首先这是不对的，事实上当你把一件东西清楚地归类之后，并不能使它变得更真实。音乐性才是真实的本质，理论只是思考音乐的一种方式，或者说是组织它的方式，这样我们才能更清楚地知道如何利用已有的和如何创造出崭新的。
和音乐性相比，理论永远是第二位的。因此，不要被理论束缚住而忽视了真实的音乐和情感的表现。也不要让理论知识限制了你的视角，而让你看东西变得狭隘。音乐中所有的“规则”都只是一种引导而已。要用你的理论知识来扩展选择的范围。记住任何事情都是可能的，并不一定是“合理”的、在理论上行得通的才是好听的音乐。
另一点值得提到的是，你并不一定要弹得多难或者多快才会被认为弹得很好。事实上，在多数情况下反过来才是正确的。你需要和听众沟通，简单的东西才更容易被接受。这就是为什么摇滚乐和金属乐虽然只在简单而强壮的riff和节奏上不断重复却能经久不衰的原因。当然，想要锻炼出快速的弹奏技巧，你需要不断的练习，练习，再练习。但是当在solo中的时候，如果始终持续着高速的弹奏会让人厌倦，因此你需要有多样的变化！不时的慢下来弹奏，会让你的快速乐句显得更加突出。要考虑到音质和多样化，让你的solo很好地服务于乐曲整体，起到装饰的作用。乐曲才是最重要的，你solo的目的就是为其添加一些色彩。
弹奏的多样化，从理论上来说是通过混合音乐的惯性和对比而达到的。音乐的惯性是由各种形式的重复建立起来的-一个动机、音序、问答形式、重复出现的主题等等。打破已建立好的模式，其结果就是产生了对比-比如在一些低音之后弹奏一个高音音符，转换音阶，使用调外音，在一段慢速乐段后加快速度弹奏，或者在一段快速乐段后放慢速度，或者这样：在一段很长的、密西西比式的、肝肠寸断的、尖锐的推揉弦之后，用一串上行的模进音型、快速的拨弦和紧迫的licks来达到solo的高潮，你觉得怎么样?这样就产生些对比了，由不同的情感引导出来的。
回到我们关于音乐理论的讨论上来，你在弹奏乐曲的时候，不一定非要知道它背后的理论。想法有时可以从即兴中来，从对指板的探索中来，从模仿他人的licks中来，或者仅从想象中来，让你“内心的耳朵”在你随意想象时捕捉思想中的声音(然后快速地拿起吉他，在你的想法消失前把它弹出来)。总之，最终从你的音箱中发出的声音才是最重要的。
最后一点，有时候你弹奏什么并不重要(what to play)，而重要的是你如何去弹(how to play)。伟大的吉他手能把一个最简单的licks变得伟大。这完全都在对推弦、触弦、揉弦的微妙处理上，音的清晰度与音色会大不一样。请记住一个原则-如果它好听，那就是好的(if it sounds good，it is good！)
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吉他教学方法——新手该如何学习吉他教程里的音乐理
2013步入尾声，通过咱们吉他世界网的吉他教程学习吉他的琴友们越来越多。想必这些吉他教程里最受欢迎的要数朱家明老师的《新思维吉他自学教程》，尽管新思维是是让新手们从零开始学吉他，但还是有很多新手以前完全没有接触过音乐、乐理基础为零，对于他们来说新思维吉他教程也只能看个一知半解。
所谓学之道，最是讲究循序渐进，如同练武要先打好马步，跳舞要先压好腿，学画要先学素描等之，音乐理论的学习便是从基本乐理和视唱练耳开始的。而后的高级阶段，是作曲四大件：和声、复调、曲式、配器。当然在音乐学院里，还会有音乐史、音乐欣赏、乐器学、民族音乐学、音乐美学等科目相辅相佐。这么多学科，它们间的关系如何，接着让我来一一说明吧。
先说说基本乐理~基本乐理之于音乐理论，就像小学时候的语文，处于学字认字阶段；也可以说是周岁小孩，蹒跚学步的为着跑步做准备。基本乐理的学习，一定要稳扎稳打，不能急。
视唱练耳的作用在于培养准确的音高、节奏和灵敏的内心听觉。记得刚进音乐学院的时候我最讨厌的就是视唱了，老师每天甚至会布置几条谱让我们回去背，还有带伴奏的视唱，换调号、谱号的视唱，无调性的视唱等等，当时我就觉得这科真是变态啊...呵呵！不过学完之后我就明白其实它的用处是很大的。
如果说基本乐理和视唱练耳是一个人的外貌和着装，那下面的内容便是一个人的内在修养。俗话说：看一个人不仅要看外表，更重要的是看人品啊。
和声与复调（复调也作对位学）。这两科讲的是多声部音乐里声部间常见的规律。和声讲的是音和音纵向的结合，复调讲的是线条之间横向的对位。虽然说二者研究的方向相反，虽然说各流派里二者的地位都不相同，但是它们的关系却很亲密。不管是巴洛克时期的复调音乐，还是古典浪漫派主调音乐，尤其到了现代音乐里，二者的存在都是不可或缺的。
如同是房子就会有个框架，是人就会有个模样，只要有音的存在，也就会有结构的存在。曲式学研究的就是音乐的结构。学曲式容易有个误区，容易认为段、部间的关系就是曲式学。其实曲式学还有很重要的一点就是对于音乐材料的的性质及发展的研究，这点对于作曲技法是很有指导意义的。
有音乐吧，就会有乐器，如何编配组织这些乐器，这就是配器学的内容了。里姆斯基说，良好的配器就是良好的声部进行。例如老柴天鹅湖里双簧管奏出的主题….这便是经典！当然，一般音乐学院里学习配器都是依照西洋管弦乐队作模型的，但这无碍于志向电声乐队的同志们学习配器，毕竟柏辽兹、瓦格纳、里姆斯基等配器大师都有很多配器上的技巧是值得我们借鉴的。
要学配器我们就需要弄清各乐器的特性，这便是乐器法的内容。乐器法研究包括乐器的发声方式、音域、特性音域、演奏法等等。学习音乐欣赏和音乐美学，培养我们的音乐观和美学观，它教导听众学会欣赏音乐艺术，指引作曲家的创作方向。最后，还是那句话“书上有路勤为径，学海无涯苦作舟”，吉他新手们一定要加油哦！
2022吉他教学——初学吉他乐理和乐感的重要性
乐理和乐感的重要性，是第一次学习乐器最最重要的。这是句废话，却往往被初学者忽视。音乐不论以何种表现形式出现，往往分两个层面，一是音乐基础，包括乐理和乐感，二是表现基础，包括演唱技术、弹奏技术、表演技术等。
曾有人认为乐感主要来自天生，乐理由后天习得。可以通过学习乐理在一定程度上弥补一些人乐感的先天不足，但先天的乐感依然占主要地位。我非常赞同这样的观点。有几位朋友钢琴过了十级，乐理没得说，但如果给他们听一段比较复杂的旋律，只听一次，然后在没有谱子的情况下弹出来，就有些犯难。我们曾经一位鼓手从未学过乐理，但乐感非凡，加之协调性好(表现基础)，但凡听过的节奏，只要手脚能跟上，大多都能立即打出来——尽管手法错得一塌糊涂。乐感如此重要，但不要认为乐感不好就不要学了，因为不经过乐理学习来挖掘、驾御乐感，怎么就知道乐感好不好呢。何况，我相信绝大多数智力正常的人，只要通过认真学习，都能驾御一般的音乐。除非你想成为贝多芬或肖邦那样的天才，否则不必担心。
乐感，简单地说，又分音阶感和节奏感，当然可能还有其他分法。遗憾的是，很多弹琴数年的朋友，这两个重要乐感都远未过关。不信你弹一个A音，然后任意弹其他一个音，瞬间说出后者的音阶的算是过了最初级的关。弹一个A音，然后同时任意弹三个音(不一定是标准和弦)，立即说出后者分别由哪三个音阶组成，这大概是传统乐器教学中的重要部分。节奏感更好理解，分清四二、四四、四三、八六等拍子，能够稳定地打拍子，这是最最基础的。又以四二拍为例，比如听一段类似X X X | XX X | X X | X XX 的节奏点后，卡着拍子打出完全相同的节奏点。
上面说的，其实已经涉及到乐理的成分。如果仅仅是乐感，仅仅是一种感觉，则无法用文字表现出来。当然有些乐感很好的人，表现不出来，却可以演奏出来。注意，不要把听了一首流行歌曲就能唱出来当作乐感好，这是一种记忆，不是乐感。如果要求你给歌曲的高潮配一个低三度或低五度的和声，哼三遍以内就能配出来，这才叫好。有时我们会提到“心板”这个词，这也是对乐感的一种表现，即在心中打拍子，120的速度就稳在120，不论里面怎么四四/四三变换，怎么三连音，大致速度都维持住，这就是牛。
说了这么多，它们真的重要吗?举一个典型例子。对于乐感和乐理，初学者最难处理，最容易犯错误的，就是休止。我们以《单身情歌》前奏为例：0 3 5 | 6 - - | 5 6 5 | 3 - - | 2 3 2 | 1 - - | 7 1 7 | 6 - - | 0 3 5 | 6 - - | 5 6 5 | 3 - - | 2 3 2 | 1 - - | 7 1 7 | 6 - - ……这里其实有两遍，可以注意到第一遍最后一个“6”后面还有两拍延音和一拍休止，总共等三拍，才开始第二遍的“3 5”。但是很多朋友在哼唱时却跳过这三拍。不要小看这漏拍行为，在乐队排练中，这是非常严重的。因为你的鼓手可能还在完成前一小节的三拍，你就提前开始下一小节，直接导致乐队混乱。我们乐队排练时，一位节奏吉他手琴学苦练，演奏技巧跟上了，但节拍总是错。告诉他用脚打拍子，但因为他从一开始就没有接受合格的乐理训练，拍子反而跟着旋律走，越走越错。拍子本身就像一把尺，必须强迫它以恒定的速度向前运行，所有音符都必须根据拍子，“刻”在这个尺子预留的位置上。类似的例子不胜枚举，大家可以自己推广。
眼下很多吉他教学，在乐理训练和乐感培养上几乎空白。不知道北京上海大琴行做的怎么样，但在以前见到的一些培训班里，这样的情况确实普遍。有些琴行“买琴即学琴”，送一些课时，以教会学生一些曲子为主要目的，让他们体会到吉他的乐趣。这固然是立竿见影的做法，但对学生长期发展音乐绝对弊大于利。有些学生自己就急于求成，别说乐理乐感，连演奏技巧中的基本功都舍不得练，弹几首曲子就沾沾自喜。如果你只想用吉他泡妞，这样当然可以，如果想真正做好音乐，千万别这样。
相反的，大多数传统乐器教学(比如钢琴、小提琴、民乐)在乐理和乐感的教学上抓得非常严格。键盘乐器，包括钢琴、电子琴、手风琴等，音阶分布一目了然(这也的确是这些乐器比吉他更易于教学乐理的原因之一，但绝不能作为学吉他不好好学乐理的借口)。一般正规的钢琴教学，起初会反复弹奏1 2 3 4 5，5 4 3 2 1，让你牢牢把握住这些音阶的音高，甚至将“听音练耳”作为初级考核的第一标准。这样的乐理基础学习往往要经历半年或一年以上。幼儿园的时候我学电子琴就经历过这样的教学，老师弹奏A音后同时按下四个不相临的白键(即不包括半音，减少一点难度)，要求我理解说出四个音阶。可能也是乐感比较好，当时很容易过关了。对于乐感不是很好的朋友，建议在这些方面狠下工夫。
话说了这么多，似乎没有太实质的建议。依我愚见，初学吉他的朋友，最好找一个专门教乐理的老师(如果你的吉他老师本来乐理就很好也行)，进行至少一个月的集中学习。当然，这对于刚接触吉他，还没形成兴趣的朋友来说有些枯燥。另一个办法，就是在学习吉他之前，或者学习了一段时间，入了门，打算继续学习之前，学习一个月的钢琴或电子琴。这看起来有些不现实，其实很容易。首先没必要购买钢琴或电子琴，你的目的在于学习乐理，培养乐感，在学习时对方提供的琴足够你用。第二，这样的学习机会很容易找到，找培训班或音乐学院的学生，花费不大。第三，键盘乐器是非常好的学习乐理的工具，且比空学乐理感觉直观得多，也不那么枯燥。不要担心再学一门乐器的难处，你又不是专门去学钢琴的，手上技巧凑合着就行。
如果去找一起玩吉他的朋友，那么我宁可找完全不会吉他却受过乐理教学的人，也不找手上工夫看起来很牛乐感却一团糟的人。演奏技巧可以自己练，一年半载怎么说也能凑合出些东西，乐理乐感却需要专门的教学培养。对于这里众多的高手，这些建议可能是废话，希望对新来的朋友有些帮助。
新手该如何学习吉他教程里的音乐理论？
2013步入尾声，通过咱们的吉他教程学习吉他的琴友们越来越多。想必这些吉他教程里最受欢迎的要数朱家明老师的《新思维吉他自学教程》，尽管新思维是是让新手们从零开始学吉他，但还是有很多新手以前完全没有接触过音乐、乐理基础为零，对于他们来说新思维吉他教程也只能看个一知半解。
所谓学之道，最是讲究循序渐进，如同练武要先打好马步，跳舞要先压好腿，学画要先学素描等之，音乐理论的学习便是从基本乐理和视唱练耳开始的。而后的高级阶段，是作曲四大件：和声、复调、曲式、配器。当然在音乐学院里，还会有音乐史、音乐欣赏、乐器学、民族音乐学、音乐美学等科目相辅相佐。这么多学科，它们间的关系如何，接着让我来一一说明吧。
先说说基本乐理~基本乐理之于音乐理论，就像小学时候的语文，处于学字认字阶段；也可以说是周岁小孩，蹒跚学步的为着跑步做准备。基本乐理的学习，一定要稳扎稳打，不能急。
视唱练耳的作用在于培养准确的音高、节奏和灵敏的内心听觉。记得刚进音乐学院的时候我最讨厌的就是视唱了，老师每天甚至会布置几条谱让我们回去背，还有带伴奏的视唱，换调号、谱号的视唱，无调性的视唱等等，当时我就觉得这科真是变态啊...呵呵！不过学完之后我就明白其实它的用处是很大的。
如果说基本乐理和视唱练耳是一个人的外貌和着装，那下面的内容便是一个人的内在修养。俗话说：看一个人不仅要看外表，更重要的是看人品啊。
和声与复调（复调也作对位学）。这两科讲的是多声部音乐里声部间常见的规律。和声讲的是音和音纵向的结合，复调讲的是线条之间横向的对位。虽然说二者研究的方向相反，虽然说各流派里二者的地位都不相同，但是它们的关系却很亲密。不管是巴洛克时期的复调音乐，还是古典浪漫派主调音乐，尤其到了现代音乐里，二者的存在都是不可或缺的。
如同是房子就会有个框架，是人就会有个模样，只要有音的存在，也就会有结构的存在。曲式学研究的就是音乐的结构。学曲式容易有个误区，容易认为段、部间的关系就是曲式学。其实曲式学还有很重要的一点就是对于音乐材料的的性质及发展的研究，这点对于作曲技法是很有指导意义的。
有音乐吧，就会有乐器，如何编配组织这些乐器，这就是配器学的内容了。里姆斯基说，良好的配器就是良好的声部进行。例如老柴天鹅湖里双簧管奏出的主题….这便是经典！当然，一般音乐学院里学习配器都是依照西洋管弦乐队作模型的，但这无碍于志向电声乐队的同志们学习配器，毕竟柏辽兹、瓦格纳、里姆斯基等配器大师都有很多配器上的技巧是值得我们借鉴的。
要学配器我们就需要弄清各乐器的特性，这便是乐器法的内容。乐器法研究包括乐器的发声方式、音域、特性音域、演奏法等等。学习音乐欣赏和音乐美学，培养我们的音乐观和美学观，它教导听众学会欣赏音乐艺术，指引作曲家的创作方向。最后，还是那句话“书上有路勤为径，学海无涯苦作舟”，吉他新手们一定要加油哦！
吉他乐理教学
参加吉他乐理教学的基本课程对于了解吉他的基本乐理有很大的帮助。下面是小编给大家整理的吉他乐理教学的相关知识，供大家参阅!
吉他乐理教学：乐曲的基本组成入门乐理：
基本的乐理对于刚开始接触吉他的初学者非常重要，如果不懂乐理就不能更好的学习吉他，所下面的内容是学习吉他不可缺少的部分。
乐曲的基本组成
一首完整的乐曲是由一些固定的音乐单元组成，分清这些音乐单元，对于学习乐理是非常有好处的。一首完整的曲子，由很多不同时值的音符组成不同的小节，再由这些小节组成不同的乐句，由不同的乐句组成不同的段落，由段落组成完整的乐曲。关于这些不同的组成单位，我会在以后慢慢讲解。
1、时值
时值是音乐中非常重要的组成单位，它控制着音符发音的长短，按照一定时值演奏的音符才能奏出美妙动听的音乐。一个人在演奏一首乐曲时，即使音符弹得非常正确，如果音符的时值不正确，那么它的音乐也是非常糟糕的，所以正确联系好不同时值的音符，对于我们初学者是极其重要的。
我们给予一个时值的定义：时值就是控制音符长短的单位，他的计算单位是：拍
我们目前的记谱方法有三种：五线谱、六线谱、简谱等。在这三种不同的记谱方法中，它们表示时值长短的方法略有不同，但大体相似，他们都是以五线谱为基础形成的。
2、运用在吉他上的记谱方法：六线谱
六线谱是世界上通用的一种专为吉他设计的记谱方法，我们在学习吉他时，接触最多的也是他。六线谱的基本结构是由六根间隔相等的线组成，这六根线分别代表吉他上的六根弦，最下面的一条线，代表吉他的第六根弦，注意，是第六，不是第一，这个要反过来理解的，然后依次是又上到下看谱，倒数第二根线代表第五根弦，下面的依次类推。
在六线谱上方有不同的英文字母表示不同的和弦，还有一些特殊的符号，表示一些特色音的演奏方法，这方面的内容会在学习这些技巧时候详细讲解。
手指疼了，再整理补充更新。。。。。
3.具体时值的表示方法
所有风格的音乐都是由众多不同时值的音符组成,他们是全音符,二分音符,四分音符,八分音符,十六分音符,三十二分音符,六十四分音符,二分付点音符,八分付点音符,十六分付点音符,切分音符,及一些组合音符等,这些不同的音符,以后再慢慢介绍.想要学习好吉他上,各种技巧的时值表示方法,我们首先要学习各种音符及节奏在六线谱上的表示方法.
(1) 六线谱上音的表示方法
六线谱是一种非常通俗易懂的吉他记谱方法,六条线上的数字，分别代表这根弦上相应的品上的音。如图：最上面一条线上的0、 3、 12、18，表示吉他一弦上的空弦、第三品、第十二品、第十八品的音符，其他线上的数字依次类推。
(2) 六线谱上节奏的表示方法
节奏技巧不同于其他的演奏技巧，他要根据不同的节奏，来扫规定和弦中六根线的不同区域，而且扫弦的方向也要根据不同的节奏变化。在六线谱中的扫弦方法，是用不同方向、不同长度的箭头表示，图中的第一个箭头表示拨片从六弦扫到一弦。第二个箭头表示拨片，从第一弦扫到六弦。第三个箭头表示拨片，从六弦扫到四弦。第四个箭头表示拨片，从一弦扫到四弦。这样，四个不同方向，不同长度的箭头按不同的时值来演奏，可变化多端，节奏丰富。
(3) 拍的概念
拍是时值的计算单位，我们在学习时值的时候，最重要的是掌握平稳的拍速，拍速就是在演奏乐曲时候，每分钟弹多少的音。不同的乐曲有不同的拍速，我们要严格的按照谱中规定的拍速来演奏，才能与乐队一起来演奏音乐。如果你在演奏的时候，时快时慢，别人无法与你同步演奏，所以练习好拍速对于每一位演奏者来说，是非常重要的。我们要经
过严格训练，把自己变成一个极其准确的节拍器。
(4) 拍的表示方法
拍是用下图的形式来表示的。一拍是由前半拍加后半拍组成的，时值中最长的基本单位是全音符，他是由四个这样的一拍组成。二分音符是由两个拍组成，四分音符是由一个拍组成，八分音符是由半拍组成，十六分音符是由四分之一拍组成，三十二分音符是由八分之一拍组成，其他更快的音符同理类推。
吉他乐理教学：音名和唱名音名，顾名思义，既为谓音的名称。我们把钢琴(键盘)上每七个一组的白键，分别用英文字母：C、D、E、F、G、A、B命名，就叫做音名，最中间的白键为C音，往右一个为D音，再往右一个为E音，依次类推，七个音重复(只限于白键)。其中，C音到D音的音程为一个全音，D到E为一个全音的音程，下面依次为：E-F为半音、B-G为半音、A-B为全音。举个例子：在C调里面，1=C，意思是C调的1的音名是C，2的音
名是D，那么从C音到D音在同一个八度里面，D比C升高了多少呢，我们说，D比C音升高了一度。
在音乐体系中，虽然有着一百多个音高低不同的音，但音名只有这七个基本音，又称做本位音。
升音
将基本音升高半音程，叫做升音(声音?汗!: )。用在表示特定音名的字母左上角记#来表示。如：#C、#E。。。。。这里只能表示在前面，不能表示在左上面，汗!
降音
将基本音降低半音，叫做降音，用在表示特定音名的字母坐上角记b来表示。
变化音阶：变化音阶是指包含升、降记号的音阶，它是在自然音阶的每个全音距之间加一个升、降半音。#1 = b2 , #2 = b3 这是同音，但不
同名称。
音符和唱名
记录音乐的方式很多，如五线谱、简谱、六线谱等。
例如，在简谱中，记录音的高低和长短的符号，就叫做音符，它是由7个阿拉伯数字或缀以其他符号构成的。
而记录拟稿的基本符号，只是用七个阿拉伯数字来表示。这七个数字各表示一个音名，其读法就是该音名的唱名：
简谱 1 2 3 4 5 6 7 1
音名 C D E F G A B C
唱名 Do Re Mi Fa Sol La Ti Do
注意：在这个音阶中 34 相隔半音，71 也相隔半音，其余相邻两音都相差全音，这也是吉它乐理中一个极重要的公式。在吉它指板上，半音是相邻两格之间的距离。
吉他乐理教学：大调与关系小调每个大调都与其上行六度(或者下行三度)的小调互为关系调，它们所使用的音阶相同。
关系大调----关系小调
C=======Am
D=======Bm
E=======#Cm
F=======Dm
G=======Em
A=======#Fm
bB======Gm
吉他乐理教学：和弦和弦知识概述
这里指的和弦通常指同时响出三个或三个以上不同高度的音，音名的排列有C、D、E、F、G、A 和 B七个音其中任何一个音都可以作主音(即根音)加上其上三度音和上五度音，便构成最基本的三和弦，分述如下：
C ：1 3 5
D ：2 4 6
E ：3 5 7
F ：4 6 1
G ：5 7 2
A ：6 1 3
B ：7 2 4
以上七和弦均由相隔三度的三个音组成，所以称为三度和弦，这七个三和弦便是一切和弦的根基。
三和弦
上述七个基础的三和弦，从音程上来说，可分出三种不同性质的三和弦
1、大三和弦
主音至三度音共有四个半音;主音至五度音共有七个半音。上面七个三和弦中的 C、F、G 便是。
2、小三和弦
主音至三度音共有三个半音;主音至五度音共有七个半音。上面七个三和弦中的 D、E、A 便是。为了区别，写成 Dm、Em、Am 。
3、减三和弦
主音至三度音共有四个半音;主音至三度音共有七个半音。上面七个三和弦中的 B 便是。写成 B- 。
七和弦
由于上面的七个三和弦不够用，因此，在各三和弦的上方，加上一个三度音，便够成下列七个七和弦：
C7 ：1 3 5 7
Dm7 ：2 4 6 1
Em7 ：3 5 7 2
F7 ：4 6 1 3
G7 ：5 7 2 4
Am7 ：6 1 3 5
B-7 ：7 2 4 6
七个七和弦中，在音名排列第五个音 G、即属音作主音所成的七和弦，
是上述七和弦中最常用的一个，既属七和弦 G7 。
因 G7 的四个组成音：5 7 2 4 已包含了 G 和弦的 5 7 2。因此，在和声手法上，大调歌曲用 C、F、G7 这三个和弦，便可以伴奏一般简单的大调歌曲。
这里值得一提的就是，要弹出准确的音，或者说，要学习吉他，第一步要学会调弦，吉他音不准的话，怎么学也有问题。
2022吉他教学——训练手指独立性和韧性的方法
给大家介绍一种练手指独立性和韧性的方法：
一、此练习只用到1,2,3,4 这4根弦；
二、将小指按在1弦12品,无名指按在2弦11品,中指按的3弦10品,食指按在4弦9品；
三、依次拨响4,3,2,1弦 这时你拨响的是4弦9品,3弦10品,2弦11品,1弦12品的音；
四、拨完4下后,这时将食指移动到4弦8品其他3指不动,再次拨响4,3,2,1弦这时拨响的4弦8品,3弦10品,2弦11品,1弦12品；
五、完成四后再将中指移动到3弦9品其他3指不动.拨响4,3,2,1弦这时拨响的就是4弦8品,3弦9品,2弦11品,1弦12品；
六、完成五后,再将无名指移动到2弦10品,其他3指不动,这时候再拨响的就是4弦8品,3弦9品,2弦10品,1弦12品；
七、完成六后再将小指移动到1弦11品再次拨响4,3,2,1弦这时候就是4弦8品,3弦9品,2弦10品,1弦11品；
完成三------七以后象这样一直爬到食指按4弦1品,中指3弦2品,无名指头2弦3品,小指1弦4品.然后再从第二步开始。
文字看不明白的 这样给你表示第一遍 一弦 12品(小指) 二弦 11品(无名指) 三弦 10品(中指) 四弦 9品(食指) 第二遍 一弦 12品(小指) 二弦 11品(无名指) 三弦 10品(中指) 四弦 8品(食指) 第三遍 一弦 12品(小指) 二弦 11品(无名指) 三弦 9品(中指) 四弦 8品(食指) 第4遍 一弦 12品(小指) 二弦 10品(无名指) 三弦 9品(中 指) 四弦 8品(食指) 第五遍 一弦 11品(小指) 二弦 10品(无名指) 三弦 9品(中指) 四弦 8品 然后按照这样一直爬到1品…………
最后说下这个练习的要点,就1个字,慢! 一定要慢 用你最慢的速度练 因为这个练习主要是练手指韧性和独立的，一定要慢， 只要有一点破音，或者手指碰到别的弦那么重头来吧~~ 这个练习很难受的每天。
训练手指独立性和韧性的方法
给大家介绍一种练手指独立性和韧性的方法：
一、此练习只用到1,2,3,4 这4根弦；
二、将小指按在1弦12品,无名指按在2弦11品,中指按的3弦10品,食指按在4弦9品；
三、依次拨响4,3,2,1弦 这时你拨响的是4弦9品,3弦10品,2弦11品,1弦12品的音；
四、拨完4下后,这时将食指移动到4弦8品其他3指不动,再次拨响4,3,2,1弦这时拨响的4弦8品,3弦10品,2弦11品,1弦12品；
五、完成四后再将中指移动到3弦9品其他3指不动.拨响4,3,2,1弦这时拨响的就是4弦8品,3弦9品,2弦11品,1弦12品；
六、完成五后,再将无名指移动到2弦10品,其他3指不动,这时候再拨响的就是4弦8品,3弦9品,2弦10品,1弦12品；
七、完成六后再将小指移动到1弦11品再次拨响4,3,2,1弦这时候就是4弦8品,3弦9品,2弦10品,1弦11品；
完成三------七以后象这样一直爬到食指按4弦1品,中指3弦2品,无名指头2弦3品,小指1弦4品.然后再从第二步开始。
文字看不明白的 这样给你表示第一遍 一弦 12品(小指) 二弦 11品(无名指) 三弦 10品(中指) 四弦 9品(食指) 第二遍 一弦 12品(小指) 二弦 11品(无名指) 三弦10品(中指) 四弦 8品(食指) 第三遍 一弦 12品(小指) 二弦 11品(无名指) 三弦 9品(中指) 四弦 8品(食指) 第4遍 一弦 12品(小指) 二弦 10品(无名指) 三弦 9品(中 指) 四弦 8品(食指) 第五遍 一弦 11品(小指) 二弦 10品(无名指) 三弦 9品(中指) 四弦 8品 然后按照这样一直爬到1品…………
最后说下这个练习的要点,就1个字,慢! 一定要慢 用你最慢的速度练 因为这个练习主要是练手指韧性和独立的，一定要慢， 只要有一点破音，或者手指碰到别的弦那么重头来吧~~ 这个练习很难受的每天。
吉他教学——吉他入门训练视奏的重要性
对大部分刚入门的吉他新手来说，平时练习与表演时最最离不开的便是吉他谱了，但吉他高手与演奏家却完全不需要借助吉他谱就可以完整地演奏一首曲目，除开学习吉他时间长短的因素，最重要的原因就是视奏了。既然说视奏就谈视奏，下面我们就来聊聊关于视奏练习的一些经验供大家参考：
一、准备工作
视奏前，首先要安定情绪，纵览全曲，对乐曲有一个大体的了解，把主旋律以及节奏型了解清楚，做到心中有吉他谱，如同画家画竹先“胸中有竹”一样，然后，把调号、节拍、速度、表情术语记住，再把乐曲难点划出来，标上左右手指法及风箱标记，这样，视奏的整个过程就有了明确的目的性。
二、学会读吉他谱
读吉他谱时要充分调动大脑的积极主动作用，眼看吉他谱脑子中就要想象出应有的音响效果，并同时把音符在键盘上及左手贝司的位置迅速在头脑中反映出来，这对视奏及提高音乐素养帮助很大。许多音乐家在谈到高效率练琴时的经验时，都讲到练习前的认真读吉他谱会起到事半功倍的作用。
读吉他谱时，大脑想像一个琴背在身上，并指挥双手在“想象琴”上弹奏。这种练习必须精力高度集中，这种想象训练比较劳累，但效果极佳，既可以解决下意识的机械动作，又能克服那种每弹一个音符或和弦都要瞅一下键盘位置的习惯。加强读吉他谱能力的培养，提高内在听觉水平，实际上就是发展学生的音乐想象力和音乐听觉能力，而音乐的想象力和音乐听觉能力又对视吉他谱起主导作用。不断培养读吉他谱习惯。提高读吉他谱能力对视奏训练来讲，是必不可少的重要环节。
三、慢练是基础
对最初接受训练的同学要选一些低于他们实际水平、节奏简单、音区不宽的乐曲来进行练习。但最为重要的是从慢速开始，随着熟练程度的提高，逐渐加快到要求的速度。第一遍视奏时，要把音符弹正确，最初得到的应是正确、完整的全曲印象。严格地固定音符时值的比例关系，达到这一步的必须条件仍然是慢练，慢练的速度应以演奏者本人能完整无错地弹下全曲为“既定速度”，哪怕是每分钟30拍至60拍或更慢些都可以，避免急于弹奏，弹错后再去纠正。吉他谱没看准确或手形、指距准备不充分时，双手不要下键。
一般情况下往往是出于急躁和侥幸心理，用超出自己水平的速度去视奏，总想“冲”下去，结果是贪快，心急的举动弄得一个乐句反复来数次，奏成了“磕巴嘴”。听来支离破碎。往往枉费了时间还是弹不熟，甚至直到汇报、考试时还出现中断的现象。因此，必须重视循序渐进的规律，从最适合于自己的“既定速度”开始，渐快到要求速度，并努力使每遍都弹完整，以达到记忆中始终是正确的音响效果。
四、反应时间与视线走向
视奏中的反应时间就是在眼睛看到乐吉他谱后到做出动作所需要的最短时间。视奏时，眼睛并不是看双手正弹的那个音，而是向这个音稍有一点(即“提前量”)。柏西·布克在《音乐家心理学》一书中说：“假如你替一个好的演奏者翻吉他谱、你就会惊奇地发现，他多么喜欢把翻吉他谱的时间大大地提前”。这正说明，视吉他谱能力越强，大脑存吉他谱就会越多，演奏动作越熟练，“眼睛”与“手”在吉他谱上的距离越远，动作的反应时间就越短。
除反应时间外，在视吉他谱过程中还要有科学的视线走向，视奏时绝大部分的视向都集中在乐吉他谱上，如果每弹一个音符都要看一下吉他谱再看键的话(左手贝司根本看不到)这就说明乐曲程度超出了实际演奏水平，眼睛不能出现“提前量”，这时应考虑更换教材了。平时训练中要养成尽量不看或少看右手键盘的习惯，凭着平时对键盘位置的感觉去弹奏，使精力更能集中在吉他谱上，能做到这点就能使视奏在原有的基础上再提高一步。
五、注意的分配
在同一时间内把注意分配到视吉他谱、指法、指距、听辨左手和弦等几个方面，把大部分注意放在生疏的活动上，小部分注意放在较为熟练的活动上，并随时调正自己的注意，是否合理、均衡、科学，这样视奏时头脑才能保持清醒，身体各部的相互配合才能取得协调，以保证视奏的顺利进行。
如果乐曲比较复杂，速度也较快，不能全面把乐曲光顾过来时，视吉他谱就要盯紧乐曲的主要部分，用眼的余光顾及其他部分，把注意也分配到视野边缘的音符，同时还应注意到吉他谱中音乐还没有进行到的部分并在脑中迅速作出反应，储存在记忆中，等弹到时就显得有把握。
六、突击性视奏
突击性视奏主要运用于伴奏中，突击式视奏即要有厚实的演奏基本功，又要有必要的作曲知识。进行这种训练，可以缩编部分总吉他谱片断作为练习，在读吉他谱时就找出主旋律与伴奏部分，节奏型与和弦进行等，在头脑中缩编成适合干键盘乐器演奏的吉他谱来进行练习，以此来提高突击或视奏的能力。
2022吉他教学——吉他乐理的基本组成
基本的乐理对于刚开始接触吉他的初学者非常重要，在吉他入门之前一定要对基本的乐理有全方位的了解，这样在上吉他教学课时都会轻松许多。如果不懂乐理就不能更好的学习吉他，所下面的内容是学习吉他不可缺少的部分。
乐曲的基本组成
一首完整的乐曲是由一些固定的音乐单元组成，分清这些音乐单元，对于学习乐理是非常有好处的。一首完整的曲子，由很多不同时值的音符组成不同的小节，再由这些小节组成不同的乐句，由不同的乐句组成不同的段落，由段落组成完整的乐曲。关于这些不同的组成单位，我会在以后慢慢讲解。
1、时值
时值是音乐中非常重要的组成单位，它控制着音符发音的长短，按照一定时值演奏的音符才能奏出美妙动听的音乐。一个人在演奏一首乐曲时，即使音符弹得非常正确，如果音符的时值不正确，那么它的音乐也是非常糟糕的，所以正确联系好不同时值的音符，对于我们初学者是极其重要的。
我们给予一个时值的定义：时值就是控制音符长短的单位，他的计算单位是：拍我们目前的记谱方法有三种：五线谱、六线谱、简谱等。在这三种不同的记谱方法中，它们表示时值长短的方法略有不同，但大体相似，他们都是以五线谱为基础形成的。
2、运用在吉他上的记谱方法：六线谱
六线谱是世界上通用的一种专为吉他设计的记谱方法，我们在学习吉他时，接触最多的也是他。六线谱的基本结构是由六根间隔相等的线组成，这六根线分别代表吉他上的六根弦，最下面的一条线，代表吉他的第六根弦，注意，是第六，不是第一，这个要反过来理解的，然后依次是又上到下看谱，倒数第二根线代表第五根弦，下面的依次类推。
在六线谱上方有不同的英文字母表示不同的和弦，还有一些特殊的符号，表示一些特色音的演奏方法，这方面的内容会在学习这些技巧时候详细讲解。
3、具体时值的表示方法
所有风格的音乐都是由众多不同时值的音符组成,他们是全音符,二分音符,四分音符,八分音符,十六分音符,三十二分音符,六十四分音符,二分付点音符,八分付点音符,十六分付点音符,切分音符,及一些组合音符等,这些不同的音符,以后再慢慢介绍.想要学习好吉他上,各种技巧的时值表示方法,我们首先要学习各种音符及节奏在六线谱上的表示方法.
吉他教学方法——学习乐理之我见
在您下功夫学乐理之前，请确定您能唱准音阶（上行、下行），并能打准基本的节拍（四四拍、八六拍啥的）。如果您努力了一段，却做不到上述两点，那您的天赋不在这里，又或者您有希望被培养成一个很好的听众。
大家业余学乐理不会很系统，也不必系统。因为研究的多了，也就自然融会贯通了。想学好乐理得需要一本参考书，有个叫李重光的人写的乐理书很适合业余学习，大家不妨买本看看。
弹吉他的人学乐理的第一课应该是调弦，调弦的方法一般的吉他教程中都有，但这个基本功不一定所有人都掌握了。
以下说说我自己的乐理学习过程和体会，仅供参考。
我学乐理是从识谱、视唱开始的，我相信很多人都是这么开始的。我的做法是找一本歌本或是民谣吉他教程，把我会唱的歌都用唱名来唱。一开始可以一句、一句的走，先唱歌词，在翻过来唱谱。这个练习的目的：一是在头脑中建立音程关系的概念，就是逐步熟悉诸如 1 3、3 6、2 5等各音相距多少；二是熟悉各种音型、节奏型的唱法，比如附点、切分等等。
用唱名能唱十几首歌以后，我就在歌本上找我根本不会唱的歌，直接唱谱，然后再填词，也就是视唱。开始你可能老半天也唱不下来一句，你得慢慢的来。但要每个音的音高、时值都力求唱准，这个过程需要勇气与耐心。
如果你能做到本帖开头说的那两点，那视唱也是很容易的。比如看到谱子上第一个音是1，第二个音是5，你唱完第一个1音后却不能准确唱出第二个5音，那你就1、2、3、4、5这样唱音阶找到5 ，然后唱1、5两个音，并不厌其烦唱100遍，1、5两个音的音程关系就印在你的脑子里了，以后再遇到这两个音也就很容易唱出来。其他各种音程也是这样练习，常见的音程有限，不用多久我就能对一般乐谱进行视唱了。但那个把歌翻成唱名来唱的练习也经常会做，唱起来挺有趣的。
与此同时大家要读读乐理书上的内容（李重光的书都很薄，很好读），作书上的各种练习，这些练习都很容易的。
会视唱也就有了一个好的开始，之后我的第二台阶是听音记谱。就是听到某个没听过的歌时，一边听，一边把它的主旋律的谱子写出来。这个过程有点长，我也没想明白自己是怎么过这一关的。我只记得我有段时间总在哼哼《同桌的你》这首歌的头两句，想把它翻成谱子来唱，但就是感觉不出用的是哪几个音。后来，我有天随便唱了一个谱子里边有5 5 5 5 3 4 5这几个音连在一起，我唱了一下就忽然感到，这不是《同桌的你》的第一句吗？之后也就迫不及待的马上哼后面的乐句，然后把音都用谱子记下来，当时感觉很爽，特有成就感。第二天拿着谱子给我一个懂乐理的老师看了下，除了一些记谱错误，音都找对了。能听音记谱应该是个较大的跨越，因为这是能即兴伴奏的基础。也就是说只有听出歌者唱的是哪些音，并判断出是什么调，才能决定用那些和弦伴奏。
第三个台阶就是结合扒带学习和弦。能听出主旋是什么音之后，我就开始试着听伴奏中吉他部分演奏了些什么音，并把他们记下来或用吉他演奏出来，也就是扒带。开始当然找简单的曲子扒，比如 《白桦林》《同桌的你》啥的，主要是伴奏乐器较单纯，吉他声音较明显。扒带的方法在王鹰、马鸿合著的《民谣吉他新教程》的最后一章有介绍，归根到底就是听音记谱（不过这里是记和弦），你要听不出来，说啥都白搭。
在这一阶段，有几篇关于和弦的文字对我启发最大，那就是王鹰、马鸿在《民谣吉他大教本》和《民谣吉他新教程》中关于和弦的分类、命名、分析、运用、记忆、推导等的讲解，我觉得这是在所有吉他教程中关于和弦最科学、最浅显易懂、深入浅出的介绍了。 实际上在王、马二人的书里，编配从来都讲究原汁原味，和弦的运用都不会落俗套，我建议大家多看他们的书，尤其不要看刘传的教程，我记得刘传在很早以前的一本教程中，居然把唐朝的《月梦》编成了三连音的节奏型（后来改过来了），真是让人笑掉大牙。
自从知道了和弦的含义后，便了解了歌中的伴奏是以和弦为单位组织的，我就开始利用扒带研究和弦了，主要是听各种和弦的构成音，感受、记忆他们的色彩，并看在原配中该和弦是怎么运用的，能否用其他和弦代替等等。和弦是丰富多彩的，七和弦、九和弦、十一和弦、各种代理和弦、掺杂了各种经过音的和弦，再结合不同的节奏型和演奏技巧，真是变化多端，越玩越爽。
第四个台阶，就是扒总谱、编曲、指弹。现在很多歌曲伴奏都是由电声乐队担任的，基本是四大件：鼓、吉他、贝司、键盘。期间，还穿插着很多音效、小打、弦乐、和声等等，能把总谱写出来，真的对你的耳朵和乐理素养是个极大的考验。而对我们这些喜欢原声箱琴的人来说，就总想着把这些元素尽量用一把吉他表现出来，于是除了扒带，接下来就是吉他编曲了。这里就有和弦走向、调弦法，节奏型，和弦经过音的使用，音色、力度、速度的安排，前奏、间奏、尾奏的设计，拍弦、闷音、敲扳等技巧的运用等等，总的感觉你既是一个指挥，又是一个身兼数职的演奏（唱）者，真的很有挑战性。而这些过程的实现都需要乐理的支持，基本上还就是那句老话“理论与实践相结合”，学了半天乐理还是要用的，亲自编一些东西再回来看理论，体会更多。
在这一台阶我也是刚入门，我想突破的方法只有多听、多做、多动脑。听真的很重要，任何音乐都会对你的弹奏有所启发，不断的开阔耳界总能使你更有创意；亲自编曲的提高会很大，有很多吉他弹奏上的细节只可意会，只有亲自做过才能体会到。
指弹我还是门外汉，论坛里有很多资料可供学习研究，尤其是华东少年儿童的那篇文章《一般的“民谣吉他er”玩转美国指弹吉他的基础》确实让人很受启发。编曲应该也是指弹很重要的一块，论坛里也许应该多一些编曲方面的东西。
吉他教学方法——如何学习音乐理论？
看到很多朋友因为各种原因没有机会系统的学习音乐理论，或是自学，而难免会学得杂和乱；或是入门，不知从何处入手。这里我把在音乐学院里学习作曲的经验奉上，希望能尽以绵薄之力，不求精华之贴，但求一个“顶”字而已。
所谓学之道，最是讲究循序渐进，如同练武要先打好马步，跳舞要先压好腿，学画要先学素描等之，音乐理论的学习便是从基本乐理和视唱练耳开始的。而后的高级阶段，是作曲四大件：和声、复调、曲式、配器。当然在音乐学院里，还会有音乐史、音乐欣赏、乐器学、民族音乐学、音乐美学等科目相辅相佐。这么多学科，它们间的关系如何，接着让我来一一说明吧。
先说说基本乐理。基本乐理之于音乐理论，就像小学时候的语文，处于学字认字阶段；也可以说是周岁小孩，蹒跚学步的为着跑步做准备。基本乐理的学习，一定要稳扎稳打，不能急。
视唱练耳的作用在于培养准确的音高、节奏和灵敏的内心听觉。记得刚进音乐学院的时候我最讨厌的就是视唱了，老师每天甚至会布置几条谱让我们回去背，还有带伴奏的视唱，换调号、谱号的视唱，无调性的视唱等等，当时我就觉得这科真是变态啊...呵呵！不过学完之后我就明白其实它的用处是很大的。
如果说基本乐理和视唱练耳是一个人的外貌和着装，那下面的内容便是一个人的内在修养。俗话说：看一个人不仅要看外表，更重要的是看人品啊。
和声与复调（复调也作对位学）。这两科讲的是多声部音乐里声部间常见的规律。和声讲的是音和音纵向的结合，复调讲的是线条之间横向的对位。虽然说二者研究的方向相反，虽然说各流派里二者的地位都不相同，但是它们的关系却很亲密。不管是巴洛克时期的复调音乐，还是古典浪漫派主调音乐，尤其到了现代音乐里，二者的存在都是不可或缺的。简单的说，复调音乐里缺少不了和声作为旋律的引导方向，主调音乐里也都会有隐伏的旋律藏在主旋律后面，甚至于有些音乐，你不能简单的说这是主调音乐还是复调音乐。这两科都是作曲的基础，欲学作曲，必先学它！
如同是房子就会有个框架，是人就会有个模样，只要有音的存在，也就会有结构的存在。曲式学研究的就是音乐的结构。学曲式容易有个误区，容易认为段、部间的关系就是曲式学。其实曲式学还有很重要的一点就是对于音乐材料的的性质及发展的研究，这点对于作曲技法是很有指导意义的。
有音乐吧，就会有乐器，如何编配组织这些乐器，这就是配器学的内容了。里姆斯基说，良好的配器就是良好的声部进行。例如老柴天鹅湖里双簧管奏出的主题….这便是经典！当然，一般音乐学院里学习配器都是依照西洋管弦乐队作模型的，但这无碍于志向电声乐队的同志们学习配器，毕竟柏辽兹、瓦格纳、里姆斯基等配器大师都有很多配器上的技巧是值得我们借鉴的。
要学配器我们就需要弄清各乐器的特性，这便是乐器法的内容。乐器法研究包括乐器的发声方式、音域、特性音域、演奏法等等。
学习音乐欣赏和音乐美学，培养我们的音乐观和美学观，它教导听众学会欣赏音乐艺术，指引作曲家的创作方向。
唐太宗说“以史为鉴，可以知兴替”，春秋张孟说“前事不忘，后事之师”，杜牧说“秦人不暇自哀，而后人哀之；后人哀之而不鉴之，亦使后人复哀后人也”….音乐史的学习，无须多言。
民族音乐的学习，目的在于了解世界各地音乐在地域上、文化上、经济上的特点，包括音乐的演变和一些民族乐器。
另有音乐批评学、音响学、音乐教育学、音乐心理学、记谱学…. 嘿嘿，目前我只是学作曲的，这么多东西有待日后再研究吧。