即兴演奏在所有吉他爱好者心目中都是神秘的.似乎有的人才具有这样的能力.其实不是.如果你想学习即兴演奏.请作到以下几点:
1.基本功扎实.
所有的即兴全部基于你强大的手指.手指对指板的灵敏度.对各种复杂技巧结合的熟练度才能使你的即兴百变多端.假如你的基本技巧还不熟练那就不要涉足即兴.试想你的手指都还不听使唤.你又如何即兴呢?
2.对各种音阶调式的掌握.
这种能力才能使你具备音乐风格.而不是杂乱的音符的堆砌.音阶的熟练运用能使你所演奏的是一种起伏有致的音乐.不具备这种能力.你的即兴将不够优美.
3.对转调的掌握.
我们在即兴的时候.不能总在一个调式上反复.这样会很单调.这时就要用到转调.从一个调式转到另一个调式的变幻能使你的即兴层次明显.扣人心弦.
4.对各种节奏的掌握.
无可否认的是.在我们的即兴中.要按一条轨道运行.这就是节奏.失去节奏感的话.你的即兴之会杂乱无章.
5.一颗活跃的心.
一切的音乐都来自你的内心的想法.如果你本身毫无想法的去演奏.那就没有内容.而是空洞无聊的.只有你把心中想表达的一切用你心爱的吉他说出来的时候.那才是动人的.就象你说话无须事先作稿一样.但必须有你想说的.
6.不要单一的追求速度.
这是一定要避免的.即兴演奏不等于速弹.所以.重要的是我们怎样使用音符.而不是最快速的使用音符.
以上的几点是我自己学习即兴的路子.我认为十分有效.使我浑身放松.完全沉醉在自己演奏的音乐中.而不会浑身紧张.动作僵硬.另外就是我时常听些伴奏.在心中予演.然后我再实际演奏.这样反复训练自己.
还有一个就是在我们耳熟能详的一些Solo的歌曲中.我常试着换成我自己的Solo来演奏.或加入我的东西.这些是我常做的.有兴趣的朋友可以一试.当然我不敢保证一定对你有用.
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吉他自学课程 浅谈吉他创作与即兴演奏：灵感、经验和理论分析
今天我们的吉他自学课程，来说说吉他创作与即兴演奏：灵感、经验和理论分析
吉他自学课程 浅谈吉他创作与即兴演奏：灵感、经验和理论分析
个人的小见解，希望能对大家有所帮助，也希望能与大家交流，浅显之处也请大家包涵.
有的时候我们会说一个吉他手感觉很好，或没什麽感觉，我现在认为事情并不是那麽简单.我认为有三个基本因素因感觉这词而变得模糊了.也就是：灵感;经验;理论分析。
经验是起决定因素的;比如即兴演奏出一段旋律，其实是主观的感性的一种宣泄。但它却与经验有关。比如：放着一个陌生的伴奏我们即兴弹一段SOLO，为什麽我们要用某个音开头，而不用其他的呢?其实能用的音很多，但在我们的经验中，印象最深刻，一下就能想起来的，我们认为最适合这个伴奏所表达的意境的就是这个音，那我们当然会选择它来开头。而在接下来的演奏中，我们一定会选择与伴奏最相配的演奏方式，力度，音色。它也许是多位大师的技巧的融合，变异;也许是我们记忆犹心的或是经常弹奏的一段旋律，这一切都是日常的感悟和积累，也就是经验。在多次的演奏中，我们摸索出合理的一些音符的排列方式，经验会告诉我们在什麽时候演奏它们是一定不会错的。
经验，影响着一个人的演奏风格。也就可见真正有个性的艺术家，在演奏经验上也是与众不同的。他们大都博采众长，细心聆听各种音乐，有再创造的勇气与精神。而且这与众不同的经验也许从他第一次弹奏吉他就产生了。这种事当然不会只发生在大师们身上，对吧?哈哈。
理性分析主宰着作品的命运。如果做不到理性分析，就只知其一不知其二，想不出作品的来龙去脉，也不能科学的去理解一个作品的创作方法与目的。没有它很可能我们将无法继续进行作品的创作。作者掌握的知识的多少和深浅，会直接反映到作品上，比如作品的层次感就需要大量的理论知识作后盾。
所有有灵魂的作品都不是伏案苦苦挑选几个相互和谐的和弦再按套路编主旋律而作成的。它都是由一个灵感，引发演奏，在经验和理论的带动下，在演奏中完成创作的。所以：灵感是创作的源泉。它也许很巧很小，或是滔滔不绝，但要想发展好它，尤其是在即兴演奏中，经验和理论是不可或缺的。有了这只手，才能抓住并留住灵感。当然这需要有很强的实力，包括想象力。所以希望朋友们都让生活充实精彩，让大脑活跃起来，开阔视野，并让心变得细腻，灵感一定会光顾你的!
信不信由你啦。
从另一方面看，这三个方面若只注重感性的表露，作品就会苦涩难懂;若完全凭借经验和理论，作品就没了灵魂，落入俗套让人听了感觉不疼不痒.
就到此为止吧，希望你看了能有所收获，如果没有的话很抱歉。我很喜欢JAM，希望有机会能和各位面对面的弹，哈哈。
最后，感谢曾经发过好帖子的朋友们，你们给了我很大帮助，衷心的感谢你们!
关于电吉他中sweep的练习问题
一些望友在听了我的第6首kiss_piece.wma后提出一些问题,我抽空做了一下整理贴出来与大家分享.如有不道指出还请原谅.
这首曲子并不向前几首那么注重技术,换句话说就是这收曲子是以音乐为主.我个人较注重整体的东西.在3’10的地方有一段琶音,技巧主要使用Sweep与右手点弦,从技术上讲并不难,下面我较详细的说一下:
第1,2,3音SWEEP下拨,第4音左手无名指击弦.第5,6音用食指但注意食指的护弦问题第7-12音是左手击,勾加上右手点弦(T)第13,14,15音是第二弦的点弦加勾弦.第16音是完全用左手击弦发出,然后滑音至14品则发出第17音.后面就是sweep下拨.最后一个音是滑出来的.
这一段音符的设计完全是Asus47和弦内音:ADEG.在设计这一段时的目的有两个
1.为下一段坐铺垫,由一种向上的感觉(Asus47-A7-Dm7)可以看出这个是最简单的五度解决
2.增加色彩,不至于太单调
吉他入门之基本功练习原理及方法
大多数吉他爱好者初学时满腔热情，恨不得一天之内就把吉他入门。许多老师为了满足学员的急功近利要求，也搞了一些速成的教学。这种速成，对于天赋好、能力强的人可能还算适合，但对绝大多数的普通人来说，就有点拔苗助长的意味了。这样做一开始的时候还真尝到了点甜头，可是越学越感觉步履艰难，到头来只落得会按几个和弦、弹几首支离破碎的小曲子。
学习遇到障碍，大家都知道是基本功的问题。可是对于初学者来说，怎样练习基本功，是一个很困惑的事，似乎无从下手。练基本功，就是练习手指的运动能力。如果知道实际演奏时都会用到那些动作，就可进行有针对性的训练了。
先看看右手：
1.基本的拨弦动作。2.两手指交替拨弦。主要用于旋律演奏，im指用的最多。3.拨弦手指在不同琴弦上转换(跃弦)。4.各手指用不同的指序拨弦。分解和弦时常用。5.多指同时拨弦。用于和声演奏。6. p指与ima指用不同节奏拨弦。用于复调演奏。
再看看左手：
1.基本的按弦动作。2.手指的横向(跃弦)、纵向(把位移动)移动。3.两指间的交替按弦。多用于演奏旋律。4.两指的反向运动。用于和弦、和声的演奏。5.多指的反向运动。用于和弦的演奏。6.各指的不同指序按弦。用于旋律演奏。7.两指同时按弦。用于和弦、和声的演奏。8.多指同时按弦。用于和弦的演奏。9.食指横按。用于和弦的演奏。
了解双手的基本动作后，可用类似爬格子的方法，编出练习内容(类似练习曲，叫手指体操更恰当)。
练习内容编制时要考虑几个问题：
1.谱子要有规律性，便于记忆。
2.一条练习最好只涉及到一两个新的动作。这样练起来就容易些，易使动作做到位，符合渐进原则。如果动作安排的过多，就无法正常地练习(基本功不够，做不到)。例如：一开始就做和弦的转换练习，就不太合理，因为和弦转换又可以分解成好几个动作。这些动作还没逐个掌握，就要求同时学会，难度较大。
3.有了大脑的指挥，练习的效果才能显著。所以，安排练习时就要考虑迫使大脑时时刻刻都在参与中。例如：想把右手pima拨弦指序练熟(又快又均匀)，只练pima指序效果并不显著。因为用不了多久手指就成了惯性动作，甚至可一边看电视一边练，从此就丧失了大脑的指挥。有效的练习，还应加上其它的指序。
4.要有足够的练习量。例如：练习1指按弦，仅在某一个位置练习，不好控制足够的练习量(完全靠记时间，因麻烦而不易坚持)。如果把所有的品格都按完算一个练习，量的问题就比较容易保证。
如果每天拿出一定的时间，多练练吉他，用不了多久，手指的能力会显著提高。自学者可以根据练习的原理，改变练习的难度，或针对自己的情况编出新的练习。
电吉他演奏中左手的细节困惑
下面有我为大家阐述一下电吉他演奏时左手的一些细节问题:
1：关于勾弦。只针对初级学者，提倡勾弦的时候手指向下做勾的动作，不提倡直接放开手指。
2：关于推弦颤音。a摇滚布鲁斯奏法，即用大拇指扣住琴颈，以其支点和食指与手掌的连接处为共同支点，锁住按弦的手指，利用手腕的转动来制造推弦颤音
b:古典式推弦颤音：用大拇指在琴颈后面中上方用手腕的转动或直接用手指的力量完成（大多数人会用a方法因为这样比较舒服。如果用单指推弦提倡b方法，用手指的力量）
3：关于揉弦揉弦的说法很多，直接与演奏风格相连。
A：在品格里做类似走有移动的动作，确切的说是滚动，这中方法大多被古典吉他演奏者使用。
B：类似摇滚布鲁司式推弦，c做向上小幅度推弦的动作（STEVEVAI黄贯中亮子都是这做的）或向下拉的动作在恢复原位的动作来完成。
食指揉弦：食指按弦后，靠近其指甲的关节与中指的靠手掌的关节齐平过错开一点，因为着样你的食指最省力，看起来的动作也相当漂亮。他的发力d:（JOESATRIANISLASH等）手法与滚布鲁司式推弦一致，手指发类似垂直琴颈的里来完成。在如（JOESTAMP，ERICJONSON)虎口紧扣琴颈，手指发=45度的力。
c方法对左手的两个指点需要的力大一些，而d方法对手腕要求的力大一些，电吉他的一般揉弦提倡B方法中的c,d均可，幅度大或剧烈的揉弦提倡B方法中的c方法，同时如果用c,d方法对练习时间的要求很多c,d方法的优点一个手指可完成消音，因为这样琴弦都在这个手指的下方很容易护住，动作美观。用中指和无名指揉弦与食指类似，不多说。
4：关于消音：本人认为练习的时间长短直接关系着消音，而且主要是在推弦的时候产生。在速弹布鲁司时候，多频率的推弦以至你来不及用其他手指去护弦，所以弹奏的手法一定要熟练，否则你的演奏会噪音百出！一般推弦或推弦颤音的小引提倡用左手的其他手指护弦，以保证演奏的万无一失
5：速弹时手指的发力：有些人认为速弹时手指不可以“飞”，有的在演奏中飞的厉害。其实这两种观点都是片面的飞的好处，按弦有力，颗粒感好。动作漂亮。缺点：速度上不去
不飞的好处：速度快，容易找准弦，缺点：练习时间不够的话，颗粒感不好。
可见两者是互补的，提倡不飞有要辅助一点点飞，这样两者的优点都能发挥出来，前提是练习时间要达到！呵呵许多吉他手都是这么做的，如果你是一个慢手（速度太快，根本看不清手指的动作）当然是飞不起来的！
基本功练习原理及方法（初学者适用）
大家都有这样的体会，初学时满腔热情，恨不得几天就把吉他学会。许多老师为了满足学员的急功近利要求，也搞了一些速成的教学。这种速成，对于天赋好、能力强的人可能还算适合，但对绝大多数的普通人来说，就有点拔苗助长的意味了。这样做，一开始的时候还真尝到了点甜头，可是越学越感觉步履艰难，到头来只落得会按几个和弦、弹几首支离破碎的小曲子和几首小歌。学习遇到障碍，大家都知道是基本功的问题。可是对于初学者来说，怎样练习基本功，是一个很困惑的事，似乎无从下手。练基本功，就是练习手指的独立分散用力能力。如果知道实际演奏时都会用到那些动作，就可进行有针对性的训练了。
先看看右手：
1、基本的拨弦动作。
2、两手指交替拨弦。主要用于旋律演奏，im指用的最多。
3、拨弦手指在不同琴弦上转换（跃弦）。
4、各手指用不同的指序拨弦。分解和弦时常用。
5、多指同时拨弦。用于和声演奏。
6、p指与ima指用不同节奏拨弦。用于复调演奏。
再看看左手：
1、基本的按弦动作。
2、手指的横向（跃弦）、纵向（把位移动）移动。
3、两指间的交替按弦。多用于演奏旋律。
4、两指的反向运动。用于和弦、和声的演奏。
5、多指的反向运动。用于和弦的演奏。
6、各指的不同指序按弦。用于旋律演奏。
7、两指同时按弦。用于和弦、和声的演奏。
8、多指同时按弦。用于和弦的演奏。
9、食指横按。用于和弦的演奏。
了解双手的基本动作后，可用类似爬格子的方法，编出练习内容（类似练习曲，叫手指操更恰当）。
练习内容编制时要考虑几个问题：
1、谱子要有规律性，便于记忆。
2、一条练习最好只涉及到一两个新的动作。这样练起来就容易些，易使动作做到位，符合渐进原则。如果动作安排的过多，就无法正常地练习（基本功不够，做不到）。例如：一开始就做和弦的转换练习，就不太合理，因为和弦转换又可以分解成好几个动作。这些动作还没逐个掌握，就要求同时学会，难度较大。
3、有了大脑的指挥，练习的效果才能显著。所以，安排练习时就要考虑迫使大脑时时刻刻都在参与中。例如：想把右手pima拨弦指序练熟（又快又均匀），只练pima指序效果并不显著。因为用不了多久手指就成了惯性动作，甚至可一边看电视一边练，从此就丧失了大脑的指挥。有效的练习，还应加上其它的指序。
4、要有足够的练习量。例如：练习1指按弦，仅在某一个位置练习，不好控制足够的练习量（完全靠记时间，因麻烦而不易坚持）。如果把所有的品格都按完算一个练习，量的问题就比较容易保证。
练习1
左手按弦左手两指反向运动把位移动右手拨弦 相邻指交替拨弦
在1弦上：
|-1-2-2-3-|-3-4-4-5-|……|-10-11-11-12-|-12-11-11-10-|……|-3-2-2-1-|
⑴⑵⑴⑵……………………………………… ⑵ ⑴ ⑵ ⑴…………………
1、2、3----表示应按的品格位置。
⑴、⑵----表示左手1指、2指。
右手上行时用imim及mama及pipi指序（每个音拨4下），下行时用mimi及amam及ipip指序。
也在23456弦上练。
也练23、34指。
左手指尖尽量立起来，以不碰到相邻弦为原则。
手指要按到位，挨着品丝。
按弦力量要轻。
虎口不要握着琴颈。
拇指要放松，随着按弦手指调整位置。
做按弦动作的同时，另一手指要高抬（弯着）。
把位移动时不能伸手指“够”下一个音，而要靠手掌的移动（拇指放松）。
拇指轻弹时，第1关节放松，反向弯曲。重弹时，关节用力，1、2节手指在瞬间呈“僵硬”状态。
Ima指第3节手指（指根侧）主动发力，第1、2节手指配合动作。
第1、2节手指近似呈直线状态（自然的，不是用力的）。
轻拨时，第1关节放松、呈弹性状态。重拨时，第1关节用力，1、2节手指在瞬间呈“僵硬”状态。
先把各动作单独练习，然后再合在一起练。
节奏要均匀，最好用节拍器。
也练13、24、14指（注意按的不是相邻品：13、24隔一品。14隔两品）。
◎◎◎
练习2
4指顺序按弦左手跃弦右手跃弦两手配合
|-----------------------------------------------------------|-1-2-3-4-|
|-----------------------------------------------|-1-2-3-4-|-----------|
|-----------------------------------|-1-2-3-4-|-----------------------|
|-----------------------|-1-2-3-4-|-----------------------------------|
|-----------|-1-2-3-4-|-----------------------------------------------|
|-1-2-3-4-|-----------------------------------------------------------|
⑴⑵⑶⑷⑴⑵⑶⑷……………………………………………………
I m I m I m I m ……………………………………………………
M I m I …………………………………………………………………
M a m a …………………………………………………………………
A m a m …………………………………………………………………
接着：
|-----------------------------------------------------------|
|-4-3-2-1-|-----------------------------------------------|
|-----------|-4-3-2-1-|-----------------------------------|
|-----------------------|-4-3-2-1-|-----------------------|
|-----------------------------------|-4-3-2-1-|-----------|
|-----------------------------------------------|-4-3-2-1-|
⑷⑶⑵⑴……………………………………………………
按弦要留指：
1234指依次按6弦的1234品后，仍然保持按弦状态。
1指按5弦1品时，234指仍然留在6弦上。
……
直至1234指依次按1弦的1234品后，仍然保留在1弦上。
往回弹的音，从1弦4品开始（1234指仍然在1弦上）。
往回依次弹1弦的321品音时，需要432指依次离开1弦，按到2弦上。
往回弹2弦4品音的同时，1指要移到2弦1品处。
……
此练习比较难，可先在高把位练，再在中把位练，最后再到低把位练。
此练习强度较大，不可练的过苦。
留指跃弦的作用，是强化手指的独立性。
一个音拨一下，是最好的双手配合练习。
◎◎◎
到此，可以选择单旋律的曲子弹弹。
◎◎◎
练习3
两指反向运动按弦不同指序的拨弦把位移动
|----------------------|
|----------------------|
|----------------------|
|-2----|-2----|-4----|
|----------------------|
|-1----|-3----|-3----|直到12品，再往回弹。
⑵ ⑴
⑴ ⑵
ima
p
1指（按6弦1品）、2指（按4弦2品）同时按弦，p指拨6弦（1下），ima指拨4弦（3下）。
两指同时转换按弦、移动把位。
右手均匀地pima pima……的弹。
也弹pami指法。
也在35、24、13弦上练习。
也练23、34指。
隔两根弦练13、24指。
隔三根弦练14指。
此练习的主要作用：提高按和弦的能力。
◎◎◎
到此，可以学学开放式和弦，进行简单的弹唱了。
◎◎◎
练习4
食指横按多指按弦把位移动右手指法组合
|-3----|-3----|-5----|
|-1----|-2----|-3----|
|-2----|-4----|-4----|
|------|-------|-------|
|-1----|-2----|-3----|
|------|-------|-------|直到12品，再往回弹。
⑶ ⑵ ⑶
⑴ ⑴ ⑴
⑵ ⑶ ⑵
⑴ ⑴ ⑴
amim amim
p p
1指横按，23指在13弦转换按弦。
P指拨5弦，ima指拨321弦。
P指与a指同时拨弦。
用同样的方法练134、124指。
也练aimi,imam,iama,miai,maia（第一个音与p指同时拨弦）。
此练习强度较大，注意休息。
◎◎◎
到此，可以学习所有的和弦、及一些独奏曲了。
◎◎◎
如果每天拿出一定的时间，做做这些练习，用不了多久，手指的能力会显著提高。
自学者可以根据练习的原理，改变练习的难度，或针对自己的情况编出新的练习。
吉他即兴演奏
即兴，相信对于任何吉他手（甚至大师）来说，都是一门极其深奥又是永无止境的学问。何学习即兴，虽然没有一个固定的方法，但也是“有迹可寻”的。我认为，对于初学者来说，究竟如何入门，结合我的经验心得，我提出以下一些看法吧:
一、应该先练x习基本功。什么是基本功呢？我认为最初练习的就是爬格子和五声音阶，即兴的第一步就是每天把爬格子和五声音阶练的烂熟于心！
爬格子熟练了，手指的灵活性自然提高，弹奏其他快的东西和技巧性的就游刃有余；五声音阶熟练了，就可以演变都千变万化的乐句来。因此，必须首先把基本功和五声音阶熟练了，要把他们作为每天演奏的必修课，每天都要抽出一段时间练习，不能停止，因为他们是基础!
二、在熟练了五声音阶和爬格子的基础上，应该大胆尝试用五声音阶创造即兴!（一）为什么这么强调用五声音阶呢？因为五声音阶为每个调伴奏都显得协和！具体方法我认为是：先编写一段特定的和声（例如C－Am－F－G，这个可以预先录下来，我个人习惯是用GuitarPro输入和声直接播放，既简单又方便），然后仿佛播放这组和声，用无声音阶伴奏，伴奏的时候用和声的根音和组成音伴奏（例如C是1－3－5，播放到C的时候，你就可以弹1－3－5里面的音，组合就是，Am就弹6－1－3，如此类推）。上述的练习现在一个把位上的五声音阶练习，熟练了再推移到其他把位!
（二）在熟练了（一）的情况下，尝试在播放和声的情况下，创造一些五声音阶乐句，并应用一些推弦等技巧！这样的好处有：你的听音能力得到提高，有助于记住指板上的音符，一举两得！慢慢的，你就学会创造一些五声音阶乐句了，如果你觉得不过隐，可以找一首你熟悉和声走向的歌曲，用五声音阶自己去即兴，几次过后，你就会感到即兴的乐趣了！
三、熟悉二的情况下，就应该在五声音阶中加入变化音了。大家可以把五声音阶演变成布鲁斯的，大调的音阶。在演奏过程中加入例如半音，和声外音，这样会使你的即兴更具有吸引力！慢慢地，你进一步掌握了其他的的变化音阶，技巧、听音水平也到达了另一个层次，你就可以进入下一步了！
四、这个步骤是很必要的：大量弹奏大师的经典作品和短小的经典乐句。他们70％是大家即兴时候的素材，积累它们多了，即兴自然就水到渠成了！积累这些素材的主要途径就是扒带，看大师的视频演出等等，经常留意大师的一些精彩乐句和技巧，应用到自己的演奏上，会使你的演奏事半功倍！还有注意的就是：现在网上的这方面吉他谱很多，大家很容易就找到来练习。好了，如果这些你都练习的很熟练的话，恭喜你，你已经是一名吉他高手了！但我认为这样还不够的!
五、当你做到以上四部，还是不够的，为什么？因为你还是在copy别人的东西，这些东西已经被千万成功的吉他手做过了。最终提提高的途径就是创作，只有创作才是提高自我水平的源泉！创作属于自己的东西！这里存在一个问题，究竟什么时候创作合适？我认为，一边学习一边创作！当你觉得有能力创作的时候就创作吧，创作到不行的时候就再积累，认为积累够了就再创作……就是在“创作－积累－创作－……”
即兴演奏技巧
爵士乐是即兴演奏的艺术，乐手们在一首乐曲中能够连续演奏出变化无穷的乐句。他们是如何能制造出如此多的从不重复的乐句的呢？其实，在他们的很好的感觉背后，有理论的支持，还有长期练习的结果。在此课程中，我们将介绍一些即兴演奏的技巧，相信你在练习之后，也能体验到即兴演奏的自由的快感。
我们在此课程中将陆续介绍一些练习，它们能帮助你们逐步提高演奏技巧。这些练习不只适用于吉他，你可以用它们练习演奏各种乐器。要记住很重要的一点，就是在作这些练习的时候，为了达到正确的效果，一定要持续地一遍一遍地练，根据不同人的练习习惯，完全掌握这些技巧也许需要几周或者几个月的时间。把这些练习当作你的日常弹琴的一部分，最好在每一级上都花半个小时来弹奏，直到你奏出的音线足够流畅、悦耳，感觉自己可以进行下一步的练习为止。
这些练习是即兴演奏的基本练习，它们能给你带来的好处是：
-不论在纸上还是实际演奏中，都能增强你对和弦结构的了解
-通晓和弦级数和进行
-对即兴乐句的流动能够自由控制
你需要记住，这些仅仅是练习，它们并不是很棒的即兴乐句，或能让你的朋友眼花缭乱的licks，因此它们并不会很动听。这些练习的作用是丰富你的音乐语汇和锻炼你的技术，当你掌握了这些技巧之后，你会在实际的和弦进行演奏中运用到，并能感觉到通过练习给你带来的益处。
同时你的创造力也会随着技术一同增长，在你内心积累的东西总有一天会变成伟大乐句被演奏出来，你不用去依赖他人的现成的licks。一切的努力都会得到回报的。
第一级：
首先，我们要了解一个概念----Permutation，它是即兴演奏中的一个很重要的工具或说是方法。Permutation的本意是数学中的排列置换，在即兴演奏中它表示和弦音的排列组合，也就是按照和弦音的不同排列顺序来演奏和弦。
这个练习的开始，我们先要探究一下各种和弦类型的所有Permutation，对于以后的所有练习来说，这是很重要的一步，也许会花你很长的时间吸收，因此，我建议建议你一定要把当前的练习弹奏得感觉很舒服、熟练，无障碍感，再进入下一级的练习。
下面是和弦音排列组合的一个方阵：
135731575137713513753175517371531537351753177315157335715371735117353715571375131753375157317531
数字1、3、5、7代表和弦音阶中的第几音，在不同类型的和弦中，他们所代表的音会有些变化，比如在小七和弦中1357音应该是1、b3、5和b7，属七和弦的1357音应该是1、3、5和b7，半减和弦中的1357音则是1、b3、b5和b7。举具体的例子来说，Gm7的1357音是G、Bb、D和F，G7的是G、B、D和F，Gm7b5的是G、Bb、Db和F。
这个练习的方法是，找一首乐曲，逐个按照方阵中的和弦音排列组合，将乐曲的和弦从头到尾弹奏一遍。先按1357的顺序弹奏每个和弦的和弦音直到乐曲结束，反复练习，当你感觉能非常熟练的弹奏整个和弦进行之后，再换下一个排列组合1375，依此类推……练习初期阶段，在节奏上应该尽量保持稳定，可以从持续的四分音符开始弹奏，当熟练之后，可提高到八分音符。
下面是我们准备的一首供大家练习使用的乐曲，这是被众多爵士乐手演奏过的标准爵士乐曲Allthethingsyouare的前16小节。我们将第16小节的和弦做了改动，以便建立一个终止式返回开头。我们用1357和3175的排列组合做了个示范。
ALLTHETHINGSYOUAREFm7\\|Bbm7\\|Eb7\\|Abmaj7\\|Dbmaj7\\|G7\\|Cmaj7\\|Cmaj7\\|Cm7\\|Fm7\\|Bb7\\|Ebmaj7\\|Abmaj7\\|D7\\|Gmaj7\\|C7\\|13573175
当你对乐曲的所有和弦都了如指掌之后，你可以将乐曲翻成其它的调再进行练习，这样能帮助你理解更多的和弦。
吉他自学课教程 吉他的即兴演奏
今天我们的吉他自学教程，来说说吉他的即兴演奏
吉他自学课教程 吉他的即兴演奏
那些讲即兴的人，总是说要凭感觉，要多听多抓多弹多模仿，但是，这样似乎实在是太抽象了。对於某些网友而言，这种「凭感觉」对他们而言就是有些困难，他没就是感觉不出来。
我这里试图提供一种比较容易做的方法，也就是告诉你「即兴」的时候你可以做什麽，可以怎麽做。但是，我在事先要先强调几点。
一、这些方法提供出来并不就是「即兴」的解答，只是一个让你更容易进入「即兴」世界的桥梁罢了。
二、你完全学会了这些方法也并不代表你就能够即兴的很好。因为这些方法只是提供你一个参考与更快速的学习方法而已，当然，也比较不那麽抽象。
三、「即兴」这个词本身就包含了很多不能被加以「公式化」与「方法化」的意味在其中，所谓即兴就是随兴而为的嘛!因此你的即兴和我的即兴一定会有所不同，因为我们两个的兴之所在并不相同。然而那些被大家广为接受的即兴，是那些被大家所欣赏与接受的「兴之所致」。所以，你任意的弹出一些音符，可能你觉得味道不像，但是这也是一种即兴。若你一定非要学哪一种的即兴风格，那我只说你当然只能去模仿别人兴之所致时的东东啦!相对的，你要模仿的就是别人的「兴」，而这种模仿当然只能透过「听」与「抓」了。
因此，什麽叫做即兴?即兴就是随自己的喜好，即时的作出一段音乐。
你现在乱弹一下算不算即兴?算啊!只是这种风格可能你不喜欢罢了!
所以，广义的说，所有乐曲的写成。都是一种作者写曲时的即兴表现，只是他的即兴方式是写出来，你我的即兴方式可能是弹出来。
写出来的好处就是，可以让别人也分享我们即兴的成果。但是当你在弹别人写好的东西的时候，你所在做的就不是即兴了，而是必须中规中矩的把作者的意思表达出来。
在谈完了什麽叫即兴後，我们一起来看看要怎样让我们学习即兴的路程更加的迅速，更加的具像，而不再那麽的抽象只是谈多听多抓多学多模仿。
我这里提供一个很 GENERAL的方向，我告诉你大概你可以怎麽作，告诉你你可以朝哪方面努力，却尽量避免太多细节的陈述。因为一方面我没有这麽多闲工夫，此外若这些东西不是经过你自己去求知而得的，那麽这些东西也很难能够成为你所能运用自如的。当然，网路上讲音乐也是有其一定的困难程度，这也是我不愿意在网路上讲太多的原因。不过，我会尽量提供一个明确的指标，让你知道该如何走，朝那个方向努力，让你也知道一般在「爵士」中的即兴，我们要怎麽去作可以更像。
当然，无论我怎麽讲，都只是一个「方法」，还是需要各位自己去多尝试才行。而且无论怎样，你都可以是一个即兴高手，因为只要你赶尝试「新」的东西，感尝试在音乐中 DO YOURSELF，你就在即兴了。可能你这种即兴，不一定合乎「市场需求」，不一定可以被大众接受，但是，你真的已经在即兴了。我想，最好的即兴音乐家，可能就是呀呀学语的婴幼儿吧!他们可以随兴的，随自己喜好的敲击出他们想要制造的东西，可能他们打的是书本，但是，那就是他们的即兴。
要学即兴，当然可以不必非要会我以下所要讲东西，因为有很多人真的就是知道该怎样即兴，他虽然不能告诉你他自己是怎麽做的，但是他自己确实可以做得很好。
好啦!废话讲完啦，言归正传。
怎样即兴呢?怎样把各种「音阶」用在适当的地方呢?
我们学了各种音阶该怎麽用呢?
首先，你要会即兴的话，你必须至少知道下面四项事情：
一、各种和弦的构成
二、各种音阶的构成(假如你想要做蓝调的即兴，你就要多了解各种蓝调音阶的构成;假如你想要作爵士风格的即兴，你就要多了解一般爵士用的音阶的构成)
三、各种和弦与各种音阶之间的配合关系
四、各种节奏的构成
当然，这四项只是基本而已，而且事实上很多你觉得他很会即兴的人，这四项都似懂非懂，当然，只要他能即兴得好就好啦!不过，你「知」的越多，你所能够创作出来的即兴自然也就越多，而且越丰富，而不是老是即兴来即兴去就是同样的东东。
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和弦的数目与种类，多得要人命。也常常让人觉得很摸不著头脑。但是，我们整理整理，我们会发现和弦只有六种的基本形式。其他的和弦都只是这六种和弦基本形式的衍伸型。(这里不介绍哪些和弦是哪些形式的衍申型了，有兴趣的话，自己去找资料罗!)
这六种和弦的基本形式分别是：
大和弦(EX：C和弦)、小和弦(EX：Cm和弦)、增和弦(EX：C+和弦)、减和弦(EX：C。和弦)、半减和弦(EX：Cm7(-5)和弦)、属和弦(EX：C7和弦)
若不知道这些和弦是什麽东东的人，我也爱莫能助了，只能期望你自己多努力，多问人，多学点了。
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===各种音阶===
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音阶的形式也是多不胜数。我也懒得数了。我这里只以通常在「爵士」(JAZZ)中被广为使用的音阶来讲述。通常在爵士音乐中，广为大家使用的音阶至少有四种。(当然，这是「至少」不是「只有」这四种。)
这四种音阶分别是：大音阶、小音阶、全音音阶、全半音阶。
大音阶一共有十二组：分别是C大音阶(也就是由C D E F G A B等音所构成的音阶 )C#/Db, D, D#/Eb, E, F, F#/Gb, G, G#/Ab, A, A#/Bb, B等大音阶。
小音阶一共有十二组：这十二组的小音阶也跟大音阶一样，分别是C小音阶、C#/Db小音阶、...........、B小音阶(由於大音阶与小音阶是一般大家比较熟悉的东东，所以就在这里不赘述啦!不懂的，随便去问问人，应该懂得人很多才是)
全音音阶一共只有两种：所谓全音音阶就是所有音与音之间的关系与距离都是全音的关系。这两组全音音阶分别是由：
第一组：C, D, E, F#, G#, A#等音构成
第二组：C#, D#, F, G, A, B 等音构成
全半音阶一共有三种：所谓全半音阶就是由全音半音全音半音全音半音......的次序所构成的音阶。这三组分别是由：
第一组：C, D, D#, F, F#, G#, A, B 等音所构成
第二组：D, E, F, G, G#, A#, B, C# 等音所构成
第三组：G, A, A#, C, C#, D#, E, F# 等音所构成
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===和弦与音阶的配合===
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多数的问题不会发生在前两项的陈述中，问题通常发生在这里，怎麽配合ㄌㄟ?看到有网友写说，学了这麽多音阶，不会用!有什麽意义?这里试图告诉你一个非常「宽广」(BROAD)的使用音阶的方法，你可以采取部份，也可以全盘采纳，重点不是你接不接受我的说明，而是期望这样的说明能够给你一个IDEA，好让你也知道可以试著怎样来即兴看看，试著把音阶配入乐曲中，或著一段和弦的进行中，这样，你就可以开始「即兴」了.
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- 运用原则一：基本原则 -
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其实运用的原则不难，首先最基本的原则就是：使用包含和弦组成音的音阶。当然，问题来了，什麽叫做「包含」?什麽叫做「和弦组成音」?首先我们来说明何谓「和弦组成音」：
简单的说就是构成和弦的音，比如，C 和弦是由C, E, G三个音构成的，因此C 和弦的和弦组成音就是C, E, G。这样够简单吧!
那我问问你，C。和弦的和弦组成音是什麽?C+和弦呢?C△7和弦呢?Cm7和弦呢?假如这些问题你不知道，那你该加油了，赶快去找资料吧!(不是找那种吉他谱，看看这些和弦在及他上要怎麽按才能弹出来，而是要找乐理性的书或资料，找到这些和弦分别是由哪些音构成的，不然你会连「和弦的组成音」是什麽都不知道喔!)
接下来我们要讲的就是「包含」
这是什麽意思ㄋㄟ?比如，我们知道C和弦的和弦组成音是C, E, G三个音，那麽我们问，C大音阶有没有包含C和 舀台撸 答案是有，因为C, E, G这三个音都出现在C 大音阶的音阶音中。那麽我们再问，C 小音阶有没有包含C 和 舀台撸 答案是没有，因为C, G这两个音虽然出现在C 小音阶的音阶音中，但是，E 这个音(C 和弦的三音)却不出现在C小音阶的音阶音中，因此C小音阶不包含C和弦。
我们可以在问同样的问题，比如，F 大音阶包不包含C 和 舀台撸 答案是包含。那G 大音 专台撸 答案同样是包含。A的小音阶包不包含C 和 舀 ㄟ?YES !A的大音阶包不包含ㄌㄟ?NO!全半音阶的第一组包不包含C 和 舀 ㄟ?NO!全半音阶的第二组包含吗?NO!那第三组ㄌㄟ?YES !全音音阶包含C 和弦吗?NO!全音音阶包含C+和弦吗?答案是第一组的全音音阶包含，但第二组则不包含。
我们可以一直这样问下去，
合计，我们一共介绍了29组的音阶(12组大音阶+12组小音阶+2组全音音阶+3组全半音阶)。我们也总共介绍了六总的和弦基本型，而每一个基本型都有十二的和弦(也就是C 大和弦、C#大和弦......C小和弦、 C#小和弦............依此类推)因此光在这里我们就一共有了72种不同的和弦。
而每一个和弦都可以问，这个和弦的组成音是不是被包含在29组的音阶中的任一组，这样我们一共可以问2088次类似的问提，也就是：XX音阶包含XX和弦吗?
若你还对其他种类的音阶也很有兴趣，你就在多加上去，比如，各种的蓝调音阶，古典的传统音阶等等。当然，和弦也一样，你也可以在加入更多的和弦
你会说我「疯」了，这麽多音阶与和弦，我们要问这样的问题问到几年啊?其实，我没有要你一直问这样的问题。只是你必须要学会一个原则，就是判断你的乐曲现在在进行的是什麽和弦?这个和弦的组成音是什麽?哪些音阶包含了这个和弦的组成音?
OK!你现在可以使用包含和弦组成音的音阶来做即兴的材料了，比如说，你的乐团在走的是C -- F -- C 的进行，你就可以找到一堆的包含C 包含F 的音阶，然後你就可以开始跑这些音阶里面的音。随你玩，玩到你爽。假如你能够找到一个音阶，是同时又包含F又包含C的，那就更棒了。
但是这里有一个需要注意的事情，就是你在PLAY蓝调的东东时，你就尽量使用包含你们所使用的和弦组成音的蓝调音阶来作为你即兴的材料，这样你的即兴就会像蓝调，而且也不会跟整个音乐的主轴脱节(因为你是依照和弦在走即兴音阶的)。同样的你们在跑什麽风格，就用那种风格中的音阶。在跑中国调调，就用中国调的音阶罗!这样了解吧。
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- 运用原则二：避免冲突音 -
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你会发现，当你使用上面这样原则一个时候，有时候，有些音阶会准许你使用与和弦音相冲突的冲突音做即兴。这样讲或许有些人不容易了解，我举个例好了。好比，我们刚刚说到，C 和弦被包含在全半音阶第三组中。因为，C 和弦的和弦组成音C,E, G都分别同时出现在全半音阶中的第三组音阶中。也就是出现在由G, A, A#, C,C#, D#, E, F# 等音所共同构成的全半音阶中。因此，依照「使用包含和弦组成音的音阶」原则，我们可以知道，当我们遇到这个乐段的和弦是C 和弦时，我们可以使用这组全半音阶中的所有音做为我们即兴演奏时的素材，换句话说就是，我们可以使用这些音来做即兴演奏。
问题来了，当我们使用这些音的时候，实际上有许多冲突音会造成与我们的和弦(这个例子中是C 和弦)产生冲突的状况。最明显的例子就是，这组全半音阶容许我们使用C#、F#、D#等音来做即兴演奏。但是，这三个音分别与C 、G 、E 这三个音互隔半音，换言之，这三个音实际上是互相冲突的音，不适合放在一起。
然而，事情总是一体的两面，冲突音虽然产生音与音之间的冲突感，却也能够制造出更丰富更COLORFUL的和声变化，因此，我们不是要试图把这些冲突音从我们的即兴中拿掉，反而是要好好的利用这些冲突音。
当我们碰到冲突音的时候，一个最基本的应变原则就是，不要让他超过一拍。这种不要让冲突音成为超过一拍的音的方法，是诸多利用冲突音而不制造过分的音乐间的不和协感的最好方法之一。好比，在C 和弦的进行中，我们尝试著来做一段即兴的乐段，我们可以做出一个乐段如下：
C ( C
5 3b 3 3 1# 2 1 - - - ∥
- - - -
我们让3b与1#这两个与C 和弦相冲突的音只有半拍，并且，把他当作一种引导进入C和弦和弦组成音的音。这样，我们就做了一段即兴的乐句。也把冲突音融入在里面，并且，尽量的不让冲突音超过一拍，以免冲突音的冲突感太过明显当然，怎样使用冲突音是个人的喜好问题，有人就喜欢听到一推的冲突音冲突来冲突去，那也很好。反正，我们所在乎的重点不是你用了哪些音，而是你是不是「即兴」了，既然是即兴，那麽高兴就好啦!你高兴，听你弹的人也高兴，就够啦!假如没有听众，只有你自己一个人欣赏你自己的即兴，那麽，你爱怎麽谈怎麽谈，你自己
高兴就好，毕竟，这就是「即兴」。
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- 运用原则三：做出连贯的旋律线 -
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什麽叫做连贯的旋律线，这本身就是一个见仁见智的问题，有些人觉得这样的旋律线很不连贯，有些人则觉得很连贯啊!没有什麽问题!
不过，这里做出一个提醒，虽说即兴真的就是顺兴而为，但是，要让大家包容或喜爱你的即兴你就必须要配合大家的口味。(要不然就改变大家的口味，让大家喜欢你给他们的口味)而一般人，多数人，绝大部份的人，都喜欢听到的音乐是旋律线流畅而连贯的音乐。
好比说，你做出一个即兴，突然高八度一个音，低八度一个音，中央一个音，再低八度几个音，高两个八度三个音的。这种旋律线，让听者的心情跟著你跑上跑下，当然，听者的反应就会「受不了」，因为，他已经在他的工作岗位上奋斗一天了，还因此，优美的旋律线，流畅的即兴MELODY的进行线条，是很重要的。至於怎样才流畅。呵呵!抱歉，本人功力不够，只能点到为止，流畅与不流畅是由各位自己去判断的。就好像你读一篇文学作品，阿!你觉得这个作者写得很流畅，下笔如行云流水一般，请问，你为什麽会这样认为?判断标准在哪里?我们可以知道，这种判断是纯主观的，不过，我们知道，你看的作品越多，你就越会比较。同理，你听的东西越多，你就越会比较。你就越会比较自己弹奏的即兴是不是真的那麽的流畅。
糟糕!最後在这里又讲回了多听多抓多学多模仿的巢咎了。好吧!提供大家一个不是很好的方法，可以简单的判断流不流畅，不过，这个方法真的不好，应该说不够「准确」。这个方法就是「连连看」。
有空把你自己的即兴录下来，录完後想办法把你自己即兴的音符转抄在五线谱上(你说，你不会划五线谱耶!那我也没办法啦)，然後把你的所有的音连起来，看看你连起来的线条是一条美丽的抛物线，还是像跳动快速的心电图。通常，(我强调是通常)一个好的旋律现，能够画出一条美丽的抛物线，而不是心电图。
我要再说，这个方法并不好，只是给那些真的没办法用「听」的人做做参考罢了。不过，我要警告那些听得不够多的人，你不够认真。要嘛你试著找到更多的音乐并花更多的时间听音乐，要嘛你祈祷你突然有即兴的天分，要不然你就只有不要「肖想」能够弹奏得出即兴来啦!
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节奏的问题并不是我这一篇里面真正想要加以处理的问题，不过为了以示负责，我还是大概的提一下。
我们前面讲了这麽多，是告诉你你在即兴的时候可以使用怎样的素材，但是，这些素材要怎样用，却多少跟节奏有关。
我这里使用的节奏一词是很广义的称呼，这包含了拍长，与强弱重音等等。坊间有许多的有关节奏练习的书籍各位可以自己去找来看看，然而，我特别要请各位注意强弱的问题。姑且不管其他类型的音乐，至少在爵士乐中，强弱是非常非常重要的。一般人谈不出爵士的感觉(FEELING)多半是因为强弱的感觉没有拿捏准确。
要注意，你学会了各种节奏之後，要注意这些节奏不是每一击都一样的重或一样的轻。而同样一组节奏，在换了不同的轻重度之後，也可以产生出截然不同的效果来。不信你可以是著打「爱的鼓励」试试看。你可以是著把爱的鼓励打得每一下都一样大声，然後试著每一下都一样小声，试试看把全部都打得小声但是有其中的一两个音大声，再试试看把全部的音都打得小声但是其中有三四个音比较大声。你会发觉，每一种不同的重音的分布，会给你不同感受的「爱的鼓励」。因此，强弱的重要性，关於节拍，我就言尽於此了，有空，大家多多自己去搜集资料，自己努力看看吧!毕竟，你付出的努力越多，你的收获就越多。
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= 後记 =
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学完这些比较理论性一点的东西，并不代表你就会即兴了。事实上，我也在一开始讲过，许都很能够即兴的人，根本连理论都不懂，就可以做出令人欣赏的即兴了。那我打了这麽久的理论，有什麽意义呢?我认为，这样只是帮助各位仔细认真把每一个字都看完的读者，知道该怎样做，往什麽方向做，我说了，我只是建立一条桥梁，你可以走这桥，也可以选择走别处。要怎样，全看你。
像我自己，我玩即兴从来没有管过任何理论的东西，我在还不懂得上面告诉各位的这麽多东西的时候，就玩即兴玩得不错了，只是，後来的理论验证了我凭「感觉」自己玩出来的东西。
本来，要达到同一个目的，有许都不同的方法。有人先从理论面著手，有人先从听音乐去感觉著手。没有谁对谁错，也没有谁比谁有效率，只是对於某些人来说，他觉得搞这麽多理论没意思，直接听歌直接抓歌比较有意义也比较有效。但是对於其他觉得搞这麽多理论没意思，直接听歌直接抓歌比较有意义也比较有效。但是对於其他的某些人而言，他们觉得抓歌听歌这种用感觉去学即兴的方法太抽象了，因此他们愿意也想要从理论面著手。本来世界上就是有各种不同的人。那我们也就尊重每一种不同的人的不同的喜好与选择吧!
最後，我要说，音乐是表达你自己思想与感情的一种语言的形式。让你弹出来的音乐，做出来的音乐 DO YOURSELF才是最重要的。你可以照弹别然写好的谱，可以照弹那些经点名曲，但是，若不能也在这些谱中DO YOURSELF 的话，那麽你所玩的终究不是音乐，只不过是乐器罢了，而且，反而是音乐在玩你。
DO YOURSELF才是最重要的。让我们成为一个音乐家，而不是成为一个乐器匠。始讲过，许都很能够即兴的人，根本连理论都不懂，就可以做出令人欣赏的即兴了。那我打了这麽久的理论，有什麽意义呢?我认为，这样只是帮助各位仔细认真把每一个字都看完的读者，知道该怎样做，往什麽方向做，我说了，我只是建立一条桥梁，你可以走这桥，也可以选择走别处。要怎样，全看你。
2022吉他教学——教你作曲的基本理论
音乐理论说到底就是作曲理论，一般的吉他爱好者在上吉他教学课的时候，老师是不会讲台仔细的，这方面的知识都是专业的。因过于专业化而不易普及。这里仅就重要内容加以简介，以为自学者提供方便。
一、和声学
和声学是研究多个音共同发声的效果，规律的学问。若将旋律比作“骨”则和 声就是“肉”，只有有了和声，音响才变得丰满、协和、动听。和声学地位非常重 要，可谓是一切音乐理论的基础，许多音乐大师都对和声学作出过杰出的供献。但 和声学内容浩繁、规则很多，不易学好。中篇小说《你别无选择》(刘索拉著，“新 时期争鸣作品”)中的那个教授自称学了八年还没学好，可见难度之大。但掌握和声 学基本常识得益最大，值得一试。这里简单介绍一些重要的基本概念和术语。
（一）三和弦
由根音与上方三度音及上方五度音叠合而成的和弦叫“三和弦”。三和弦是构 成和弦功能的最基本的和弦，用得最多。按结构分，三和弦有“大三和弦”、“小三和弦”和“减三和弦”(只有一个)。按功能则可分为“主和弦”(主音为根音的三和弦)、“属和弦”(属音的三和弦)和“下属和弦”(下属音的三和弦)。此外，每个三和弦又有两个转位和弦。主、属、下属这三个和弦称作“正三和弦”，其余的四个叫作“副三和弦”。这四个副三和弦又分属“属功能”组和“下属功能”组。现将自然音阶的七个音所构成的所有原位三和弦分列如下：
根音 功能 种类 符号
1 主和弦 大三 T(或Ⅰ)
2 二级和弦(下属类) 小三 SⅡ
3 三级和弦(属类) 小三 DⅢ
4 下属和弦 大三 S (或Ⅳ)
5 属和弦 大三 D (或Ⅴ)
6 六级和弦(下属类) 小三 SⅥ
7 七级和弦(属类) 减三 DⅦ
除了DⅦ这个减三和弦外，其余六个三和弦都是协和和弦。
（二）七和弦，九和弦，变和弦
三和弦上再叠加一个三度音(根音的七音)形成的和弦叫作七和弦。七和弦是不协和和弦。最常用的七和弦是“属七和弦”(属和弦形成的七和弦)。重属和弦、减七和弦也时常碰到。若在七和弦上再加上一个三度音(即根音的九音)即为九和弦。九和弦也都是不协和和弦。若和弦中除根音外的某个音不按原规律而变换成另一个 音，这样的和弦叫“变和弦”。九和弦与变和弦的功能色彩比较特殊且不易把握，故应用较少;简单作品中基本不出现。
（三）和声声部
和声一般由“高音”、“中音”、“次中音”和“低音”这四个声部构成。在写和声的谱表里高音部处于最上方，低音部在最下方，中音、次中音部在当中。故常把高音部和低音部这两个声部统称为“外声部”，而中音和次中音声部则叫作“内声部”。高音部一般是主旋律声部;两个内声部主要是配置和声，也常被称作“填充声部”。和声在进行、连接中，内声部要求充实平稳，声部间不许交插。低音部始终是和声中的最低音，决定着根音，故它不仅起着基础作用，而且领导着和声的走向，其作用十分重要。 “四部和声”的写作是作曲的重要技能之一，作品不论大小，均应以此为起点(主旋律确定之后，即着手和声写作)。配器使和声织体具体化。(由于不同的乐器分属不同的声部，故总谱可按和声声部写，也可按乐器分组写：如弦乐声部、铜管乐声部、木管乐声部…)不同作曲家的和声风格往々各异：或富丽堂皇，或雄浑宽厚，或清澈透明。如瓦格纳的作品即以华丽著称。
（四）和声的进行、连接、“解决”
和声在乐曲进程中要不断地转换、变化、中止;各声部也要为此恰当地过渡， 连接。因此这是写和声的基本功。和声进行的基本特点是由“稳定”到“不稳定” 再到“稳定”;由“协和”到“不协和”再到“协和”的交替循环。其功能进行的 图式为：T-S-T，T-D-T 或T-S-D-T。小说《你别无选择》中多次提到的所谓“功能 圈”就是这个意思。该小说中还提到“解决”这个术语。这是指不协和和弦(如七和 弦)在进行，连接中向协和和弦转换的方式，其基本法则是将各声部的音向各自最靠 近的协和音过渡，如 7→1;4→3，等;而协和音保持不变。
（五）关于和声的“力度”
《你别无选择》中的那个叫森森的高材生热衷于模仿贝多芬，但由于贝多芬“力度盖世”而使得他成天在钢琴上乱砸以寻求“力度”。他的一句口头禅是“妈的，力度!”通常力度是指音响强度，用意文表示，如“p”代表“弱”，“f”代表“ 强”，“sf”为“特强”等等。但这里的力度则是另一个概念，否则用脚踩钢琴那 “力度”一定超过贝多芬。小说中的“力度”主要指音响效果的力度，即和声的力 度。和声的力度大概与和弦中包含的泛音系列的谐振频谱有关。因此也就与声部的 数量及音程距离有关。一般说来，小三和弦的力度不如大三和弦;单音程的力度不 及复音程(超过八度的音程)的力度;协和和弦的力度不如不协和和弦(减和弦除外) 。所以森森才“在九和弦再叠加一个七和弦”。
如何学习和声学：
(1)、充分理解基本概念，不必死记规则。和声学规则虽多但限制却少。况且记住 这些“禁条”就不会犯大错，因此应先记“禁忌”。
(2)、坚持做习题。音乐不同于数理化，它无绝对的标准，习题也非一种答案。只有多做多练才会记牢，提高。
(3)、多听名曲。这实际上是最有效的手段。初学者可多听简单，好懂又好听的曲子。
二、曲式学
曲式是指乐曲的结构形式。有“单段体”、“两段体”、“三段体”、“变奏 曲式”“奏鸣曲式”及“回旋曲式”等。各主题乐段用“A，B，…”表示。如“两 段体”的曲式图式是“ AB ”;“段体”的图式是“ ABA”，第三段 A与 第一段基本相同。儿童歌曲多为两段体甚至一段体;通俗歌曲多是三段式。而“圆 舞曲”则常采用回旋曲式。
三、复调
“复调”是相对于“主调”而言。如果只有一个声部担任主题旋律，其它声部仅起衬托作用，这样的音乐叫主调音乐。如果旋律声部不只一个，且各声部横向上彼此具有独立性，纵向上构成和声关系，形成和协的有机整体，则这样的音乐叫作“复调音乐”。复调音乐中，各声部的旋律依主次关系被称作“主旋律”、“副旋律”。主旋律只有一个。复调是重要的作曲技法，应用甚广，其理论基础是和声学。“赋格”是复调曲式之一，巴赫将其技巧发展成熟。
四、对位法
对位是“复调音乐”写作技法之一。它以和声学为理论基础，使各声部既协和又相对独立。如重声合唱(三重唱，四重唱)就是用对位法写的。对位法又有“严格对位”和“模仿对位”之分。俄、德音乐理论家推崇、恪守严格对位。
五、旋律
旋律就是曲调。它是一乐曲区别于它乐曲的根本特征，好似建筑物的风格和韵律。“音素”构成“动机”，动机进一步发展成主题从而形成旋律。具体说来，一 定的“音型”、“节奏型”按特定的节奏节拍规律组合形成旋律。旋律具有视觉性 ：它体现在旋律线(符头的连线)上。早期有些音乐家追求“旋律线的优美”，认为 好的旋律视觉上也应是美的。旋律的创作一靠天才二靠灵感三靠实践。旋律写作的技巧性是很强的，其发展手法多种多样，最为丰富。常用的发展手法有：重复，模进，模仿，紧缩，扩展，变化，对比，变奏等。多数概念的讲解要通过板示和视听。(见音乐欣赏讲座(3))。
六、配器
配器法是管弦乐的写作技法，故又称为“管弦乐法”或“乐器法”。但对于一切乐队的演奏乃至于通俗歌曲的伴奏都离不开配器的运用，因此学一点配器知识很有实用价值。学习配器法是要解决如下问题：各种乐器的发声原理，音色，音量及演奏法等 ·各种乐器间音量上的匹配关系 ·正确地选用乐器以求正确地表现作品的主题及风格。
现假设一个例子：我写了一部小提琴协奏曲。但小提琴手拿到谱子后来找我说：没法拉。我坚信写作没有问题：旋律优美、和声丰满。问题在哪?可能有三。一是分谱的音域不对，上限或下限超出小提琴的音域范围。二是我把三和弦写成三个音，而小提琴最多只能同时拉出两个音，琴手当然没法拉。三是和弦音程过大：如一个音在G弦(四弦)上，而另一个则跑到了A弦(二弦)上。当中隔着一根弦，你让他(她)怎么拉?! 再如，一个乡镇企业发了以后买了一堆洋乐，组成了乐团，排演了节目，遂请专家光临指导。可指挥看后大摇其头，表示爱莫能助。原因是⑴乐器数量不匹配，有些超过大型乐团;⑵不讲配器，搞大齐奏，这是专业乐手也难以办到的。
以上两例失败原因盖出于不懂配器常识。此外，在通俗歌曲伴奏中，若不适当运用配器法也可出现一些问题，如“杂乱无章”，“喧宾夺主”之类。但电声乐器的发音、音色、功能特点及演奏技巧等都与传统乐器迥异，自成体系，故传统配器法基本不适合于纯电声乐队。
2022吉他教学——吉他入门之基本功练习原理及方法
大多数吉他爱好者初学时满腔热情，恨不得一天之内就把吉他入门。许多老师为了满足学员的急功近利要求，也搞了一些速成的教学。这种速成，对于天赋好、能力强的人可能还算适合，但对绝大多数的普通人来说，就有点拔苗助长的意味了。这样做一开始的时候还真尝到了点甜头，可是越学越感觉步履艰难，到头来只落得会按几个和弦、弹几首支离破碎的小曲子。
学习遇到障碍，大家都知道是基本功的问题。可是对于初学者来说，怎样练习基本功，是一个很困惑的事，似乎无从下手。练基本功，就是练习手指的运动能力。如果知道实际演奏时都会用到那些动作，就可进行有针对性的训练了。
先看看右手：
1. 基本的拨弦动作。
2. 两手指交替拨弦。主要用于旋律演奏，im指用的最多。
3. 拨弦手指在不同琴弦上转换(跃弦)。
4. 各手指用不同的指序拨弦。分解和弦时常用。
5. 多指同时拨弦。用于和声演奏。
6. p指与ima指用不同节奏拨弦。用于复调演奏。
再看看左手：
1. 基本的按弦动作。
2. 手指的横向(跃弦)、纵向(把位移动)移动。
3. 两指间的交替按弦。多用于演奏旋律。
4. 两指的反向运动。用于和弦、和声的演奏。
5. 多指的反向运动。用于和弦的演奏。
6. 各指的不同指序按弦。用于旋律演奏。
7. 两指同时按弦。用于和弦、和声的演奏。
8. 多指同时按弦。用于和弦的演奏。
9. 食指横按。用于和弦的演奏。
了解双手的基本动作后，可用类似爬格子的方法，编出练习内容(类似练习曲，叫手指体操更恰当)。
练习内容编制时要考虑几个问题：
1. 谱子要有规律性，便于记忆。
2. 一条练习最好只涉及到一两个新的动作。这样练起来就容易些，易使动作做到位，符合渐进原则。如果动作安排的过多，就无法正常地练习(基本功不够，做不到)。例如：一开始就做和弦的转换练习，就不太合理，因为和弦转换又可以分解成好几个动作。这些动作还没逐个掌握，就要求同时学会，难度较大。
3. 有了大脑的指挥，练习的效果才能显著。所以，安排练习时就要考虑迫使大脑时时刻刻都在参与中。例如：想把右手pima拨弦指序练熟(又快又均匀)，只练pima指序效果并不显著。因为用不了多久手指就成了惯性动作，甚至可一边看电视一边练，从此就丧失了大脑的指挥。有效的练习，还应加上其它的指序。
4. 要有足够的练习量。例如：练习1指按弦，仅在某一个位置练习，不好控制足够的练习量(完全靠记时间，因麻烦而不易坚持)。如果把所有的品格都按完算一个练习，量的问题就比较容易保证。
如果每天拿出一定的时间，多练练吉他，用不了多久，手指的能力会显著提高。自学者可以根据练习的原理，改变练习的难度，或针对自己的情况编出新的练习。
吉他技巧之推弦的基本方法与基础知识讲解
众多吉他小技巧中，推弦应该是相对比较简单的，但很多初学者在吉他入门之前仍然对此表示非常困难，在吉他教学的过程中，常常会尝试着推，但都不能有很好的效果，那么推弦究竟是怎么一回事，请接着往下看。
1、杂音
推弦时的杂音怎么解决?可以用右手消音，你可以用食指貼住其他線來推弦。最好右手锁定，用右手手掌护住，还有左手也要注意，垂直点，我最早练琴的时候也是。
2、应用范围
木吉他推弦一般在哪几跟弦上进行?调到标准音，最多能推多少度?一般来说，1、2、3弦往上推;4、5、6弦往下拉。民谣如要使用推弦，在标准音律上只能推小2度。如果实在急需用推弦，则可把所有弦下调至bB调，便可以最多推小3度。如果急需用大3度推弦，则可把所有弦下调至A调。
3、适用手指
早期的很多吉他手用小指推弦，但90年代的大部分吉他手用3指代替。用3指推弦更容易上手，可以减轻小指的负担。遇到双音推弦，应该用2指和3指!而不用3、4指。要彻底放弃小指推弦。
如何推弦——推弦的时候应该是手腕发力的，如果用手指发力肯定不对，最起码的后果是严重磨品。书上面的图解比较详细，按它的说明练，应该没有问题的。平时没事的时候可以用左手搭在自己的右手腕上找找感觉。手腕基本上是向右转动，注意是平行而不是垂直，手指与手腕垂直，这样在手腕转动时，手指就自然将弦推过去了，千万不能手指发力，否则很容易钻到下一跟弦的下面去，这样的结果很容易把品磨坏不说，出来的音色就特别容易“脏”，不好制音，还是按照标准的工作来吧。推弦这东西和吉它其他的技巧差不多，就是找感觉，练着练着只要找到感觉了，以后就觉得越来越顺。