门罗受黑人音乐的影响，尝试演奏受爵士乐影响的曼陀林风格，实际上他是有史以来弹得最快和最好的曼陀林演奏者之一。其他人如弗兰克.韦克.菲尔德（FrandWakeField）和约翰.达菲（JohnDuffey）受爵士乐的影响更大。门罗的音乐在1950年左右被开始叫做蓝草，但被认为是一种过时的、只代表少数人兴趣的风格。1959年，斯克鲁格斯以个人身份参加了第一届纽波特民歌音乐节（NewportFolkFesival），次年莱斯特.弗拉特（LesterFlatt）和厄尔.斯克鲁格斯与门罗参加了此音乐节。在60年代中期，随着乡村音乐的流行，出现了越来越多的民歌音乐节。“迪拉兹”（TheDillards）从密苏里来到洛杉矶，继续发展蓝草音乐，其他的西海岸乐队吸引了70年代的摇滚听众。电影《解救》（Deliverance）将镜头对准了蓝草音乐，并产生了热门单曲《决斗的班卓》（DuelingBanjos，1973年美国单曲榜第2名），由多面手埃里克.韦斯伯格（EricWeissberg）演奏班卓琴，史蒂夫.曼德尔（SteveMandel）演奏吉他。
现代的“新草”（newgrass）风格吸引了大量的年轻的听众（有人把他们戏称为好草），例如，新草复兴乐队，核心人物萨姆.布什（SamBush，演奏小提琴/吉他/曼陀林）、柯蒂斯.伯奇（CutisBuch，吉他手）、考特尼.约翰逊（CourtneyJohnson，演奏班卓琴）、埃博.沃克（EboWalker，贝司手），他们除沃克外都是歌手。起专辑包括：《如此获利》（SoNet）、《飞鱼》（FlyingFish）、天堂》（Paradise）和《隆起的滑道》（RidgeRunner）。达菲在16年来一直不时地在舞台上出现，专辑包括：《反叛》（Rebel）、《糖山》（SugarHill），他们还在白宫进行过3次演出。里克.斯卡格斯（RickSkaggs）创作了受蓝草影响的乡村热门歌曲。
延伸阅读
如何练就自己的solo风格？
作为一个才吉他入门的小白，想必你应该爬了很多的格子，练就了很多的音阶指型，学会了很多经典的曲子，但再这样弹下去，一定会有点茫然，到底还该练些什么？吉他还有什么好玩的？那么不妨玩玩solo吧，也可以作为日后即兴演奏的一个起头。
一般Solo进行大概的分成以下几个方向：
一、动机：“动机”你就把它当成是一个Solo的起头，这个起头可以是一个音，也可以是一串音。创造动机有一个很快速的方法，就是找出和弦内的音来当作起头，以C和弦来说，可以用和弦内音中的1、3、5来当作起头，顺着节奏的律动，发展出一个简单的Pattern(乐句)，这就是一个动机。“顺着节奏的律动”可能有点抽象，说的白话一点，就是把节奏的切分点分析出来，跟着切分点作音符的长短变化，这样的开头就有点感觉了。
二、级进：有了一个动机之后，找出动机的音作为起音，按照其音阶的进行，可以是上行(12345)，也可以是下行(54321)，发展出一个连续的音阶，就是一种“级进”的做法。这是最最好用的一个方法，就是要把音阶练的滚瓜烂熟，你仔细看很多的摇滚乐手，在Solo时，经常动不动就加上一连串的音阶速弹，如果手不灵活，那是决不可能达到这样的演奏，当两个动机要互相连接时，最常用的就是这种级进的方式，或是当你没有任何弹奏想法时，使用级进是很好用的一个方法。
三、跳进：当Solo进行时，作三度以上的跳跃称为跳进(135或351)。跳进可以让听者有不一样的感受，也是很好用的一种方式。弹奏分解和弦(Arppegio)是最常见的跳进做法，其实可以在小节内一直演奏这个和弦的组成音，这是最不会跑调离题，也最和谐好听的一种方式，虽然说的容易，但要熟悉各和弦在各个把位上的分散和弦，可要花点时间才能熟悉，这种练习确也是即兴演奏很重要的课程之一，在本书的“练功房”就有非常多的分解和弦练习。
四、反复：连续出现相同音(5444433332222121)，也是发展Solo的一种做法。利用连续的捶勾弦技巧(343434343434…)或是点弦技巧(3613613613613613)，很多的蓝调乐手都喜欢使用这种方式的弹奏，虽然连续反复的音听起来是枯燥的，但藉由弹奏的轻重控制，还是可以达到激昂的效果。
五、模进：模仿前面一个Solo的进行方向及节拍，造成新的旋律(1231，2342或是6546，3213)。使用模进是一种很“炫”的做法，也是很多速弹的乐手都是经常使用的招数之一。刚开始你可以先练习四连音的模进组合，慢慢再扩大成五连音、六连音的方式，或是不同的模进组合，如是还记得怕海贝尔的世界名曲“卡农”(请参考本书第55章)？正是从头到尾一直使用“模进”的作曲方式。
六、表情：如果旋律没有强弱、快慢，那听者一定会是没有感觉的，所以在发展动机的同时，适时地加上吉他特有的捶音、勾音、滑音、推音、泛音、击板等技巧，就可以比较容易带动听者的情绪，也会让你的Solo增添一些颜色，引发一些想象的空间。
七、起承转合：一个完美的Solo，就像是一曲交响乐章，也像是一幅画作，或是跟您写一篇作文都是一样的，有时柔美、有时激昂、有时平静，必须要赋予他想象的空间，所以弹奏时必须特别注意到Solo的“起承转合”这一点，话哪怕是只有在8个小节的乐句，你都要有这样的想法，这个Solo才会是完美的。
以上几点方法都是必须经常作的练习，如果你平常只有一个人，那你可以去找一些自动伴奏的机器，或是计算机软件，把一些好玩有趣的和弦输入，让他形成一个新的Style，然后反复的作练习，发展出你自己的SoloStyle，这样练吉他相对好玩多了。当然，有些时候音乐只是一种感觉，有些人是不需要讲究这些，但是久了你就会发觉，有些人可以弹Solo，但怎么听就是不好听，不耐听，原因我想就在这里了，这也是本教材与他类教材最不一样的地方。以上的几点个人心得，值得大家参考参考。
白羽民谣歌曲介绍
白羽所演唱的民谣歌曲青海湖，用民谣吉他弹唱起来既有绿草的芳香，也有湖的清香。下面是小编给大家整理的白羽民谣歌曲，供大家参阅!
白羽民谣歌曲青海湖吉他谱民谣歌手白羽介绍白羽，原摇滚乐队小民是个机器人主唱。2006年发表《小民是个机器人》同名专辑，并完成了全国巡演。作为一个行吟诗人和快乐的思考者，他关注生活关注社会。从音乐里表现出新的道德，伦理和世界观。2008年起，白羽开始了个人民谣的创作，试图构筑一个迷离虚幻而清澈深远的内心世界。
白羽民谣歌曲青海湖歌词走过倒淌河 也往那日月山
站在茫茫的油菜田上 还有牦牛和羊群
风儿带着我远走 飘向天边一片蓝
那是湛蓝透彻高原上的一滴泪
骑着马的卓玛 像自由飞翔的鸟儿
千丝万缕的经过 轻轻拂过湖面
在这迷人景色里 时光也停止了
春暖花开 岁月无情
在这迷人青海湖
唻唻唻唻唻唻唻唻唻唻唻
唻唻唻唻......
这就是我梦中曾到过的地方
唻唻唻唻唻唻唻唻唻唻唻
唻唻唻唻......
让我带着远方的你看云起日落
骑着马的卓玛 像自由飞翔的鸟儿
千丝万缕的经过 轻轻拂过湖面
在这迷人景色里 时光也停止了
春暖花开 岁月无情
在这迷人青海湖
唻唻唻唻唻唻唻唻唻唻唻
唻唻唻唻......
这就是我梦中曾到过的地方
唻唻唻唻唻唻唻唻唻唻唻
唻唻唻唻......
让我带着远方的你看云起日落
唻唻唻唻唻唻唻唻唻唻唻
唻唻唻唻......
唻唻唻唻唻唻唻唻唻唻唻
唻唻唻唻唻唻唻唻唻唻唻唻唻唻唻
唻唻唻唻唻唻唻唻唻
让我带着远方的你看云起日落
练就自己的solo弹奏风格！
相信练过一段时间的吉他之后，想必你应该爬了很多的格子，练就了很多的音阶指型，学会了很多经典的曲子，但是再这样弹下去，我想你一定会有点茫然，到底还该练些什么？吉他还有什么好玩的？还有什么是我不会的？在这个单元中，我想跟大家来谈谈，如何发展属于你自己的SoloStyle，也可以说是作为日后即兴演奏的一个起头。
我把一般的Solo进行大概的分成几个方向来说：一、动机：“动机”你就把它当成是一个Solo的起头，这个起头可以是一个音，也可以是一串音。创造动机有一个很快速的方法，就是找出和弦内的音来当作起头，以C和弦来说，可以用和弦内音中的1、3、5来当作起头，顺着节奏的律动，发展出一个简单的Pattern(乐句)，这就是一个动机。“顺着节奏的律动”可能有点抽象，说的白话一点，就是把节奏的切分点分析出来，跟着切分点作音符的长短变化，这样的开头就有点感觉了。
二、级进：有了一个动机之后，找出动机的音作为起音，按照其音阶的进行，可以是上行（12345），也可以是下行（54321），发展出一个连续的音阶，就是一种“级进”的做法。这是最最好用的一个方法，就是要把音阶练的滚瓜烂熟，你仔细看很多的摇滚乐手，在Solo时，经常动不动就加上一连串的音阶速弹，如果手不灵活，那是决不可能达到这样的演奏，当两个动机要互相连接时，最常用的就是这种级进的方式，或是当你没有任何弹奏想法时，使用级进是很好用的一个方法。
三、跳进：当Solo进行时，作三度以上的跳跃称为跳进（135或351）。跳进可以让听者有不一样的感受，也是很好用的一种方式。弹奏分解和弦(Arppegio)是最常见的跳进做法，其实可以在小节内一直演奏这个和弦的组成音，这是最不会跑调离题，也最和谐好听的一种方式，虽然说的容易，但要熟悉各和弦在各个把位上的分散和弦，可要花点时间才能熟悉，这种练习确也是即兴演奏很重要的课程之一，在本书的“练功房”就有非常多的分解和弦练习。
四、反复：连续出现相同音（5444433332222121），也是发展Solo的一种做法。利用连续的捶勾弦技巧(343434343434…)或是点弦技巧(3613613613613613)，很多的蓝调乐手都喜欢使用这种方式的弹奏，虽然连续反复的音听起来是枯燥的，但藉由弹奏的轻重控制，还是可以达到激昂的效果。
五、模进：模仿前面一个Solo的进行方向及节拍，造成新的旋律（1231，2342或是6546，3213）。使用模进是一种很“炫”的做法，也是很多速弹的乐手都是经常使用的招数之一。刚开始你可以先练习四连音的模进组合，慢慢再扩大成五连音、六连音的方式，或是不同的模进组合，如是还记得怕海贝尔的世界名曲“卡农”(请参考本书第55章)？正是从头到尾一直使用“模进”的作曲方式。
六、表情：如果旋律没有强弱、快慢，那听者一定会是没有感觉的，所以在发展动机的同时，适时地加上吉他特有的捶音、勾音、滑音、推音、泛音、击板…….等技巧，就可以比较容易带动听者的情绪，也会让你的Solo增添一些颜色，引发一些想象的空间。
七、起承转合：一个完美的Solo，就像是一曲交响乐章，也像是一幅画作，或是跟您写一篇作文都是一样的，有时柔美、有时激昂、有时平静，必须要赋予他想象的空间，所以弹奏时必须特别注意到Solo的“起承转合”这一点，话哪怕是只有在8个小节的乐句，你都要有这样的想法，这个Solo才会是完美的。
以上几点方法都是必须经常作的练习，如果你平常只有一个人，那你可以去找一些自动伴奏的机器，或是计算机软件，把一些好玩有趣的和弦输入，让他形成一个新的Style，然后反复的作练习，发展出你自己的SoloStyle，这样练吉他相对好玩多了。当然，有些时候音乐只是一种感觉，有些人是不需要讲究这些，但是久了你就会发觉，有些人可以弹Solo，但怎么听就是不好听，不耐听，原因我想就在这里了，这也是本教材与他类教材最不一样的地方。以上的几点个人心得，值得大家参考参考。
吉他如何驾御各种音乐风格
不知不觉中也弹了五年的电琴了.在这里谈谈自己对电吉他这种乐器的认识.我常看到一些人说自己又翻弹哪位大师的曲子原版了,谁谁谁的sweeping好快了，谁的速度200几了,那么恭喜你,你已经对电吉他这种乐器感兴趣了,对这种乐器的一部分属性有了认识.但这些却不是电吉他的全部
那我问你几个问题
1.你会弹伴奏吗?请不要笑.电吉他其实是现代科技发展的产物.那么它做出来的音乐其实就是现代音乐.现代音乐充斥着电子方面的东西.而且现代音乐的节奏多样化,和声学,以及音色其实都具有了新时代的意义.他更国际化.
所以这就要求吉他手不段接受新的东西,比如新的节奏.你能否为一首歌很快找出一些很合适的节奏,让人耳目一新,这可是直接决定了你能否弹好金属这种风格.特别是现在的新金属风格,节奏的应用比以前更多样化.如果你不会弹节奏,就算你solo弹得再好也白搭.你掌握了funk的节奏吗,你能把他应用在流行,punk,金属的歌曲上吗.这是节奏,可能会考到很多人吧,我也一直在修炼节奏中.
还有和声的应用,你懂7和弦,9和弦的用法吗,你能为爵士这种风格的歌曲伴奏吗?如果还不能,那你得补补这方面了,不要成天编个歌就用几个三和弦.这样的歌就象老鼠爱大米.(我见过一个牛人可以弹出几个版本的老鼠爱大米,应用了不同的和声和节奏.而且都很好听.牛吧?)
大师的曲子为什么好听,除了听他的主奏外,伴奏上也豪不含糊.听听johnpetrucci的曲子,vai等大师的曲子,你就会发现伴奏和主奏同样重要!
2.你创作力好吗?弹了两年的吉他我就开始创作了,其实应该是从刚弹吉他就开始创作.电吉他这种乐器不象古典吉他.电吉他的音乐生命在于创作.那些翻弹曲子的人就算弹得再原版,充其量就是展现了自己的基本功过硬,练琴练得多.比如网上的台湾吉他手jerryc弹的卡农.可以看出他的弹吉他技术不错,但他是不是个优秀的吉他手就不得而知了,也许是,但网上那段视频绝对反映不出来.
3.你对音色的把握好吗?你知道哪种音色适合那种弹奏方式吗,我告诉你没有绝对意义上的坏音色,只有不会把握音色的吉他手.
4.你的solo人性化吗.先说说速度,速度没有一个定量的标准.你速度能弹200,那么这200的速度是建立在你弹奏什么的基础上的?半音阶?跨弦?笆音?就算你速度很快了,但你在一首歌中知道什么时候该快,什么时候该慢吗.不要一快起来就是些老透了的套路.弹solo更讲究的是呼吸.良好的应用节奏弹出的东西,比200多的东西更能打动人心.其实速度是一个基本功,就象揉弦,推弦.当你翻弹别人的东西时,慢慢的一个一个音稳,慢慢的手指的能力提高了，不毕太在意自己速度弹到多少,其实慢慢的自己的速度就上去了(说基本功上去了更合适)我直到现在都不知道自己速度是多少,但却知道自己的水平是个什么样子.有些人速度弹到了200多可能还是不知道自己的水平处在一个什么样的位置吧.
5.终于你有自己的作品,要录音了.可是你知道录音的调音吗技巧吗?你知道一首歌各个声部怎样编配才不打架吗.你能保持你录音时的节奏准确性吗(录过音的吉他手可能都知道录音时和排练时感觉绝对不一样.)你知道怎样去加效果吗,几千块的效果器可不是就让你调个失真和干琴音色玩玩.还有有些solo和节奏需要再加上一轨吗,怎样加?还有...不要什么都靠录音师,只有你自己才最知道你想要的效果!
总的来说,吉他水平的高低其实就是对各种音乐风格的驾御能力!!说了怎么多自己对吉他和现代音乐的理解,希望大家一起讨论!不足的地方希望大家补充
拉丁风格的乡村音乐如何演奏
和很多扎根很深的音乐一样，乡村音乐其实并没有你想象的那么纯正。你拉丁对乡村音乐的影响可以追溯到19世纪，那时西班牙的乡村乐手带着他们的西班牙吉他到Hawaii。在Hawaii吉他演奏发展之后（现在RyCooder和DavidLindley等依然使得Hawaii吉他在主流音乐中保持活力），它开始混合更多的传统的乡村音乐元素。从MartyRobbins时代1959年的ElPaso，到70年代FreddyFender的西班牙乡村曲，到墨西哥流派的无数的现代唱片，拉丁音乐其实已经影响乡村音乐很长一段时间了.
这个月的关于拉丁风味的曲子在古典的西班牙吉他上弹奏效果会非常好，但是由于有很多高把位的弹奏，我还是选择我的电吉他，这样可以让我弹起来更像ChetAtkins而不是象WillieNelson那样。第1小节实际上ChetAtkins赖以成名的是连音奏法，可能还会让你想起AlberLee，特别当是你考虑在滑弦时的双休止时。当你上行并且换弦的时候，特别要注意发音的清晰.
第2小节在前面听到3度音的基础上的补充了6度音。但是在3小节中，3度音出现的更多，并且那里有双音弹奏，我希望你能认识这一点。另外，当你弹奏第3小节前面部分的时值为4分音符的三连音时，尽量和你开始时一样保持激情。在第3小节的后半部分听起来要稍微平直一点。请注意那个断音，意思是短促并且是分开的，这种技术可以产生墨西哥钢管乐的效果。注意到第6小节结束，3度音是怎样使用的。3度音的介入，特别是当弹出和调外音时，听起来真的很有墨西哥风味。不要担心你在公众面前弹奏这些东西，他们并非是陈旧过时的东西
拉丁音调在理论上说，除去个别的半音，以E大调音阶为例，B7和弦内音，加上E的属和弦就构成了B混合里第亚调式。在第7小节我们可以听到B混合里第亚调式（C音是一个过渡音，用来连接B音，正好这个B音是E和弦的5度音。3度音则是在第8小节。请记住，大3度音永远都对调性起到进一步的强调作用。这是一个醒目的标记，你自己体会。第9小节从6弦7品的B音开始弹奏一段音阶，直到B的高八度音为止。你的学习理论也许会知道B－B的音阶在E大调中叫做B混合里第亚调式。
不管这是什么，你必须认识到伴奏对于你的感受有非常大的影响。这里是简单的E大调音阶，以主音（I）和弦作为伴奏，从5度音开始弹。你感觉到了吗？不管怎么说，在B音后弹奏的是C＃，这个音比我预期的高8度音。这个就是8度替换，这种变化给这个乐句增加了一些让人奇怪的东西。当然，还有更让人感兴趣的东西，那就是相邻音的紧挨在一起。C＃音降一个全音就是B，这个音紧跟着和它相差一个半音的Bb。围绕一个目标音弹奏是Belgian爵士吉他手DjangoReinhardt常常使用的方法。但是我必须强调，它更有西班牙风味.
第10小节还是要保持原来的顺滑的动作，看上去都很活泼，对吗？这种流畅的弹奏我们称为连音奏法，这个和我们说的断音正好相反。想想看爱和恨，和平和战争这类的东西你就明白了。把这两个相反的技术混合着用在你的吉他上，你能感受到所有的情感.
第10小节我们看到一个ChetAtkins型的空弦弹法。在研究第11小节前，我们先看看前面已经熟悉的6度音。也许你注意到了，和前面我所教的有6度音的课程相比，这里我选择了在相邻的弦上弹（6度音，在大部分的吉他段子中，都是在间隔的弦上弹的，如第1弦和第3弦，第2弦和第4弦）。你会发现在12小节也是采用了间隔弹奏的方法.
第13小节是blatant吉他露一手的时候了，如果你是技术一般的吉他手，琶音也会使你在普通的听众面前象一个音乐演奏名家。我是认真的.
第14小节用一些b5音来和听者开玩笑。我们都知道，5度音是两个和弦之间最好的解决，但是，b5却是加强了矛盾。当你知道我们不弹B7而是要弹B混合里第亚调＃4音的时候，你也许会觉得很有趣。在17小节，我本能的回到了随意的solo中来。这样和和弦伴奏更加接近，当然除了在23小节部分的那些Chet型的弹奏外.
最后，我想你也许喜欢我用来记录原声节奏吉他节奏型的草稿。我把它们放在了例2和例3里面。要随意的，但是稳定的弹.
电吉他乐队风格之死亡金属的演奏弹唱技巧
电吉他乐队风格之死亡金属的演奏技巧
节奏部分1.切分：突出潜在节奏感的初衷，最终让金属乐乐队选择了切分的方法——颠倒强、弱拍的原有顺序，顾名思义，强拍通常较弱而弱拍较强。虽然吉他是制造这种效果的首选乐器，但各种旋律的相互重叠和覆盖是得到这种效果的最有效方法，所以死亡金属一般还注意了突出双低音、黑金属则突出嘈杂、爆炸般效果的鼓来完成这一效果。切分的主要作用是激活潜在的节奏来驾驭整个作品，所以也经常可以听到死亡金属中采用双低音鼓和高音感十足的镲（炸镲）来为主要的构造层次切分.
2.复合节奏：通过复杂的演奏达到增强音乐的层次感一直是各种摇滚乐队的努力方向。改变直线型的结构最简单有效的方法就是将不同的节奏分割成较小的片段，并且让它们在一个较长的时间段里互相作用、互为补充。比如较常见的以吉他做为主要节奏乐器的同时加入贝司和鼓的背景节奏。尽管死亡金属总是给人一种杂乱无章的感觉，但无论速度、音色、强烈失真的效果都没有削弱复合节奏感。复合节奏不仅使音乐更加丰满而且可以有效地表现出较深层的音乐美感，这也正是死亡金属引人入胜的地方。如果再拥有不错的编曲和错落有致的重复旋律就一定会制造出不错的音乐氛围.
3.打击乐：死亡金属的打击乐自然都是非常极端，比如飞快的速度、低沉的音质和风驰电掣般的镲。打击乐在死亡金属中占有举足轻重的位置，在很大程度上“死亡感”应归功与它.
4.织体：多层次的节奏组成了主要的织体。例如，一个和弦在飞快的演奏中本身就具有它独立的层次和节奏，当它作为主导和弦的同时，它必然会带动其他乐手的变化。这样就形成了一个个性十足又相得益彰的整体结构。但最主要的音符不过两、三个，它们只不过是以不同的面孔反复出现在作品中。
旋律部分1.谐和音：正规的旋律一般为较传统的死亡金属乐队所采用，这是由于受到了爵士乐和早期摇滚乐的影响。所以这种死亡金属比较有亲和力和主流倾向，自然也较容易为听众接受。比较有代表性的乐队如Atheist(无神论者)和AttheGate(大门处)。
2.不谐和音：当然是指那些采用不谐和的音符创造出的旋律。这肯定会产生一种邪恶、悲哀的感觉，而这却是死亡金属乐队争相效仿的创造方法，坦率地说这种音乐才够死亡。
3.无调性：没有调性、没有根音的音乐只能是古怪的和扭曲的，再加上不谐和音的大量融入，难免给人一种找不找北的感觉，死亡金属最令人头疼、最经典的地方正是在此。
结构部分1.循环：指的是verse-chorus-verse(主歌-副歌-主歌)这样传统的行进方式，做为标准的歌曲组成方式，它同样为大部分的死亡金属乐队采用，但无调性削弱了这种标准的行进方式，所以经常会让人对此产生怀疑。
2.叙事体：大量的Riff形成一个承上启下的有序结构，在这种情况下单一的部分往往被忽略，这样这个有序结构就起到了像“讲故事”一样层层递进的效果。也有人将此称做“Riff沙拉”。
演唱部分1.歌唱：这里的歌唱指的是较“正常”的演唱方式。不过这种演唱方法在死亡金属中的确很罕见，优美的嗓音外加励志的歌词？不过死亡金属的这种“正常”的演唱方式多以神秘主义为，倒是别有一番滋味。
2.喊叫：硬核/朋克喊叫式演唱方法还是经常出现在死亡金属中，不过更多是在主唱由沙哑咆哮转向爆发的那一刻，比如，“啊……！”“Die(死)……！”这些“表决心”的内容。一些比较倾向于硬核/朋克的死亡金属比较多地采用了这种演唱方法，但有些清晰和单调的演唱到底不够彻底的“死亡感”。
3.扭曲：应该怎样形容这种演唱方法呢？——“烟酒过度和吃盐太甚”的劈裂嗓音或被痰卡住喉咙的哽咽感？如果这个形容还不够传神，那你可以想想Motorhead的主唱LemmyKilmeister(其实真正的死亡歌手比他要厉害很多)。按道理大家都可以低沉沙哑地咆哮，但也就一两声而已，这可是个重体力活(奉劝体力不济的千万别轻易尝试，以免发生意外)，但它却是死亡金属最为普遍的演唱方式。真不知这些人的嗓子到底是不是肉长的，而这也正是死亡金属最为鲜明的招牌，没这种嗓音还真是有种没着没落的感觉。不过，一般人根本别想听清他们到底在唱什么。
便携电吉他介绍
如果能够便携地带走我们的电吉他的话，那自然是最好的，就看大家偏重的是音色还是其它的部分了。下面是小编给大家整理的便携电吉他介绍，供大家参阅!
便携电吉他介绍迷你星是一款非常方便携带的旅行电吉他，它全长19英寸，仅由琴颈和琴头组成，虽然造型并不完整，但是却依然可以出众地完成音乐演奏，非常适合外出携带。请您通过视频来看看它的精彩表现吧!电吉他乐理学习：吉他倚音吉他倚音是什么意思?这个比较少接触到的一个词，相信很多人也一样不知道吉他倚音是什么意思吧，今天就一起来学习!
倚音有前倚音和后倚音两种，它们的写法都是用较小的音符写在普通音符的角上，前倚音写在普通音符的前面，后倚音则在后。演奏时占用普通音符的一部分时间。按占时多少又有长、短倚音之分，占用普通音符一半的时值的倚音叫长倚音，只占很短一部分时值的倚音叫短倚音。
前、后倚音的弹奏方法大致一样，只不占时先后不同，前倚音占前，后倚音占后。倚音的演奏方法和连音奏法比较相似，但又有所区别。在同一弦上时，它的奏法和连音一样。在不同弦上时，小音符和普通音符要分别弹奏。
当倚音附在和弦音符上时，除了倚音后面的音符较晚出现外，倚音和其余几个和弦同时奏出，那个较晚出现的音紧跟着倚音用连音奏法奏出。倚音也可以有两个或两个音以上，叫复倚音。
吉他倚音是什么意思?注意：复倚音的弹奏方法虽和普通一个倚音的奏法一样，但倚音数目多了后，容易超出规定的时值，或与旋律音符平分秋高气色，使旋律音符占时过短。所以，弹奏这类音符时，一定要动作敏捷，切忌拖泥带水。
电吉他基础乐理学习1。大三和弦：根音与三音是大三度，三音与五音是小三度，用根音的大写英文字母音名来表示，如DO，MI，SOL和弦用C表示，FA，LA，DO和弦用F表示，降MI，SOL，降SI就用Eb表示，升FA，升LA，升DOL用F#表示。
2。小三和弦：根音与三音是小三度，三音与五音是大三度，用根音的大写英文字母音名加上小写m表示，如RE，FA，LA和弦用Dm表示，MI，SOL，SI和弦用Em表示，降MI，降SOL，降SI用Ebm表示。
3。增三和弦：根音与三音，三音与五音都是大三度，用根音的大写英文字母音名加上aug或加一个+。如DO，MI，升SOL和弦表示为Caug或C+，FA，LA，升DO和弦表示为Faug或F+。
4。减三和弦：根音与三音，三音胛逡舳际切?龋?酶?舻拇笮从⑽淖帜敢裘?由蟙im或一个-。如RE，FA，降LA，表示为Ddim或D-，升DO，MI，SOL表示为#Cdim或#C-。
5。大小七和弦：在大三和弦基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上7即可，如SOL，SI，RE，FA和弦用G7表示，LA，S升DOL，MI，SOL用A7表示。
6。大大七和弦：在大三和弦基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上Maj7表示，如DO，MI，SOL，SI和弦表示为Cmaj7,降SI，RE，FA，LA和弦表示为Bbmaj7.
7。小小七和弦：在小三和弦基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上m7表示。如LA，DO，MI，SOL和弦表示为Am7,RE，FA，LA，DO和弦表示为Dm7.
8。小大七和弦：在小三和弦基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上mM7表示，如DO，降MI，SOL，SI和弦表示为CmM7,LA，DO，MI，升SOL表示为AmM7.
9。减七和弦：在减三和弦的基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上dim7表示，如SI，RE，FA，降LA和弦表示为Bdim7,LA，DO，降MI，降SOL表示为Adim7.
10。半减七和弦：在减三和弦的基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上m7-5表示，如SI，RE，FA，LA和弦表示为Bm7-5,升FA，LA，DO，ME和弦表示为#Fm7-5.
11。加音和弦：它是指在一个以三度关系为基础的和弦上加上其它音，如加入六度音，九度音，四度音等，标记法为将这个加音的度数写于?和弦的右边，如 DO，MI，SOL，LA和弦可标为C6，(LA是基于C和弦的加音)，FA，LA，DO，SOL和弦可标为F9。但要注意的是，加四音和弦的写法有规定，要写sus4，并且要省去?和弦的三音，否则三音和四度音一起响会很尖锐。如DO，FA，SOL和弦标记为Csus4.(C和弦省三音加四度音)。加音以6，9，4度为多数。另外，有更复杂的理论把加音与多音和弦分开来，如FA，LA，DO，SOL和弦应标为Fadd9,而标为F9会被认为是 FA，LA，DO，MI，SOL和弦。不过这只是理论而已，一般情况下用简单的加音标记法就可以让别人明白你的意思。
12。指定和弦根音：就是在演奏该和弦是，不弹它本身的根音而根据标记弹奏。如C/G，表示演奏该和弦时把G音置于最低音。Dm/G表示演奏Dm时把G音置于最低音。也可以用On*表示同样意思，如F9OnD,实际演奏的是RE，FA，LA，DO，SOL。很明显，这种标记法可以用来表示和弦的转位。
当代吉他之神介绍
不知道大家有没有了解过被誉为当代吉他大师之神的Tommy Emmanuel?下面是小编给大家整理的当代古典吉他，供大家参阅!
当代古典吉他Tommy Emmanuel简介Tommy Emmanuel，1955年5月出生于澳大利亚，吉他大师。
Tommy Emmanuel的职业生涯已经超过四十五年了，而且不断与世界各地的顶尖乐手有所交流。在澳大利亚他是一个国宝级的人物，Tommy在五大洲已经拥有成千上万忠实的乐迷。
当代古典吉他Tommy Emmanuel音乐作品All I want for Christmas (2011)
Little by little (2010)
Center Stage live;(2008)
The Mystery (2006)
Live One (2005)
Endless Road (2004)
Greatest Hits (2001)
Only (2000)
Collaboration (1998)
Cant Get Enough (1996)
Classical Gas (1995)
Initiation (1995)
The Journey Continues (1993)
The Journey (1993)
Determination (1992)
Dare To Be Different (1990)
Up From Down Under (1987)
From Out Of Nowhere (1979)
With Phil Emmanuel：Terra Firma (1995)
With Chet Atkins：The Day Finger Pickers Took Over The World (1997)
当代古典吉他Tommy Emmanuel经历Tommy Emmanuel于1955年5月31日出生在澳大利亚。1999年，Chet以极为难得的头衔被认证的吉他手(Certified Guitar Player)来称誉Tommy Emmanuel，为表彰他终生对吉他fingerstyle(指弹)技法的贡献，这样的荣誉在世界上只被另外两个人共享(Jerry Reed和John Knowles).
在Emmanuel的传奇生涯里，他已经创造了一个尚未被人打破的销售纪录，曾与数以百计的传奇乐人合作，包括像Chet Aktins,Michael Jackson,Eric Clapton,Sir George Martin,Hank Marvin,Joe Walsh,Stevie Wonder,Nokie Edwards,Les Paul,Keith Urban,Lexington交响乐团，Dortmund交响乐团，与西澳大利亚管弦乐团.
Tommy Emmanuel不只是一个非常成熟的吉他手，同时能打鼓(能在鼓与吉他上打击)及歌唱.这位厉害的音乐人曾被澳洲滚石杂志连两年被推举为最受欢迎的吉他手，创下过四张白金与金唱片.
在澳洲，Emmanuel的音乐与生活是一种传奇.他在四岁的时候就开始弹吉他，靠着耳朵学着怎么弹，而没有接受任何正规训练.Emmanuel与他的哥哥Phil都是神童，在1960年便开始他们的职业生涯.大约在六岁时，Tommy已经是一个职业乐手了.
在1966年他父亲过世后不久，Emmanuel一家便跟着澳洲乡村音乐明星Buddy Williams旅行，直到他们被澳洲儿童福利部门阻挡下来.Emmanuel一家的小孩随即被送往正规学校.
在这些年里，Tommy在周末与他们兄弟姐妹：打鼓的Chris和弹滑音吉他的Virginia组成Traiblazers.他也开始一个礼拜两个晚上教吉他，同时在电视上各种不同的竞赛露面.当他们组成的Traiblazers在电视才艺竞赛中拿下两次冠军并发行一张EP后，Emmanuel家便开始走红了.
Emmanuel十几岁时怀揣着成为一个专业吉他手的梦想搬到悉尼.他在城市各俱乐部里表演，Emmanuel的吉他技巧开始在公众场合显露，不久后便受到唱片公司的注意.
他马上为自己立下对现今大多著名吉他手都显得严格苛刻的舞台表演高标准.从70年代中晚期一直到80年代早期，他加入了这十年间举足轻重的团体Dragon，也为Air Supply和其他许多著名艺人伴奏.
1987年，Dragon随着Tina Turner进行Break Every Rule之旅.在他以往的十五张专辑中，Emmanuel无穷的天赋与从不服输的技巧一再的加深了乐评与乐迷们的喜爱.
2005年，Tommy第一次在韩国，波兰与克罗地亚演出.此外，他还将在2006年第一次在斯洛维尼与比利时演出，随后到美国，欧洲与亚洲等地.他那令人眼花缭乱的表演，毫无瑕疵的吉他技巧与长篇的曲目一定会引起他所到之处观众的惊叹.
流行歌曲演唱的风格与技巧
流行歌曲的演唱讲求个性，歌星们在声音上的差异之大，演唱风格之多样，使得我们无法像在“美声唱法”中那样将其划分为几个声部（男高音、女中音等），即便是用“声线”这个时下非常流行，却又是莫名其妙的万能术语，也还是难以一一描述清楚。但我们还是可以根据其渊源以及发声特点、演唱风格归纳出几种典型的“唱法”。
“低吟唱法”（Crooning)，形成于30年代。那个时候，许多酒吧、舞厅、夜总会里添置了电子扩音设备，歌手们开始对着“麦克风”（话筒）唱歌。“低吟唱法”就是在这样的背景中产生的。由于话筒的扩音作用，歌手们不必像歌剧演员那样竖着嗓子吼，也不必像有些民族歌手那样横着嗓子喊，他们只须用说话般的音量轻轻哼唱，众多的听众同样可以听得真真切切。一些非常细致的艺术处理方式，如一声轻微的叹息、一个小小的停顿，都能被纤毫毕现地展示出来。
早先的“低吟”歌手都是有着一定的美声基础的男中音或男低音。中国听众非常熟悉的平.克劳斯贝便是第一代低吟歌手。三四十年代“低吟”歌手演唱的抒情歌曲和爵士乐风格的歌曲是当时澈地歌曲的主流。50年代后，随着“摇滚乐”的兴起和民谣的复兴，流行乐坛不再是“低吟歌手”的一统天下了。但是“低吟唱法”并没有就此消亡，作为一种演唱方法，“低吟”对后来所有流行歌手的演唱产生了深远的影响。话筒的运用，声音的控制，旋律线条的连贯圆滑，歌词语气的表现，微颤音和气声运用等流行歌曲演唱的基本技巧在“低吟”中已经发展得相当成熟了。
民谣在世界各地的流行歌曲中都占有重要的地位。民谣歌手用“本嗓”演唱，与“低吟”相比，这种唱法一般不刻意追求声音的圆润和共鸣，音色扁平、自然，强调吐字的清晰和口语化。鼻音在“美声”和“低吟”唱法中都是很忌讳一个毛病，然而许多民谣歌手（如约翰.丹佛、鲍勃.迪伦）却喜欢使用带有浓重鼻音的演唱方式，这种鼻音具有独特的抒情色彩，尤其是在演唱平缓的叙述性歌曲时，会产生一种亲切自然、富有磁性的魅力。民谣还经常采用重唱的形式，主旋律往往放在中低音声部，而高声部的伴唱常用轻柔透明的假声来演唱，因而假声也是民谣演唱中的一个重要特征。
民谣唱法不仅限于民谣歌手，也包括一些摇滚歌手。如著名的“披头士”的大部分歌曲都是用民谣风格演唱的。
民谣唱法代表了流行歌曲演唱中平实自然的一面，而美国黑人歌手则使得流行歌曲的演唱增添了华丽的色彩。
美国黑人歌曲的渊源可上溯到奴隶制时期的田间号子，此后又陆续出现了灵歌（Spiritual)、福音歌（Gospel)、布鲁斯、索尔（Soul)等声乐体裁形式。黑人歌曲常采用一领众和的演唱形式，领唱者用呐喊、尖叫、抽泣、呜咽、滑音、颤音、假声等富于装饰性的演唱技巧，常常能将一些简单的旋律片断即兴演绎发展成极富感染力的毕彩乐句，产生出动人心魄的艺术效果。
富有激情和即兴装饰是美国黑人歌手演唱艺术的灵魂。许多摇滚乐歌手（尤其是硬摇滚和重金属摇滚歌手）的演唱风格也是由这种唱法衍生发展出来的。只不过摇滚歌手大都比较强调其嘶喊爆发的一面，而缺乏那种细腻的装饰技巧。
爵士乐出现后，美国黑人歌手又创造出一种高度炫技性的演唱方式。在与乐队的即兴交流中，他们用一些没有具体含义的衬词唱出各种复杂多变的节奏型（称为Scatting)或用人声来模仿爵士乐队中的各种乐器的音响（称为Vocalese)。
80年代兴起的饶舌乐（Rap,以急速的节奏念出歌词）在一定程度上也是这些高难度的人声表现方式的延续。以上介绍的是流行歌曲的几种比较典型的演唱风格。在千变万化的流行歌坛上，绝大部分的歌星并不固守某一种“唱法”，而往往是在这几种基本演唱风格的基础上，根据其自身的声音条件和特点并结合歌曲表现的需要，加以变化融和，从而形成自己独特的演唱方法和艺术风格。
音区与音色
人声音区的各个部分有着不同的色彩：高音区明亮，中音区柔美，低音区沉厚。流行歌曲的演唱通常也是遵循各音区的自然属性，发挥其自身的表现作用。但有时也会根据歌曲内容表现的需要而改变各音区的自然色彩。如《一无所有》的旋律常在高音区徘徊，但在演唱时却应该将音色处理得暗一些。倘若一味强调高音区的高亢明亮，就难以表现出歌曲中所蕴含着的那份执著和抗争。
流行歌曲的演唱追求的是本色自然，但许多初学演唱的人在一开始的时候并不能找到自己的“本色”，而往往是模仿录音带上自己喜欢的歌星的声音特征和发声方法。
流行歌坛中有许多嗓音嘶哑嘈杂的歌手，以至于引起这样的误解：只有沙嗓子才能当歌星。事实上，流行歌坛中的甜美圆润的歌手并不比沙嗓子的歌手少，只不过是沙嗓子的歌手因其音色的独特而更为人们所瞩目罢了。
对沙嗓间的崇尚并不是流行歌曲演唱中所独有的审美指向，在各国的民间音乐，尤其是我国的戏曲中，沙哑音色早已是习以为常的一种表现手段了。问题的关键并不在于音色的沙哑上，而是这种音色所能表现的情感的力度和深度。当人的情感达到极端状态时，常会伴随出现嗓音的沙哑。这种音色有时也会与某种特定的审美意象相联系：粗犷强悍的阳刚美，饱经沧桑的成熟美，这些都理颇具偶像魅力的。此外，流行歌曲中常见的反叛、挣扎、调侃和嘲讽等内容也适合于用沙哑的音色来表现。
嗓音沙哑的歌手在演唱不同类型的歌曲时，会对音色稍作调整，以适合歌曲的表现需要。如罗大佑唱《超级市民》时声音偏“破”偏“炸”，唱《痴痴的等》时偏“哑”偏“压”，而《沉默的表示》就干净柔和了许多。
每个人的嗓音都有其特定的音色。尽管这种音色有一定的伸缩性和可塑性，但嗓音的调整改变是有限度的，超出了限度，就会引起发声器官的疲劳。时间长了，还会引发病变。有许多声音甜美的歌手就是因为盲目模仿沙嗓子而毁坏了声带。断送了自己的艺术前程。
假声与气声
所谓“假声”是指演唱时通过有意识的控制而只使部分声带发生振动所发出来的声音，这种声音比由整个声带都振动的“真声”要高要弱，而且音色有一种晶亮透明的感觉。
大部分流行歌手（无论男女）是用真声演唱的，以获得一种自然、亲切、贴近口语的风格。有些女歌手（如齐豫、黄莺莺）在演唱音域较宽、艺术性较强的歌曲时则以假声为主的。男歌手在演唱伴唱声部时常用假声，如美国的“西蒙与伽芬科尔”重唱组中的伽芬科尔，和台湾“优客李林”重唱组中的林志炫等。这也是乡村音乐风格重唱的一个重要特征。但像“摩登谈话”（Modern Talking)中的主唱那样的纯用柔美的假声来演唱的男歌手是不多的。
发出优美的假声的关键是要有比较高的发声位置，在运用假声时要注意真假声之间衔接转换的光滑流畅，不能有断裂。一般说来，假声比较缺乏力度，但在必要时也可将假声转换成一种半真半假、半嘶半哑的叫喊。许多重金属摇滚乐歌手就喜欢用嘶哑的假声来演唱。
假声还可以作为一种修饰声音的方法，将真假声结合在一起的“混合声”能产生一种柔和、细腻、略带飘渺的艺术效果。比较一下童安格与屠洪纲演唱的《生命过客》，前者是用纯粹的真声，而后者用的是介于真假声之间的音色来演唱的。刘欢和齐秦演唱的《大约在冬季》也有这样的区别。
童安格的《忘不了》、伍思凯的《特别的爱给特别的你》所使用的真假声间的突然转换，朱哲琴的《一个真实的故事》结尾处用假声演唱的华彩段，都是流行歌曲中常见的假声应用方法。惠特妮.休斯顿的《所有的爱都留给你》中先用温馨的混合声在中低音区轻轻吟唱，然后用挺拔高亢的真声将歌曲逐渐推向高潮，及至歌曲的最高点，突然改用极柔美的假声。这是在演唱中运用真假声的转换变化来表现起伏跌宕的情感的一个优秀的范例。
国内常有所谓的“气声唱法”。其实“气声”并不成其为一种“唱法”，而是一种声音运用技巧。气声本无语格调高下之分，关键是不能滥用。若能抓准时机，运用得当，可以起到画龙点睛的作用。如美国歌星莱昂纳尔.里奇演唱的《你好》（Hello)在副歌处先是用激昂的声音反复铺陈，最后用气声轻轻送出一声“I love you”，很有表现力。台湾的邓丽君也是一位十分善于运用气声的歌手，与气声类似的还有“泣声”和“破音”。运用时也必须非常的谨慎。
“泣声”就是在歌声中掺入一些抽泣、哽咽的成分。包娜娜演唱《掌声响起》中“我的眼泪忍不住掉下来”的“掉”字上就非常得当地加了一点“泣声”。玛多娜唱过一首《这里爱情不复存在》（Love is not here any more)，从头至尾“泣声”不绝，但在具体处理上很有层次。先是轻轻抽泣，然后从呜咽到放声痛哭，直至泣不成声。流行歌坛上还有一些被称为“催泪人”（Tearjerker)的歌手，如美国的埃迪.费谢（Eddie Fisher)、汤姆.琼斯（Tom Jones)，他们的声音中总是带着一些“哭泣”。张学友和潘越云也善于在演唱时运用“哭腔”。以强气流冲击声带所造成的“破音”也是一种很有表现力的声音装饰技巧，刘欢演唱的《我心中的太阳》最后一句中的“我”字上就用了一点。
摇摆
流行歌曲的伴奏部分一般都有一个打击乐器和低音乐器提供的基本节奏，这个基本节奏往往是比较稳定而鲜明的，而演唱者通常会在这个伴奏节奏之上对旋律的节奏作一些细微的伸缩变化，以打破其律动的方整性。这种处理称为“摇摆感”（Sense of Swing)。
在长音之前常往后拖一拖：
《故乡的云》
有时又往前赶一赶：
《痴痴的等》
各种大拍子的连音（如四分音符的三连音）也是形成这种节奏变化的常用手段：
《无尽的爱》（Endless Love）
经常使用切分节奏是流行歌曲的一个重要特征。欧美流行歌曲中经常会出现长时间的连续切分，使伴奏中的基本节奏与声乐主旋律之间形成错位，造成一种“悬浮”的效果。
如“比吉斯”小组（Bee Gees)演唱的《你的爱有多深》（How Deep is Your Love):
还有的歌曲中运用了许多细微的切分节奏，能产生一种独特的韵律。如美国歌星迈克尔.杰克逊演唱的《拯救这世界》(Heal the Worle)：
华彩
华彩是演唱者对歌曲的基本旋律进行即兴装饰变化的一种手段，在民间歌曲、古典美声歌曲的演唱中都很常见，在流行歌曲，尤其是爵士风格的歌曲中，更是一种十分重要的表现手法。
电影《监狱枭雄》（Unchained)中有一段器乐演奏的配乐，其中的一段旋律是这样的：
“棒小伙”（Righteous Brothers)演唱组唱的《锁不住的旋律（Unchained Melody)是将这段旋律填上歌词而成的。他们在演唱时用旋律华彩的技巧来加以润饰，这段旋律就变成了这样：
电影《保镖》中的插曲《我将永远爱你》（I Will Always Love You)原先也是一首纯朴的乡村歌曲，惠特妮.休斯顿在演唱时加入了许多花腔，使歌曲变得华丽奔放：
花腔还时常作为一种“变奏”手段，在乐句或乐段重复时使用，以使音乐获得更大的发展动力，就像台湾歌星杨庆煌演唱的《会有那么一天》中那样：
有时花腔还可作为伴唱，与未经装饰的旋律原型同时陈述。下面是英国歌星罗德.斯蒂沃特演唱的《航行》（Sailing)：
歌曲的结尾处也是展示花腔的好时机，如美国黑人歌星阿隆、奈维尔演唱的《无需知道太多》（Don\'t Know Much)的结尾：
华彩需要高超的演唱技能。歌手必须对于真假声转换、颤音、顿音和快速的旋律跑动等高难度技巧都能驾驭自如。华彩还需具备即兴创作旋律的才能。这种创作并不是毫无根据的凭空捏造，而是以歌曲的旋律走向、和声框架、情绪发展和艺术风格等因素为依据的。就其本质而言，华彩是歌手在处于高度激情状态中的一种下意识的表现，而这种表现的成败优劣则取决于歌手平时的艺术感觉、修养和积累。
吉他练琴的姿势介绍
如果你花一点时间来思考、理解下面这些建议，并按照它们去做，相信会帮助你提高吉他技艺，成为一个更好的吉他手。
1.练习时前面放块镜子，对照镜子看自己的身体、手臂和手指。仔细体会并发现自己身上、手上是否有肌肉紧张、不顺畅的地方。确保你的坐姿和持琴的姿势没有给你带来任何不舒服。
2.争取让错误只出现一次。在练琴的过程中出错是难免的，但不要盲目地重复你所弹错的地方，先停下来思考一下导致错误的原因，发现它并改进它，让你的手按你的意志弹出正确的结果。把每一个错误都看成是一次学习的机会，找原因并改进。
3.追究每一个错误的细节，在头脑中清楚明确地知道发生了什么。是哪个音少弹了或没弹准？应该用哪个手指去按弦？在按弦之前手指应该停留在哪个位置，作什么准备？
4.每天都坚持给自己的弹奏录音。仔细听自己的弹奏，从中找出你最不满意的部分，想想如何能把它弹得更好。
5.尽量多在他人面前演奏。每一次都要清楚地意识到自己的感觉如何，弹奏如何，身体上是否有紧张感？情感上是否投入了？在心理上是紧张、焦虑，还是感到了演奏音乐的快乐？这些分析有助于你了解自己，看在哪些地方需要提高，成为一个成熟的演奏者。
6.将你的手指看作是不同的人，你可以假想它们有自己的名字，他们在一起是一个乐队，互相配合。每当你用一个手指按弦时，你要想象自己就是那个手指人。这种想象可以让你在弹奏中更细腻地体验手指的感觉。缺乏对手指的感觉是引起各种演奏上技术难度的根源。
7.在你的面前除了曲谱之外，还要放着一个记录本，每当你发现了自己的弱点，或最需要改进的地方，或需要加强练习的地方，都要把它们写下来，还要再写出你决定如何改进。把它经常放在你面前，或打印出来钉在某个地方让自己能经常看到。经过这种反复的提醒，在下一次练习时你会下意识地注意。
8.在每一次移动手指时，要思考你的下一个动作。
9.每当你练习的时候，要注意你的全身。
10.使用节拍器，把它当作你提高技术不可缺的工具。弹奏速度是慢慢建立起来的，比如，先从60BPM开始，一个音弹奏4拍（这是一个慢得很痛苦的速度），在这个速度上发现自己手指和身体的肌肉紧张感，放松并消除紧张感。然后到80BPM，100BPM。回过头来再重新用60BPM这次一个音弹奏2拍，接着再上到80BPM，100BPM。按照这样的循环再练习一个音1拍，1/8音符，最后是1/16音符，慢慢再由100BPM上升到你能达到的极限。
可酸死我我手了！！！！！！！！
儿童古典吉他牌子介绍
儿童的牌子古典吉他，大家有什么好的的吗?下面是小编给大家整理的儿童古典吉他牌子，供大家参阅!
儿童古典吉他牌子：星辰单板大概500元
除非你有机会在几十把琴中挑选 否则很难找到一把手感不错又容易发声的 另外有一种型号 好象叫968的全单板琴1000以内 可能是世界上最便宜的全单板琴 我就没有用过了
儿童古典吉他牌子：红棉全单板大概两千多
做工细致 顺德的盗墓者和衡阳的老何用的就是这个型号 全单的琴居然原配的是红棉十几元的琴弦 换了好弦以后声音还是有点怪怪的 偏闷 不
儿童古典吉他牌子：协奏协奏16 1千左右 协奏18 2千左右 协奏20 5000以上
16是比较有好评的一个琴 主要是这个价格 我的那把16一弦挺像回事 可惜各弦音量音色不够平衡 18是网状音梁结构 便宜的琴中比较少见 做工不错 声音亮丽 可惜大力量的时候不能发出更大的声音 20我是在北京新街口那家试的 当时那把琴有缺陷 就不做评价了 听厂里的人说这个型号连胶水都是进口的
儿童古典吉他牌子：YAMAHAYAMAHA CG-70 一千多点 CG-151 2500左右
CG-70大概跟协奏16一个档次 音准手感可以 CG-151大概跟协奏18一个档次 而且似乎箱体共鸣比协奏更好 可惜YAMAHA价格通常比较高 部分低端型号是国内生产
儿童古典吉他牌子：日本ARIA即使是低端琴手感都不错 一弦到六弦距离比较窄 而且比以上几个牌子又多一个好处 各弦音色平衡 当然价格也高了 其中AC-系列 尤其是AC-80受到很多老师 报价大概8000 我只试过两到五千的低端型号....
儿童古典吉他牌子：陈志陈志030 大概6000 040大概8000 080大概两万多
最低端型号都超过6000 当然是不错的 尤其是080 弹的时候整个吉他都在明显震动 感觉声音能穿透自己的身体 这是我试过的共鸣最好的琴 不过个人感觉这个牌子价格略高了
儿童古典吉他牌子：阿曼莎阿曼莎402 3千多 403 四千多点 436 八千以上
402 比较便宜的西班牙琴 款式很难看 402 403做工都不是很好 可以用粗来形容 不过 西班牙就是西班牙 声音还是很正点的 这个牌子的琴容易驱动 特点就是音量大 当然低端受材料影响可能远达性不是太好 而且低音弦有一种金属感 喜欢不喜欢就看各人了 436音乐性要好很多 不是要求太高的话 这个牌子值得
儿童古典吉他牌子：阿尔罕布拉阿尔罕布拉 5P 4千到6千 10C 一万以上
5P也是国内比较多人用的低端西班牙琴 质量不稳定 价格也不透明 各地报价差别很大 此型号
挑到好的很不错 个人觉得音乐性特别好 容易驱动的那种 最大缺陷就是不稳定 我试过的每一把都不一样 因此广州有个琴友买的是6000的高价 我还是觉得他那把性价比最好 我还试过两把打品的呢 真不应该在这个价位出现这样的低级错误 可能在西班牙 这个档次的琴就跟我们普及琴差不多档次的吧 10C 我试的那把很难驱动 可能是当时还不大会分辨 不作评价
儿童古典吉他牌子：阿帕里西奥阿帕里西奥 AA10 接近四千 AA15忘记报价 请自己到吉他岛查询
声音中规中矩的进口琴 我试过的几把都很稳定 无论手感还是音色 音准 这个价格中也是不错的选择
儿童古典吉他牌子：AntonioAntonio Picado GI 大概1万
广西的吉小二和杭州的李乐先生都有这样的琴 全单 在这个价格上的确是不错的选择 使用者都很满意 业余来说有个这样的琴如果不跟更高档的琴比较的话 估计很少人会考虑再考虑换琴的了 也确实能满足业余者的所有要求了 就是说 你手指想做的东西 这个档次的琴都能做到 能不能淋漓尽致是另外一回事
吉他教学方法——教你十招玩转布鲁斯风格
很多吉他爱好者玩吉他挺长时间了，除了刚学吉他入门那会、越到后面越没自己的风格，很多吉他高手们都苦于想试试其他风格，却不知从何下手？
今天我们就来聊一下另类的布鲁斯风格，布鲁斯是黑人蓝调演变来的，一些国外的摇滚乐里面也有一些布鲁斯成分。下面介绍10招让你玩吉他玩出布鲁斯的风格和味道。
1、强烈野蛮的左手颤音，是出味道的关键，包括推弦后的左手颤音；
2、运用好离调音是出味的关键，听出离调音再去研究它，以及运用它；
3、强化练习三连音
许多朋友练习四连音速度很快，也比较稳，但三连音感觉太差，在布鲁斯音阶中的味道出不来就是这个原因。强化自己，平时多听听布鲁斯音乐。
4、注意布鲁斯和弦的走向和变调；
5、跟随估计多 jam ，鼓点要三连音，浮点的感觉的，中速稍慢的开始练；
6、多听大师的专辑和视频 看他们的力度，颤音的幅度和技巧；
7、积累乐句更多的背诵下来，能哼唱下来，举一反三，到自己改编乐句，注意连接部分；
8、加强各个调、把位布鲁斯音阶的练习
不要满足会几个调的布鲁斯音阶，把上下把位的布鲁斯音阶连起来，把关系调的布鲁斯音阶也关联起来弹，在不同的布鲁斯音阶游走，练习各个把位的指型和连接。
9、学会各种结束SOLO的演奏，它是即兴SOLO的必修课；
10、熟练掌握各种推弦，尤其是慢推弦，和大小三度推弦，双音推弦，4分之1推弦，都很出味。