解力，并将每一首作品都演绎的入木三分。
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法摩萨古典吉他咋么样
古典吉他的品牌有很多，但是你们有用过法摩萨的吗?或者听说过吗?下面是小编给大家整理的法摩萨古典吉他咋么样，供大家参阅!
法摩萨古典吉他咋么样吉他这东西不好说的，品牌只是原因之一，同一品牌同一型号都有很大的差距，如果是要自己选吉他的话，建议是亲手试试，用耳朵去听，手感和音色是能感觉出来的。
古典吉他教程：古典吉他的琴弦如果说吉他象人的身体一样是共鸣腔的话，那么琴弦就是吉他的声带。吉他能不能发出优美动听的声音琴弦起着至关重要的作用。古典吉他使用的是古典吉他专用的尼龙弦。
古典吉他以前使用的是用动物肠衣制成的肠弦，称羊肠弦或猫肠弦。肠弦的均衡性、张力、音量音准均不稳定，易受天气变化和温湿度影响，容易磨损和断裂，而且价格昂贵，不易制作。二十世纪中期在伟大的吉他大师塞戈维亚的倡导下，美国吉他制作家奥古斯汀于1947年研制出世界上第一批尼龙琴弦。此后，古典吉他尼龙弦在大师塞戈维亚的率先使用和推崇下，很快完全取代了肠弦，得到了全世界的普遍使用。尼龙弦的发明与使用是古典吉他发展史上的又一次革命，为古典吉他在世界范围内的进一步普及和发展带来了深远的影响。
尼龙弦的高音三弦是由尼龙拉制而成，一般为无色透明，晶莹透亮。优质琴弦往往透明、光滑、柔软，劣质琴弦由于使用劣质尼龙往往灰暗发白，粗硬不易弯折。低音三弦里面是无数根很细的尼龙纤维，外面缠绕着金属缠丝。初学者常会把尼龙弦的低音弦与吉他钢弦混淆，它们外观相同，但是只要检查一下琴弦的末端就能区别开来，尼龙弦中间是尼龙纤维，而钢弦则是钢丝。优质的尼龙低音弦缠丝均匀，银色镀层发亮，同时又柔软易于弯折，劣质的尼龙低音弦缠丝松散，松紧不一，甚至用手就能感觉出来琴弦不圆或粗细不均。由于缠丝松散往往形成不规则扭曲而不是自然卷曲，并且镀层发暗、发黄容易磨掉或脱落。琴弦粗硬不易弯曲。
琴弦的好坏不但影响音准和音色，对于演奏的舒适与方便，即手感也会有很大的影响。请尽可能使用优质琴弦。著名的古典吉他尼龙弦品牌有美国的DAddario(达达里奥)， Augustine(奥古斯丁)，Aranjnez(阿兰胡埃斯)和La Bella(拉贝拉)，法国的 Sararez(萨瓦列斯)等。国内目前尚无可的品牌，但一般的初学者，如使用不分古典、民谣的普及琴，可使用较便宜的红棉牌尼龙弦(每套约15元)，如果学习者使用质量较好的学习用琴，如Concerto(协奏)牌吉他，不论是普及琴CG-11或是更高档的练习琴CG-16、17、18，都应使用优质尼龙弦，国外优质尼龙弦价格不菲，但是同牌子的低标号的弦往往能便宜一些，如能买到名牌厂家的散装弦则会更便宜。请大家选择琴弦时尽量购买名牌厂家的产品，因为市面上常有一些印有英文封套的杂牌琴弦出售，这种琴弦常常音量、音准欠佳，手感不好，而且寿命很短，买这种琴弦尽管便宜一点，但损害听力，弹奏不适，影响学习的乐趣。因此，还不如买较贵的进口名牌琴弦，其音色、音准及手感等方面表现俱佳，使用寿命更长也更合算。
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学习者应特别注意，琴弦都是有一定的使用寿命的，使用到一定程度的琴弦由于磨损与长时间拉伸，肯定会出现不同程度的音不准、音色变差、声音发闷(尤其低音弦更甚)、手感不适、和声不协调等情形，所以千万不能等到琴弦生锈或弹断了再换。琴弦的寿命还取决于琴弦本身的特性、演奏者每天弹琴时间的多少、吉他本身张力的大小甚至还取决于演奏者的技术与右手指甲的抛光程度和环境、气候、季节和温湿度状况。一般来说，一套琴弦连续使用一两个月就该换新弦了。
还应特别注意的是，吉他是一个十分精密的受力体，张力的细微变化都会给吉他带来影响，而且越好的吉他越敏感。一把合格的吉他在设计制作时已经考虑了琴弦的张力，所以当我们换好琴弦调至标准音高后，就不用经常松弦，如一两月至半年不弹也不用完全松掉，只需松掉一两根琴弦或每根弦各降低半音即可。当然若半年以上不弹就要松弦。同样的道理，三合板吉他以外的高级吉他在换弦时不应该全部卸下再换弦，而是应该一根卸下调好音后再换下一根，否则，剧烈的张力变化会给名贵的吉他带来不可弥补的损害。
最后要说明的是，名牌琴弦都有不同的型号，这些不同型号的琴弦有着不同的张力，其特性和用途也不同。为了从外表上加以区分，便有了黄色、黑色、红色等不同颜色的尼龙弦。对于演奏家来说，同一把吉他要选择不同的琴弦用以表现不同时期、不同作曲家的作品。总之，作为吉他声带的琴弦是你自始至终需要关注的。
3、 古典吉他尼龙弦的装弦法
古典吉他尼龙弦的装弦方法与民谣琴或其他吉他不同，正确的装弦不但牢固而且不易跑弦。而错误的装弦常会导致滑脱，跑弦等问题。
尼龙弦装弦时是先装琴马与弦桥端，再装旋钮端，与卸弦顺序正好相反。
装弦顺序如下，先将相应的琴弦从封套中取出，请注意封套上的音名与弦序号以防止拿错，将琴弦的一端从琴马的装弦孔中插入，从另一端穿出，末端留出4-5厘米以用来结弦。
一般琴马处结弦的方法有如下几种：图A所示方法十分简便，但是如琴弦较细或琴马边缘有磨损使棱不够锐利时容易滑脱。
图B、C是常见的结弦法，把A中的琴弦绕一圈压在弦下就形成了B，而绕两圈则形成了C，往往高音弦细、表面光滑所以需要绕两圈才能比较结实，有时①弦还需结三圈才行。
图D的方法非常牢固结实，但由于琴弦头上翘往往需要依次把弦头一个个压在后面的弦下，所以比较烦琐不太常用。
不论用哪种方法，琴马处结弦的关键，都是要将弦压在琴马的棱以下，才能在弦绷紧时用巨大的压力将弦牢牢压住，防止滑脱。低音缠弦摩擦力很大，一般很少滑脱，高音弦如果太容易滑脱时可将弦末端用火熔成小球以防止滑脱。
旋钮端的系弦法有如下两种A、把从旋钮孔穿出的弦压在弦下后拧紧旋钮即可。
B与A相比，多打了一个结可使琴弦有两个点都被牢牢压住，更为牢固可靠。
旋钮端系弦时要注意几点①古典吉他尼龙弦不能象钢弦吉他那样把琴弦插进旋钮孔后拧紧旋钮即可。而一定要把琴弦头部分压在琴弦之下才行。②转动旋钮时向上向外旋转为上紧，向内向下为放松，不要弄混。③琴马一端系好弦后把琴弦拉紧再系旋钮一端，可使调音时容易很多，节省时间和精力。
琴马一端剩余的琴弦可用剪刀或指甲刀剪短至不挨着面板以防止杂音;旋钮一端长出的琴弦不必剪短，以留意外断弦或特殊情况时之用，为使琴头整洁美观，多余的琴弦可缠绕在旋钮轴上或单绕成一个小圆圈。
4、 古典吉他的定音
吉他的标准定音为E A D G B E，从⑥弦到①弦即低音到高音记谱分别是E、A、d、g、b、E1，实际音高分别是E1、A1、D、G、B、e，唱名依次是Mi、La、Re、Sol、Si、Mi，用简谱记就是C大调的3 6 2 5 7 3。
除了标准定音外，有时为了演奏某些调的方便需要将①弦降为Re，或将⑥弦降为Re，⑤弦降为Sol，或其他更为特殊的调弦。特殊调弦一般都会在乐谱前标明。
吉他的实际音高比记谱低一个八度，或者说吉他的记谱比实际音高高一个八度，吉他是八度移调乐器，但由于相隔八度的音在听觉上是极其相似的，所以八度移调除了大大简化了吉他的记谱外，对演奏者几乎没有影响。八度移调的严格符号是在谱号下写一个小8字。
5、 古典吉他的调弦法
⑴固定音高乐器调弦：在固定音高的乐器上奏出吉他的各个空弦音，据此调准吉他的各个音。这些乐器包括钢琴、手风琴、电子琴、口琴等。
⑵用吉他调音笛来调弦;吉他专用的校音笛为六管，对应吉他的六根弦的空弦音。按照校音管上的音名找出各个音来，并依次吹响来给吉他校音。
⑶听觉调音法：我们可以从吉他较低的弦上找到较高的弦的空弦音并以此来调弦。吉他的音品是按半音设立的，每向下多按一品就升高半音。除了②③弦大三度外，其他相邻两弦间音程都是纯四度，所以如图，第⑥弦第五品的音和⑤弦空弦相同，其他以此类推，只有②③弦例外。
但是听觉调音的前提是在调弦前至少先用固定音的乐器或音叉将一根弦调至标准音高。
有些初学者有时还会采用一种共振调弦法来弥补听力的不足，方法与上述听觉调弦相似，在较低的弦上找出相邻弦的空弦音，弹响其中之一，如能在另一根弦上激起最大的振动，就证明两根弦调准了。但这种方法往往不准确，只能在实在听不准或环境噪杂时偶而辅助使用。
⑷电子调音器调弦：在所有调弦的方法中，最方便、迅速又准确的是用现代的电子调音器调弦。但由于电子调音器是用电子传感器代替人耳，为了培养敏锐的听力，建议学习者即使有了电子调音器，也要经常练习用听觉来校音。
除了以上几种基本的调弦方法外，专业的演奏者和有一定水平的学生还采用泛音和八度音准来调弦和检验音准，这里不再赘述。6、 吉他的音域和音位
除了泛音和特殊调弦外，吉他基本音域是从E到b2，实际音高是从E1到b1。
吉他的音域几乎就是人声的全部音域，这也就是吉他优美的声音为什么总是那么打动人心，不经意的拨弄都能深入人们的心灵唤起人们深藏的感情的原因之一。因此吉他常被称为是心灵的乐器。
吉他上的各个音在吉他指板上的位置叫作音位，下面的音位图以六条线代表六根弦，最上面是①弦，最下面是⑥弦，这个方向正好和我们演奏时看到的指板是一致的。为方便记忆，从左到右各个小节线代表吉他的各个品柱。我们在表上标出了从空弦到第十二品的所有自然音。变化音也就是带升降符号的音请大家作为练习自己标在音位表上。
仅仅掌握五线谱上各音的位置是不够的，学习者还应掌握每个音在吉他指板上的准确位置，这些音位就象画家手中的色彩，棋手手中的棋子，或者说象英文中的字母一样，准确掌握每个音及在五线谱和吉他上的位置，这是学习吉他最基本的基本功，会给以后的学习带来极大的方便，起到事半功倍的效果。
古典音乐入门曲目经典我很清楚这个清单的不足之处。比如，维瓦尔第、海顿、柏辽兹、马勒、布鲁克纳、德 彪西和勋伯格的作品哪去了?这还只是一大批受到忽略的重要作曲家当中的几位。勃拉姆斯的交 响曲在哪里?贝多芬的弦乐四重奏在哪里?我是否真的认为卡尔奥尔夫的《博伊伦之歌》比同 时代的贝尔格，巴托克和肖斯塔科维奇的作品更为出色?
所有这些问题都很有道理，但请记住：我们不是要给世界上最伟大的音乐(尽管其中收 录了这样一些作品)下定义。相反，我只不过希望推介一些知名、风格多样、广受喜爱、能即刻 吸引普通听众的乐曲。我所选择的这些唱片都应该很容易买到，我希望你一听就着迷。
约翰塞巴斯蒂安巴赫(1685--1750)：
《勃兰登堡协奏曲》 这六首供小型管弦乐队演奏的乐曲体现了最欢快和最直观的巴罗克音乐风格。第二首有一段精彩 的、难度相当大的小号独奏，而第五首则是日后所有键盘音乐协奏曲的伟大先导。
《戈德堡变奏曲》 该变奏曲是巴赫为一位经常失眠、想要打发漫漫长夜的资助人创作的。我想，有些听众可能会感 到昏昏欲睡，但已故加拿大钢琴家格伦?古尔德把这首乐曲变成了感人至深的杰作。
乔治弗里德里希亨德尔(1685-1759)：
《弥赛亚》 这部令人叫绝的清唱剧是作曲家在短短三周时间里创作完成的，已经成为信仰各种宗教的听众的 传统剧目之一。有些人喜欢维多利亚风格诠释方式：大型管弦乐队，低沉有回响的管风琴，还有 数百人的合唱。其他人则喜欢比较亲切宜人的风格：乐队规模较小，合唱队的成员也是精挑细选 的。
沃尔夫冈莫扎特(1756-1791)：
《交响曲 第35--41号》 与其他伟大的作曲家不同，莫扎特吸引了世界各国的音乐爱好者。无论长幼，无论音乐鉴赏能力 如何，他几乎能让所有人产生共鸣。如果你只想从莫扎特的音乐中得到瞬间的愉悦，你肯定会如 愿与偿。如果你想得到更多的东西，莫扎特的所有作品都不会令你失望。
《费加罗的婚礼》 莫扎特的歌剧不仅以纯净优美的曲调取胜，它对人性的充分接纳和肯定也征服了我们的心。从第 一幕开始，我们就有一种感觉，觉得我们认识剧中这些人物。尽管他们身上存在种种缺点，但仍 然令我们喜爱。
《弦乐五重奏和弦乐三重奏嬉游曲(K.563)》 歌德描述说，室内乐是智者间的谈话。这种说法用在这些乐曲上真实再合适不过了。嬉游曲 尤其充满了精神的光辉与安详，而五重奏则探索了莫扎特丰富的情感世界。路德维希贝多芬(1770--1827)：
《九部交响曲》 如果说，莫扎特有时是超凡脱俗的，那么贝多芬显然就是我们中的一员艰难挣扎但兴高采烈， 饱尝痛苦但热情洋溢，忙于交际却孤独难耐。乐曲并非自然而然地产生于贝多芬的头脑中，他的 笔记表明他对每部作品倾注了大量心血。在他的晚年，耳聋的阴影越来越浓重。然而，对于所有 想了解古典音乐的人来说，他的九部交响曲都是必听的曲目，我建议你购买一套曲目完整的专 辑。
《钢琴奏鸣曲》 在理想的情况下，所有人在拥有《九部交响曲》的同时，都应该拥有《32首钢琴奏鸣曲》，因为 这些奏鸣曲是钢琴曲的基础。出于启蒙的目的，单张唱片就足够了，不过，感兴趣的人应该搜罗 克劳德?弗兰克，理查德?古德或威廉?巴克豪斯演奏的全套专辑。
焦阿基诺罗西尼(1792--1868)：
《序曲》 我认为，罗西尼是长期以来最被人们低估的伟大作曲家之一。他的音乐无可挑剔：旋律悠长而丰 富，其华美和有力程度令人震惊;不间断的富有创意的声部进行、和声以及管弦乐编曲;极其丰 沛的感情;还有智慧、热情和理念。我选择了低价位、收有七部序曲的专辑，由夏尔?迪图瓦指 挥，对于刚刚入门的罗西尼爱好者来说，这是个很合适的选择。
弗朗茨舒伯特(1797-1828)：
《歌曲》 舒伯特谱写乐曲就像苹果树结果一样：轻松自在，手到擒来。在短短的一生中，舒伯特创作了大 量交响曲，歌剧，室内乐，一批难以理解但精妙雅致的钢琴曲，还有数百首歌曲。如今，录制舒 伯特创作的歌曲已经成为一项延续百年的传统，许多艺术家给我们带来了著名独唱曲目。最近， 英国男高音伊恩博斯特里奇赋予了歌曲罕见的灵性和强烈的激情。百代公司为他制作了两张舒 伯特歌曲的独唱专辑，第一张收录了这位作曲家的许多热门歌曲。
弗雷德里克肖邦(1810-1849)：
《前奏曲》 肖邦被誉为钢琴诗人;他也是音乐史上最擅长写短作品的作曲家。这一点在《前奏曲》中得 到了最明显的体现。专辑中收录了他的24首短作品，其中有些作品的长度仅为半分钟。乐曲具有 惊人的力度和多样性，而这一切都压缩在了最简练的音乐形式中。
费利克斯门德尔松(1809-1847)：
《八重奏》 完成弦乐八重奏德创作时，门德尔松只有16岁。尽管他后来又推出了《意大利交响曲》和《以利 亚》等佳作，但我仍然认为八重奏是他最出色的作品。在八重奏的四个乐章中，我们感受到了浓 烈的青春气息，及大师般的技术把握。
罗伯特舒曼(1810-1856)：
《钢琴四重奏/钢琴五重奏》 美国已故作曲家兼评论家弗吉尔?汤姆森曾经说过：舒曼创作的是心灵的音乐。我最欣赏的 是两部曲调轻快，技巧完美的钢琴和弦乐作品，创作时间相隔不到一年。埃默松弦乐四重奏小组 和钢琴家梅纳赫姆?普雷斯勒的录音尤其妙不可言。
朱塞佩威尔第(1813-1901)：
《茶花女》 在威尔第创作的多部歌剧中挑选一部可真是不容易。他有大约15部歌剧定期在世界各地公演， 《弄臣》、《唐?卡洛》、《阿伊达》、《奥赛罗》和《福斯塔夫》各有精妙之处。我挑选了 《茶花女》。这部歌剧讲述了一个不久于人世的妓女和她的爱情故事。之所以挑选它，是因为它 的深刻、亲切、丰富的旋律和戏剧多样性。
理查瓦格纳(1813-1883)：
《无字的瓦格纳》 据我的经验，可以通过两种方式学会喜爱瓦格纳。当然，最佳途径就是观看音乐剧的舞台演出。 如果无法如愿，你也许可以听听他的管弦乐作品，因为瓦格纳的歌剧都相当长，而且其高难度的 声乐部分可能会让初入门者避之不迭。《无字的瓦格纳》圆满地介绍了这位作曲家的音乐，乔 治?塞尔指挥下的克利夫兰管弦乐团是世界上最优秀的管弦乐团之一。
约翰内斯勃拉姆斯(1833-1897)：
《德意志安魂曲》 对悲观主义者而言，这部参悟生死的严肃作品是高雅不俗的。勃拉姆斯的后期作品感人至深。整 整一代乐迷通过费城交响乐团在20世纪60年代初的录音了解了安魂曲。当时的指挥是奥托?克伦 佩雷尔，女高音是伊丽莎白?施瓦茨科普夫，男中音是迪特里希菲舍尔迪斯考。
乔治比才(1838-1875)：
《卡门》 人们称之为一部完美的歌剧，当然，它也是一部极受欢迎的歌剧。找一个声称对古典音乐一 无所知的朋友，给他听听《卡门》。当一段段熟悉的旋律在耳边响起时，看看他欣喜的反应。
彼得柴科夫斯基(1840-1893)：
《胡桃夹子》 这部无与伦比的芭蕾舞剧向我们展示了柴科夫斯基作为作曲家的全才高雅但感情色彩浓郁的 《花之圆舞曲》，令人陶醉的《双人舞》，《中国舞曲》中重复低沉的巴松管和轻快的短笛， 《糖果仙人舞》中迷人的钢片琴，还有《特列帕克舞曲》的急促旋律。
贾科莫普契尼(1858--1924)：
《波希米亚人》 如果你曾经青春年少，如果你曾经在一座大城市里挣扎求生、坠入情网，那么你就无法抗拒《波 希米亚人》(又名《艺术家的生涯》)的魅力。的确，没有其他任何一部歌剧能够如此令人信服 地展现贫困的可怕，同时又给随之产生的艰难困苦涂上如此浓郁的浪漫色彩。
理查施特劳斯(18641949)：
交响诗和《最后四首歌》 理查施特劳斯在60多年时间里创作了大批伟大的音乐作品。卡拉扬和柏林爱乐乐团在20世纪70 年代中期录制的专辑包括了他早期创作的一首极富浪漫色彩的交响诗--《死与变容》，正是这首 交响诗使他享誉全球。此外还有施特劳斯80岁以后创作的两首截然不同的交响诗：曲调悲伤的弦 乐曲《变形》和成熟的《最后四首歌》。
让西贝柳斯(1865--1957)：
《交响曲第5、6号》 西贝柳斯是最具神秘色彩的作曲家之一;他随着每部作品改变自己的风格，在漫长的人生中的最 后30年里，他几乎没有创作任何东西。《第5交响曲》属于晚期的浪漫主义风格，《第6交响曲》 则是温和纯净的，带有少有的甜蜜和满足感。
莫里斯拉威尔(1875--1937)：
《波莱罗》 拉威尔的《波莱罗》极为流行，几乎所有演奏这一曲目的音乐会都会座无虚席。作曲家解释说： 这是我的代表作。
伊戈尔斯特拉文斯基(1882--1971)：
《火鸟》、《彼得鲁什卡》、《春之祭》 斯特拉文斯基无疑是20世纪最具影响力的作曲家;许多人认为他也是最伟大的作曲家。我认为， 与具有划时代意义的《春之祭》相比，他的芭蕾舞剧《火鸟》和《彼得鲁什卡》更为优雅迷人， 旋律也更美妙。但是，《春之祭》无疑改变了音乐史的进程。
卡尔奥尔夫(1895--1982)：
《博伊伦之歌》 有些作曲家和评论家批评指责说，这部以中世纪为背景的合唱作品过于简单化。但是，越来越多 的人认为它是20世纪最具开创性的经典作品之一。
阿伦科普兰(1900--1990)：
《阿巴拉契亚之春》、《墨西哥沙龙》 这是我们的清单中的首位美国作曲家。在他那个时代，阿伦?科普兰是同时受到专业音乐人士的 和普通大众推崇的少数作曲家之一。
为那些想要体验当代音乐的人士提出的特别建议：
史蒂夫赖克(1936--)：
小音槌、人声和电风琴音乐及其他作品。如果有人非让我挑选当代最华美的音乐，我可 能会选择赖克1973年问世的代表作。它是如此华丽，如此新颖，听众甚至无法想象，它是如何创 作出来的。
好了，以此为开端吧。谁都不会对我所有的选择表示赞同，有时我自己可能都不是很赞 同。但是，这些专辑包含了最美妙的音乐，用不了多久，你就可以自己在清单里添加别的内容 了.
法摩萨古典吉他型号70
型号是70的法摩萨古典吉他，它具备了哪些其它吉他没有的优点?下面是小编给大家整理的法摩萨古典吉他型号70介绍，供大家参阅!
法摩萨古典吉他型号70介绍古典吉他大师佩佩罗梅罗简介佩佩罗梅罗(Pepe Romero - Guitarist)，1944年3月8日出生于西班牙马拉加，吉他演奏家。
佩佩的第一次专业演出还是在与父亲一起举办的音乐会上，时年7岁。作品有《父亲教我的歌》、《阿兰湖艾斯兹协奏曲》。
古典吉他大师佩佩罗梅罗介绍佩佩的君主西班牙国王胡安卡洛斯一世(Juan Carlos)给佩佩及其兄弟塞林(Celin)和安杰尔(Angel)授予了爵位，使他们进入Isabel la Catolica序列。2000年2月，如此崇高待遇的官方典礼在南卡大学举行，典礼间还上演了一场罗梅罗家族的祝贺演奏会。佩佩还获得了音乐的安达鲁西亚(Premio Andalucia de Musica)称号，这是祖国因为他对艺术的杰出贡献而给予他的最高赞誉。他还从英国哥伦比亚维多利亚大学获得了荣誉音乐学博士头衔。
作为古典吉他独奏家，佩佩活跃在美国各地，如费城、克利夫兰、芝加哥、休斯敦、匹兹堡、波士顿及圣弗郎西斯科等地;合作乐队包括达拉斯交响乐团(Dallas Symphony Orchestras)、俄耳甫斯室内乐团(the Orpheus Chamber Orchestra), 纽约及洛山基爱乐乐团(the New York and Los Angeles Philharmonic Orchestras), 波斯顿流行乐团(the Boston Pops Orchestra)以及伦敦交响乐团(the London Symphony)。而他在欧洲及大不列颠随行的管弦乐团则包括圣马丁室内乐团(the Academy of St. Martin-in-the-Fields)、蒙特卡罗爱乐乐团(the Monte Carlo Philharmonic)、I Musici、苏黎士室内管弦乐团(the Zurich Chamber Orchestra)、匈牙利爱乐乐团(Philharmonia Hungarica)、匈牙利政府管弦乐团(the Hungarian State Orchestra)、西班牙国家管弦乐团(the Spanish National Orchestra)、西班牙国家电视电台管弦乐团(the Spanish National Radio/Television Orchestra)、瑞士罗曼德管弦乐团(LOrchestre de la Suisse Romande)、新莫斯科室内管弦乐团(the New Moscow Chamber Orchestra)、洛桑室内乐团(the Lausanne Chamber Orchestra)、美国交响乐团(the American Sinfonietta)及鲍尼默斯交响乐团(the Bournemouth Symphony)等等。佩佩还曾作为各地音乐节的嘉宾，如奥地利-萨尔茨堡、以色列、切斯维格-修斯顿、梅纽因、日本-大版、格拉那达、伊斯坦布尔、拉文尼亚、新泽西、好莱坞、布罗松、Wolf Trap以及萨拉托加等地。
佩佩与他的父亲及兄弟一起成立了罗梅罗家族四重奏，并使其成为世界领先的古典吉他重奏团体。作为罗梅罗家族的一员，佩佩曾被邀请到白宫演出、到梵蒂冈为罗马教皇约翰保罗二世演出，为英国王室殿下查里斯王子、威尔士王子、西班牙国王胡安卡洛斯一世以及西班牙索菲亚王后、荷兰比阿特丽斯王后演出。
佩佩罗梅罗还致力于传承吉他知识，在他的众多弟子中出现了许多国际吉他比赛的第一名。他还曾是几所大学的吉他教授，并在奥地利萨尔茨保夏季学院、切斯维格修斯顿音乐节以及科多巴吉他音乐节每年一度的大师班任教。
法摩萨全单古典吉他介绍
过目不忘的美，尽在法摩萨全单古典吉他。下面是小编给大家整理的法摩萨全单古典吉他介绍，供大家参阅!
法摩萨全单古典吉他介绍古典吉他大师安德烈斯塞戈维亚简介塞戈维亚，当代最杰出的西班牙吉他演奏家。 塞戈维亚一生的活动，使吉他这种乐器的地位得到提高，使吉他音乐在二十世纪获得了强盛的生命力。 他曾说：我爱秩序，清澄与均衡。他的演奏音色美妙，技巧高超，音乐充满人情味，格调高雅优美而具有深度。克莱斯勒曾说：世界上真正伟大的弦乐器演奏家只有两位--卡萨尔斯与塞戈维亚。
古典吉他大师安德烈斯塞戈维亚介绍塞戈维亚于1908年在格拉纳达的艺术中心第一次举行独奏音乐会。后到西班牙的科尔多瓦和塞维利亚.1912年来到西班牙首都马德里，接受名匠努埃尔.拉米列斯赠送的吉他名器.翌年二十岁，在马德里艺术院沙龙举行独奏会。1915年在帕伦西亚与塔雷加的高足、当时首屈一指的吉他演奏家廖贝特相识并深受影响。后来他们一起到巴塞罗那，1916年在该市举办的演奏会多达十五次。次年在马德里举行多次音乐会，同时也到法国南部演出。1919年第一次赴南美洲旅行演出。1922年在格拉纳达参加由西班牙作曲家法雅主办的艺术节的演出。
1924年4月7日塞戈维亚在巴黎音乐学院的音乐厅举行了在巴黎第一次的独奏音乐会。当时，法国作曲家杜卡和西班牙作曲家法雅以及德彪西夫人等都到场欣赏。这次音乐会使塞戈维亚在国际乐坛上一举成名。当时的评论写道：塞戈维亚为音乐公众发现了吉他!法国著名作曲家鲁塞尔(Albert Roussel,1869-1937)深受感动，于是翌年创作吉他独奏曲《塞戈维亚》(作品29)，并将该乐曲题献给塞戈维亚。到巴黎之后，塞戈维亚与巴西作曲家维拉-罗勃斯结成知交。同时也跟墨西哥作曲家曼努埃尔.庞塞、西班牙作曲家托罗巴等作曲家相识。为了丰富吉他音乐的曲目，从这个时期起，塞戈维亚经常约请作曲家创作吉他乐曲。其中包括庞塞的《古典奏鸣曲》、《浪漫风格奏鸣曲》，泰代斯科的《卡伐帝那组曲》 、罗德里戈的《阿兰胡埃斯吉他协奏曲》等。与这同时，他自己也亲自动手创作 《练习曲集(每日的功课)》等几首吉他曲，并且发掘巴赫的鲁特琴乐曲，把古今的乐曲改编成为吉他曲向听众推广。由他改编的吉他曲，有一百五十首以上。
塞戈维亚于1926年到苏联演出，翌年在英国演出并第一次录制唱片。1928年首次赴美，在纽约举行独奏会。翌年到日本做第一次公演。在这个时期也曾到中国、菲律宾和印度尼西亚。三十年代上半期居住在日内瓦或巴塞罗那，通过演奏会和录制的唱片名扬全球。1936年移居乌拉圭。1944年移居纽约，在卡内基音乐厅演出庞塞等作曲家的吉他协奏曲。第二次世界大战后再次移居日内瓦，同时常到意大利锡耶纳基吉亚那音乐学院教吉他。此后的演奏活动横跨欧美亚三大洲而更加频繁。他曾说我的住所是在以时速数百公里飞翔的旅馆--飞机上。五十年代后，塞戈维亚的吉他用尼龙替换了原先的羊肠弦。从这个时期起录制了大量唱片，现在发行的个人唱片专集不下三十种，他的名声已登峰造极，几乎世界上所有吉他演奏家都直接或间接地受到他的影响。1961年塞戈维亚任西班牙奥伦塞国际吉他比赛名誉会长，翌年定居马德里。1972年被授予牛津大学名誉博士称号. 此外，多次获得西班牙政府赠送的各种奖章和勋章。进入八十年代后有时仍然演出，如1980年他八十七岁时第三次到日本举行独奏音乐会。
法摩萨古典吉他FC70详情
法摩萨70型号的古典吉他，它的具体详情是什么样的我们来看看。下面是小编给大家整理的法摩萨古典吉他FC70详情，供大家参阅!
法摩萨古典吉他FC70详情古典吉他大师山下和仁简介山下和仁 1961年3月25日生于日本九州长崎(Nagasaki)，八岁那一年开始跟随父亲山下亨(Toru Yamashita)开始学习吉他。
1978年，他首度在日本进行巡演，一年之后，他同东京爱乐管弦乐团同台献艺，同年在巴黎实现了欧洲的首次登台，并被认为是吉他最伟大的发现。1984年，山下和仁在多伦多吉他艺术节进行了加拿大的首次演出。1987年，长笛家詹姆斯加尔维(James Galway)邀请山下到美国举行一次二重奏巡演。他们在纽约、波士顿、芝加哥、华盛顿特区、和匹兹堡的演出为这位年轻的日本吉他大师带来了巨大的成功。结果他接下来便举行了一次个人巡演，途经洛杉矶、旧金山、纽约、华盛顿、圣路易斯，多伦多，和温哥华，他的音乐会门票总是全部售光。1988年，山下和仁在著名的维也纳音乐大厅(Musikverein)举行了一场独奏会。1989年，他在日本最著名的剧院东京卡萨尔斯剧院(Casals Theatre)举行了由七场音乐会组成、名为山下和仁的世界(The World of Kazuhito Yamashita)的系列演出。这7场音乐会跨时12个月，高潮是一次演出中卡斯特诺沃-特德斯科(Castelnuovo-Tedesco)所作的《戈雅的24首随想曲》(24 Caprichos de Goya)。该系列音乐会以连续两个晚上演奏巴赫的六首奏鸣曲和组曲结束。山下和仁在1994和1999年分别再次举行了系列音乐会。
古典吉他大师山下和仁介绍截止到2002年一月为止，山下和仁为BMG，Crown Classics，RCA，Japan Victor，King Records和Alfa Records录制了70多张CD/LP，是据GS所知唯一能同威廉斯比肩的高产吉他演奏家，而且，有数十张唱片都是他亲自编曲或改编的作品。其中最著名的穆索尔斯基(Mussorgsky)的《展览会上的图画》(Pictures at an Exhibition)、斯特拉文斯基(Stravinsky)的《火鸟》(Firebirds)和德沃夏克(Dvorak)的《新世界交响曲》(New World Symphony)，里姆斯基-科萨科夫(Rimski-Korsakov)的《天方夜谭》(Scherezade)使他成为吉他圈里的传奇人物。他在Japan Victor录制了十六张费尔南多索尔(Fernando Sor)的全部作品，在Crown Classics录制了他自己为独奏吉他改编的五张巴赫作品系列，其中包括小提琴，大提琴，鲁特琴与长笛的奏鸣曲和组曲。1981年发行的《展览会上的图画》获得了著名的德国留声机奖(Deutsches Grammaphon Award)。
除了音乐上的造诣，山下和仁还令人吃惊地拥有长崎大学工程和经济学位，可谓是个奇才。
台湾网友Jack对山下和仁的评论：日本人做苦工的精神真的很令人敬佩。我高二时他曾在台北社教馆演奏。我特别去买了一张上扬代理、RCA的改编自贝多芬的D大调小提琴协奏曲lp。当时CD不流行，所以我所听的都是tape与lp。这张lp根本没听过，单纯是用来签名的。他所擅长的曲目都是改编用来拓展吉他演奏极限的。我也买过他的改编谱，老实说演奏的可能性太小，技巧上比以往的吉他演奏曲高出太多。令人惊奇的是他用一把吉他演奏穆索斯基的《展览会之画》、韦瓦地的《四季》、史特拉文斯基的《春之祭》，不到现场看他演奏真的无法相信吉他可以这样演奏。总之网友挑这些cd来听一听，一定会觉得神奇。他当时留着像国中女生的清汤挂面头，洗得很干净，护发也做得不错。当他弹得浑然忘我时，头发飞扬，几乎要从座椅上站起来。吉他真的是一种情人的感觉因为可以抱着弹。现场的演奏魅力也很令人念念不忘。不过他为了把吉他的潜力发挥到极大，所以刻意把琴弦与琴桥的距离加大，加上很多几近严酷的弹奏，所以风格上不像欧洲的恬静典雅，而是走明亮精确但稍嫌粗糙的感觉，所以他所弹的古典曲目并不是很对我的胃。另一位福田进一走的是另一条路线，不过要跟传统的欧洲风比较-阴柔有余生命力不足，明显的有一段差距。倒是老一辈的第一位国际大赛冠军得主渡边范彦演奏的虽是一般的曲目，但拥有日本人独特的韵味。在音乐性上我最喜欢。川端康成说要培养一位诺贝尔文学奖要三代日本的古典吉他演奏家可能将要占有一席之地了吧。
定做古典吉他好吗
同样价格的古典吉他是定做的好还是买品牌的好呢?下面是小编给大家整理的定做古典吉他好吗，供大家参阅!
古典吉他定做的好还是买品牌的好呢答案：
1.淘宝定制就算了吧 老老实实买个品牌琴吧
2.得看是谁做的，某些所谓手工琴还不如工厂琴。认可度高的制作者的琴就另当别论了。
教你如何定做一把通用手工吉他首先要先了解什么是手工琴?
现代手工琴坚决不是手和刨子刨出来的。适当的工具运用可以使吉他各个部分的参数都更加的精确和细致。所以，目前国内手工琴从制作工程来讲分为全手工和半手工两种。
1、 半手工：由于目前的吉他绝大部分还是要由吉他工厂来加工，所以当客户需要订一把主流外形的吉他时(如ST、TELE、LP、Ibanez RG等 )，工厂只需要按照通常的模式和自定义的木料铣出外形即可，在按照特定的要求加工细节(如是否贴面?怎样的拾音器槽或者前后电路等等。)
2、 全手工：当客户要求的吉他外形是独一无二时(如自己设计的，全地球只有这么一种形状)，这种情况就比较麻烦，所有的参数都是全新的，就需要去加工模具。这种定做方式相对就比较贵原因很简单，羊毛出在羊身上，做模具一套也得2～3百元呢。除此之外如果个性化的细节多的话，那就需要大量的手工过程。如：你希望在琴头上某个位置加一条弧线，这就需要手工给你修出来。。通常最终的定价就要根据制作难度来定了。这个部分我建议您一定注意，真的便宜没好货。如果你是需要定做一把实用的手工琴而预算并不多，那建议尽量不要在纯外观修饰方面下太多的功夫。
了解的手工琴的加工以后我将从 木材与加工 和 配件选择 两个方面为大家介绍通用手工吉他的选购方法。所谓通用吉他就是指：传统螺钉链接(fender ST)、插接(LP、PRS)或通体链接(ESP高端型号)的琴体琴颈的吉他。
一、 木材与加工
1、 木材搭配通常有以下几种，大家可以根据自己的喜好来选择：
A、 maple枫木琴颈+Alder桤木(或者梣木ASH)琴体,典型案例：fender、charvel Ibanez 7V
特点：这种组合在使用单线圈时可以表现非常甜美亮丽的音色，在双线圈工作时可以得到相当多的泛音，有一种自然的哇音感，听听Vai的7V或者范海伦就知道了。适合的拾音器：Duncan 、Dimarzo、Lace，适合的风格：Funk、Rock、Blus。
B、 maple枫木琴颈+ Mahogany桃花心木琴体，典型案例：USA Jackson 和Ibanez高端型号。
特点：这种组合是现代金属的无敌搭配，桃花心木的无敌中频+maple的高频表现使得音色又冲又亮，前卫金属典范吉他手John Petrucci曾经就是这个组合。适合的拾音器：Duncan 、Dimarzo、适合的风格：Rock 、new metal、HaveyMatel
C、 maple枫木琴颈+ Basswood椴木琴体，典型案例：Ibanez、Fender Squair的中低型号以及其他。
特点：这个组合恐怕是目前绝大部分大牌子琴里面最爱使用的组合，成本低廉但表现不俗。声音取向类似maple枫木琴颈+ Mahogany桃花心木琴体，在任何拾音器下都能得到不错的声音。千万别看不起椴木，大名鼎鼎的Joe Satrani 和 John Petrucci 也都用它哦?所以好不好还是要看做工。适合的风格：全部风格(最通俗也就是最没特点，这也许就是为什么大家都说Ibanez没特点的原因吧?)
D、 Mahogany桃花心木琴颈+Mahogany桃花心木琴体,典型案例：Gibson LP、PRS Custom 22等
特点：声音浑厚，中频丰满，如果你觉得我这样说你觉得晕，那就听听BB.King、Slash、或者SANTANA，一听你就明白了。在大失真状态下，你能感受到老实金属的感觉：如METALLCA那声音又冲又暗，典型的老美式金属声，当然你那他玩死亡也是不错的搭配。
适合的风格：Blus、Rock、old Matel
下面举个奸商造假的例子：
1、 看似不错的棕色南美桃花心木和云朵枫木琴颈料毛料：
2、 刨开以后大家再看看，漏洞出来了，难看的小黑线很明显。像这样一根欧洲或加拿大料至少要6～7百元，而国产料200元足够了!
3、 再看看这块桃花心，浅紫色漏出来了!(上面那个PRS的才是真正的南美桃花心)
教你如何定做一把通用手工吉他21、 木材的加工：
a) 琴颈：琴颈的加工注意几个主要参数：
第一要注意指板宽度
宽度是由琴枕处和最后一品的宽度决定的，fender ST标准款式的琴枕处标准为 1-11/16英寸(也就是常说的43mm);最后一品为56MM左右。之后的Ibanez、ESP等常用双摇系列都是延续这个标准。Gibson的琴枕宽度是1-3/4(4.45mm)，PRS以及其他类似LP琴型都沿用这个标准。国产的一些电吉他很多实用41.3mm这个标准(常说的42mm)，原因很简单，亚洲人手小。指板窄是有道理的(Ibanez JS1000 是这个尺寸 弦锁型号R2);所以如果你真的是个小手，请不要去可以追求什么美式装备，用小尺寸反而更能让你快速的提高。千万记住，你是乐手，不要跟设备较劲。
第二要注意琴颈形状(也就是背面那个弧度)
它通常有如下几种形状：C形(Fender ST STD、Gibson LP STD)、V形(Fender Vintage 某些型号)、U形(Fender 某些型号、Ibanez RG系列)。形状虽有这么三种，但目前，琴颈规格即使同样都为C形时一样会有很大区别，这些区别也直接影响到我们的手感，所以custom的秘密就在这里，fender custom shop 是可以让客户直接参与custom进程的，也就是说你可以一边摸着他们一边做，知道你满意为止。但目前国内还没有哪个厂家能够为客户按照数值和形状进行专业的定制，最多就是定个形状，或者定个厚度，这个方面建议大家尽量找口碑较好的加工厂来制作，因为有实力的厂家能够尽量把琴颈做的弧度比较线性，不会有粗细货形状不均匀的情况(我曾经见过有个手工琴把V型琴颈做的跟三角一样。。);
第三要注意指板弧度
常见指板弧度一般分7.25寸(fender Vintage)、9.5寸(fender STD)、10寸(Ibanez JS1000)、12寸(LP、PRS)、14寸(Jackson 双摇琴)16寸(Ibanez RG系列)。数值越小，指板弧度越大，数值越大，指板越平。按照常理，大弧度的指板被更多的用在老式风格的曲子中，更加的Vintage，如blus、Funk;更平的指板更适合速度演奏，如metal Rock，还有一些高级别的Solo款式(如USA Jackson)使用符合弧度，如：10寸-14寸，这样的目的是为了让琴弦和琴颈更好的随形，手感更佳。
第四要注意琴颈木料使用方式
常见的有，1pcs料(也就是一根整木料，fender通常这样制作，好处是共振均匀，缺点就是贵)，;三拼接料(Ibanez常用，优点就是省钱，);5拼料(三根枫木中间夹2根胡桃木，据说可以提高强度以及弥补枫木音色太单薄的缺点，但这个说法没有太多的证实，ESP这么做过)。同时还要注意木材的切割形式，通常分为颈切料和旋切料，通常我们看到的木纹装的都是旋切，而颈切料就是逆着木线切割的，这样的木料更加的坚固耐用，通常这样的木料备用定做款式的吉他上。
第五注意木材选择
a、 枫木。常见的琴颈枫木有：
1、 加拿大枫木(木纹明显好看，无小黑线)
2、 欧洲枫木(硬度高，颜色白，共振好，木纹直而且没有加拿大枫木那么明显， charvel常用这种料)
3、 雀眼枫木(木材上有很多小雀眼，天然形成，名贵木材中唯一的硬枫木，定做中的极品)
4、 虎纹枫木(这个不用多说了，也是高级木材，但属于软枫木，声音特性不如雀眼好)。
在这些木头中，除了虎皮枫木外，其他都属于硬质风木，更适合做琴颈，当然也有很多那虎纹枫做琴颈的，但是声音的传导略差。
大家在挑选枫木的时候千万要看好，很多山东琴厂传说中的手工琴所用的枫木都是廉价的国产枫木(常说的色shai木)，国产SQ也适用这种枫木，上面有很多的小黑线，这种木材的音色与共振与真正的欧洲枫木或加拿大枫木区别极大!具体大家看图!
b、 桃花心木：这个就没什么好说了，LP就是用它，声音暖暖的，中频足足的。唯一要注意的是，国产或者亚洲的桃花心呈浅紫色，真正的南美桃花心是浅棕色，且带有略微的木香味。两种木材声音取向区别非常大，尤其是在制作插接方式的吉他中。
第六要注意钢筋
目前国内使用的都是小双筋前埋方式。而fender 和 Gibson 则是使用的单筋曲线埋法，这种技术难度非常高，优点就是可以保留更多的琴颈木头不被钢筋沾掉，声音传到更加有木头味。所有国内定做，目前还都没有掌握这个技术，有些人做过尝试，但由于弯曲度的参数不能掌握等原因，琴颈最终都不理想，甚至有些变成了是S形。所以大家要注意，如果谁说他的琴颈是纯单筋的，那他一定在忽悠你。不要被琴颈后面的黑线迷惑了。辨别方法就是往往真正的后埋筋是做不了前调的，也就是如果钢筋后埋，那就不能在琴头位置调节钢筋。因为只有当钢筋弯曲的时候才能这么埋进去.
电箱古典吉他好吗
电箱古典吉他用起来如何?它的音质有什么变化吗?下面是小编给大家整理的AAAAA，供大家参阅!
AAAAA1.建议不使用电箱古典，无法有真正古典好听的效果
2.不演出基本上没什么用。带电的与原汁原味的音色差太远了。
我那把带电的买来就一个星期玩玩新鲜，从此后，2年多了，都没带电弹，只当普通琴弹。
我的是马丁尼80C圆角电箱。
还有一点很重要，专用音箱有没有在预算中?古典专用的好点的要上万元。几千元的音箱是木吉他音箱，也就是说民谣与古典合用的，而且我觉得基本上是编向民谣的，或者说就是民谣的，因为是木吉他，奸商们就把古典也标就将就吧。殊不知钢丝弦与尼龙弦音色风格是两回事，如果按古典音色思路设计，以古典这样的小众化，弹古典电箱的又是这种小众化中的小众化的产品，谁做?要么贵，要么就搭民谣木吉他的便车吧。
至于几百元的音箱，算了吧。不如花20多元淘个吉他拾音器接到电脑音箱玩玩新鲜算了。
古典电箱吉他音质如何准备买琴 在要不要电箱上比较纠结 有人说加了电箱就没有古典吉他的特点了 可是它声音真的太小。
会在学校偶尔表演一下 还想录音 所以怕没有古典吉他的味道 多个电箱大概能贵多少
用麦克好，别买电箱，第一它要在琴上挖洞装拾音器，你说好好一块木头给挖洞了声音反射的能好么，肯定对它的原声有影响。第二，它的电音出来，是肯定不会好听的。看那个古典吉他的大师演出用电箱琴了，顶多用麦克，音乐厅小点的话，都不用麦克直接弹。而且古典琴你把握好了把音色音量都放出来，声音绝对不会小
多个电箱的话，贵个二三百吧
电箱古典吉他到底是个什么样定位电古典吉他一般是靠安装压电式拾音器将琴弦的振动转化为电信号传给音箱放大，其特点是对弦的振动的细微表现很清晰，但这并不是好处，这样出来的效果容易生硬，另外，这种拾音方式只能拾取弦的振动而不能拾取空气振动，所以出来的效果与原声的差别较大，不能想原声那样自然。
还有就是，由于压电式拾音器对声音输出的强弱主要是看琴弦的张力，所以其每根弦之间的均衡性是比不上原声琴的，在实践中，你通常会发现你的琴的高底音对比在原声状态时与接电声时正好相反。一般来说，不太高档的电古典吉他(其实也包括不太高档的原声古典吉他)它在不接电时一般是低音三根弦的音量要大于高音三根弦，但在接上电之后则正好相反，这是因为123弦的张力大于456弦所造成的，这是电古典吉他的一大弊端，这很容易造成你在平时不接电练习所形成的习惯力度对比，在你上台接上电表演的时候的效果有一定出入，没有经验的，或者不太注意的，就不好控制。
话又说回来，电古典吉他还是有很多优点的，比如，它适应的场合很多，对演奏场地几乎没什么要求，它的高低均衡音量大小可以随意调节等等，对于普通爱好者来说，还是个不错的选择，因为毕竟不是很多人有机会到正式的音乐厅演奏，所以，电古典是个用途较为广泛的琴(你甚至可以用来参加流行乐队)，
还有一点补充的就是，象民谣电箱琴一样，电古典吉他同样有压电跟内置MIC同时拾音的双拾音系统的琴，这种系统在一定程度上改善一些问题，但当然，价格也会相对比较高，
爱丽丝古典吉他弦好吗
古典吉他用爱丽丝牌子的琴弦，效果好吗?音色如何?下面是小编给大家整理的爱丽丝古典吉他弦好吗，供大家参阅!
爱丽丝古典吉他弦好吗1.声音发闷，不过价钱也只有20块以内一套
2.听鲁兄说爱丽丝不错，因为便宜，我买了10套，但发现爱丽丝有一个很大的缺点，就是非常容易受潮，受潮以后，声音变得很乱，干燥以后倒是又恢复正常，另外手感也不如达达。
古典吉他琴弦更换的频率古典吉他和弗拉门戈吉他琴弦会随着使用或者材质变质而渐渐产生磨损。最终，一套吉他弦会因为太老而很难弹奏并且没法产生一个平衡的声音效果。并且木头会对振动有所反应，其会逐渐对振动有所适应。所以如果持续使用有磨损的琴弦，吉他本身的声音也会变坏。弦也会很难正常调音。
因此经常更换吉他弦是非常必要的。专业的吉他手在演出或者录音期间，会每周甚至几天就会换一次。不同的吉他弦能够使用的时间要根据的使用的具体型号和使用频率来决定。但是大体上，对于业余吉他手使用的普通古典吉他弦，一般指导意见是每4-6周换一次弦。
新手学吉他用什么弦的好一点新手学吉他用什么弦的好一点?
冰心傲世 : 就用爱丽丝的弦吧。
沈耀祥 : 可以先试着用微粗的弦
江湖啸一刀 : 电吉他弦比较柔软，但是放在一般的木吉他上，音质感觉不是很好。民谣吉他弦还有古典吉他弦都有软和硬的种类，可以选择软的种类。如果学古典，要用古代琴弦，学弹唱和流行指弹，就用民谣琴用钢丝弦。有一个好办法，就是不管用什么琴弦，初学的时候把琴弦调低一个小2度，琴弦按起来相对容易一些。
一休帅哥 : 一般先从钢丝弦开始，先苦后甜
穿透心 : 买名谣吉他就可以的!刚开始练手哦
徐文乐老师 : 0.10. 建议用粗的，这样可以练手，弹唱很快，
jazzbass28 : 你要是弹唱就直接钢弦吧!
奇异恩典_001 : 古典吉他 尼龙弦
xsjpump : 初学还是用钢丝的好，就像楼上说的，刚开始是比较痛苦的，指肚会剥皮开裂，我刚学的时候除了左手拇指以外，其他的手指都贴了创可贴，即使这样每弹一下还是很疼，时间长了就好了。
刚学吉他 左手好疼 那弦好像要用很大的力气才按的...
学民谣吉他尼龙弦好还是钢弦好?
新手想学吉他,大概最好要几根弦~
初学者学吉他用什么样弦的吉他好?
吉他新手合弦按不出力气 用感觉手好像跨度不够大的...
初学吉他用什么样弦好?
新手练吉他用什么弦? : 如果你买的是练习琴,琴弦高又没法调。我建议你换一套尼龙弦,弦软点,手没有那么疼,先拿这个琴练习,练一段时间最好换一把琴。好琴手感好,音色好,进步快。祝你成功。
民谣吉他的弦什么牌子的好! : 马丁也好,但是安我琴上也出不来马丁味儿,我也就是个大众的单板而已,琴弦你得自己亲自用几套,不同品牌的,不同型号的,时间久了,自然会找到你需要的那套。大众一点就达达,...
什么样子的吉他弦好? : 不易生锈但是以你各人来说 并不需要追求品牌还有重要的是 国内有些弦线厂商 用的是与国外弦线厂商完全相同的货源相信我 弦线对吉他的声音有绝对的加分效果另外 好的弦...
电吉他弦什么牌子的最好? : 好的弦一般都是达达里奥。马丁。FENDER。要是想省钱呢爱丽丝还不错。那些红棉啊。大地啊。狮王啊。都不行。含铁量很少。声音比较小。还有。FENDER的弦国内有很...
新手想学吉他,大概最好要几根弦~ : 否则是噪音。2是学习五线谱知识,把五线谱上的音符和吉他指板位置结合起来学习,用固... 然后训练各种和弦的按法。就是说每天要训练音阶与和弦。有了这个基础可以独奏一些...
吉他弦什么牌子的好? : 达达里奥~~ 他的优点是 在护弦油的帮助下不容易生锈 而且质量很好 特别是音质很好 我一直用 ~~~~ 但是相对普通的弦要贵一点 ~~~
民谣吉他弦买什么牌子好? : 飞魔士吧,性价比不错,磷铜木吉他琴弦,这款琴弦提供明亮的音色的同时具有长久的寿命!店卖40左右,淘宝20多就有交易了!
电吉他弹solo用什么弦好? : 看你喜欢什么样的声音了,GIBSON声?还是FENDER声?介于两者之间的还有PRS。 GI... 009,010的弦都行,至于拾音器这就看音乐需要了,不过相对来说用靠近琴颈的那个好一点...
什么牌子的民谣吉他弦比较软 : 软硬适中的一般都是在中高级吉他才能试出来,根据材料,手感和档次而定的。如果你的吉他属地抵挡没必要买高级的,也没必要这么苛刻,毕竟琴不行,再好的琴弦哪怕是elixir 都不...
木吉他用哪种弦好 : 普通民摇吉他就用民摇的弦啊,买吉他的地就有
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SAGA，知名吉他品牌，以近乎苛刻的选材和制作要求闻名于世。自创立至今，SAGA服务过无数的吉他爱好者让其学有所成，并乐在其中。也助功过无数坚持梦想的年轻人，并交口盛赞。因此，我们可以说，SAGA在音乐世界中，已不仅仅是一个吉他品牌，更代表着一种对音乐的态度，这种态度有人称之为对音乐的情有独钟，永无止境。SAGA品牌来自于创始人的音乐梦想。创始人JamsonTim，与生俱来的音乐天赋使得他成为一个不折不扣的音乐狂；在中学时代，不顾家人劝阻的他选择了音乐班，而大学又毅然选择了自己最喜爱的艺术和音乐相关专业。其实早在小学毕业的时候，他就非常羡慕那些能拿吉他弹唱的人，所以凭借自己攒来的零用钱，在书店买了一支吉他和一本吉他教材，开始了吉他自学生涯。然而，那第一把吉他做得很不专业，弦距非常高，很难按，以至于学了大半年都没有什么进展，很多和弦都按不下去。努力那么久，结果还是失败，这让他感觉很失望，甚至开始怀疑自己是不是真的没有学吉他的天赋。在那之后近一年的时间里，他放弃了学习吉他。在一次偶然的机会，Jamson来到同学家玩，他家里有一把吉他，非常精致，他忍不住拿来一弹，试着一按，发现这把吉他容易按多了，声音也非常好听。这让Jamson欣喜若狂，这时才恍然大悟，原来之前之所以迟迟没学好，是因为之前的吉他做的不标准，以至于耽误了这么长时间。这件事情让Jamson感慨万千，劣质的吉他，耽误了多少吉他爱好者的学习呀。在吉他品质参差不齐的大背景下，包括自己身边的朋友也都在抱怨，甚至花了不菲的价格，买来的吉他效果却不是很满意。但又无可奈何，换个其他吉他品牌还是差别不大，国际大牌太贵，难以承担。想到这里，他有了一种自创品牌的冲动，暗下决心，一定要创建一个最好的吉他品牌，目的是将最好的吉他，带给所有和自己一样喜欢音乐的朋友，让乐手们可以得到高质实惠的吉他。大学时代的Jamson先是接触了一些吉他厂和乐器销售商，因为自己生长的地方就是中国生产吉他出名的地方，所以有渠道可以拿到一手货源的吉他，质量都不错，而且价格还可以。他先是从卖吉他开始，准备积累一些资金。最早的时候，是在大学学校里面卖，接着就在学校外面卖。就这样一步一步地开起了琴行，之后在吉他工厂下单生产一些吉他，也开始做一些国外的贸易。在和工厂合作的过程中，Jamson慢慢发现，一旦大量下单的时候，很多工厂就会出现不注重质量的情况，对于自己的一些要求也是能拖就拖，并不会去想着改进，只是想多做产量多赚钱。所以很多一些好的想法和方案得不到实施。有一次，一位大客户定的货出现了一些质量上的问题，而工厂方面迟迟不愿意配合解决，事情后面弄到非常不愉快。这一次对他的打击很大，心想国内工厂这样对待质量的态度如何能创立国际有名的吉他品牌呢？为了在众多洋品牌中脱颖而出，创立让国人值得骄傲的吉他品牌，他毅然放弃了自己的乐器销售店和贸易公司，决心自己开厂生产吉他。而既然要做自己的品牌，那就一定要有自己的工厂。自主生产的道路是非常艰难的，尤其是要做的是国际高品质吉他！新开的工厂很多经验都跟不上，刚一开始Jamson就深深感受到了开工厂方面的艰难压力，失眠、奔波、焦虑、压抑等各种磨砺，两年期间几次工厂都差点面临倒闭的困境，当时感觉整个人都濒临崩溃的边缘。不过，一想到这是他自己今后毕生的事业，就觉得不甘心，于是咬咬牙又坚持了下来。吉他工厂创办时间是2011年4月，但是一直到2012年8月，才正式出了第一批SAGA成品，而且产量极少。这样的艰辛经历在国内的吉他生产业内是非常少的，在这一年半的时间里，经历了无数的测试和改进，整个团队把国际最高品质标准当作目标，从材料的干燥处理、材料的筛选、生产的细节处理……几乎对吉他生产全部过程的一百多道工序都进行了反复的研究和试验，反复测试和对比，虚心向国外工厂和专家学习，当中的每一个步骤，都灌注了无尽用心和努力，正因为如此，SAGA的立足点就相当的高，从创建初始便流淌着角逐完美、超越自我的尊贵血液，SAGA也因而受到客户的信任，可以说是融合了众人信赖及尊重的最佳典范。随着品牌名气的打响，SAGA产品也更加丰富，通过品牌文化的重组、产品种类的丰富，使得SAGA产品结构更加丰富、完善，进一步推动SAGA品牌的发展。SAGA也获得了很多富有梦想的年轻人的青睐，名气因此渐渐地在圈内响亮了起来。之后唐朝乐队的陈磊加入作为SAGA品牌国内代言人，作为目前国内技术最好的重量级金属乐手与中国首席金属吉他大师，陈磊的努力与成绩都是近年来国内吉他手的典范，其高超精湛、炉火纯青的的技巧充分表现了品牌的优质品质，亦体现了品牌主要针对的消费人群及定位。后续还加盟了中国指弹大师张利,以及一些亚洲欧洲优秀乐手。于今，SAGA品牌已经化茧为蝶，一遂凌云之志，可以说，SAGA品牌产品畅销各地，受到广泛吉他爱好者的拥簇，是与其团队一贯坚持的不断创新、精益求精分不开的，对完美音乐的追求，对产品品质和品位的一丝不苟，铸就了SAGA品牌在吉他行业的传奇史。在追求卓越的道路上，SAGA将和大家一起分享更多音乐的乐趣，继续贡献给大家无限的可能，并以十足热情的投入，做让大家都交口称赞的吉他品牌！萨伽（SAGA）吉他官网中国：saga.sagaguitar.com/cn/
古典吉他拨弦奏法
并不是所有学习古典吉他的人，一下子就能够掌握拨弦的弹奏技巧。下面是小编给大家整理的古典吉他拨弦奏法，供大家参阅!
古典吉他拨弦奏法古典吉他曲谱上用符号p来代表右手拇指，i代表右手的食指，m代表中指，a代表无名指，ch代表小指。通常情况下小指是不用的，如图：
在右手拨弦之前，先讲留指甲弹琴的问题。从来没有弹过琴的初学者可暂时不用留指甲，先用手指的指端部位弹琴，等有了一些基础之后，再留指甲来弹。指甲的修整、保养是一项专门的学问，这里只能略微提一下。
每个人要根据自己手指的条件，拨弦的方式，对音色的追求等来选择所留指甲的形状和长短。i、m、a指的指甲通常是留0.5-3毫米之间的长度，所留指甲的形状，每个人也不同，有的人拇指的指甲留得会稍长一些。一般地说指甲短一些弹起琴来音量大、音色厚，但弹快速乐句时颗粒性差。指甲长一些清晰度可能好些，音色较亮，但容易偏薄。这些都不是绝对的。总之要靠自己长期摸索，在实践中积累经验，指甲的长度和形状才能基本定型。
在卡尔卡西的年代，他并不了解指甲弹琴的优点，所以他的教本里，没有专门用指甲拨弦的各种练习。索尔是用指头弹琴，他的好友阿瓜多是用指甲弹琴。这说明那个时候，指头派和指甲派是同时并存的。从泰雷加追求音色的变化开始，经过包括塞戈维亚在内的几代杰出演奏家悉心研究和探讨的结论是：最科学的拨弦方式既不是指头派，也不是指甲派，而是以指甲和指尖同时触弦后再拨弦的现代派。指肉触弦起到止音的作用，然后再用指甲拨弦。如果用在我国相当流行的《日本沟渊浩五郎教材》所说的指肉先触弦，然后再滑向指甲，用指甲拨弦。这必然产生指甲碰琴弦的杂音，也影响了拨弦速度和发音的敏感度。
为了使指尖、指甲能做到同时触弦，手指和琴弦的最含适角度不是90度，应是介乎45度一60度之间，手掌也不是和琴面平行，而是微微向左侧转。
将琴按要求放置在左腿上，右手前臂的中部轻落在琴上侧板的上方，手腕放松，手掌自然下垂，拇指放在第6弦上，与弦有30度左右的夹角，i、m、a三指放在第①②②弦上，和弦构成45一60之间的角度，这是拨弦前的准备状态。
详细剖析拨弦的全过程是分为三个阶段：触弦、绷弦和放弦。
(1)触弦阶段：先应当为右手手指、手掌、手臂选择一个合适的角度和位置，以保证右手i、m、a三指能以指甲、指肉同时触弦。这个角度的位置也要使p指和弦保持一定的夹角。通常i、m、a三指都是用指甲的左侧稍滑向指甲顶部来拨动琴弦。触弦前的手指只是运动，触弦后方可正式发力拨弦，也就是说手指开始运动用力非常轻柔，接触弦之后才二次发力绷弦。特别是在弹奏慢速旋律时这种两次发力的感觉更明显。发力过早，会有击弦杂音，且影响第二阶段的绷弦动作。只会一次性发力是我国吉他手普遍的错误。正确的发力部位当用手指第三关节来发力(即手指的根部)。p指应当用第二关节发力而不是要用手腕来帮助压弦。p指的拨弦动作则是从指甲的顶部滑向左侧来拨动琴弦，p指可用指肚和指甲同时触弦拨弦，音色透亮。也可单单用指肚接触琴弦采拨弦，音色浑厚。
(2)绷弦阶段：绷弦只是一个瞬间动作，虽然只有零点几秒的时间，然而这是一个非常关键的动作。许多吉他手和吉他教师，从来就不知道弹吉他时还要有一个瞬时的绷弦动作，他们只是将弦弹响了事。我们祖先创造的汉字表达能力是极其细致而微妙的，一个弹字，一个拨字就可以区别出发力的迟早。弹是先发力后接触物体。拨是接触物体后再发力。用弹弦的方法很难连接上绷弦的动作，而用拨弦的方法则能很顺利将弦绷住。
古典吉他的基本拨弦方法1 阿波阳多奏法(APOYANDO) 即靠弦奏法。使用该奏法使弹者(特别是初学者)容易找到拨弦正确的发力方向。并且在大力弹奏强音时免去担心碰响下一根弦(因为已靠到下一根弦上，下一根弦也不会发出声音)。该奏法可获得较浑厚的音色。因而多用于演奏旋律或强音。
2 阿鲁爱勒奏法(AL AIRE)即不靠弦奏法。该奏法可使手指动作减少，以增加演奏的速度，并且可获得较轻亮透明的音色。该奏法大都用于演奏快速乐句、分解和弦和论指。
无论靠弦还是不靠弦奏法，都可用手指的第三关节来做发力点。
也有人第三关节发力和第二关节发力两者兼用。以上所述靠弦和不靠弦奏法的音色效果和应用范围指在一般情况下，实际演奏起来可以千变万化。比如：靠弦和不靠弦奏法同样都可以通过变换指甲拨弦的角度和手指拨弦的位置来改变音色。靠弦也能奏出弱音和较快速的音符。不靠弦也能弹出有力的声音，这一切都需要长期的正确练习方能做到。
古典吉他怎么拨弦才正确
详细剖析拨弦的全过程是分为三个阶段：触弦、绷弦和放弦。
(1)触弦阶段：先应当为右手手指、手掌、手臂选择一个合适的角度和位置，以保证右手i、m、a三指能以指甲、指肉同时触弦。这个角度的位置也要使p指和弦保持一定的夹角。通常i、m、a三指都是用指甲的左侧稍滑向指甲顶部来拨动琴弦。触弦前的手指只是运动，触弦后方可正式发力拨弦，也就是说手指开始运动用力非常轻柔，接触弦之后才二次发力绷弦。特别是在弹奏慢速旋律时这种两次发力的感觉更明显。发力过早，会有击弦杂音，且影响第二阶段的绷弦动作。只会一次性发力是我国吉他手普遍的错误。正确的发力部位当用手指第三关节来发力(即手指的根部)。p指应当用第二关节发力而不是要用手腕来帮助压弦。p指的拨弦动作则是从指甲的顶部滑向左侧来拨动琴弦，p指可用指肚和指甲同时触弦拨弦，音色透亮。也可单单用指肚接触琴弦采拨弦，音色浑厚。
(2)绷弦阶段：绷弦只是一个瞬间动作，虽然只有零点几秒的时间，然而这是一个非常关键的动作。许多吉他手和吉他教师，从来就不知道弹吉他时还要有一个瞬时的绷弦动作，他们只是将弦弹响了事。我们祖先创造的汉字表达能力是极其细致而微妙的，一个弹字，一个拨字就可以区别出发力的迟早。弹是先发力后接触物体。拨是接触物体后再发力。用弹弦的方法很难连接上绷弦的动作，而用拨弦的方法则能很顺利将弦绷住。
吉他自学能学好吗
吉他自学能学好吗?世上无难事只怕有心人。下面是小编给大家整理的吉他自学的相关疑问解答，供大家参阅!
吉他自学能学好吗：什么是吉他拨片技术拨片的发明，使吉他的演奏技术发生了巨大的变革，并由此产生了很多新的技巧。交替拨弦是迄今为止应用最广泛的拨片技术，也是一种最标准的拨弦方式。交替拨 弦是指在弹奏中始终保持下拨和上拨交替的拨弦程序。当你把某一音符用交替方式快速重复弹奏时.便产生了震音效果，又叫拨片效果。而把拨片技术和指弹技术结 合起来使用，这就是混合拨弹技术。在混合拨弹技术中拨片是夹在食指和拇指之间的，一般是弹奏低音，右手剩下的手指弹奏旋律音符.或者弹奏和弦中的高 音。用这种方法弹奏出来的声音效果很像是用钢琴演奏的效果。
吉他自学能学好吗：什么是吉他连音技术连音来源于意大利语，一般被翻译成圆滑、连贯。作为一个技术名词它在吉他演奏中有这样的意思：用手指或拨片拨响一系列音符中的第一个音，然后左手使用击弦、勾弦和
滑音的技巧在指板上弹奏，形成音乐片段。连音技术在布鲁斯、摇滚吉他的演奏中是最常见到的。
吉他自学能学好吗： 什么是吉他泛音技术泛音是弦乐器演奏中常用的一种别具特色的奏法。古典吉他上的泛音，音响优美奇特，音色晶莹透亮，宛若清脆的钟声或铃声，在古典吉他乐曲中穿插运用具有独特的效果。也有人把泛音叫作钟声或钟音奏法。
泛音的原理是这样的，当琴弦振动时不仅全弦在振动发音，同时琴弦的不同比例的每一部分实际都在分别振动发音。全弦振动所发出的音我们听得最清楚，叫作基 音，我们能听出的音的高度，就是基音的音高。琴弦各部分(1/2、1/3、1/4、1/5)分别产生的高于基音的音叫作泛音。泛音的多少和强度很大程 度上决定了音色的不同，但是我们一般都无法觉察到它们的音高，甚至常意识不到它们的存在。泛音奏法就是使泛音单独发出声来并为音乐所用的方法。
吉他自学能学好吗：什么是吉他弱音技术弱音技术能给音符或和弦一个类似敲击的声音效果，用手指(左右手指都可)即可把弱音表现出来。左手把按弦手指放松(不要离弦)，或用其他手指轻轻搭在弦 上，然后拨响琴弦，你将听到一个沉闷的咔咔声，消音前只需把按弦的压力放松即可。右手的弱音技术，被称为手掌弱音，它在摇滚音乐和重金属音乐中用 得很普遍，特别是在加上效果器之后。
吉他自学能学好吗：什么是吉他颤音奏法颤音是在一个音符的音高上反复持续、稳定地上下波动。弹奏颤音的基本目的是增加声音的生动性，增强音符的感染力。颤音的持续时间和颤音的颤动频率是由歌曲的情绪来决定的。在吉他上最常用的颤音方法有两种：平行颤音和垂直颤音。
平行颤音：是木吉他演奏中常用的颤音方法。用左手按弦的手指在指板上沿着琴弦的长度方向快速地、小范围地反复摆动。摆动时注意你的手指不要跨过品柱，而且手指要始终把弦压在指板上。使用该方法产生的颤音音高波动幅度较小，适合表现细腻、平和的声音效果。
垂直颤音：是电吉他演奏中使用的标准颤音方法，但是在木吉他演奏中也会有运用。这种颤音方法是在指板上急促、交替、小幅度地把琴弦推起并下拉，使声音产生微小的升高后快速还原。使用垂直颤音方法可以获得波动幅度较大的颤音，适合表现粗犷、生动、激烈的声音效果。
吉他自学能学好吗：什么是吉他消音技术消音技术的目的是要止住正在振动的琴弦，使弹响的音消失。在一般情况下是通过单手来完成的，有时也需要双手同时消音，右手消音时常用手掌的小鱼际放在弦桥附近的琴弦上进行消音。左手消音时要将按弦手指的压力放松，使琴弦离开品柱，从而达到消音的目的。
吉他自学能学好吗： 什么是电吉他推弦技术这是电吉他演奏中最常用的技术之一，在木吉他上演奏时由于受琴弦张力的限制，推弦的使用不如颤音、滑音、连音那样频繁。推弦的原理是：先弹响一个音，接着 将这根弦推起(1、2、3弦向上推弦，4、5、6弦向下拉弦)，使音符的音高随着琴弦的张力变化而成比例升高。在木吉他演奏中1/4推弦、1/2推弦和整 推弦是最常见的集中推弦方式。同时也可结合单音推弦和双音推弦的方式进行，以满足不同音乐风格需求的不同表现效果。
到琴行找古典吉他老师会比较好吗
没有古典吉他基础的话，刚开始学习是不是到琴行曲找一个老师学习会比较好一点?下面是小编给大家整理的到琴行找古典吉他老师会比较好吗，供大家参阅!
到琴行找古典吉他老师会比较好吗找正规的培训中心，跟他说一下你的要求，然后让他安排老师，一般大的培训中心，一个老师不满意，可以帮你换老师的!不要相信买吉他包教会的那种，骗人的!
如何找一个靠谱的古典吉他老师1,先看老师的右手指甲是否精心修整(很多民谣琴行老师是不可能有的)
2，请老师现场弹一个轮指曲，阿尔罕布拉宫的回忆，拉利亚的祭奠等等。(个人认为轮指并不是检验老师水平的唯一标准。但也很重要。)
3，老师在弹奏的时候，观察他的动作尤其是左手是否柔软(自学的很多是不可能柔软的)，右手是否稳定。
4，看他是否看的是五线谱，看六线谱或者和弦谱的，扯淡!
5，可以问老师毕业于哪个学校。(其实并不重要，但是如果是科班会更好)
6，问老师一周一课学卡尔卡西op59到弹完op60大约需要多少时间。低于2年(业余80到100课左右)的，基本扯淡
7，请老师随意介绍几位古典吉他的贡献巨大的大家(如塔雷加，索尔，卡路里，阿瓜多，卡尔卡西，塞戈维亚，巴里奥斯等)，和现代比较喜欢的演奏家(国内的比如杨雪霏，王雅梦等，国外的比如布里姆，帕肯宁，卡洛斯等)。
8，最后一条，也是我老师和我说的，判断一个老师是否靠谱最简单的方法看看他学生的水平即可。
找一个靠谱的古典吉他老师的方法找老师可以看两点
一，老师是音乐学院毕业或在读，这类老师受的音乐教育之路漫长又正规，只要教学态度端正，做启蒙老师最好了，能让学生少走弯路，但是注意一点，伪装自己是音乐学院毕业的特别特别特别多!以前我在一个琴行兼职时说还有一个吉他老师也是我们学校毕业的，我一看，就，，你谁啊，，，所以，即使是在某个培训中心或琴行担任教师，你也一定要鉴别一下。
二，如果当地没有音乐学院，也会有好老师，这些老师虽然自己因为在年轻时他们那个年代没有机会进入音乐学院深造，但却是音乐学院里的学生各自家乡的启蒙老师，这些伟大的老师在教学之路不断钻研，上下求索，有的还培养了一些助教，无论手形，弹奏方法，音色，都非常规范，收费还不贵。
题主的关于找古典吉他老师这个问题，我觉得非常棒。不管什么乐器我觉得都要严谨，尤其小孩子，因为他有可能以后搞这个专业。
我接手的孩子，有一些在其他地方学了点，然后到我这来：
有的看六线谱(估计那个老师觉得省事儿或者自己也不识谱)
有的手形已经养成了不好的习惯，改不过来了(这种没学多久的要改只能靠打了，但我又不打学生。我为什么说改不过来，就算专业学生有的小时候落下的习惯，长大了自己也很无奈，手形不一样了就不会弹了，也只能带一辈子)
昨天教一个，跟我上第二堂课，之前在新加坡学的，考了古典吉他皇家五级还是六级，，结果横按老师没教过!不会!你说横按这个东西，你学了这么多年都没给学生个带横按的曲子弹弹?
有人喜欢自学，你说老师能帮你解决什么问题?最简单：同样一把六七千的琴，有的能弹出来500块钱的声，有的人能弹出德国琴的味道。为什么不同人弹出的声音不一样?老师教得不一样啊，一些老师教学生手指和琴弦呈90度勾弦弹琴，那个声音非常尖锐，就因为右手角度和发力不对，导致的音色不好，用多贵的琴都白搭。
吉他自学好吗
吉他可以自己自学吗?可以学得好吗?下面是小编给大家整理的吉他自学好吗，供大家参阅!
吉他自学好吗初学把你的姿势练到完美!持琴 手型 左手按弦 右手拨弦的 姿势都练习到标准! 还有节奏的严格遵守!
不要心急练歌曲!心态要正确不要急于表现，做人弹琴都一个道理!我觉得有些人的回答完全是误导!什么一个星期能弹歌曲 三个月都学会了!那都是不会弹琴的!
指尖的疼痛很难避免只有忍耐!
但如果是手臂的不舒服都是不正确的姿势造成的!
歌曲弹奏没问题后 可以练习 指弹 很有意思 很更难 对技术提高很快!
从我几年的经验我觉得自学吉他要注意以下几点:
1 好的琴的选择不要用一两百的所谓联系琴!!那是质量残次，构造和标准吉他手感都不同 为以后技术的提高有很大的阻碍!!也不要突发奇想在民谣吉他上安装尼龙琴弦，这样显得不伦不类!!建议最好选择标准民谣琴，最低档的三四百的!但是必要的!! 可以选择国产 星辰 牌DG200 主要以手感来挑选!!尺寸只要你抱着不难受都可以39 41都行
2 正确的姿势最重要 不要一开始就想去弹奏 先一定要学会标准的持琴姿势 与手指姿势 切勿心急 上来就弹!
3 一本好的教材!!传统新手教材 吉他自学三月通 很系统!
4 大量的视听学习 网络欣赏大师的视频!!多看别人怎么弹~~
5 坚持到底的精神!和循序渐进的态度!
因为吉他是一辈子的事~~是陪伴你的朋友而不是你炫耀的工具!
弹吉他手指头疼怎么办很多学习弹吉他的同学，谈得时间长了就感觉手指疼的受不了，新手弹吉他最容易出现的一个问题是手指痛，不管是左手还是右手，都会出现手指痛，于是乎很难坚持下去，特别是女生，本来手指的皮肤很嫩，这么一折腾，谁还受得了啊，但是手指痛还是可以尽量避免的，接下来说说手指痛的解决方法!
弹吉他手指疼痛是很正常的，首先你得正视它，不要因为疼就轻易放弃。当你练到一定程度时，它就不会疼了!
首先是选用尼龙弦的吉他，比如直接选用合适的古典吉他。钢丝的弦相对会更痛一点，因为是钢丝做的，有点硬、一二弦有点细!相对比尼龙弦比较柔和，一二弦也不会太细。手感还行，比较适合初学时候害怕手痛而用，或者作为过渡也行。
其次可以把吉他弦的音高调成比标准音略低一个全音。弦没有那么紧了，手指头按弦的力度也相应减少了，这样按下去就没有那么吃力费力，更省力了之后，手指也没那么痛了!
对于想要完全不痛是没有办法的，除非你不练，所以新手在学吉他入门时必须要经过一段时间的磨练，才能真正入门喔!
左手按弦会感到疼痛，但正确的方法能减轻疼痛感。首先，左手手指要垂直按弦，最接近手指甲的那个关节要突出来。第二，按弦不用太大力，不用往死里按，其实这要很少的力，只要音准就行了。在练的时候可以不断尝试，就能找到那个力度的了。另外，按弦尽量按靠近右手的地方。
PS：为什么高手们弹吉他手不会疼?因为他们的手指已经长成了一层老茧。作为新手，学吉他要循序渐进。比如笔者一开始一天弹20分钟，过两三天后就提升到半小时，半个月后就一个小时。这样，待你的手指长成老茧，你就不会觉得疼的了。
吉他入门的几大难点与攻克方法吉他这种乐器，可能是传统乐器中最好上手的乐器之一了。大多数人深有体会，初学吉他的时候，进步神速，几乎几天的时间就能弹唱丁香花了。这和网络游戏颇为类似，升级刚开始都是非常快的，越往后走越慢，甚至到了后来举步为艰，无法再进步了。其实，大体趋势就是如此。不过大家一定要注意细微的变化，就我个人来说，我每次练琴都能发现自己进步了，哪怕是一点点。我的学琴历程来看，学吉他主要是要攻克以下几个难点：
按顺序来，你会依次遇到的问题：
吉他入门的几大难点与攻克方法
1，大横按的熟练掌握
这对初学者来说，是要翻过的第一座山。大家刚开始接触大横按应该是F和弦，也有可能是Bm和弦。而学F和弦先要掌握小横按。这是必须的。小横按的掌握诀窍就是你自己调节左手的位置，当你有一天突然发现哇，这样按的感觉真好!那你就坚持保持那种按法，练习直到定型为止。下面，有些初学者会想，我会小横按了，还要学大横按干什么?那我来告诉你，小横按只能用于简单的分解和弦，而扫弦的时候就不适用了，因为你要扫到六根弦。而且大横按还要为以后的高把位和弦服务的。所以说，学吉他不会大横按，那你永远停留在小学水平。大横按的掌握没什么诀窍，就是一个字：练!首先，你要按好，要六根弦都能响，这需要你用很大的力气，所以每练5分钟就要休息一下，等你按好了，下一步就是和弦转换，没有任何投机取巧的方法，就是狂练。右手的分解方式可以多换几种，左手就用最常见的C，G调的和弦来回换。相信你持之以恒，一定能攻克这第一座山的。而且我个人认为大横按的姿势优美，特别是弹唱歌曲副歌部分时用到的高把位和弦，真是非常的有气势，一个字爽!
2，扫弦的熟练掌握
这个比大横按还要难好几个数量级，要扫得好，需要相当长的时间，甚至几年。这印证了一句话：吉他真正难在右手而不是左手。大家不要以为扫弦只要扫得还能听得过去就行，一定要严格要求自己，一定要扫得完美!这里我就不说怎样去练了，只是讲一下要达到的目标：扫弦一定要均匀，该突出低音的时候要突出低音，该突出高音的时候要突出高音，而不是一味的扫六根弦。扫弦的节奏型是非常多的，多尝试不同的节奏型。手扫和拨片扫都要掌握。用拨片的弹歌的时候要能分解中带扫，扫中带分解，(时扫时分)这样效果会好很多。
3，调的概念的掌握
说实在的，乐理有时候比技巧更重要，我见过很多弹吉他技巧很熟练，但乐理一窍不通的人，那其实就是乱弹琴。没什么好佩服的。很多人在初接触乐理的时候，对十二平均律，和弦的概念都能很好的理解，但一旦接触调的概念时，往往confused。其实这很正常，要完全理解调式调性的概念一定要看书!而且看书还不够。对初学者来说，我不建议用音阶练习法来完全理解调，等你以后学了华采，能背12个调的音阶分布图了以后在去练不迟，不过前四品的音阶还是可以练的。而刚开始可以从C调和G调的转换来认识调(我所提的都是自然调式)。所以你要记住C调和G调六个基本和弦代表的意义，就是指C调中C和弦代表1，而在G和弦代表4。我这里就不推导了，不懂的去查书。等你记住了，就把自己以前练过的一些简单歌曲以C调和G调来回换着弹。以后你多学一个调，就把前面的C，G在换成新学的调来弹。久而久之，你就能掌握了。
4，揉弦的掌握
这恐怕是最难掌握的技巧之一了。真的不要觉得它很简单。前面讲过了，会和完美是两码事。对自己一定要严格!!要揉得好，估计又是好几年的功底了。除了音色的要求以外，一定要注意肢体美，因为它太具表现力了。
揉弦的方法很多，有些人喜欢上下揉，有些人喜欢左右揉，我建议都要会，而且每个手指都要能揉。练习方法我不再说了。这里主要是让大家知道揉弦的重要性。现在每年，全世界都要评最佳揉弦奖呢。
5，找音的能力培养
找音的能力就是指你听到一段音乐，你马上能在吉他上弹出相应的简谱。这是扒带的关键。所以你练琴没事的时候，可以随便哼一些曲子，然后在吉他上弹出来。不过前提是你能熟练掌握12个调的音阶分布图，以及各种音型的指法。这个能力一定要培养。这对乐理及创作即兴都是有很大帮助的。平时当你没有吉他的时候，你也可以这样练耳，听到一段音乐，然后哼出它的简谱。久而久之，你就能掌握了，要对自己有信心!!!
百威电吉他音箱好吗怎么样
百威这个牌子的电吉他音箱效果好吗?用起来怎么样?下面是小编给大家整理的百威电吉他音箱好吗怎么样，供大家参阅!
百威电吉他音箱好吗怎么样百威的电吉他音箱好在哪里?美产的百威音箱到底是什么好?喇叭好还是质量好。还是失真好。我想把一个很早以前的百威零件取下来，不知道哪些该取。
的音箱不是元器件好就行了 人家靠自己的设计 音箱卖的无非是音色 而好的音色是通过对音箱反复的设计修改才得到的 不是说你把一个音箱上的配件换到另一个音箱上后者就会有提升的
如果你想从废音箱上拆件儿 也只能拆喇叭了 其他配件拆下来一般也用不到 除非你精通音箱制作从事一些经常和元器件打交道的工作
其实你可以找师傅看看你的音箱 没准没啥毛病 收拾一下正常工作还省的拆件儿了。
电吉他音箱与效果器的意义在这里，我想改变很多人对效果器还有音色的的认识.现在很多论坛的朋友还不知道实际上音箱和效果器的具体定义.在这里我为大家一一介绍.
我先为大家介绍现在在市面上常见的3种效果器.
1.合成效果器 2.单块效果器 3.音箱模拟 还有最近新出的音箱前级效果器,这个我们留到文章后头介绍
先说合成效果器吧.顾名思义.这个效果妻就是有很多种效果组合起来的一组效果器.这样的效果器比较经济.而且用起来方便,但是一直有人评论单块效果器的音色有点不太纯正,因为同一块电路板的缘故.其实这种说法是在以前合成效果器刚出来的时候.那时候数字的技术还不是很好,但是直到当代的合成效果器.这样的问题已经基本解决得比较完善了,但是相比之下还有是有区别的.合成最大的好处就是非常的方便，在现场接线方面没有单块那样复杂和烦琐,由于是合成,所以在连接方面音色只是连了一次,所以本身损失不会太大,国人用得最多的就是合成了.假如你有好的音色定义和调音色的经验,合成能出来不错的声音的.
到我们的单块效果器了,近年来用单块的人开始多了，也证明了一件事情,很多人注意到音箱的重要性了,无错,单块的设计大多数方面来说是配合音箱使用的,有一个好的音箱的时候，你就会发现单块是绝对不能少的东东.他能更单独的分明音色的调节.和你换音色间的选择.一会在讲解音色调节的时候我会给大家补充.
最后的就是近些年来流行的音箱模拟器了,这个效果器的代表牌子估计就是LINE6了.他模拟音色程度在92%以上.顾名思义他就是模拟各种名贵音箱的前后级的声音.买不起音箱的人这是个非常好的选择,还有好处就是,他非常方便，大家想想一个音箱多重.搬来搬去那是非常的麻烦.所以音箱模拟最近是很多人的选择,也有不少人选择LINE6去录音,也节省了很多的麻烦.在外国,很多大师都是LINE6在家练琴或是录个小样什么的，我个人也是非常LINE6的方便.不过还有很多人不了解这个效果器.所以总是觉得音色调不好,呵呵,这就证明你对音色还有完全的理解,一会我慢慢的和你们去聊这些,保持一颗轻松的心哦.....
首先我们从音色说起。现在还有很多人的观点是错误的.很多朋友总认为.我想我的吉他音色好,我就要买一个非常好的效果器.错了.所以国人现在很多都是好吉他,好效果器,然后很不好的音箱,这绝对是一个技术性上的错误.任何一种好的音色都是从音箱里出来的，包括好的失真音色,好的清音音色,这也就可以解答一些朋友,为什么我买了好的效果器了，买的琴也不错,为什么就是出不来我想要那种音色呢,差别就在这样的一些问题.不过也是可以理解的，看看现在市面上的音箱有牌子有名的，好的，也是绝对的不便宜.也就是对音色的不理解,所以有时候你真有钱买回来一个好的音箱了,你就会发现你根本无从下手.......
我们用得最多的就是合成效果器,其实一般来说，在外国,这样的效果器是供练习以及自己排练所用，因为他10分方便,在没有好的箱子的前提下,他能发挥一点作用，现在很多合成效果器自身也带音箱模拟功能好比GT8.所以我们用习惯了合成效果器,也就习惯了合成效果器出来的音色,合成效果器出来的音色相对来说,都是比较容易去调节,因为他本身出来的干音还有失真都是比较满的,好比失真.一出来就是比较饱满的程度了,然后我们在当中加入这这那那的元素.但是当你有一天你有钱了，买了一个好的音箱的时候,你就会觉得,以前合成的音色和这个完全是不一样的,表现的不一样,并不是我这里更加的饱满,错,你会发觉,箱子出来的音色和你合成的简直是两个样子一样，箱子在没有接任何周边前都是10分的干,而且失真度不像合成那样饱满,还有延音等各种方面,电子管的由为特出,为什么会是这样呢?
现在回过头来说说箱子,还是那句话，我不是器材狂人，我从来不会拿着某某宣传册去研究这个那个我更在乎自己应该去学习的东西,所以还是应该知道他的运作和构造,最重要的还是去试.各个牌子的音箱都有自己的特色,有一些是蓝调用的，有一些是清音用的，有的是金属音色特别好的.这个选购,都需要看你自己自身的需要,不过现在来说好的分体音箱都基本过9000以上.很多人也是望而退步.实在是贵.
还有很多人现在不明白什么叫后级和前级.其实你去看音箱.音箱本身是自带EQ和失真度还有扫频和混响的.当你明白这个道理的时候,你就会明白,假如你用一个合成效果器去接一个音箱是非常麻烦的问题,为什么?很多人问，我在家用我的效果器练习,怎么到了现场音色就完全不一样了?很大的原因就是在这里.为什么呢?很简单，调过合成音色的人都知道.我已经本来在自己的效果器上调节好了,失真度 混响 还有EQ 延迟等等,也就是说，从效果器出来的声音就是我自己已经调节好的音色了,但是当你把你输入再次插到音箱上,再从音箱出来的音色,完蛋了吧,因为音箱自己本身的EQ还有混响还有失真度把你已经调好的音色再调了一次,这就等于双重调音,这时候即使你在音箱上再怎么调,基本上是很难再出回你想要的音色了，这时候你很自然你又会去调你的效果器.导致了你在台上的混乱..........
一场好的演出调音的时间绝对是一天.说到这里有一些有经验的朋友就会自然说出后级这个名词了,对,越到这样的问题的时候用后级就是最佳的选择,后级的意义就是躲开音箱那些音色的调节然后从喇叭里出来,达到你本身的音色.这个就是最好的解决的办法，很多有经验的乐手,除了他自己带单块以外.他都会选择音箱的后级,在台上很少时间给你从新去调节音色的.但是这里又越到一些器材的问题的,一般的音箱是很少有后级的，好一点的音箱才带有后级.所以越到这样的时候你就要上帝保佑看你好运气不了,还有的就是,合成效果器的朋友的,不是所有合成效果器都有音箱模拟的,假如你的合成效果器没有音箱模拟的话,这个方法也是没有任何作用,那你就只能在台上来调你的合成效果和台上的音箱了.说到这里,大家应该明白单块的作用了,无错，有经验的乐手现场有不少是带单块的.因为单块是独立的效果,有时候发生这样的问题的话.在现场调节你的合成是一件非常麻烦的事情，但是单块就不一样了，因为他们是独立的,你可以先把音箱的音色调好,然后再把你单块的效果一个一个的加进去,单块的音色是固定的，你只需要把你想要的音色数值固定好,好比多少的失真,多少的延迟,多少的混响,还有一些效果,那么你只需去调节音箱上面的EQ就可以了，因为不同的箱子出来的音色也不一样,所以每次在台上只需调节好音箱上的特性就足够了.这里也提醒一下用单块的朋友，可以的话,在现场尽量用电池,这样可以防止电流声,除非你有一个好的效果器专用的电流稳流器,估计有这个的人基本是很少的，他的价钱也是相当的高.
所以当你有好的音箱的时候你就发现,有很多模式都需要改变，而且音箱本身迷人的是他的音色控制,你不用压缩的情况下,你就会发现，弹琴,右手的力度也是非常重要，你想要很甜美,的音色,力度是如何，要颗粒感的又要如何,这些都是很考你右手的工夫.看老JOE有时候弹琴本来小失真的时候突然失真度大了,而且有一种冲出来的感觉,这就是音箱的魅力所在,小力的时候弹,会是很甜美,用力一下,失真就出来了,利用这样的手段来控制自己的弹琴表情.这是有了音箱后很长时间你对音箱的了解,然后练习.才会有这样的控制能力的,再加上吉他本身的音量控制,可以制作出不少频段的音色.这些是用合成效果器永远体会不用的部分，所以很多人当真正给你一个好的分体音箱时,你就要看你有没有力量能去控制好了.当然,在国内,能买起好音箱的人还是较少数的.甚至在国外也一样.毕竟他非常不方便...
在这样的情况下,音箱模拟器产生了,顾名思义,他就能模拟出著名音箱的音色,一块小小的东西能模拟出20多种著名音箱的音色,而且使用方便.没有音箱的笨重,对于没有钱来买好音箱的朋友，这是最佳的选择.至于现在很多人买完LINE6后觉得音色不好,只是说某些程度上来说,大家并没有了解它和它应该如何调节,如何使用,这是非常重要的一环,过去我们一直使用合成效果器.所以用合成效果器的方法来调节他,那是非常错误的手段.只有你理解并学会调节,他能给你非常好的音色,可要知道，在POD2.0出来没有多久的时间,国内不少录音吉他手也是用他来录制专集的.这个大家打听就知道了.我会为大家详细的解释音箱模拟的作用.
大家了解了好的音色从音箱出来的后.但是又为了想买好的音箱买不起的时候,他就是你最佳的选择.很多朋友买完音箱模拟器后不会调节.当然，你不能拿调节合成效果器那样的方法来调节了.因为他调节音色的方法是和合成不一样的，合成一开始就是你要选择什么样的效果器,然后不同的效果器结合在一起,然后出来你需要的音色，音箱模拟不是的，开始的时候你需要先找你想要的音箱,也就是说开始的时候你要先找到你想要模拟的音箱的音色,一个音箱模拟的音色是比较多的，开始的时候你就要了解,这些音箱大概的标志着什么样的特点,然后你选择这些这个音箱的模拟,这里还可以公你选择不同的前级和不同的后级的选择，这样可以有更多你自己个性的音色出现.然后音箱模拟器里还有单块模拟,你就以这个音箱为主加入你喜欢的周边,某种程度上来说,音箱模拟比效果器更容易调节.你选择了他等于选择了好多好的音箱和好的单块,这何不是一件好事.从音箱模拟出来的音色就等于从一个已经加好周边调节好音色的音箱出来的音色了,现在的LINE6,还提供有MIC拾音功能.这样出来的音色就等于是从后级用MIC拾好音出来的音色一样.所以很多在家有工作室的地方都用LINE6来录音,这样可以免去很多环境的问题.而且爱现场就更加简单了，直接进调音台就足够了.可以不走任何音箱.这个估计很多朋友看到这里也能想到了,但是有的朋友喜欢进后级,那就记得,要先把音箱模拟的后级去掉,要不就等于用了两个后级了.
音箱模拟是一个非常实用非常方便的东东,很多用他的朋友说音色不好,其实只是没有真正的学会使用和调节它,我在这里说了一些音箱的基本原来知识,你们可以回去从新认识你们的LINE6.我在论坛发表的作品基本由LINE6录出来的,音色如何,大家也听过了.我还记得早段时间我帮我的一个朋友购买过一个.可惜不会调节,说他只会模拟什么都不行,当时候我听到这话也是微微一笑,看来能做出好的音色并去理解好的音色的人,真的不多.
不同的设备不同的用法,但是规律还是有的，每个人对音色的定义了解不一样,所以大家要多听.多用，多试.制作音色是一门经验.并不是你随便乱按就能达到的效果.
器材的方面和调节,估计大家认真看一下，就有不少的认识,以下的话题,就是一些音乐性上和看法上的问题了,我们就当简单的聊天来进行.有兴趣大家也可以说说自己的看法和想法.
给初学者的建议：吉他、音箱与效果器的意义解析所有关于器材方面的话题 大家都已经基本的了解了一些了,只要你明白了他们之间的运作道理，换一个牌子或是换更好的,更高深的器材,道理也是一样的.而且记得,有时候效果不一定是越加越多好,不少的效果器会吃掉一些音色的.
既然器材我们聊完了，也说完了，我们就聊聊我们弹琴的思想问题,还有一些想法问题.看这一章大家可以很轻松,就当聊天一样.前两章我说了很多了，这章大家也可以发出不同的想法个话题.
首先关于摇滚.现在可以看到论坛中很多在议论一些金属.死亡,还有别的各种各样的风格.但是我发现一些问题,这些人中很多都在攻击.这个攻击可以是明的也可以是暗的.我记得很久以前,在我还是小孩子的时候,我理解的音乐很简单，音乐为了什么,为了陶冶人们的心情,为了快乐.当我回想起现在,什么时候我们为了音乐而闹的现在那么累,而且还勾心斗角,某种程度,我们连小孩子的心胸都不如.
很多人会问,什么很多人也在答,什么是摇滚.摇滚是如何.现在也有很多人回答的答案是不一样的.假如你问我,摇滚是什么,我没有办法去问答你.为什么我这么说,个人觉得,摇滚是一种在心里的定义和精神,你用言语是无法去形容.究竟摇滚是什么,但是至少,我理解中的摇滚就和李延亮说过的一句话一样摇滚就是热爱生活.在过去的年代里.我们可以看回外国的一些要滚乐.对.有很多都是以攻击性出现的.但是当蓝调在世界上出现并开始强大的时候.很多人是用摇滚有拥抱的状态去拥抱每一个人,假如给你选择,你宁愿用摇滚去攻击还是用摇滚去拥抱别人呢?
我曾经遇到过这样的一个情况,有一天我一个朋友的弟弟想学吉他,后来他去一个琴行学习,他的妈妈带着他去了一个琴行里,一老师.外型是超级金属型.纹身,吸烟,嘴里我操声不断.次人的妈妈和这个聊了不到10句,拖着孩子就走了，并说下一句话,这辈子你别学吉他了,我不允许你学这样的乐器.我记得我朋友和我说完这个事后我感慨很大.在我们论坛里，很多人口口声声说,我们要发扬吉他,发扬摇滚.但是中国穿入吉他这样的乐器很久了,为什么我们的市场就没有钢琴还有提琴类这样的乐器那样,拥有一个优秀的环境，优秀的市场?.国家兴亡.匹夫有责.这些和我们任何一个弹琴的人都有关系.
其实.大家可以想想,很多父母在自己孩子小的时候带他们去学钢琴或是小提琴这样的乐器,他们为的不是为了要培养孩子学音乐,更多的是为了我的孩子学了钢琴或是小提琴,就好比自己的孩子名声高了一样,他们把这个乐器作为一种艺术的修养来看待.那么为什么没有父母去想想学学吉他什么的呢?假如就现在的摇滚现状来看，我有孩子,我都不一定放心他自己进这个圈子,我为什么说这话,在这个圈子里的人估计都明白为什么.假如换了你们呢?你们会怎么想?
现在很多人把学摇滚装成一种非常个性来看待,也有很多小孩子,认为我玩摇滚就是耍酷的手段.还有就是各种外型奇特,甚至看了令人发寒的造型,导致有不少人把我们当做流氓看待.摇滚不是长发,摇滚不是吸毒,要滚不是恶心...要如何达到令人们真正了解摇滚的含义.这是我们每一弹吉他人的意义.遗憾的是现在很多人,根本没有把摇滚看正.自己也不知道自己需要的是什么.
我们之间都一直犯着一些这样或是那样的不该犯的错误。很多人说要拯救中国摇滚。中国的摇滚该是如何来定义?我们跟外国人是不一样的，摇滚乐的诞生和他形成的范围。在外国和我们不一样。而且这里更关系这一个很重要的元素，就是作为一个乐手 无论你什么风格。你的素质决定你的一切。记得，我曾经去过一些琴行或是一些教学的地方看过一些学生和教师。很多人问何谓高手。对，高手的定义不是那么肤浅的。我记得有一个道理。有一亩田，里面种的都是小麦。假如你仔细去观察你会发现一个很有趣的现象。绝对可以拿这个现象来看回我们自己。在一些麦秆上。假如那棵麦秆上麦子很多的话，他会给麦子的重量压下来，所以你看到的时候他是玩着的，就是像底着头一样，而往往那些没有麦子的麦秆就别任何一个有麦子的麦秆要直得多了，总是那么笔直，就怕人们看不到他们一样。说到这里，这个现笙胍?泶锏氖裁矗?涂磁笥衙抢聿焕斫饬恕
可能有人就不满，那你说，什么是摇滚，我还是那句话，摇滚是一种精神，不是体现在外表上的一种行为，对，在现代风格多样的年代里，有时候任何东西都没有一个整体。 JOE是摇滚 VAI是摇滚。还有那些死亡 黑金都是摇滚。那么他们为什么之间相差那么大的风格和听起来那么的不一样?这也就使我们学习产声了很多分开路子可走。
好比JIMI一样。可能现在说起JIMI 很多人根本不知道他的伟大是为什么，但是也有不少人，认为JIMI太伟大了。也有一些人是根本不了解，但是看到外国的吉他明星都是受他影响，自己也跟着风说好，但是问起来，他自己什么都不懂。
记得以前，我还是刚学习吉他的小孩子的时候，我第一次听到JIMI的东西，我听了不到半分钟我就关了，并觉得，这什么东西，一点都不好听，那么干，失真也不重。根本没有办法可听啊。可是随着自己的学习和认识，后来发现JIMI真的太伟大了，没有他，现在吉他就不会发现成现在这样的局面。后来我回想起以前。假如在我刚学琴的时候有人给我一块过载效果器，我根本不会使用，也根本不会把他当作什么好东西而已一样。为什么?因为我不理解，就像论坛很多朋友一样，太多的不理解。造成我们之间的分歧。矛盾。
素质是一个很重要的问题，体现就在这里。现在很多人在论坛中的矛盾或是现实中都无非分为那么几点。那些在科班出身的乐手们有非常好的定理和理解，那些在非主流出身的乐手们觉得自己的精神思想10分好，那些技术性的吉他手们，觉得我自己的技术就是一切。之间就互相保持自己的优点，总觉得别人不足。其实，往往最聪明的人，把这些都吸收了。要记得，任何一种音乐和风格的存在就自然有他的道理和定义，也有他的好的不好的。没有什么东西是10全10美。最重要的是自己理解，并能接受运用有多少。
现在有时候我走在一些琴行的街道区，很多时候经常能看到一些刚学吉他的朋友，提着吉他，一付愤怒不已的样子。并觉得自己出众。就觉得10分的好笑。
关于这样的话题，很多很多。中心点非常的散。但是给出几句话，希望大家有一个明确的方向去发展真正的为了我们这行的发展去努力。做好自己的一切。
1.音乐体现于生活,源于生活,某种程度来说,艺术是一种奢侈的物品.生活永远走在音乐前面.写出好的作品.需要有一个良好的环境和生活范围.生活的顾不上，艺术只会更加的颓废.那种无病呻吟的风气大多由这样不好的环境造成.我们活在这个社会里,不是社会活在我们手里
2.乐手,说白了就是弹琴的,不要自命不凡,也不要因为我跟了某个高手学习我就不可一世界，要知道，高手的徒弟很多，真正有本事的是谦虚的人.
3.自己没有听过的音乐,不了解的音乐,不要轻言去说好和坏.这个世界上本来就没有好和坏.只是人类群居习惯的一种片面的看法.自己不喜欢的东西可以不听,但是去攻击就没有任何意义.假如你真的想让别人接受,那你就要努力做出成绩,而不是口嘴.
4不要急于求成,任何一个好的乐手都是需要一个很漫长的时间,综合很多很多的经验.握紧机会的最好办法就是充实自己.
5.保持一颗随和的心.不要做极端无比的事情.要知道很多东西也许我们没有到一定的阶段我们没有办法去理解和欣赏的定义.这个世界没有绝对.只有不断的学习.了解，才能真正给自己带来更多更多的好处
6.不要浮躁.那会令你失去很多,无论是表面的还是内心的.也千万不要未成蛋前装蛋.
7.一山还有一山高.这个世界没有霸王,有也只是一个时代或是某一个领域里的代名词
8.虚心吸收别人任何的意见,这里有许有不适合你自己的.但是要保持经常思考的态度来看自己.
9.看问题要全面.这个作为乐手很重要,好比你在乐队,表现的不是你自己,而是整体.
10.拥有一个健康的胃和清醒的头脑.这比什么都重要.
希望论坛里的朋友.我们真正的在这里认真的交流吧.这个技术区的论坛就是这样的.不要再让那些无谓的事情去把论坛风气弄得变了买琴场所一样.多学习.希望大家一起的进步.能真正在论坛上学习更多的知识而努力.不要勾心斗角,这只会让我们学得更少.努力建设,为了我们所喜欢的东西.这是最重要的
歌唱发音法怎样才算“正确”
有人说：“只要歌唱者能用好的嗓音唱好他的曲子，他的发音方法就算是正确的”。这样来下“正确”的定义是不够全面的，会引起许多争论。不同流派的歌唱，对嗓音的要求往往不同，比方说：中国的“说唱”与西欧四到六世纪的“诵吟”，都不特别要求歌唱的人能唱得很高或是很低，只要求他能把字咬清楚，能灵活地运用其自然的嗓音来歌唱；十六世纪后的意大利派歌唱，则不但要歌唱的人有很广的音域与很有伸缩性的音量，还要他们能用霎时间表演高度的音乐技巧；对那些唱歌剧的，还要他们有很强的歌唱能力，能够断断续续的唱数小时不累。要求既不同，嗓音发展的情况自然也不同，要说哪个方法正确哪个方法不正确，没有一个大家公认为合理的标准是很困难的。方法正确与否，应当以能全面适应声乐艺术要求为标准，并根据科学分析来判断，才是最合理的。以科学的眼光看，歌唱的发音是一种由自然机能发展的富有技术性的能力。技术的高低程度如何，能力的大小发展到了什么地步，在科学上都有一定的方法可以衡量的。
歌唱的发音是为声乐艺术服务的，声乐艺术则是为社会文化建设服务的；所以一种歌唱发音方法必定要能昼发展歌唱的能力，能全面为文化建设服务，才能算完全正确。考虑到这点，我们认为正确的歌唱发音方法必须具备下列的几个条件：
第一个条件：必须能给歌唱家有达到声乐艺术要求的发音能力。我们知道声乐艺术对嗓音有下列的许多要求。
在音质方面：要求每个音纯净，少杂音，不论脆亮或圆润，皆能美妙动人而富有情感；音与音之间的走动，要均匀平稳，前后一致，高低同型，不论由低转高或是由高转低，音色能顺着规律自然变化；遇到歌唱中有感情的变化，音色亦能随之变化。
在音量方面：要求声音能大能小，伸缩自如。
在音域方面：要求声音能高到一定的程度，又能低到一定的程度；特别是音域中能唱得响、能用于歌唱的一段，要按声部的要求尽量地发展。人的发音器官，虽然发育的情形各有差异，但只要不超出正常的范围，应用正确的方法训练，循序渐进，一般都有可能发展到能发二个半至三个八度的音的能力。
音域发展到这个程度，能随心所欲的应用于歌唱的音，大约有两个八度。歌唱家如果想获得很强的艺术表现力，最好发展他的发音能力达到这个标准。
第二个条件：必须能普遍给任何流派的歌唱家提高歌唱发音能力。我们知道人的发音器官是各有差异的，各流派的歌唱对嗓音的要求，亦各有不同。一种发音方法必须在物质的基础上符合于人类嗓音发展的规律，才能普遍有效地提高歌唱能力，亦只有这样，才能够全面为声乐艺术服务。
第三个条件：不但要有效地发展歌唱家的发音能力，还要保证他们在发展中不出毛病。我们知道，任何方法，只要有它一点顺着嗓音发展的规律，对嗓音的发展就能起一点的作用。可是，一种方法要在发展嗓音中不影响到发音器的健康，就不但须要顺首嗓音发展的规律，而且要绝对遵守机能平衡发展的规律。一种方法要不危害到发音器的健康才能很好地为文化建设服务，也只有这样，才能算是真正“正确”的。