音乐的主题
作曲家创作乐曲时，经过酝酿、构思，初步明确所要达到的目标后，共写作次序一般是：先写好音乐主题，把头开好；继而予以发展；最后通过合理的曲式而完成音乐形象。这三步往往是紧密联系在一起的。
下面先从音乐主题谈起。
概述
音乐主题是一首乐曲最主要的乐思，常是作曲家在充满激情的精神状态下写出来的。它具有鲜明的个性特点，富有较强的表现力，意义也比较完整。乐曲一开始往往就是音乐主题，也有经过引子才出现的。因它是形成全曲音乐形象的基础，很重要，因此创作音乐作品时，首先应把精力集中于此。
主题的构成，就乐句的句数来看，常由两个乐句构成，也有由一个、三个、四个或更多个乐句构成的。它常结束在调的主音上，或三音、五音上（即结束在主和弦上，大调是1、3、5，小调是6、1、3，徵调式是5、2，商调式是2、6等），有一结束感、段落感。
主题往往是一个乐段。
主题核心是主题的一部分，多在开始的地方，常见的是一或二小节（自成一个单元），有时是一个乐句。整个主题常由此核心延展而构成的。平时谈及音乐主题时，常不是指主题的全部，而是指主题的一部分，如主题核心。
这是由两个乐句（每句八小节）构成的音乐主题，终止在小调的主音上，开始两小节是主题核心（很有小草纯朴无华的特色），整个主题由此发展而成。
主题节奏
作曲家创作乐曲时，经过酝酿、构思，初步明确所要达到的目标后，共写作次序一般是：先写好音乐主题，把头开好；继而予以发展；最后通过合理的曲式而完成音乐形象。这三步往往是紧密联系在一起的。
主题节奏是指主题或主题核心的节奏骨架，主题的个性特点以及主题的多样性常由此奠定。
主题节奏就歌曲来说，常与歌词朗诵的节奏有关。但无论是歌曲或是器乐曲的主题节奏，更重要更宽广的来源是作曲家对生活的深刻感受，是在自己内心深处的感情波涛上所进行的各样富有特色的浮雕。一种是主观心境的刻画，这是主要的，为数也最多。一种是客观人物、景色的刻画、描绘，虽然是客观的，但也绝离不开主观的作用。
主题节奏与歌词朗诵节奏的关系有些歌曲的主题节奏与歌词朗诵的节奏基本一致，如：不少歌曲的主题节奏与以上情况相似：
这类易在群众中传唱的歌曲，特点之一是音乐的主题节奏与语言的节奏相当吻合，音调也较通顺，因而感到自然，容易上口。应充分注意到，音乐的主题节奏要比歌词朗诵的节奏丰富得多。作曲家刻意追求的是音乐主题要富有个性特点，并与内容吻合。朗诵歌词时，肯定不会把节奏拖得如音乐主题的节奏那样悠长
主题音调
主题音调是指独立于主题节奏的高低的连续，常具有一定的特点。
主题音调的民族风格音调有相当强烈的民族范围内的继承性。音调与民族的语言及思想感情特有的表达方式等密切联系着，形成自己独特的风格。中外许多著名作曲家所创作的音乐主题，其音调大都一定程度具有自己的民族风格。俄罗斯作曲家格林卡曾说过，音乐是人民创造的，作曲家不过是加工改编而已。特别是从音调来看，这话是有根据的。有些器乐曲的主题本身就是民歌，如柴科夫斯基《D大调第一弦乐四重奏》第二乐章的主题：是一首俄罗斯民歌。我国沙汉昆《牧歌》（小提琴独奏）的音乐主题：来自内蒙古民歌。
我们有些革命群众歌曲，本身就是民歌，只是重新填了词，以新的时代的激情去演唱，从而有出新。原封不动地把民歌作为主题，总的来看终是很少数，更多的是在民族、民间音乐的基础上进行再创造。
音调与语言有密切的联系，这在歌曲创作中尤为显见，如音调的起伏尽可能与歌词朗诵的语调相一致，以使歌词内含的感情较自然地表达出来，歌词也让人听得清楚。
朗读第一句歌词时，握字要比手字自然地扬上去一些，一杆稍低下来一点，钢枪的钢字，明显地要更高地扬上去。这个音乐主题的音调起伏与歌词的语调基本一致，听起来很自然。应注意到这当终是以音乐形象的塑造为中心的，以上这一切与特定的宽广的主题节奏结合在一起展现战士的胸怀，含义才全面。
有时音调的进行与歌词字音的起伏有矛盾，一般来说，这时应着重音乐形象的塑造，因为音调自身的起伏还有它自己的规律，有一定的独立性。通常，好歌曲脱离了歌词，移植到乐器上演奏，仍很完美，说明了这一点。
音调与歌词朗诵的起伏从总的来看基本一致，大部分歌词都听清楚了，但其中的滴阶前听起来像是滴解前，不理想。但从音乐本身来看，音调起伏婉转，很有春思的意味，特别是前调小节的音调5123与后两小节的音调i6232是呼应的。若为了把阶字唱清楚，势必要改动整个主题音调，权衡利弊，还是像原曲这样为好。
自然，如将你是灯塔谱成3.1|63|听起来像是你是等他词意全变了，显然不可取。而赵元任作曲的《老天爷》其中的老字内含有由低往高的明显趋势，音调上配以35，听得很清楚。
聂耳、冼星海的歌曲，其音调的起伏与歌词朗诵的起伏多结合得相当完美，但并不全按字寻腔，而更多地着眼于整个音乐形象的塑造。
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2020吉他入门_吉他入门纯音乐
纯音乐kiss the rain，吉他入门也可以学习的曲子。下面是小编给大家整理的吉他入门纯音乐，供大家参阅!
吉他入门纯音乐kiss the rain吉他谱吉他入门纯音乐kiss the rain赏析这首曲子，跳跃的优美，吟唱的动情，适合背诵时听，适合失恋时听，适合被表白时听。它让我们感受到生命的美丽，感受到人生的真谛。不同的人都会从这首曲子里找到最真实的自己。
吉他入门纯音乐kiss the rain配词我早已经忘了 你说的哪句话
带着我的心和你一起走了
心中待开的花 努力在发芽
想要一直都陪着你长大
你还会记得吗 我许诺的那句话
要牵着你的手去每个地方
犹记得的那一秒 你傻傻的笑
那一刻 I fall in love
幸福回忆 依旧纠缠着我
睡梦中醒来只剩一个孤独冰冷的我
谁告诉我 是我让你怎么了 放下爱你的我独自走了
雨中的离别啊 你说的那句话
带着我们的曾 经一起走了
心中盛开的花 悄然落泪了
那是我心中 盛开的伤疤
雨中的吻别啊 残留你的发香
没有你的地方哪里是天堂
拥挤的人群啊 剩我独自流浪
期盼你还在某个地方
幸福回忆 依旧纠缠着我
睡梦中醒来只剩一个孤独冰冷的我
谁告诉我 是我让你怎么了 放下爱你的我独自走了
雨中的离别啊 你说的那句话
带着我们的曾 经一起走了
心中盛开的花 悄然落泪了
那是我心中....
你还会记得吗 我许诺的那句话
要牵着你的手去每个地方
没有你在身旁 再没有天堂
折断了我飞翔的翅膀
知道我依旧爱着你吗
2020吉他入门_吉他入门纯音乐韩国
韩国的吉他入门纯音乐Yiruma的在你身上流动的河。下面是小编给大家整理的韩国吉他入门纯音乐 ，供大家参阅!
韩国吉他入门纯音乐 在你身上流动的河吉他谱韩国钢琴家介绍1978年出生的年轻钢琴家Yiruma，在韩国出生、长于英国，曾于伦敦The Purcell of Specialist Music School就读，2000年毕业于Kings College of London University，主修古典钢琴及作曲。2001年发行首张专辑Love Scene，同年发行第二张专辑First Love，成为韩国最受欢迎的New Age新生代音乐家。2002年的「坎城唱片大展」，Yiruma出色动人的演奏引起国际唱片界的注意，一跃登上国际舞台。他的音乐作品兼融东方式的抒情与西方古典文化的典雅细致，他的琴音纯净清新，却又兼顾浓厚的个人情感，所以听者无不动心!
韩国钢琴家作品1、我
2、在五月
3、爱我
4、在你身上流动的河
5、擦身而过
6、属于你的日子
7、当爱来临
8、我心已远离
9、时间会遗忘
10、在途中
11、直到我遇见你
12、如果我能再与你相遇
13、梦里有我
14、我
15、告别
吉他教学之音阶练习
吉他入门教学音阶练习，为什么要做音阶练习?
1、大多数音阶，左右手8个手指都用的上，练习音阶可以训练手指平衡能力。
2、音阶练习可以熟悉指板音位，全部音阶由24个大小调式组成，而我们接触最多的欧洲音乐，几乎全部属于这些调式，熟悉了音阶，也就大体上熟悉了这些调式。
3、实际上音乐就是由完全或不完全的音阶组成的，尤其是旋律声部。
4、音阶看似简单，其实严格要求均匀、快速、颗粒感的话，是很难作好的。
5、在音阶练习中加入不同的节奏、重音、并力度，并使用所有能够想象的到的右指组合，(我要求学生使用im、ia、ma、pi、pm、pa、ich、mch、ach、ami、ima、mia、mai?ima、pami等等凡能够想的到的组合来练习，有的组合可能缺乏实用性，比如ch指加入的组合，但对训练右指作用极大)会发现音阶练习真的很博大。
6、音阶练习对左右手协调能力训练作用极大。
我个人的感觉，经过训练 ch 指后，a 指难以控制自如的难题似乎迎刃而解。其实练习手指无非是练习大脑对手指的控制能力，手指、耳朵接受并反馈信息，经神经传输，大脑分析判断、发出指令，神经再传输回去。控制能力的训练是全面的，我以为不应当因为 ch 指用的少就不练习。
音阶练习常见的缺点：
1、做不连贯，象弹顿音。
2、颗粒感差，含混不清。
3、音色、力度不匀、缺乏统一性。
4、右指各指没有独立的拨弦动作，有时是一个手指带出了另一个手指。
5、左手指移动时多余动作过多。
6、只强调速度，忽视声音质量。
7、在四五六弦左指不能作到直起直落，杂音太多。
8、缺乏音乐性，表情干巴麻木。
音阶练习的基本要领：
1、手指垂直起落，抬起时的高度不可过高，以一厘米左右为宜。
2、为了连贯，下一指按实前，前一指不能抬起。
3、左手始终保持恰当的弧度，不能因为换弦而动作走形。
4、左指尽量垂直与指板，以指尖按弦，
5、发力以按实琴弦为准，不能太大。左指动作要连贯、柔和、自然。
6、速度不能求快，应以能够清晰、连贯、均匀地演奏为准，逐步提高。
7、高把位注意声音控制，不能“虚”，右指适当加力。
8、最低音和最高音最好强调一下。
9、右手各指一定要独立完成每个拨弦动作，不能“顺势”带过去，注意想邻的音音色要统一，力度也要统一。
10、最好加上不同的节拍、力度练习。
古典音乐入门 修整和使用右手手指甲
无论在什么吉他弹奏中，指甲都扮演着很重要的角色，所以今天我们就来学习如何修整和使用右手手指甲，以便你能够让乐器发出任何它所能产生的声音。
在开始本节课之前，首先要保证你有一个好的指甲刀和一套砂纸或者有至少3种不同规格的磨砂面的砂纸板。最好(细)的磨砂应该是触摸上去非常光滑的。中砂应该是有足够的硬度以便你在磨你的手指甲时它应该产生一道好的白色粉末但是却不会一下子磨去太多的指甲。而重砂应该是足够的粗糙以便它能够缩短和定型手指甲。请注意，我没有指定任何绝对的级别。那应该是取决于你指甲的本身的硬度。对于比较柔软的指甲来说是很容易被磨穿的，但是对于厚的硬的指甲却不然。接下去的一章会进入更多一点的细节。
护理和修整你的指甲
通过左右手指甲的形状，你能够很清晰地告诉别人你是一名古典吉他演奏者，否则，你就是一个喜欢在一只手上留指甲，而在另一只手上把手指甲修整得很短的神秘人物。当我在得到自己第一份有关工程方面的工作时，面试我的经理真的是提出了要看我的手的要求。当他注意到我的右手指甲非常完美的修整了，而我的左手指甲却剪得很短。他笑了，花了45分钟来讨论古典吉他，然后录用我从事设计方面的工作。
你的手指甲对于在乐器上产生美妙的音色扮演了一个非常重要的角色。对于你的左手来说，指甲的修护是相当容易的。你只要用指甲刀很简单的修整它们，尽可能的短而不至于流血就好了。而右手的指甲则需要更多的关注。右手指甲有三个特性需要来注意：长度，形状，和边缘。你的理想的指甲的形状和长度只有你很多次的尝试后才能达到。边缘对于好的音色是绝对有决定性的它必须是光滑的。
修整你的手指甲
当你的手指甲准备来演奏时，你的手指甲应该是很平滑的圆形和没有破裂的或者是粗糙点。 如果把手指甲正对着你的眼睛，很近的来观察指甲的边缘，它们看起来应该像很好的水晶眼镜的边缘那样光滑。如果你用右手大拇指甲来滑过其他三个手指甲的边缘，你不应该觉察到任何的表面的粗糙或者裂口。像这样的指甲边缘是绝对必要的，以至于在你演奏的时候指甲滑过琴弦时不会产生不必要的噪音。
为了得到所需要的那种边缘，你首先要用重砂来定形和调整指甲的长度。我曾经看到过那些很了不起的古典吉他演奏家有的留着那些像爪子那样的指甲，而有些却没有指甲。我个人的经验是保留大概超出手指端1/8英寸的长度，当你把手指伸直，用眼睛去平视它们时。这样的一个长度对你来说应该是一个好的起始长度，但是你将会通过了解指甲长度对你想产生的音色的影响来决定调整它。
指甲的边缘应该是跟随你手指端的形状的。而且无论从哪一边它都不应该有中断。换句话来说，指甲的曲线应该是很平滑的延伸到你的指甲接触到表皮的那点。
一旦你用中砂来定形你的指甲和除去任何锯齿状的边缘或者是裂缝，这一步也给了你的指甲的最后的定形。当你对指甲的形状和长度满意了，你就用细砂来给指甲边缘抛光。
那些音乐会上的古典吉他演奏家演出时通常携带一套很好的磨砂纸，以便能够修整任何的指甲上的粗糙点，这些点可能是在演奏时接触那三根缠丝弦导致的。你最初可能会认为这些对指甲的很挑剔的护理是有些奇怪的，但是当你演奏时你会很快的学会来感觉和听到它所带来的变化。
超好听的电吉他音乐
THE LONER是乐队所演唱的，正因为是乐队，所以更加适合电吉他乐章。下面是小编给大家整理的超好听的电吉他音乐，供大家参阅!
超好听的电吉他音乐THE LONER鉴赏超好听的电吉他音乐THE LONER作者Gary Moore于1952年4月4号出生在北爱尔兰的Belfast。和那个年代的很多人一样，他开始
的时候也是听着猫王的音乐玩Rock and Roll。在60年代中期的家乡，通过Beatles、Jimi Hendrix和John Mayall的Bluesbreakes，Gary Moore开拓了的眼界，他开始认识到了Blues音乐的广阔世界。Peter Green演绎的Blues Guitar更是点亮了Gary的无限的天才。不久后，Gary就已经成为倍受瞩目的青年音乐奇才。其实，是Green促成了Moore的事业，Gary也漂亮地以他1995年发行的专辑《Blues For Greeny》来答谢Green。
超好听的电吉他音乐THE LONER独奏谱乐理基础之音阶练习对2022吉他教学非常重要
近来，很多吉他新手通过咱们网站的吉他教学视频学习时遇上了一些问题，比如对吉他教学视频里很多乐理方面、音阶等基础知识知之甚少。对于任何乐器而言，音阶都是基础的基础，但同时也是重点中的重点，也是最需要耐心和时间练习的技术。
可以这么说：看一个演奏者是专业水平还是业余水平，第一就看他音阶弹的如何就行了。很多人练习数年可是仍然无法突破。还是磕磕绊绊，噼里啪啦。原因就是方法不对，没有找到音阶的突破口。
钢琴大师吉泽金说：如果每天认真正确的进行短暂的音阶练习，那么他的演奏水平将会超过那些练习数年的学生。
各种书上都有练习方法，总结如下，可以作为每日练习使用。
第一步：匀速练习，主要在于熟悉音阶的位置。
注意要点：
1、每一个音都要饱满；
2、每一个音后，都要检查按弦的放松，手臂可以自如的左右晃动以检查是否放松足够；
3、速度要均匀，(可以用节拍器)最忌讳简单的地方快，难的地方慢，或者一带而过；
第二步：前附点，后附点练习，(不懂附点请查书)即使是钢琴和提琴这两种都是最重要的音阶练习节奏。是其它练习节奏的基础.这种练习方法原理是难度分解。将音阶的难度分解为任意两个连续音之间的难度。
注意要点：
1、重音在附点的那个音上，这个是重点中的重点(吉他书都没有提到这一点，但是在钢琴教学中，这是基本要点)。这样的话“前附点”和“后附点”的重音位置就完全不一样，可以让每一个手指都得到重点练习；
2、开始可以让两个音之间的时值略长(略长只要是为了检查放松，可以做到放松自如就可以算短时间)，等到可以自如的弹奏的时候，时值缩短；
3、在弹奏附点音过后手臂要检查是否放松；
4、放松过后才能演奏下一组的两个音；
第三步：三个音一组，组合如下(P=P=P. |P=P=P. ) (P=P. =P|P=P. =P) (P. =P=P|P. =P=P)由于附点的位置不一样导致节奏的变化，重音的变化、手指难度位置的变化；
第四步：四个音一组、两方法同上，附点位置不同而组合；
第五步：其他节奏类型可以参考各种吉他书或者钢琴教程，以上只是最重要的几点。
吉他教学方法——吉他教学方法之音阶练习
吉他入门教学音阶练习，为什么要做音阶练习?
1、大多数音阶，左右手8个手指都用的上，练习音阶可以训练手指平衡能力。
2、音阶练习可以熟悉指板音位，全部音阶由24个大小调式组成，而我们接触最多的欧洲音乐，几乎全部属于这些调式，熟悉了音阶，也就大体上熟悉了这些调式。
3、实际上音乐就是由完全或不完全的音阶组成的，尤其是旋律声部。
4、音阶看似简单，其实严格要求均匀、快速、颗粒感的话，是很难作好的。
5、在音阶练习中加入不同的节奏、重音、并力度，并使用所有能够想象的到的右指组合，(我要求学生使用im、ia、ma、pi、pm、pa、ich、mch、ach、ami、ima、mia、mai?ima、pami等等凡能够想的到的组合来练习，有的组合可能缺乏实用性，比如ch指加入的组合，但对训练右指作用极大)会发现音阶练习真的很博大。
6、音阶练习对左右手协调能力训练作用极大。
我个人的感觉，经过训练 ch 指后，a 指难以控制自如的难题似乎迎刃而解。其实练习手指无非是练习大脑对手指的控制能力，手指、耳朵接受并反馈信息，经神经传输，大脑分析判断、发出指令，神经再传输回去。控制能力的训练是全面的，我以为不应当因为 ch 指用的少就不练习。
音阶练习常见的缺点：
1、做不连贯，象弹顿音。
2、颗粒感差，含混不清。
3、音色、力度不匀、缺乏统一性。
4、右指各指没有独立的拨弦动作，有时是一个手指带出了另一个手指。
5、左手指移动时多余动作过多。
6、只强调速度，忽视声音质量。
7、在四五六弦左指不能作到直起直落，杂音太多。
8、缺乏音乐性，表情干巴麻木。
音阶练习的基本要领：
1、手指垂直起落，抬起时的高度不可过高，以一厘米左右为宜。
2、为了连贯，下一指按实前，前一指不能抬起。
3、左手始终保持恰当的弧度，不能因为换弦而动作走形。
4、左指尽量垂直与指板，以指尖按弦，
5、发力以按实琴弦为准，不能太大。左指动作要连贯、柔和、自然。
6、速度不能求快，应以能够清晰、连贯、均匀地演奏为准，逐步提高。
7、高把位注意声音控制，不能“虚”，右指适当加力。
8、最低音和最高音最好强调一下。
9、右手各指一定要独立完成每个拨弦动作，不能“顺势”带过去，注意想邻的音音色要统一，力度也要统一。
10、最好加上不同的节拍、力度练习。
古典吉他纯音乐
远在北方孤独的鬼，这首歌曲有古典吉他纯音乐版本的。下面是小编给大家整理的古典吉他纯音乐，供大家参阅!
古典吉他纯音乐远在北方孤独的鬼鉴赏古典吉他纯音乐远在北方孤独的鬼歌词你和我都是孤独的鬼
有一样伪善的嘴
他和她都是快乐的人
看不到生命可悲
如果我带你回我北方的家
让你看那冬天的雪花
你是不是也会爱上它
远离阳光冰冷的花
你和我都是孤独的鬼
承受着满身疲惫
也许有天我们流出眼泪
那样子十分狼狈
如果我带你回我北方的家
带你回忆过去的年华
如果你愿意爱我的话
那我们明天就出发
如果我带你回我北方的家
让你看那冬天的雪花
你是不是也会爱上它
远离阳光冰冷的花
古典吉他纯音乐远在北方孤独的鬼独奏谱悲伤的电吉他纯音乐演奏
rhythm of the rain也称为雨中节奏，如此美丽的歌名，却是意思电吉他演奏的悲伤音乐。下面是小编给大家整理的悲伤的电吉他纯音乐，供大家参阅!
悲伤的电吉他纯音乐雨中节奏悲伤的电吉他纯音乐雨中节奏介绍歌手：The Cascades(瀑布合唱团)歌名：Rhythm Of The Rain(雨之韵)
这首歌被台湾著名歌手萧敬腾翻唱，并收录于其2012年发行的Live版爵士英文翻唱概念专辑《Mr.Jazz - A Song for you》中。
悲伤的电吉他纯音乐雨中节奏歌词Listen to the rhythm of the falling rain,
Telling me just what a fool Ive been.
I wish that it would go and let me cry in rain,
And let me be alone again.
The only girl I care about has gone away.
Looking for a brand new start
But little does she know that when she left that day.
Along with her she took my heart.
Rain, please tell me, now does that seem fair
For her to steal my heart away when she dont care
I cant love another, when my heart is somewhere far away.
The only girl Ive cared about has gone away.
Looking for a brand new start
But little does she know that when she left that day.
Along with her she took my heart.
Rain, wont you tell her that I love her so
Please ask the sun to set her heart ago
Rain in her heart and let the love we knew start to grow.
Listen to the rhythm of the falling rain,
Telling me just what a fool Ive been.
I wish that it would go and let me cry in vain,
And let me be alone again.
Ooh listen to the falling rain
Pitter-patter,Pitter-patter...
音乐启蒙学什么乐器最好？
文章来源：音乐周报
文|麦琼
看罗辑思维的60秒推文，谈到音乐教育的启蒙乐器问题，说他碰到钢琴家孔祥东，其推荐的启蒙乐器第一是打击乐，然后是吉他，他觉得不无道理。这是对儿童音乐教育颇有启发的话题，类似的话题在《音乐周报》也有讨论，诸如该让什么乐器进课堂？娃儿该学独唱还是合唱？看来年轻的父母对此是存在迷惑的。
按说，学什么乐器因人而异，不但要看孩子的身体条件和音乐禀赋，还要看家庭的经济基础和音乐文化氛围等。如果不考虑这些因素，就乐器本身的性能和音乐表现特性而言，确实存在入门的难易和音乐感受的优劣之分。这里不妨一议。
应该说，所有的乐器都是人们智慧的发明，都值得学习，很难就其艺术价值作优劣高低的评价。目前的世界上乐器种类之多难以数计，不过作为音乐教育常用的乐器是不多的，甚至是让什么乐器进入音乐课堂也常常让音乐教师犯难。当然，孩子们的音乐教育不一定全靠学校，事实上大多数孩子的音乐启蒙教育都是在家庭中完成的。
启蒙教育很关键，虽然仅仅是一种兴趣的引导和启发，但是这个起点往往决定孩子一生的审美取向。因此，学什么乐器可以启蒙孩子的音乐兴趣便成为了一个很现实问题。那么，孩子的音乐启蒙选择什么乐器最为合适呢？答案是很难统一的，为了将问题说得更清楚一些，我们将问题集中在学习的目的性和乐器本身。也就是说，有利于对孩子的启蒙是基本目的，至于能不能日后有所成就先不做考虑。
所谓启蒙，乃是一种初始的开导蒙昧，对于音乐而言，是对音乐的初始感觉和接受，培养对音乐的兴趣从学习演奏乐器开始无疑是最好的途径。学习乐器，一般情况下打击乐器确实是容易入门一些，弹拨乐器、键盘乐器次之，弦乐最难。但是不可以以此作为选择乐器的原则。选择乐器要考量的因素应该包括对乐器接触的好感、对乐器声音的敏感性、与乐器气质的和谐等。很多乐器在器型上就很有形式美感，譬如鲁特琴、吉他、小提琴、琵琶等，对小孩是很有诱惑力的。
当然，仅是对乐器的外形和声音感兴趣还不够，什么师傅领进门才是关键。优秀的老师掌握乐器的性能特点，对音乐美的传达解释得当，这一点往往超越对乐器的选择。不过，本题讨论的焦点是对乐器的选择，那么最先考虑的就应该是如何能让孩子们在接触乐器的初始就能产生好感，这是第一个因素。再者就是这种乐器表达音乐美的难易度、声音的亲和度等因素。
具体地说，能进入人们选择视野的乐器应该是中、西管弦乐队中的那些常规乐器，尤其是常常担任主奏的乐器。打击乐是入门最容易，常常见到小朋友打鼓很来劲，什么都能当乐器使。但是千万不要把闹着玩当成音乐兴趣的培养。打击乐的种类实在是太多，而且有它的局限性，譬如强调的是节奏，歌唱性不强，使用的多数是噪音等，其中有音高的打击乐器入门也是很难的，这一点必须清楚。
管乐器中，有人喜欢开始时使用竖笛，入门相对容易，却发现入了门，音域所限，发展的空间很窄。而长笛、黑管等门槛就比较高了。键盘乐器中，钢琴已经进入千家万户，早就没有工业革命初期那种贵族的光环了，绝不是什么所谓的“高大上”乐器，其作为启蒙乐器是很适合的。因为学习的群体庞大，自然也就出现光芒万丈的明星人物，将那些大师的神奇演奏来对照初始的学习，确实容易产生误解，好像那才是音乐，高不可攀。
其实钢琴音乐可以在很简单的小步舞曲和《牧童短笛》中感受美好的音乐，达到对音乐兴趣的培养，职业演奏家是极少数人的才能做的。弦乐器中，弓弦乐器入门是最难的，无论是小提琴、大提琴还是二胡，要拉成悦耳的调调，需要不短时间的适应和练习，选择这些乐器需要充分的心理准备和学习意志保障。相较而言，弹拨乐器对于初学者是就容易得多，古筝、琵琶、阮、吉他都是不错的选择。现实中这些乐器也是琴童学习音乐的主流，不亦乐乎。
笔者最后推荐的与罗辑思维一致，启蒙乐器建议选择吉他。音乐的美集中表现在旋律、节奏、和声等。启蒙教育应当在这些方面着力，全面的音乐表现而言，吉他（古典吉他）无疑是具有优势的乐器。它有着悠久的历史，积累了丰富的音乐作品，有着醇美的音色，既可以独奏合奏，更可以自弹自唱。笔者不同于罗辑思维的观点在于：他强调学习器乐时重视与他人建立稳固与和谐的关系，甚至说学钢琴可能变成一个孤独的宅男。
我觉得乐器学习恐怕核心意义不在于此，而在于美的感受和创造。如果美的教育功能没有完成，其他的类似社交能力合作能力、爱的表达能力等的培养显然是空话，或者说这并非音乐教育的优势所在。
众多的乐器得以流行，就是因为各自有着喜欢它的人群，每一种乐器都有自己的个性，多种乐器的流行才能呈现音乐文化的百花盛开景致，才能建构美妙和谐的交响。无论学习什么乐器，首先是要喜欢，而且都要付出艰辛的练习过程。
同时，音乐教育是爱的教育，是内在情感的和谐教育。无论选择什么乐器，都是美的探索的开始，是值得鼓励的。新年的钟声敲响，对于父母，爱是新的一年的正确开始，对于孩子们，音乐鸣响是人生的正确开始。
新手该如何学习吉他教程里的音乐理论？
2013步入尾声，通过咱们的吉他教程学习吉他的琴友们越来越多。想必这些吉他教程里最受欢迎的要数朱家明老师的《新思维吉他自学教程》，尽管新思维是是让新手们从零开始学吉他，但还是有很多新手以前完全没有接触过音乐、乐理基础为零，对于他们来说新思维吉他教程也只能看个一知半解。
所谓学之道，最是讲究循序渐进，如同练武要先打好马步，跳舞要先压好腿，学画要先学素描等之，音乐理论的学习便是从基本乐理和视唱练耳开始的。而后的高级阶段，是作曲四大件：和声、复调、曲式、配器。当然在音乐学院里，还会有音乐史、音乐欣赏、乐器学、民族音乐学、音乐美学等科目相辅相佐。这么多学科，它们间的关系如何，接着让我来一一说明吧。
先说说基本乐理~基本乐理之于音乐理论，就像小学时候的语文，处于学字认字阶段；也可以说是周岁小孩，蹒跚学步的为着跑步做准备。基本乐理的学习，一定要稳扎稳打，不能急。
视唱练耳的作用在于培养准确的音高、节奏和灵敏的内心听觉。记得刚进音乐学院的时候我最讨厌的就是视唱了，老师每天甚至会布置几条谱让我们回去背，还有带伴奏的视唱，换调号、谱号的视唱，无调性的视唱等等，当时我就觉得这科真是变态啊...呵呵！不过学完之后我就明白其实它的用处是很大的。
如果说基本乐理和视唱练耳是一个人的外貌和着装，那下面的内容便是一个人的内在修养。俗话说：看一个人不仅要看外表，更重要的是看人品啊。
和声与复调（复调也作对位学）。这两科讲的是多声部音乐里声部间常见的规律。和声讲的是音和音纵向的结合，复调讲的是线条之间横向的对位。虽然说二者研究的方向相反，虽然说各流派里二者的地位都不相同，但是它们的关系却很亲密。不管是巴洛克时期的复调音乐，还是古典浪漫派主调音乐，尤其到了现代音乐里，二者的存在都是不可或缺的。
如同是房子就会有个框架，是人就会有个模样，只要有音的存在，也就会有结构的存在。曲式学研究的就是音乐的结构。学曲式容易有个误区，容易认为段、部间的关系就是曲式学。其实曲式学还有很重要的一点就是对于音乐材料的的性质及发展的研究，这点对于作曲技法是很有指导意义的。
有音乐吧，就会有乐器，如何编配组织这些乐器，这就是配器学的内容了。里姆斯基说，良好的配器就是良好的声部进行。例如老柴天鹅湖里双簧管奏出的主题….这便是经典！当然，一般音乐学院里学习配器都是依照西洋管弦乐队作模型的，但这无碍于志向电声乐队的同志们学习配器，毕竟柏辽兹、瓦格纳、里姆斯基等配器大师都有很多配器上的技巧是值得我们借鉴的。
要学配器我们就需要弄清各乐器的特性，这便是乐器法的内容。乐器法研究包括乐器的发声方式、音域、特性音域、演奏法等等。学习音乐欣赏和音乐美学，培养我们的音乐观和美学观，它教导听众学会欣赏音乐艺术，指引作曲家的创作方向。最后，还是那句话“书上有路勤为径，学海无涯苦作舟”，吉他新手们一定要加油哦！
2020吉他入门_吉他入门的歌
吉他入门的经典歌曲梦一场，写尽人生的喜怒哀乐。下面是小编给大家整理的吉他入门的歌，供大家参阅!
吉他入门歌曲梦一场吉他谱吉他入门歌曲梦一场专辑专辑信息
专辑名称：干脆
演唱歌手：那英LA,YAN
专辑类别：国语专辑1CD
发行公司：科艺百代
出版年月：1999年7月
专辑曲目
[01]干脆
[02]白丝线
[03]相见不如怀念
[04]梦一场
[05]等待
[06]一个人的事
[07]愿赌服输
[08]想念
[09]一万一千公里
[10]毒药
获奖
第六届华语榜中榜 那英《梦一场》
吉他入门歌曲梦一场歌词我们都曾经寂寞而给对方承诺 我们都因为折磨而厌倦了生活
只是这样的日子 同样的方式 还要多久
我们改变了态度而接纳了对方 我们委屈了自己成全谁的梦想
只是这样的日子 还剩下多少 已不重要
时常想起过去的温存 它让我在夜里不会冷
你说一个人的美丽是认真 两个人能在一起是缘份
早知道是这样 像梦一场 我才不会把爱都放在同一个地方
我能原谅 你的荒唐 荒唐的是我没有办法遗忘
早知道是这样 如梦一场 我又何必把泪都锁在自己的眼眶
让你去疯 让你去狂 让你在没有我的地方坚强
让我在没有你的地方疗伤
弹奏好听的音乐需要什么？
但凡一个新手吉他入门后，都会不自觉地思考如何才能在吉他上演奏出动听悦耳的音乐？我以为有三大要素我们必须具备。只有掌握了以下三大要素，我们才能演奏出动听的、好听的、耐听的音乐。
第一是音乐的性格，每一首乐曲都应该拥有自己的性格，这一点就像我们每一个人一样，有的人刚烈、有的人温柔、有的人躁动、有的人平和；每一个人都拥有一个属于自己的性格。对于音乐也是如此，音乐有了性格才能打动人，才是有生命力的。
要想让音乐有性格，我认为有以下几点：
第一是对音乐风格的把握是否准确，我们只有知道，什么样的风格需要什么样的情绪，我们才能把正确的情绪投入到音乐里；
第二是多听多看多想；我们要找出各种风格的唱片，每一种风格都要听具有代表性的、大师的演奏。除了要听吉他的录音以外，我们还要听非吉他类的音乐，比如钢琴、提琴、交响乐、歌剧等等，听其它的乐器是怎么表现这些风格的音乐的。听完了我们还要看，我们要看和音乐有关的东西，比如我们要演奏舞曲，就应该看和我们舞曲相关的舞蹈，从舞蹈里发现给乐曲定义风格的元素。我们要演奏黑人音乐，我们就要看黑人的舞蹈和生活等等……
第二个要素是技巧，技巧是音乐是否完整的保证，有了技巧才可以把心里的音乐表现出来。这里我所指的技巧，不仅仅是演奏的技巧，我们要面对的技巧有很多种：除了左右手演奏时用到的技巧以外，还有修指甲的技巧，指甲的形状如果不适合你，会对你有非常大的影响。还有选择琴的技巧，一把不适合你的琴，会影响你演奏时所有技巧的发挥。
第三是音色，音色对于音乐的重要性是不容忽视的，我们说，性格是音乐的灵魂、技巧是音乐的肉体、而音色则是音乐的衣服。对于一首乐曲，选择适合它的音色是很重要的，我认为音色没有绝对的好与坏，只有适合不适合，只要干净就可以说是好的音色。
只是我们要注意，要把音色合理的安排到乐曲里，一首乐曲需要什么样的音色，是需要我们很仔细考虑的，这就相当于我们人类在选择衣服的时候一样，燕尾服不是谁穿都适合的。强调一点，不要以为音色就是右手的工作，在右手找音色时，左手也能给与帮助，比如加一点揉弦，这样可以美化音色。
掌握了上面三个要素，演奏出悦耳动听的音乐就不难了。当然，我们是人不是神，不可能把以上三点都做到完美，但是每一点点的进步都会表现在你的音乐里。我想只要我们努力，不管做到多少，我们都会从中得到很多快乐，这些快乐对于不弹吉他的人是永远都不能体会到的。
如何用木吉他演奏音乐的三要素？
我们为什么学吉他，为什么参加各种吉他教学，为什么看到好的吉他谱又想第一时间将其掌握？答案很简单，因为我们热爱生活、喜好音乐，试想下仅用一把简单的木吉他就能弹奏出音乐该是一件多么美妙的事情啊！那如何才能在吉他上演奏出动听悦耳的音乐呢？
我个人以为，什么吉他教学、吉他谱都不是最重要的，有三大要素才是我们必须具备，只有掌握了以下三大要素，我们才能演奏出动听的、好听的、耐听的音乐。第一是音乐的性格，每一首乐曲都应该拥有自己的性格，这一点就像我们每一个人一样每一个人都拥有一个属于自己的性格。对于音乐也是如此，音乐有了性格才能打动人，才是有生命力的。
要想让音乐有性格，我认为有以下几点：
第一是对音乐风格的把握是否准确，我们只有知道，什么样的风格需要什么样的情绪，我们才能把正确的情绪投入到音乐里。
第二是多听多看多想我们要找出各种风格的唱片，每一种风格都要听具有代表性的、大师的演奏。我个人以为，巴鲁埃克演奏的巴赫就很好，严谨、规范、庄严、具有强烈的宗教气息大卫·罗素演奏的浪漫派的音乐，更是精品中的精品，他可以把很普通的旋律，弹的出神入化的好听演奏现代派音乐的人有很多，演奏的非常好的也有很多，比如罗兰·迪安斯，我认为他和罗素一样，都有很好的、控制旋律的能力，只是他们演奏的风格不一样。
除了以上还有一点最为重要，那就是我们把要弹的曲子在心里想，仔仔细细的想，想什么地方该快？想什么地方该慢？哪里需要强？哪里需要弱？我们要把想要达到的情绪都想好，然后按照想像中的情绪去练习，你想的越细你的音乐就越有感染力，切忌不要做作，越自然越好。有了以上这些，我们就能准确地把性格和感情投入到音乐里，那么，演奏出好听的音乐的第一个要素，我们就掌握了。
第二个要素是技巧，技巧是音乐是否完整的保证，有了技巧才可以把心里的音乐表现出来。这里我所指的技巧，不仅仅是演奏的技巧，我们要面对的技巧有很多种：除了左右手演奏时用到的技巧以外还有修指甲的技巧，指甲的形状如果不适合你，会对你有非常大的影响还有选择琴的技巧，一把不适合你的琴，会影响你演奏时所有技巧的发挥挑选曲目的技巧，曲目的难度如果不适合你也不行，太难容易把自己弄得太累太容易又没有提高技巧的作用除此以外，还有持琴的技巧使用脚凳的技巧选择琴弦的技巧使用辅助工具的技巧等等。
第三是音色，音色对于音乐的重要性是不容忽视的，我们说，性格是音乐的灵魂技巧是音乐的肉体而音色则是音乐的衣服。对于一首乐曲，选择适合它的音色是很重要的，我认为，音色没有绝对的好与坏只有适合不适合，不管音色是尖还是圆是结实还是甜美只要干净就可以说是好的音色，只是我们要注意，要把音色合理的安排到乐曲里，一首乐曲需要什么样的音色，是需要我们很仔细考虑的，这就相当于我们人类在选择衣服的时候一样，燕尾服不是谁穿都适合的而文化衫也不是适合所有的场合。
一般来说，现代派的音乐，要求的音色是比较硬的，可以很尖锐浪漫派的音乐，则需要甜美圆润的音色，当然这并不绝对，只是大概可以这样去理解。对于我们弹吉他的人来说，弹出尖锐偏硬的音色并不难，比较难的是找到圆润甜美的音色，所以我们要找音色，找音色是一件非常细致的工作，除了要求手上有足够的控制力以外还要求耳朵非常的灵敏，你的耳朵越敏感你对音色的要求就越高，所以，听力的好与坏直接影响着你是否能找到甜美的音色。
这里我想强调一点，不要以为音色就是右手的工作，在右手找音色时，左手也能给与帮助，比如加一点揉弦，这样可以美化音色再比如，左手按弦的位置是否准确，如果不准确对音色也会有影响，对于左手，最重要的是圆滑音的音色，这也是最容易被人给忽略的，如果左手圆滑音的音色和右手拨弦的音色不统一，听起来就会有一点欠缺。
掌握了上面三个要素，演奏出悦耳动听的音乐就不难了。当然，我们是人不是神，不可能把以上三点都做到完美，但是每一点点的进步都会表现在你的音乐里。我想只要我们努力，不管做到多少，我们都会从中得到很多快乐，这些快乐对于不弹吉他的人是永远都不能体会到的。