吉他教学课程中讲到，古典吉他被誉为同钢琴、小提琴并列的世界三大乐器之一。它是一种根据150年前式样成型的以尼龙弦发声的乐器。古典吉他主要用于演奏古典乐曲，从演奏姿势到手指角弦都有严格要求，技巧精深，被认为是吉他艺术的最高形式。
古典吉他在指板上由弦枕到琴柄与琴箱结合处是12品格，指板较宽，使用尼龙弦，音质纯厚。十九世纪以前，吉他既有四根复弦、五根复弦，也有六根单弦。到了十九世纪，西班牙的制琴家对吉他进行了改良，从此开始了一个真正现代意义上的吉他时代。1946年，美国科学家伯特.奥古斯汀开发研制出了尼龙弦，对吉他的音色、音量都有了极大的改观，从此完全取代了羊肠弦。
从艺术价值角度看，古典吉他是吉他家族中艺术价值最高的，吉他崇高的艺术地位正是由于古典吉他的发展才获得的。吉他是从中世纪时依贝利亚半岛的弹拨乐器发展而来的。早在八世 纪和九世纪时就有了阿拉伯吉他和拉丁吉他，最早的吉他音乐是由十三世纪时卡斯提利亚国王阿尔风索十世开始萌芽的。到了十五世纪，阿拉伯吉他进化为鲁特琴体 系，而拉丁吉他进化为比维拉琴。十六世纪，比维拉琴改用手指弹奏，在王室贵族民间广泛流传。在西班牙最盛行的时期是1535-1578年间。鲁特琴亦于十 六世纪奠定了古典音乐的基础，直到今天仍然活跃在吉他乐坛上。
从乐器的角度看，古典吉他的构造与其他如弗拉门戈吉他、匹克吉他、民谣吉他以及电吉 他有明显不同;其次从演奏方法上讲：古典吉他以独奏、重奏为主，指弹并结合各种特殊演奏技巧;而弗拉门戈以扫弦为主，匹克吉他则用拨片演奏，电吉他更多使 用效果器和摇把等;最后从音乐的表现来讲：古典吉他细腻而多变的音色，丰富的和声，多声部的演奏能力，对不同时期、不同风格不同民族的能诠释自如。 j961.cOM
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有关音阶练习的一些方法建议
吉他教学里，有很多种练习的方法，而音阶练习是一种最佳的音乐练习形式，因为它将手指的灵活和双手的协调练习与速度、力度和耐力的培养结合在了一起，还能从中得到宝贵的乐耳锻炼与节奏训练。你只要有规律的正确练习，就能自然而然的得到所有这些收获。
要知道这世界上根本就没有一种所谓的正确练习方法，而对于你来说，最好的练习方法是你自己养成的。任何联系方法的关键是要有计划，而且要严格按照计划练习。现在你已经知道了，就你的弹奏而言，最严厉的评判永远只会是你自己，要运用下面这些评判方法来帮助你保持正确的练习。
下面这些建议—其中一些很具体，另一些则是泛泛的—将帮助你制定出自己的练习规律。要特别注意每一条建议—事实上，你迟早会运用这些建议的。
1、如果你每天练习一个小时，那么你应该花十到十五分钟来练习音阶。要按这个比率根据你每天的总练习时间相应增加或减少音阶练习时间。
2、每次练习开始时，可以先弹奏一些比较容易或比较熟悉的练习—比如，一个顺琴颈半音级进(既一个品格一个品格的上下级进)的八度大调音阶音型。
3、弹奏每个音阶练习时要将它唱出来。在学习用新的指法弹奏一些听上去熟悉的音阶时，这种方法尤其有用，因为这有助于你提高耳朵与手的协调性。这种技巧也能使那些好的即兴演奏者自如的弹奏他们能够想到的任何旋律乐思。
4、交替进行机械性和音乐性的弹奏。试着对练习进行一些句法和圆润性处理，可以包括机械性的断奏和流畅而富有表现力的圆滑演奏。
5、使用节拍器和鼓机。良好的速度感和节奏感对任何音乐来说都是至关重要的。节拍器能够帮助你在提高弹奏速度时记录下你的进展。记住，千万不要在你还没有掌握好之前就用较快的速度进行弹奏。
6、试着用节拍器或鼓机给你提示一个速度，然后再关掉节拍器，弹奏音阶或者音阶练习。弹奏结束后，重新打开节拍器，看看你在结束时的速度是否与开始的速度相同。(在弹奏速度极慢的练习时，这简直可以算是试金石—不信你试试看!)。
7、试着在鼓机的伴奏下弹奏交叉节奏。例如，你可以在鼓机弹奏连续八分音符时用低音吉他弹奏三连音音型，这样你就能练习三拍和两拍的对比。你也可以在鼓机弹奏曳步舞曲音型时弹奏连续的八分音符，这样你就能练习两拍与三拍的对比。
8、倒过来弹奏你所熟悉的音型，或者从不同的地方开始弹奏。我们习惯于认为音阶总是先上行，然后再下行。为了增加一些变化，你可以先弹奏下行音阶，然后再弹奏上行音阶。如果你想看看自己对某一种特定的指法究竟掌握到什么程度，你可以从中间某个地方开始。
9、运用音阶来学习新的右手技巧。如果你弹奏时主要运用匹克(即拨片)，那么你可以试着用下面的手指拨弦法练习；当然，如果你主要运用手指拨弦法，你也可以试着运用匹克拨弦。选择一些熟悉的音阶音型，这样左手部分就能完全自然运动。
吉他琴弦的基本知识
1. 好的吉他琴弦应该具有好的音质、定弦快、音高稳定、良好的可演奏性（手指有安全感，琴弦反应敏锐）以及长的寿命（如果你一天弹琴2小时，那么琴弦应该大约可使用3个月）。
2. 不同品牌或是同一品牌不同型号的琴弦，通常是厂商们试图在上述5个方面追求更高可能性的结果，或者是他们试图在某个特定方面有不同表现（如明亮或柔美的声音等等）。他们通过调整琴弦的组成材料（增减低音弦中银的含量或是高音弦中碳的含量等等）以及工艺流程来实现他们的目标。琴弦的制造并不是一个精密科学，每个牌子的琴弦都有它独一无二的特性，也都有好和不尽人意的地方。没有任何一家厂商生产的琴弦是最好的或是完美的。
3. 听取别人的意见是个很好的主意，但是要注意，不同的人在评价琴弦时会有不同的标准。比如说，一个乐器制作家一般会比较偏爱没有太多特色的琴弦（既不要太明亮也不要太柔美），这样才可以突出吉他本身的特性。而一个演奏者则常常有自己特定的声音选择（如朴实的低音、明亮的高音等等）。而这些喜好并不具有绝对的美学标准，它取决于吉他本身以及演奏者的风格。因此，一套中规中矩的琴弦并不一定是最好的选择。
4. 琴弦的张力是一个大的方面，有很多可说的东西，张力对于琴弦来说是必须的，我们依靠对张力的调张使琴弦达到不同的音高，一般说来：
（1）张力的等级一般分为超低、低、中等、高、超高五个级别。
（2）一条弦上的张力等级取决于厂商所确定的标准长度（比如达达里奥是648毫米，如果琴弦装到吉他上后，使用长度超过了648毫米，那么就会需要更高的张力，如果少于648毫米，那么需要的张力就会比较小，因此，在考虑琴弦张力时，不要忘了不同的标准长度。
（3）张力越高的琴弦越粗。
（4）琴弦越粗，声音越柔美圆润。
（5）材料越硬声音越明亮（如碳高音弦）。
（6）张力越低按弦越舒适，但也增加了打品的可能性（当然，打品的问题主要还是看吉他本身）。
（7）张力越大并不意味着音量越大。张力较高的琴弦会振动得更加猛烈，但是这种振动的形式在音量方面并不起主要作用。吉他本身，尤其是它的内部构架在这方面扮演着重要得多的角色。举一个典型的例子：一套超高张力的琴弦很可能由于给面板施加了太大的压力而使面板开始阻碍声音的发出。
（8）在考虑使用超高张力琴弦时，一定要先向您的吉他的制造商核实一下您的琴对于琴弦张力的承受能力。很多制作家都不会您在他们的吉他上使用超高张力琴弦。
（9）大多数演奏者都会对中等张力、高张力或者中等和高张力混用的琴弦感到舒适。我不大家使用低张力或超低张力的琴弦，因为它的声音之薄肯定超出了大多数演奏者的想象。
吉他入门指法基本知识
在吉他的弹奏过程中主要是左手指法和右手指法的相互协调与配合才有了那些动听美妙的琴声，那么大家要想学习一些吉他入门指法吗?下面和小编一起去了解一下吧，希望对你有帮助!
吉他入门指法基本知识一：和弦的按法如下图C和弦需要用到左手的1食指、2中指、3无名指，即左手食指按2弦1品;左手中指按4弦2品;左手无名指按5弦3品。
下图F和弦的按法：左手食指横按吉他1品;左手中指按3弦2品;左手无名指按4弦3品;左手小指按5弦3品
吉他入门指法基本知识二：左手按弦首先拇指应置于琴颈正后方最凸处，虎口不要抓到琴颈如下图1所示;然后各指按弦应尽量与指板垂直如下图2所示;其次按弦的手指不要碰到别的弦。
吉他入门指法基本知识三：右手指法吉他弹奏中右手主要负责拨弦、扫弦当然还包括了击弦，切音等等一些弹奏技巧，不过这节主要是基础教程所以讲述的是拨弦与扫弦。
一般吉他弹奏中我们分别用字母p、i、m、a、ch表示即：p大拇指、i食指、m中指、a无名指、ch小指。吉他弹奏时我们用p拇指向下拔4、5、6弦，用i食指、m中指、a无名指分别负责向上勾弦，食指3弦、中指2弦、无名指1弦，当然小指也会用到的哦(这里暂时不讲)。
民谣吉他右手勾弦弹奏时右手的指甲长度以及形状有所要求，我们从指肚一侧看时，指甲的指尖应露出大约1.5毫米-2毫米的样子
2022吉他教学——有关音阶练习的一些方法建议
吉他教学里，有很多种练习的方法，而音阶练习是一种最佳的音乐练习形式，因为它将手指的灵活和双手的协调练习与速度、力度和耐力的培养结合在了一起，还能从中得到宝贵的乐耳锻炼与节奏训练。你只要有规律的正确练习，就能自然而然的得到所有这些收获。
要知道这世界上根本就没有一种所谓的正确练习方法，而对于你来说，最好的练习方法是你自己养成的。任何联系方法的关键是要有计划，而且要严格按照计划练习。现在你已经知道了，就你的弹奏而言，最严厉的评判永远只会是你自己，要运用下面这些评判方法来帮助你保持正确的练习。
下面这些建议—其中一些很具体，另一些则是泛泛的—将帮助你制定出自己的练习规律。要特别注意每一条建议—事实上，你迟早会运用这些建议的。
1、如果你每天练习一个小时，那么你应该花十到十五分钟来练习音阶。要按这个比率根据你每天的总练习时间相应增加或减少音阶练习时间。
2、每次练习开始时，可以先弹奏一些比较容易或比较熟悉的练习—比如，一个顺琴颈半音级进(既一个品格一个品格的上下级进)的八度大调音阶音型。
3、弹奏每个音阶练习时要将它唱出来。在学习用新的指法弹奏一些听上去熟悉的音阶时，这种方法尤其有用，因为这有助于你提高耳朵与手的协调性。这种技巧也能使那些好的即兴演奏者自如的弹奏他们能够想到的任何旋律乐思。
4、交替进行机械性和音乐性的弹奏。试着对练习进行一些句法和圆润性处理，可以包括机械性的断奏和流畅而富有表现力的圆滑演奏。
5、使用节拍器和鼓机。良好的速度感和节奏感对任何音乐来说都是至关重要的。节拍器能够帮助你在提高弹奏速度时记录下你的进展。记住，千万不要在你还没有掌握好之前就用较快的速度进行弹奏。
6、试着用节拍器或鼓机给你提示一个速度，然后再关掉节拍器，弹奏音阶或者音阶练习。弹奏结束后，重新打开节拍器，看看你在结束时的速度是否与开始的速度相同。(在弹奏速度极慢的练习时，这简直可以算是试金石—不信你试试看!)。
7、试着在鼓机的伴奏下弹奏交叉节奏。例如，你可以在鼓机弹奏连续八分音符时用低音吉他弹奏三连音音型，这样你就能练习三拍和两拍的对比。你也可以在鼓机弹奏曳步舞曲音型时弹奏连续的八分音符，这样你就能练习两拍与三拍的对比。
8、倒过来弹奏你所熟悉的音型，或者从不同的地方开始弹奏。我们习惯于认为音阶总是先上行，然后再下行。为了增加一些变化，你可以先弹奏下行音阶，然后再弹奏上行音阶。如果你想看看自己对某一种特定的指法究竟掌握到什么程度，你可以从中间某个地方开始。
9、运用音阶来学习新的右手技巧。如果你弹奏时主要运用匹克(即拨片)，那么你可以试着用下面的手指拨弦法练习；当然，如果你主要运用手指拨弦法，你也可以试着运用匹克拨弦。选择一些熟悉的音阶音型，这样左手部分就能完全自然运动。
吉他教学方法——吉他琴弦的基本知识
1. 好的吉他琴弦应该具有好的音质、定弦快、音高稳定、良好的可演奏性（手指有安全感，琴弦反应敏锐）以及长的寿命（如果你一天弹琴2小时，那么琴弦应该大约可使用3个月）。
2. 不同品牌或是同一品牌不同型号的琴弦，通常是厂商们试图在上述5个方面追求更高可能性的结果，或者是他们试图在某个特定方面有不同表现（如明亮或柔美的声音等等）。他们通过调整琴弦的组成材料（增减低音弦中银的含量或是高音弦中碳的含量等等）以及工艺流程来实现他们的目标。琴弦的制造并不是一个精密科学，每个牌子的琴弦都有它独一无二的特性，也都有好和不尽人意的地方。没有任何一家厂商生产的琴弦是最好的或是完美的。
3. 听取别人的意见是个很好的主意，但是要注意，不同的人在评价琴弦时会有不同的标准。比如说，一个乐器制作家一般会比较偏爱没有太多特色的琴弦（既不要太明亮也不要太柔美），这样才可以突出吉他本身的特性。而一个演奏者则常常有自己特定的声音选择（如朴实的低音、明亮的高音等等）。而这些喜好并不具有绝对的美学标准，它取决于吉他本身以及演奏者的风格。因此，一套中规中矩的琴弦并不一定是最好的选择。
4. 琴弦的张力是一个大的方面，有很多可说的东西，张力对于琴弦来说是必须的，我们依靠对张力的调张使琴弦达到不同的音高，一般说来：
（1）张力的等级一般分为超低、低、中等、高、超高五个级别。
（2）一条弦上的张力等级取决于厂商所确定的标准长度（比如达达里奥是648毫米，如果琴弦装到吉他上后，使用长度超过了648毫米，那么就会需要更高的张力，如果少于648毫米，那么需要的张力就会比较小，因此，在考虑琴弦张力时，不要忘了不同的标准长度。
（3）张力越高的琴弦越粗。
（4）琴弦越粗，声音越柔美圆润。
（5）材料越硬声音越明亮（如碳高音弦）。
（6）张力越低按弦越舒适，但也增加了打品的可能性（当然，打品的问题主要还是看吉他本身）。
（7）张力越大并不意味着音量越大。张力较高的琴弦会振动得更加猛烈，但是这种振动的形式在音量方面并不起主要作用。吉他本身，尤其是它的内部构架在这方面扮演着重要得多的角色。举一个典型的例子：一套超高张力的琴弦很可能由于给面板施加了太大的压力而使面板开始阻碍声音的发出。
（8）在考虑使用超高张力琴弦时，一定要先向您的吉他的制造商核实一下您的琴对于琴弦张力的承受能力。很多制作家都不会推荐您在他们的吉他上使用超高张力琴弦。
（9）大多数演奏者都会对中等张力、高张力或者中等和高张力混用的琴弦感到舒适。我不推荐大家使用低张力或超低张力的琴弦，因为它的声音之薄肯定超出了大多数演奏者的想象。
浅谈扒歌的一些基本方法和注意事项
一个吉他爱好者从开始接触吉他，到吉他入门，再到以后的各个水平，这样一路走来，过程是比较漫长的，但是在这个过程中更多的应该是收获和喜悦。就拿扒歌来说吧，到了一定的水平，你可能对扒歌就有了很大的兴趣，并且极其渴望能扒出自己满意的歌曲。吉他教学都会有所涉猎，在这里也为大家谈谈扒歌的方法吧!
首先﹐扒歌一定要把你的吉它调好音﹐且不论你的吉它是否标准音﹐如果你连这个也没有把握做到的话﹐那你还是再努力练习多些日子吧﹗你最好能找到这首歌的简谱，或者和弦，这可是帮你很大的忙呀﹗都没有找到﹐自己动手丰衣足食了﹗这时你最好能把你吉它调成标准音﹐这样有助于你扒简谱。常常有些朋友说“我对扒调子感到无从下手呀!”这里我教你一个最最通俗的方法：把歌的前面两句哼一下，再以你平时掌握的音阶弹两下，不就知道吗﹗简谱有了那一切就比较好办了﹐我们可以先别急着扒歌﹐利用简谱自己先来配和弦。这可是很可能你将来能变成高手的路哦﹗而且这样也会省不小的工夫。能把这些都做好了接下来就简单了。讲到这我要强调一点就是：大多数吉它爱好者扒歌不必也没必要把歌一音不漏地扒出来，作为业余爱好者能拿着吉它弹唱对于自己或是别人来说都已经是很满足的了，别一定要把自己训练成高手才罢休啊﹗记得刘传的书曾经有一句这样的话“喜欢足球的人不一定能踢得很好”很多人就太执着,到后来也不是一场空﹗和弦配好了扒歌起来自然得心应手了，这也没什么好方法还是看大家的听力了。
前奏、间奏、尾奏作为扒歌者，就是去听除主旋律外的伴奏音。但是往往有钗h因素影响着我们大家，特别是主旋律了。所以利用好前奏和尾奏的伴奏音是有相当的份量的。那尾奏呢?尾奏也是同样，不过以我个经验得出，现代流行歌曲特别是摇滚乐，在结尾部份通常加入某些不协调的和弦和不同的伴奏指法以加强歌曲的回响感觉，这点我们一定在多加注意喔﹗
我个人意见来说，扒歌扒得好与不好除了大家的乐感以外还有一个重要的因素，你的音频器材。试想一下如果你听的音乐好象隔了一层雾的﹐调子又不一样﹐你能扒得出来吗﹖所以要求大家选择的音频器材要好一点是必要的。我比较推荐用磁带来扒歌﹐因为倒带起来很方便。不过要提醒大家一句﹕经常扒歌会令你的心爱WALKMEN等等这些寿命短一大节啊!同时有些机子的转速是不一样的﹐这会导致我们听起来的调就不同。当我们扒一些比较吵杂的歌时(而致使你想扒的那种乐器很难听出来时)﹐这时我们就要很好地利用好和弦了﹐毕竟任何的歌曲在编配方面都是从和弦音作为出发点的﹗这是很重要的啊﹗
还有一个我个人的技巧﹕一般歌曲的BASS吉它声音是比较小﹐更有些歌是很难听出来﹐自己配又好象没有原味感觉。如果你的CD机或WALKMEN是高等贷的话﹐那它一定会带有“超重低音”的选择弁鄋满M这时我们把它打开﹐BASS音就会清澈了钗h﹐但是对于扒歌来说还是远远未能是最好。我们再加接一台巧阋驉M﹐再把低音选择调至适度(注意不要太大声否则耳机会出现刺耳的声音)听双重BASS﹗快点试一下吧，如果你有更好办法请和大家一起来分享啦﹗
还有就是﹐扒歌时有个重要的敌人。当然就是自己了﹐你的“习惯动作”，不论是你﹐是我﹐是他﹐每一个人都有自己的做事的动作特点。自然弹吉它也不例外。我们观察刘传写的书时他的很多歌的节奏都是相同的﹐其实这并不是这些歌的节奏都是这样子﹐只是他在编配歌时习惯性用自己的节奏加以编配而已。大家看得出来吗﹖当我们听那些创作型歌手的一张张专缉时﹐歌曲节奏型和技巧有很多相同﹐当中其实就是这个原因了。所以总有人说扒歌能学到很多技巧是有其中的道理的。扒歌其实就是学别人弹吉它的动作。了解了这一点后﹐我们以后扒歌时就要多加注意了。
扒歌不应是一个一个音地听﹐而是尽可能一小节一小节地听﹐去记﹗ 作为业余的音乐爱好者掌握的音乐知识是有限的﹐扒起歌来自自然然就会精神高度地集中﹐这样会使你很快出现疲劳﹐出现这种情形时也不必勉强了自己了﹐停下来休息片刻吧﹗头脑清醒音才会听得准﹗
扒带初学者忌﹕
一, 心浮气燥﹐急于求成。 刚开始学扒带时﹐切忌用比较复杂的歌曲﹐如﹕摇滚的。易用曲中吉它音明显(最好是全部是)。
二﹑未定标准调。这是初学者普遍的问题﹐如果吉它未定标准调﹐那么在扒带时﹐是无法按歌曲中的贝司音找对和弦的﹐定标准调的方法很多﹐可用口琴定调﹐比如﹕口琴的“do”音对应吉它五弦的三品音色。对好之后﹐其余的弦即可按一般调弦的方法进行调配。
吉他琴弦的基本知识：如何选择好的琴弦？
通过吉他谱演奏出优美的旋律，当悦耳的音乐绕梁三日，让你回味无穷之候，你是否想到这样美妙的声音跟琴弦有着莫大的关系。尚未吉他入门的朋友们更应该从开始就严格要求自己，在选择琴弦时一定要细细斟酌。
当你决定要购买琴弦时，有很多因素需要考虑。吉他的特点、演奏风格以及你想要获得的声音都是需要考虑的在内的。本文是对琴弦知识的一个基本介绍，希望对您的决定有所帮助。我将把注意力就集中在对所有琴弦都适用的普遍特性上。应该提醒您注意的是，这些介绍都是广义性的，不排除有很多特例存在。
每个人都有自己的选择，你必须排除广告渲染的干扰而找到最适合你的琴弦。大多数情况下你必须尝试不同的品牌甚至把不同品牌的低音和高音弦混用以达到你所追求的效果。
1. 好的琴弦应该具有好的音质、定弦快、音高稳定、良好的可演奏性以及长的寿命，如果你一天弹琴2小时，那么琴弦应该可使用3个月。
2. 听取别人的意见是个很好的主意，但是要注意，不同的人在评价琴弦时会有不同的标准。比如说，一个乐器制作家一般会比较偏爱没有太多特色的琴弦(既不要太明亮也不要太柔美)，这样才可以突出吉他本身的特性。而一个演奏者则常常有自己特定的声音选择(如朴实的低音、明亮的高音等等)。而这些喜好并不具有绝对的美学标准，它取决于吉他本身以及演奏者的风格。因此，一套中规中矩的琴弦并不一定是最好的选择。
3. 不同品牌或是同一品牌不同型号的琴弦，通常是厂商们试图在上述5个方面追求更高可能性的结果，或者是他们试图在某个特定方面有不同表现(如明亮或柔美的声音等等)。他们通过调整琴弦的组成材料(增减低音弦中银的含量或是高音弦中碳的含量等等)以及工艺流程来实现他们的目标。琴弦的制造并不是一个精密科学，每个牌子的琴弦都有它独一无二的特性，也都有好和不尽人意的地方。没有任何一家厂商生产的琴弦是最好的或是完美的。
4. 琴弦的张力是一个大的方面，有很多可说的东西，张力对于琴弦来说是必须的，我们依靠对张力的调张使琴弦达到不同的音高。一般说来，张力的等级一般分为超低、低、中等、高、超高五个级别。一条弦上的张力等级取决于厂商所确定的标准长度(比如达达里奥是648毫米，如果琴弦装到吉他上后，使用长度超过了648毫米，那么就会需要更高的张力，如果少于648毫米，那么需要的张力就会比较小，因此，在考虑琴弦张力时，不要忘了不同的标准长度。
张力越高的琴弦越粗。琴弦越粗，声音越柔美圆润。材料越硬声音越明亮(如碳高音弦)。张力越低按弦越舒适，但也增加了打品的可能性(当然，打品的问题主要还是看吉他本身)。张力越大并不意味着音量越大。张力较高的琴弦会振动得更加猛烈，但是这种振动的形式在音量方面并不起主要作用。吉他本身，尤其是它的内部构架在这方面扮演着重要得多的角色。举一个典型的例子：一套超高张力的琴弦很可能由于给面板施加了太大的压力而使面板开始阻碍声音的发出。
在考虑使用超高张力琴弦时，一定要先向您的吉他的制造商核实一下您的琴对于琴弦张力的承受能力。很多制作家都不会您在他们的吉他上使用超高张力琴弦。大多数演奏者都会对中等张力、高张力或者中等和高张力混用的琴弦感到舒适。我不大家使用低张力或超低张力的琴弦，因为它的声音之薄肯定超出了大多数演奏者的想象。
有关指弹吉他的相关知识介绍及练习方法
曾几何时，苍老师还没下海、陈老师还只是个小青年、羊驼还只是一种普通的动物，校园里痴情的青春期男生们只为心爱的她，却苦不得吉他入门之法。吉他是什么?什么又是指弹吉他?按照字面上来理解，貌似用手指弹奏的就是指弹吉他，但是指弹吉他不光是一种弹奏方式，更多指的是其独特的音乐风格，下面我们通过几个问题来从不同的侧面了解这种风格。
1、指弹吉他是不是都用民谣琴演奏?
高君老师曾经说过，民谣琴是个很不科学的叫法，一般我们所指的民谣琴的学名是美式原声吉他中的六弦吉它。除了六弦吉他之外，美式原声吉他还有十二弦吉他(即六弦的复弦琴)，还有共鸣器吉他和原声爵士吉他等。他们的最大的共同特点是都使用金属琴弦。前两种吉他是各国指弹吉他艺术家们最常使用两种演奏用琴。当然也有一些指弹吉他演奏家使用尼龙弦吉他，甚至古典吉他或弗拉门戈吉他作为演奏用琴，这些是非主流的，但即便如此，其音乐风格与传统古典音乐差别还是很大，这也属于指弹吉他风格，所以用琴的不同并不是区分指弹吉他和别的吉他音乐风格的充分条件。
2、指弹吉它和传统的古典吉它的音乐风格有什么不同?
从音乐角度讲，节奏，旋律，和声是音乐的三大要素。在节奏上，大多数指弹吉它音乐的节奏形和变化比古典吉它的要丰富一些，这也意味着对演奏者右手的技巧要求在一定程度上比古典吉它要高;在旋律上，指弹吉它的民族化和个性化比较明显，很多都脱离传统的大小调音阶的限制而使用一些民族调式，如布鲁斯音阶和凯尔特民间调式等，由此拓宽了音乐表现力;和声上讲，古典音乐在和声上自成一体，要求也比较严格，对和弦的进行和连接等都有其特定的要求，和声以三和弦和七和弦为主，而指弹吉它淡化了和声限制，在很多方面并不符合古典音乐的要求，比如大量使用九和弦和各种挂留和弦，并且和弦可以相对随意地进行等等。
总的来说，指弹吉它和古典吉它相比强调了节奏，淡化了和声，丰富了旋律。
3、以前演奏古典吉它或者民谣吉它的爱好者，转学指弹风格都要注意什么?
民谣和古典这两种风格对人的训练重点不同，对指弹吉它都很有好处。古典吉它的演奏对左手技巧具有非常大的练习意义，如果受过比较正规的古典吉它训练的话，演奏指弹吉它时，左手只需要适应美式吉它的指板宽度和琴弦硬度就可以了。因为古典吉它是独奏乐器，而且很多时候节奏比较自由，尤其是当演奏浪漫派作品时，演奏者对节奏的把握可能相对不够精确，所以之前弹古典吉它的人，转学指弹吉它后往往在节奏感方面需要加强。另外由于美式吉它采用金属琴弦，琴弦张力比古典吉它大，右手的力度需要相应提高，拨弦的感觉也需要一个适应过程。
认真学习过弹唱的人的节奏感往往会相对好一些，但是左右手的独立性、灵活性和控制能力相对较差，所以要重点加强练习。这时借用一些古典吉它的练习方法往往是很有效的，如一些左手灵活性和力量的训练。右手原来用手指弹琴的朋友，最好要留一定长度的指甲，以便获得更加丰富的音色，而只习惯使用拨片的朋友，就只能从头练起了。
那么初学演奏指弹吉它我们都需要具备哪些条件呢?首先最好我们要有一把说得过去的美式吉它，起码应该是一把面板单板或更好的吉它。因为指弹吉它的表现力很大程度上依赖于乐器本身的敏感度，如果只有一把怎么弹都是一种声音的吉它，很难胜任这种表现力的要求。指板最好是加宽的，指弹吉它对左手的要求虽不见得比古典更复杂，但是会比通常的所谓民谣弹唱复杂得多，所以琴弦间距最好略宽，琴桥处宽度也有相应加宽，为的是增加右手的弦距使右手拨弦准确度提高。如我使用的Lowden吉它，琴枕和弦桥处的宽度分别为45mm和55mm。你可能需要一个节拍器，用以增强对节奏的训练。
右手最好留指甲，以便奏出更为丰富的音色。右手指甲的长度和形状都可以借鉴古典吉它，但是不必像古典吉它那样过于苛刻的要求指甲的形状和光滑程度，只要能达到自己满意并能有一定的音色变化即可。由于使用金属琴弦右手指甲的磨损很厉害，指甲比较软的朋友可使用假指甲，可以在美甲用品店买到。假指甲有好多种，一般来讲买全贴片比较好，挑选硬度和韧性俱佳的。假指甲有专门的胶来粘，这种胶在同样的地方一般也可以买到。具体粘贴方法还有很多要注意的地方，建议第一次粘贴求助于专业人士。
每天拿出一定时间练习，尽量不要间断。每天弹一个小时的效果肯定比每周末弹7个小时要好，当然如果每天能有再多些的时间就更好了。不过练琴最重要的是效率，有效率的练习一个小时，远胜于不过脑子弹一下午。
如果你能具备以上的条件，就可以开始练习指弹吉它了。在正式学习乐曲之前，可以先做一些基本功练习。
一、左手独立性练习A
这是一个很常见的练习方式，在此作一些说明：
1、尽量将手指抬高，锻炼指头的耐力和力度。
2、开始可以比较慢的速度跟节拍器，保持匀速。
3、保持规范的手型，即从食指到小指尽量保持平行
4、指法多针对无名指和小指设计。(为达到手指的平衡)
基本功练习是一项长期作业，最好每天坚持练习放在弹曲子之前，当有一定功底之后可以缩短些时间。在练习时最好中间不要停顿，当手指感觉到发酸或发胀时再停。
二、右手独立练习A
这个练习主要是让拇指交替低音声部做背景，高音弦上走节奏不同的简单旋律，是一个非常有意思的分脑练习。要领是将低音声部的弹法尽量形成习惯，像节拍器一样，这样才能专注高音声部的变化。
这个练习是美国乡村风格的右手基础。在很多乡村风格乐曲中，拇指的交替低音也将有所变化，有时甚至需要完成低音部的旋律。另外在力度上有时也会要求突出不同琴弦的音的音量，以达到复杂交错的听觉效果。但是一切都是以这种右手训练为基础的。右手训练的乐谱不用很复杂，关键是对大脑的练习效果。还有一些辅助练习，比如卡尔卡西教材的分解和弦练习，这个也是非常有效的。
关于SLAPPING的一些概念
何谓正确的slapping奏法是没有定论的，看每一个人slap都会有些许的差别，真要解释起来恐怕要花一大篇。所以，我想先提出两个基本原则，你可以试着对照自己的演奏方式，看看是不是能有所改进。
1）转动手腕整只右手是放松的，slap的动作借着转动右手手腕来执行，而不是像民谣吉他初学时那样以手肘为轴的摆动。请注意：摆动跟转动是不一样的，用文字形容还不如实际观察来得直接，所以请你能有机会就多注意其它人是怎么做的。其实转动手腕的概念在刷吉他的节奏时也是一项重要的原则，请看LeeRitenour或PaulJacksonJr.便知.
2）下好离手一旦你的拇指击中弦后，务必要让弦能继续的震动（才会有声音嘛）；亦即.要将拇指移离敲击的那弦。在此，怎么移开大致分两个方向：
a.击弦后，大拇指继续向下移动，停在次弦上：假设你敲的是A弦，那么在敲完后，顺势将拇指停在D弦上。
b.击弦后，大拇指转回原位，准备下一次的敲击。这两种方式的声音略有不同，但是都应该试一试。
另外，你可以试试看不要只是敲击指版末端这个公认的位置，可以敲拾音器上，琴桥前，任何地方。你也可以试着用鼓棒、铅笔、苹果、萝卜、汤匙等不同材质的物品去击弦，试着抓出那种打了就跑的感觉。
如果这些有点奇怪的方法（请见鸣濑喜博的教学带及大事manband、黄韵玲的四手连弹、Soundgarden的Spoonman等演出）都能成功的发出击弦音，那么你应该已能正确的掌握击弦的概念了.
关于吉他即兴的一些经验
我个人非常看重一个乐手的即兴演奏能力，我认为即兴演奏直接反映了乐手本身的素质。
作为一个优秀的乐手仅仅拥有技术是远远不够的，我当初学琴的时候，听过这样一句话：“一个好的乐手，一般要经过三个阶段，一是速度，二是和声，三是旋律。”
也许这句话不够全面，但是它的确是有一定的道理的。
先说速度，速度其实就是你的基本功和各种技术在乐器上的一个体现，换句话说，速度其实是你作为一个合格乐手的基本条件。但是现在很多人舍本求末，反而把速度和技巧作为衡量乐手水平的唯一标准，这显然是很可悲的。
和声是音乐里的一个非常重要的表现手段，你对和声的掌握程度和熟练程度，直接影响你对音乐的理解，指导你演奏的每一个音符。一个真正的演奏家，对于音符的挑选是十分苛刻的。
旋律实际是说你的创作，一个优秀的乐手，是不可能总是拷贝别人的作品，而没有一点自我的创造性的。人类之所以发展到今天，就是因为人类的创造性，音乐也是如此。如果没有了自我的创造性，你拷贝别人的作品，拷贝的再怎么好，那也是别人的东西，不是属于你的东西，这样的乐手我们只能称之为琴匠，而永远不能成为音乐家和演奏家.
废话说了这么多，也打了半天字了，下面说说我对即兴演奏的一点经验和认识，希望大家跟帖说明自己的体会。
即兴演奏的方法一般有三种，一是根据和弦内音来演奏，二是根据和弦相关的各种调式音阶来演奏，三是把二者结合起来，灵活应用来演奏。
我们在做一段即兴演奏之前，首先要做的就是分析和弦，明确调性，为你的即兴演奏做个大概的准备。怎么样在有限的和声，节奏，小节里面，把你的想法说清楚，让听者明白你所要反映的情绪，并被你所感染，这是即兴演奏成功与否的一个标准。
一个优秀的演奏家是可以用他的演奏控制你的呼吸的。这就是心与心的交流，实际上，音乐是有这个功能的。
即兴的原则和技巧，有很多，但是也离不开这些基本的法则，音乐其实是一种高于语言的一种艺术形式，我们先把即兴演奏当作一种心灵的语言去理解。
写这个其实是想纠正一个观念，现在太多的年轻人对即兴演奏的理解有偏差，甚至就是错误的，很多人把即兴作为自己弹错的借口，似乎即兴就是乱弹，这是极其错误的。
一直想写个关与即兴演奏的东西，但是没考虑到篇幅的问题。写起来才发现，即兴演奏这个话题不好讲，牵扯的东西太多，不是一两句话可以说清楚的。我这里还无法上传谱例和音频，只能用文字来说明，希望大家都可以理解，从中间借鉴到一点东西，也希望大家把自己的理解写出来，我们做个交流。
即兴演奏其实就是一种即兴的创作，我个人认为现代音乐的灵魂其实也就是即兴演奏，我们听到的很多流行音乐里的器乐solo，有60%是乐手根据音乐来即兴演奏的，除非是编曲者事先写好一段solo，但是一般的编曲者是不会这样做的，因为这要求编曲者对每样乐器都要精通，这显然是很少见的。尤其在blues,jazz,fusion这些音乐形式里面，很多器乐的solo部分是只有和声，没有旋律的，或者是有旋律主题，但是没有发展的，甚至很多音乐直接就是无主题的，如果一个乐手没有即兴演奏的能力，我看他是不适合做这些音乐的。
现代音乐之所以迷人，魅力就在与此，因为即兴演奏让乐手可以充分的表达自己的感情和想法，每一个乐手都是即兴创作的大师，而你在即兴演奏的同时，你自身也从音乐中得到了最大的回报，那就是心灵和音乐的一种融会。而古典音乐今天的没落，我想跟这个有很大的关系。即兴演奏实际上是人性化在音乐中的一个具体体现，关于这一点，我们以后可以专门说明，对此有兴趣的朋友，也欢迎大家到我的琴行，大家一起探讨。
即兴演奏的法则我大概归纳了一下，我从下面几个方面来一一说明。
一，听背景音乐，酝酿你即将开始的即兴演奏。
我们要做一段即兴演奏的时候，最好是先听音乐，对音乐的和声走向，节奏，韵律先有一个听觉上的印象，为你的即兴演奏做个准备工作，比如C,Am,F,G这个进行，我们可以先听4小节或者8小节，在这4---8小节之间，给你的即兴演奏打一个草稿。
二，划分乐段，确定乐句。
乐句是音乐的基本形式，一般两小节一句，或者一小节，三小节一句的都有，你要根据具体情况来确定自己的乐句，由乐句组成乐段，两句一段或者四句一段，有时候也会有三句一段或者五句一段的。这些工作基本上可以在你的准备工作中完成。我们一般听到的音乐有这样几种形式，A----B---,A----B------A-----,A----B------C------A----,A---B-----A-----C----,等等，大家平时多注意，应该可以发现更多，我在这不一一列举。
三，塑造音乐形象，确定你的音乐主题。
我们听音乐是需要有一个主题的，你主要在这8小节里反映什么内容，表达什么思想，这就是我们要做的事情。当然也有主题不明确的，但是音乐的整体形象是要有的，在这8小节或者16小节中完成一个基本的音乐形象，然后在下一个乐段深化发展你的音乐形象或者主题，一般要经过第一主题，第二主题，发展变奏，深化主题，主题再现等，这是个大的框架，但是具体运用要根据音乐的具体情况来分析，不能死套公式，因为即兴演奏给你的思考时间是很短的。
四，用你的音乐语言，抓住听者的耳朵。
一段精彩的即兴演奏是会让人激动不已，而且久久回味的。当然这些是需要一定的技巧的，首先，你要注意对比，音符的稠密，高低音的起伏，旋律线的清晰会直接影响你这段演奏的情绪，而你的情绪会感染到你的听众，我们经常说，要想感动别人先得感动自己。这是个长期的问题，你要对c,d,e,f,g,a,b这七个音符了如指掌，明白他们各自在调式中的主属作用及功能，熟悉他们每个音符的情绪和脾气，你得跟他们成为非常好的朋友，他们才会帮你说话：）
五，学会思考。
这里说学会思考的意思是说，我们在做即兴演奏的时候，必须要清楚你所演奏的每一个音符，所使用的每一个技巧，使你的演奏是经过大脑思考得来的，而不仅仅是你手上演奏的一个习惯，也就是所谓的“手癖”。作为一个真正的演奏家，他所使用的每一个音符都是经过筛选的，这个音符从哪里来，到哪里去，为什么要使用这个技巧，都是必须交代清楚的。高手和庸手的区别之一就在于你弹琴的时候，是你的手服从你的大脑？还是你的大脑盲目的跟着你的手走了？
我们知道，即兴演奏所给你思考音符，构思乐句的时间是不多的，往往就在一小节甚至一拍之间，你就要想清楚你要怎么表达自己，所以你必须提前一小节，或者几小节，就要把你下一个小节，或者下一个乐段要弹的东西考虑清楚，有个基本的框架。
六，不要说废话，学会适当的沉默。
这个意思是说，如果你实在不清楚你应该弹什么的时候，那么你可以选择少弹或者不弹。
这就好比说话，在你不知道说什么话比较好的时候，你最好是不说或者少说，这样做比你漫无目的的胡说要好的多。有些时候，沉默也是一种表达方式。
七，听觉表情。
每一件乐器都有她独特的演奏技巧，每一个技巧其实都是人性化在乐器上的一种延伸。以电吉他演奏中最重要的技巧之一推弦来说，同样的音符，但是推弦的方法，时值不同，她所体现出来的情绪也是不同的。我们经常说，听到琴声就可以看到演奏者的表情，就是这个意思。推弦的表情是最丰富的，我们应该注意演奏技巧的运用，所带给听者的听觉表情。
八，呼吸。
呼吸是人类最重要也是人类最容易忽视的一个生理现象。我们大家谁也不会注意自己的呼吸，因为这实在是太平常了，可是如果呼吸出了问题，你的生命也就出了问题了。
音乐的呼吸也是如此。学会掌握音乐的呼吸，最终能够控制音乐的呼吸，从而感染听者，让听者跟着你的呼吸来呼吸。这是即兴演奏的最高境界。首先你要先学会去感受音乐的呼吸，注意休止，切分，顿音，延长音的使用，注意你的呼吸跟你所演奏音乐的关系，注意你所演奏音乐的呼吸跟你的呼吸是否融合，并试着把你所演奏的乐句唱出来并一起演奏出来，最终达到真正的“人琴合一”。
九，不要怕弹错。
不要怕弹错，即兴演奏就是即兴创作。即使大师们在做即兴演奏的时候也是会有可能弹错的。弹错了也没关系，也别慌，当你知道自己弹错了，反而是一个进步。有时候，这个错音反而会出现一种你意想不到的特殊效果。
暂时先写这些，基本上也就是这些法则了。其实说的再多也不如多做练习的好，理论必须联系实践，我们有了这些即兴演奏的理论依据，下面就要在实践中去体会，运用他们，把这些死板的理论依据灵活运用，让你的琴声跟你的呼吸同步，最终创造出属于你自己的，精彩的即兴演奏！
民谣吉他的一些弹奏技巧
民谣吉他的演奏技巧都有哪些呢?下面我们一起来看看!
一、滑音
还记的圆滑音吗?圆滑音和装饰音的左手指击弦和钩弦使琴弦发出声音，在民谣吉他六线谱它们分别是用H和P来表示。
滑音是吉他上的一种弹奏技巧。滑音是左手指在同一根弦上由一个品位滑到另一个品位而使琴发出声音，不需要右手的参与。分为上行滑音和下行滑音。在吉他六线谱中用S表示。
弹奏方法：
滑音第一个音的左手指按好，右手拨出，然后不离开指板滑向下个音位，下行同样由第一个音滑向第二个音，也不离开指板。在弹奏时注意左手指要垂直按弦，滑行时手指不能松动，力度均匀适中，滑动平稳，同时还要注意左手拇指的放松。
二、止音
止音也叫着消音。在音乐表现上音可以分为圆滑的，和跳跃的。要出现跳跃的音符就需要将拨响的音止住。
有两种方法：
1.右手指拨完弦后再将拨弦的手指轻放在弦上，可以是同一拨弦的指也可以是其它手指。这样就将音止住。
2.右手拨完弦后将左手指微微抬起，注意左手指不可以离开弦，这样我们也可以把音止住。
三、拍弦
拍弦是右手食指、中指、无名指微微弯曲，力贯指尖拍打琴弦。注意食指、中指、无名指要并拢，这样手指就不会滑到琴弦下。
这是一段谱：
也可以右手握拳，用手指的第一指节去拍击琴弦。这是一种木吉他味道很浓的技巧。典型例子是田震的《干杯，朋友》。
四、制音
也叫闷音。分为右手制音和左手制音两种，用在Pick的演奏中。
左手制音是用左手指轻轻贴着琴弦，右手照常演奏。右手制音是用右手掌内侧轻压住靠近琴桥的弦，使弦不能完全振动发音。
这样可以发出沉重、郁闷的声音。注意不管是左手还是右手一定不可以将弦闷死，发不出音，也不能闷不住弦。
这是一段左手制音的谱，注意和切音不同：
五、推弦
左手拇指与食指轻轻夹住琴颈，按弦时装动手腕，琴弦因为弯曲后产生张力而音程增大。用在Pick吉他演奏中。分为半音推弦、1/4推弦;全音推弦;小三度推弦或小三度以上推弦。
六、揉弦
揉弦是为了改善音色用的。拨弦发音的同时，将左手指揉动，拇指放松依附于琴颈。四品和四品以下沿琴弦左右移动，振幅大。四品以上可以沿琴弦上下移动。在你需要的地方都加上，可以改善音色。注意左手指必须压紧，感到是指骨控制着揉弦。
希望对大家有用吧，不过一定要多多练习喔!
关于指型的一些学习经验
说句心里话，我对于指型也曾有过段不短的时间去死记硬背，但是效果不是很好，弹的时候总会有慢半拍的感觉，而且只是音阶模进与上下行的弹奏话，很容易忽视了消化和理解而把一个指型变成一个单纯的机械去运动，这也是为什么总是在正常练习中容易出问题了。但是经过一段时间的思考和与网友不断的交流和沟通，我也逐渐有了自己的一些自我的学习经验，想和大家分享一下关于指型，指板音阶记忆的一点心得，如有不妥之处，还请各位指正。
1、关于标准音下吉他空弦的音程
我们知道，如果没有采用特殊调弦法，那么吉他从六弦到一弦的空弦音，音名分别是E，A，D，G，B，E（3，6，2，5，7，3），关键的3－6－2－5－7的重要来源之一。这几个空弦音有什么意义呢？
从音程角度出发，从低音到高音，即六弦到五弦，五弦到四弦，四弦到三弦，二弦到一弦，分别为：3－6，6－2，2－5，7－3，这几个都是纯四度音程，这说明在这几根弦之间的指板音阶上是有着一定规律与联系的。唯一特殊的是从三弦到二弦（5－7），是一个大三度音程，也就是说，如果某些在低中音弦上的进行的有规律的指法，一旦到了三弦与二弦之间上，就会发生变化，其直观反映应该是二弦的品位向后移一品（一个半音），才和三弦构成一个纯四度音程。那么，接下来以强力五和弦与四度和弦为例说明这点。
2、关于五度双音和弦（强力五和弦）与四度双音和弦的推导与构成
很多初学者都知道五度双音和弦的构成与指法相对来说比较简单，通常两根手指头搞定。相邻的两根弦，一个手指头按根音，另一个手指头按五度音。基本上在六，五，
四，三弦上只需要保持这个手型来回移动就能推导出其他的五和弦了。
为什么是这个手型呢？
前面我们讨论到：六弦到五弦，五弦到四弦，四弦到三弦，二弦到一弦，之间都是纯四度音程，而五度双音和弦两个音之间的音程是纯五度，也就是比纯四度要多一个全音，反映在指板上，正好是两品。举个例子：六弦三品是G，五弦三品是C，这两个音之间是纯四度音程，如果想构成一个强力五和弦，那么需要把按在五弦三品的手指往后移两品，挪到五弦五品上，即为D。G－D是为纯五度音程，也就构成了一个G5的五度双音和弦。
那么，四度双音和弦的推导便如此：G－D是五度音程，通过音程转位我们就知道，D－G就是四度音程。这个D-G怎么按呢？五弦五品是D，四弦五品就是G，也就是说，你只需要用一根手指头，同时按住这相邻的两根弦的同一品，一个四度音程的G5和弦的就出现了。
3、关于三弦与二弦之间音程导致的指型变化
好，六弦到五弦，五弦到四弦，四弦到三弦，音程一样，双音和弦的指法也是一样的。但是三弦到二弦时，音程发生了变化，由之前的纯四度变成了大三度，少了一个半音，我们再想用之前的指法来做双音和弦，就会出现错误。这时候的指法也跟着变化了，要再向后移动一个品位（一个半音）才满足上下纯五度或者纯四度的音程。比如想在三弦和二弦上，做一个A5和弦，那么，食指按住三弦二品，那么你的无名指或者小指，按的就不应该是二弦四品了，而应该是二弦五品，与之前的手型相比，正好又往后移了一个半音。至于在三弦和二弦上，做四度双音和弦，道理也差不多，指型和之前比发生了变化。
4、关于指板音阶记忆的一点想法
前边说了那么多，其实有价值的就在于：六弦到五弦，五弦到四弦，四弦到三弦，二弦到一弦之间都是纯四度音程，而三弦到二弦之间是大三度音程。这个有什么意义呢？
也就是说：在六弦到三弦这几根弦上，你随便按上某弦的某品出来的音，与它下边相邻弦的同一品的音，必然是纯四度关系。直观点说，只要在这几根弦上，某一品是个1，那么它下边的那根弦的同一品一定是4；如果某品是7，那么下边那根弦的同一品一定是3；同理，如果某品是6，那么下边那根弦的同一品是2；某品是5，下边那根弦的同一品是1——总之，即符合纯四度音程音阶的规律。
值得注意的是：如果某品是4，那么它下边那根弦的同一品，并不是7，而是#6。因为4－7是一个增四度音程，4－#6才是纯四度音程。
胡思乱想了很多，写了大半天，不知道对于各位朋友有没有帮助。不知道以前有没有人总结过，本篇文字是我一个字一个字打出来的。如果对您有帮助，那么我本人十分高兴；如果您觉得有问题，欢迎指正~
吉他常见问题的一些调琴方法
我下面列出的许多技巧、方法和理论是建立在我从一些非常慷慨的，愿意分享他们心得的朋友那里学来的东西的基础上的，与吉他教学教材没有任何关系。我描述的技巧只是实现目的的方法之一;正确的方法并不存在，只是有些方法比其他的简便、快捷。学会技巧背后的理论比学习技巧本身更重要。了解理论可以使你明白吉他安装的方方面面的基础，使他们不再那么神秘。一旦你学会了你正试着学习的(理论)，你可以直接或者灵活的运用相应的各种技巧来完成每个工作。
下面的讨论严格适用于钢弦声学吉他，基础理论同样适用于古典吉他和电吉他，也同样可以用在各种有品的弦乐器。调整的四个步骤：
这里有且只有四条最基本的、广泛影响到吉他演奏能力的调整技巧。分列如下：调整琴颈钢筋力量;调整鞍部弦的高度;调整螺母处弦的高度;调整声调(音准)。这四条就是我所说的“吉他的基础调整”。与“修理”对比，修理是可能会用在某个特定的乐器上，使之发挥最大演奏能力的工作;调整则是每把吉他至少都要用到一次的工作。只有极少数的制造商会用足够的时间去做这些调整工作。就算制造商做了，那些调整仍然是十分平庸并且面向大众的，不是为你度身定制。
琴颈曲度：
单纯的就吉他的基本力学原理来说，吉他的琴身机械的放大弦的震动。弦的震动是由首先使之由静止状态的位置产生位移——假定它在拉力下保持静止——然后释放它产生的。弦的弹性和作用在其上的外力使它向与平衡位置相对的几乎等位移处运动。由于每次震动的能量损失，弦的振幅逐渐减小(“衰减”)。弦震动的基本形状是由弦根部起始，在弦中部振幅最大，并在弦的另一端停止，振幅随时间逐渐减小(衰减)的浅曲线。(空弦)弦的两端没有任何位移，而12品处位移最大。为了给弦的震动提供空间，有两个选择：或者提升弦的高度(也就是“action”)确保弦的震动不会碰到品，或者使品连成的表面适合弦震动的形状。弦的高度可以用后者达到最小，也就是减小弦与品的距离，使吉他容易弹奏。
事实上，使品丝顶端连成的平面有适合琴弦震动的曲度也就是让琴颈有一个小曲度。琴颈曲度的大小由几个因素共同决定，包括琴弦高度，琴弦振幅。如果琴弦高度足够，那么不需要琴颈曲度;当然那样会影响手感。琴弦的振幅由张力，琴弦材料和初始位移(拨弦的力度)决定。琴弦降音会比标准音振幅大，同是标准音张力小的会比张力大的振幅大，拨弦力度越大振幅越大。所以，琴颈曲度的大小并没有固定的标准，因为不同的演奏者、琴弦需要不同的曲度。(请参考IBANEZ的调整 中的介绍)
对于琴颈装有钢筋的吉他，调整琴颈曲度是很容易的。装有钢筋的琴颈基本原理都是一样的。(转述)由指板正面观察，钢筋两端拉紧琴颈，则琴颈中间向观察点突起，反之内凹(如果去掉钢筋，琴颈自然曲度会是琴颈中部向观察点内凹)。(装有两根钢筋的是什么作用：以super wizard为例，由于这种琴颈由三片木头粘合，并且很薄，琴颈自然曲度的力量不足以应付钢筋的控制，增加的一跟钢筋用于增强木材的力量，另外琴颈自然曲度对木材有严格的要求，这种设计可以降低这种要求，同时由于是两根钢筋相互作用，可调性、稳定性更好，受气候影响比较小。 一跟钢筋的琴颈是钢筋与木材作用，两根钢筋则是钢筋相互作用，然后他们的形变作用于木材) (看着头疼?呵呵，我也是)
调整钢筋的地方在琴头或者木吉他音孔内的都有。在琴头一般是被一个小塑料片盖住，在音孔内则大多裸露在腔体内琴身与琴颈结合处的加强筋上。调整的工具一般是标准六棱扳子或者其他专用的工具(随琴赠送)。需要补充的是，品丝顶端有时候并不在一个平滑变化的面上。从琴枕向音孔观察，可能会发现有些品安装不到位。常见的毛病是木吉他琴颈与琴身结合处的品隆起一点。这种情况打品没办法用调整琴颈曲度避免。没有调整钢筋的吉他咋办?拆掉品丝，用外力强制改变琴颈曲度，这可能需要很牛叉的技术，这里不作讨论……
必须弄明白琴颈曲度跟琴弦高度的关系。琴颈曲度越大，高把位琴弦距离指板距离越大，所以琴颈曲度并不是越大越好，适度即可，否则会很影响演奏。(还要深究?琴颈只是琴弦震动区域的一部分，当然琴身那部分不需要有曲度，但是必须保证琴颈与琴身接合在一个平面上，也就是说假定指板是平的，那么通过调整琴桥必须有一个位置让琴弦跟指板平行。换个说法，以琴身表面为基准，第23个品丝不能高于前面任何一个品丝，从琴正面观察，假设指板是水平的，琴颈宁可有一点点前倾，但是绝对不能后仰)
吉他弹唱中的一些不良习惯
从吉他入门开始，每位学习吉他的朋友都曾憧憬着，某一天能够站上舞台为观众弹唱自己的音乐！愿望总是美好的，大多数擅长吉他弹唱的朋友都存在很多问题和不良习惯，不过问题知晓后是可以及时修正的，不良习惯可无法及时改过来。
所谓不良习惯，就是一些毛病，这类毛病可以说是多种多样的，比如有的人专爱加些下滑音，无论什么歌，也不管是歌的什么部位，凡是来得及加的地方一律加一个下滑音，这是非常糟的，听的人会感到很“痛苦”。再如有的人不是加滑音，而是专门喜欢在一些音前面加一个二度跳音。
如乐句的第二个音是“ 3 ”，她便在前面加上一个短促的装饰音“ 2 ”，唱的时候不是从“ 2 ”，滑到“ 3 ”，而是从“ 2 ”跳到“ 3 ”上去的。 这样，就是歌词中“ 3 ”下面的一个字断成了两个字。以歌曲“三月三”为例，有好几处都把一个字唱出了两个字，如：“又是一年三月三”唱成了“今年后是一年三月三”;“不觉亮了天”唱成了“不户觉亮了天”;“人人笑开颜”唱成了“人人笑开颜汉”“如今每逢春风暖”唱成了“如互今每逢春风暖”……
这种跳音如果用上一次半次，也可能不要紧，但是用得太多了，同样会使听的人难过。下面再谈一个例子，有一次我听到一个学生弹唱，很有意思，他每唱到拖长音的地方，全部用一个固定的办法来处理：即“弱起渐强”，绝无例外。如果一个不了解情况的人来听，说不定会以为他是朝鲜人呢。因为朝鲜的民歌，全部是这种唱法。而他并不是朝鲜人，他只不过是在歌唱方面养成的这样一种“弱起渐强”的习惯。
如果以上所提出的各种问题都解决了，那么不管同学们的声音条件如何，唱出的歌一定会是优美、动听的。 下面，有两点需要补充的。
其一，通过以上的论述，不要给大家造成一种错觉，即误认为我们是反对歌唱中的滑音和装饰音的。我们反对的只是滑音和装饰音的滥用。必要的滑音和装饰音还是要有的，只是要应用得适当、恰到好处。有些特定的滑音或装饰音为歌曲增添了不少风彩，是十分宝贵的。
其二，有些同学的嗓子有点沙哑，有点粗糙，便认为自己声音不好，不去练唱了，这是不对的。用现在的观点去看，嗓子如略有沙哑和粗糙，不但不能算缺点，相反应该认为是难得的优点，有的人把这样的嗓子叫“金不换”,我看是有道理的。至于沙哑的嗓子为什么比圆润的嗓子更具有魅力，更富表现力，我也不知道，因为没有去分析、研究过。 有的同学在弹唱时，常模仿一点沙哑的气声，我看这是值得提倡的。
关于吉他弹唱中的歌声问题，我们已谈了不少，希望问学们做一些思考，根据自己的具体情况，做出适合于自己的选择。“学生腔”这种唱法，较容易掌握，适合于大多数同学，绝大部分具有普遍嗓音的同学都可以考虑采用这种唱法。