1、音色的需要
无论是拇指，还是ima指，使用靠弦弹法都可以获得圆润、饱满的音色(拇指留指甲，用指甲拨弦，拨弦时也是先碰指肉，后是指甲拨弦，这样可以减少噪音)。靠弦不只是简单的靠弦，而是稍微有向下按(大概与琴面板成45度角)的动作，以使弦在垂直于琴面板的方向上可以有更大的振动，这样琴的振动是充分的。正因如此，用不靠弦弹法时，拨弦方向也应与琴面板有一定角度，大概是30度到45度之间，这样不靠弦弹法也可以获得较好的音色。
2、手指力量训练的需要
使用靠弦弹法需要用较大的力量，这对于手指力量的训练是很重要的。
3、手指拨弦动作规范性的需要
由于靠弦动作受琴弦的约束较大，所以长期进行这种训练有利于规范手指的拨弦动作，使拨弦的手型保持正确的姿势。形成习惯后，再行勾弦弹法时，手型不容易变形，从而对提高勾弦弹法的质量是起着支持作用的。
4、手指包括手腕柔韧性训练的需要
拇指与ima指交替用靠弦弹法进行拨弦训练，对于改善手指和手腕的柔韧性是有很大帮助的。
5、轮指的需要
练习靠弦弹法的轮指，可以有效地提高轮指的力量、速度和质量。由于靠弦弹法有助于手型的稳定，所以用靠弦的方法练习轮指，对于今后勾弦的轮指也是有重大支持作用的。靠弦奏法的关键点在于指根发力，保持右手指整体的弧度与弹性，发力方向要指向琴的面板，这样，能使弦获得最大程度的指向面板的振动，使音色浑厚结实。
延伸阅读
2022吉他教学——如何学好扫弦？
对很多才吉他入门不久的新手而言，扫弦是项很难精通的技巧，需要时间去慢慢进步。初学者吉他入门后，往往扫弦节奏单调，音色不均匀，加上姿势丑，所以不愿意继续练习，而是陶醉在自己觉得还不错的分解和弦里面，孰不知扫弦在他内心已经成为永久的痛。每当他看到高手扫弦弹唱时，那阵阵悠扬的声音让他很不是滋味，于是又决心再练，结果却还是无法进步。
扫弦主要是两方面，一个是音色，一个是节奏：
音色要均匀清亮是件很难做的事。我自己也做不到。那天我在琴行听见老师在扫弦时发出的声音，简直就像细沙在丝绸上刮过！扫弦是极具魅力的，除了潇洒，还有那音色。我一直认为钢琴是水晶的声音，古典吉他是泉水的声音，而好的民谣吉他就是丝竹的声音，很有东方色彩。我好象扯远了。好，言归正传，我讲讲自己摸索的一些方法(具体手型就不讲了)：
1、音色如果太硬可以调整食指指甲接触弦的面积，面积越大，音越柔和。
2、扫的时候要干脆，接触弦的时间不能长。
3、手放松，就像在甩手一样。
4、左手和弦要按紧，不然会有杂音。
5、边扫边调整右手的角度，达到最佳效果。
6、坐姿端正，全身不要紧绷，扫的时候整体上觉得自己很潇洒。(可照着镜子练)
7、左手可用制音的方法，即轻压和弦，右手扫闷音，也能听出是否均匀。
再说节奏。关键是情感。把握了情感你也就能控制节奏！
1、照谱扫弦的时候，不要全部按它写的弹，就是说不要它说上就上，它说下就下，你自己凭感觉去扫，书只有参考作用。
2、不要一味扫六根弦，要学会时上时下。对初学者来说，这主要是由音的高低决定的。
3、脚踩拍子，从最简单的节奏型扫起。
4、听MP3的时候，注意架子鼓的节奏，很有启发性。比如在高潮快来的时候，可学着到5、6弦反复向下急扫来衬托气势。
5、学着边扫边加入一些单音或和弦，这在使用拨片时更重要。也要学着加入一些大拇指和食指的琶音。
6、多看高手扫弦，偷学他们的技巧。
2022吉他教学——学靠弦的注意事项
很多吉他爱好者在吉他入门的初期拨弦是非常非常慢的，想要提高自己拨弦弹奏的速度却又过于笨拙，以至于最后连音都没有弹准。那有没有什么办法可以解决新手们吉他入门后将要遇到的这个问题呢？答案是肯定的，这个时候我们就需要学习吉他靠弦了。
1.音色的需要
无论是拇指，还是ima指，使用靠弦弹法都可以获得圆润、饱满的音色(拇指留指甲，用指甲拨弦，拨弦时也是先碰指肉，后是指甲拨弦，这样可以减少噪音)。
靠弦不只是简单的靠弦，而是稍微有向下按(大概与琴面板成45度角)的动作，以使弦在垂直于琴面板的方向上可以有更大的振动，这样琴的振动是充分的。正因如此，用不靠弦弹法时，拨弦方向也应与琴面板有一定角度，大概是30度到45度之间，这样不靠弦弹法也可以获得较好的音色。
2.手指力量训练的需要
使用靠弦弹法需要用较大的力量，这对于手指力量的训练是很重要的。
3.手指拨弦动作规范性的需要
由于靠弦动作受琴弦的约束较大，所以长期进行这种训练有利于规范手指的拨弦动作，使拨弦的手型保持正确的姿势。形成习惯后，再行勾弦弹法时，手型不容易变形，从而对提高勾弦弹法的质量是起着支持作用的。
4.手指包括手腕柔韧性训练的需要
拇指与ima指交替用靠弦弹法进行拨弦训练，对于改善手指和手腕的柔韧性是有很大帮助的。
5.轮指的需要
练习靠弦弹法的轮指，可以有效地提高轮指的力量、速度和质量。由于靠弦弹法有助于手型的稳定，所以用靠弦的方法练习轮指，对于今后勾弦的轮指也是有重大支持作用的。
靠弦奏法的关键点在于指根发力，保持右手指整体的弧度与弹性，发力方向要指向琴的面板，这样，能使弦获得最大程度的指向面板的振动，使音色浑厚结实。
2022吉他教学——如何换弦不致脱音？
大家都喜欢吉他，现在越来越多的朋友选择自学吉他，但大部分刚吉他入门的初学者其实也只是才踏入了吉他世界的第一步，越往后问题与困难会越来越多。不过有问题不要怕，来咱们吉他世界网的“技术问答”就好啦！
好了言归正传，经常有初学吉他的琴友们发现弹完第一个音之后，该弹第二个音时会出现一个时值连接不上的音的休止。新手们往往都不清楚如何有效地处理这个问题，而要想解决这个问题，你就应该在弹第一个音时，想着第二个音应该按哪个位置（即按第几弦第几品）？用哪个手指去按弦？在什么时候去按弦和弹弦。
当然，最关键的就是要在第一个音弹出多长时间之后才去按第二个音和弹响第二个音，这就需要你在练习弹奏音阶和乐曲的时候，首先要知道它的调式、节奏、速度，然后，再把节拍器调到乐曲所要求的节拍上来，这样再进行弹奏时就不会出现跟不上节奏和跟不上时值的现象了。
如果你是吉他初学者，按弦和弹奏都掌握的还不是很熟练时，可以把节拍器的节奏调到很慢的速度上一步一步加快节奏，但是，弹奏的时值和按弦的时间都要正确，这样就不会再有象你所说的，换弦时脱音的现象了。
吉他靠弦弹法的动作规范
1.音色的需要
无论是拇指，还是ima指，使用靠弦弹法都可以获得圆润、饱满的音色（拇指留指甲，用指甲拨弦，拨弦时也是先碰指肉，后是指甲拨弦，这样可以减少噪音）。靠弦不只是简单的靠弦，而是稍微有向下按（大概与琴面板成45度角）的动作，以使弦在垂直于琴面板的方向上可以有更大的振动，这样琴的振动是充分的。正因如此，用不靠弦弹法时，拨弦方向也应与琴面板有一定角度，大概是30度到45度之间，这样不靠弦弹法也可以获得较好的音色。
2.手指力量训练的需要
使用靠弦弹法需要用较大的力量，这对于手指力量的训练是很重要的。
3.手指拨弦动作规范性的需要
由于靠弦动作受琴弦的约束较大，所以长期进行这种训练有利于规范手指的拨弦动作，使拨弦的手型保持正确的姿势。形成习惯后，再行勾弦弹法时，手型不容易变形，从而对提高勾弦弹法的质量是起着支持作用的。
4.手指包括手腕柔韧性训练的需要
拇指与ima指交替用靠弦弹法进行拨弦训练，对于改善手指和手腕的柔韧性是有很大帮助的。
5.轮指的需要
练习靠弦弹法的轮指，可以有效地提高轮指的力量、速度和质量。由于靠弦弹法有助于手型的稳定，所以用靠弦的方法练习轮指，对于今后勾弦的轮指也是有重大支持作用的。
靠弦奏法的关键点在于指根发力，保持右手指整体的弧度与弹性，发力方向要指向琴的面板，这样，能使弦获得最大程度的指向面板的振动，使音色浑厚结实。
2022吉他教学——音阶如何练习？
大部分吉他教学里，音阶练习对于才吉他入门的菜鸟们来说是一种最佳的练习形式，因为它将手指的灵活和双手的协调练习与速度、力度和耐力的培养结合在了一起。此外，还能从中得到宝贵的乐耳锻炼与节奏训练。你只要有规律的正确练习，就能自然而然的得到所有这些收获。
要知道这世界上根本就没有一种所谓的正确练习方法；而对于你来说，最好的练习方法是你自己养成的。关键是要有计划，而且要严格按照计划练习。现在你已经知道了，就你的弹奏而言，最严厉的评判永远只会是你自己。要运用下面这些评判方法来帮助你保持正确的练习。
★下面这些建议—其中一些很具体，另一些则是泛泛的—将帮助你制定出自己的练习规律。要特别注意每一条建议—事实上，你迟早会运用这些建议的。
★如果你每天练习一个小时，那么你应该花十到十五分钟来练习音阶。要按这个比率根据你每天的总练习时间相应增加或减少音阶练习时间。
★每次练习开始时，可以先弹奏一些比较容易或比较熟悉的练习—比如，一个顺琴颈半音级进(既一个品格一个品格的上下级进)的八度大调音阶音型。
★弹奏每个音阶练习时要将它唱出来。在学习用新的指法弹奏一些听上去熟悉的音阶时，这种方法尤其有用，因为这有助于你提高耳朵与手的协调性。这种技巧也能使那些好的即兴演奏者自如的弹奏他们能够想到的任何旋律乐思。
★交替进行机械性和音乐性的弹奏。试着对练习进行一些句法和圆润性处理，可以包括机械性的断奏和流畅而富有表现力的圆滑演奏。
★使用节拍器和鼓机。良好的速度感和节奏感对任何音乐来说都是至关重要的。节拍器能够帮助你在提高弹奏速度时记录下你的进展。记住，千万不要在你还没有掌握好之前就用较快的速度进行弹奏。
★试着用节拍器或鼓机给你提示一个速度，然后再关掉节拍器，弹奏音阶或者音阶练习。弹奏结束后，重新打开节拍器，看看你在结束时的速度是否与开始的速度相同。(在弹奏速度极慢的练习时，这简直可以算是试金石—不信你试试看)
★试着在鼓机的伴奏下弹奏交叉节奏。例如，你可以在鼓机弹奏连续八分音符时用低音吉他弹奏三连音音型，这样你就能练习三拍和两拍的对比。你也可以在鼓机弹奏曳步舞曲音型时弹奏连续的八分音符，这样你就能练习两拍与三拍的对比。
★倒过来弹奏你所熟悉的音型，或者从不同的地方开始弹奏。我们习惯于认为音阶总是先上行，然后再下行。为了增加一些变化，你可以先弹奏下行音阶，然后再弹奏上行音阶。如果你想看看自己对某一种特定的指法究竟掌握到什么程度，你可以从中间某个地方开始。
★运用音阶来学习新的右手技巧。如果你弹奏时主要运用匹克(即拨片)，那么你可以试着用下面的手指拨弦法练习；当然，如果你主要运用手指拨弦法，你也可以试着运用匹克拨弦。选择一些熟悉的音阶音型，这样左手部分就能完全自然运动。
2022吉他教学——怎样唱好歌？怎样练歌？怎样练好嗓音？
一、 歌唱发声器官的组成
声音的形成是发声器官协调工作产生的生理现象，这个现象的产生是气息运动和声带振动所形成的物理现象，但歌唱的发声运动又和我们平时说话的发声有所不同，因而歌唱发声又是一个物理的声学、音响学现象。而进行歌唱艺术实践又是一个复杂丰富的心理活动过程，因此我们的歌唱运动可以说是生理、物理、心理“三位一体”的行为。歌唱的发声器官是由呼吸器官、发音器官、共鸣器官和咬字器官四个部分组成，它们是歌唱发声的全部物质基础，是歌唱发声运动中的主要功能系统。
1、 呼吸器官
呼吸器官，即“源”动力，是由口、鼻、咽喉、气管、支气管、肺脏以及胸腔、膈肌（又称横膈膜）、腹肌等组成。气息从鼻、口吸入，经过咽、喉、气管、支气管，分布到左右肺叶的肺气泡之中（肺中由两个叶状的海绵组织的风箱构成，它包含了许许多多装气的小气泡）；然后经过相反的方向，从肺的出口处分支的气管（支气管）将气息汇集到两面三刀个大气管，最后形成一个气管，再经过咽喉从口、鼻呼出。与呼吸系统相关的各肌肉群，他们的运动也关系到呼吸的能力，是歌唱“源”的动力和能量的保证。我们日常的呼吸比较平静，比较浅，用不着使用全部的肺活量，但歌唱时的呼吸运动就不同了，吸气动作很快，呼气动作很慢。如果遇上较长的乐句，气息就必须坚持住。而一首歌曲的高、低、强、弱、顿挫、抑扬变化，也全*吸气、呼气肌肉群的坚强和灵活的运动才能完成。
2、 发声器官
发声器官，即发出声音的器官。它包括喉头、声带。喉头是一个精巧的小室，位于颈前正中部，由软骨、韧带等肌肉组成。声带位于喉头的中间，是两片呈水平状左右并列的、对称的又富有弹性的白色韧带，性质非常坚实。声带的中间又称声门，声带是*喉头内的软骨和肌肉得到调节的。吸气时两声带分离，声门开启，吸入气息；发声时，两声带*拢闭合发生声音。声带在不发出声音的时候是放松并张开的，以便使气息顺利通过。声带发声，一部分是自身机能，一部分是依*声带周边的肌肉群协助进行发声运动。我们在声乐训练的时候，应该充分注意到这些肌肉群的功能作用，合理地运用它们，养成良好的习惯，避免在不正确的发声习惯下唱坏了嗓子。还有喉咙的上部与舌根之间，有一个很重要的软骨，叫会厌。会厌的功能有两个方面，一是起到声门的保护作用，当我们吞咽食物和饮水的时候，它本能地自动盖住气管，让食物通过时避免进入气管，我们往往有时不小心喝水“呛”了气，就是会厌动作不协调所致。第二个作用是歌唱的时候，会厌竖起，形成通道让声音流畅地输出。
3、 共鸣器官
人体的共鸣器官主要有胸腔、口腔和头腔三大共鸣腔体。胸腔包括喉头以下的气管、支气管和整个肺部。口腔包括喉、咽腔及口腔。头腔包括鼻腔、上颌窦、额窦、蝶窦等。在歌唱中，由于音商的不同，使用这些共鸣腔的比例是有所不同的。一般来说，唱低音时，胸腔共鸣发挥最大，唱中音时口腔共鸣应用较多，而唱高音时主要是*头腔鸣发挥作用了。如果我们能正确、合理地运用好这些共鸣腔体，并相互协调配合好，那我闪就能获得圆润、悦耳、丰满、动听的歌声。
4、 咬字吐字器官
咬字吐字器官（即语言器官）包括唇、舌、牙齿和上腭等。这些器官活动时的位置和不同的着力部位，形成了辅音和元音（即语言）。发声歌唱时，咬字、吐字器官各组成部分的动作比平时说话要更加敏捷而夸张。敏捷是为了使咬字准确清晰，夸张是为了使美化的元音或韵母通畅地引长发挥。所以语言器官是我们在吐字咬字时的物质基础，也是我们学习吐字咬字时出声、引长和归韵的重要器官。声音是歌唱的基础，要训练好声音进行歌唱，首先要了解所参与发声器官的构造和作用。歌唱运动的感觉远不如看得见、摸得着的如钢琴、小提琴训练那样的肌体运动来得容易，这就要求我们每个歌唱者要有敏锐的自我感觉，并在专业声乐教师的指导下反复训练，以形成条件反射去断定自己的声音是否正确，是否符合声器官运动的基本规律。还有一点要指出的是，上述各部分器官及它们的运动形式是歌唱的生理学为基础，而这些器官的协调活动，则是在人体神经系统的调节与支配下完成的。任何身体的运动都受到心理的指挥或暗示，歌唱者的意志、情感、愿望及舞台感觉等等，很大一部分与心理的因素有关，有时候心理的制约因素甚至比发声技术更重要地左右着我们的训练，我们应该充分注意到心理的重要性，当我们在歌唱时，尤其在台上表演时，则需将注意力集中在歌曲的内容与情感上，以情带声，而不要把注意力分散在具体器官的位置及活动状态上。
二、 歌唱的姿势
有人说：“姿势是呼吸的源泉，呼吸是发声的源泉。”唱歌训练，首先要有正确的歌唱姿势，没有经过专业训练的人往往不够重视姿势，姿势的正确与否是直接关系到发声时各个器官配合的协调姿势，姿势的正确了，发声各部分就能正常地工作，而不正确的姿势，则往往带来不正确的声音。这好比我们的跑步运动员，赛跑时如果没有正确的跑步姿势，就会直接影响跑步的速度一样。
正确的歌唱姿势是：1、身体自然直立，保持自然放松，这里的放松绝不是松垮、瘫痪，它应呈现一种积极向上的状态，也就是精神饱满的状态。2、头部保持于眼睛向前平视稍高的位置，胸部自然挺起，两肩略下后一点，小腹收缩，两臂自然垂落，全身有一种积极运动的状态。3、两脚一前一后稍分开，前脚着力、身体的重量要平稳，重量落在双脚上。4、面部，眼神要自然生动，眉、眼、嘴是五官中的重要部位，眼睛是心灵的窗户，因此在演唱中眼睛切记应当张大一些，不要眯起眼，虚着唱歌。5、嘴巴是歌唱的喇叭，应当张得开，放得松，切记紧咬牙关。6、还有歌唱时下颌收回，正确的感觉应该是仿佛由小腹到两眉之间形成一条直线，脖子和后背、腰部连成一线，这样才使气息畅通无阻。7、演唱时可根据歌曲的内在情感赋予适当的动作，但动作要简练大方，切忌矫揉造作，画蛇添足。坐唱的姿势与站立时的要求一样，但要注意腰部挺直而不僵硬，也不要*在椅背上，注意臀部不要坐满整个凳面，约坐1/3的面积，两脚稍分开，自然弯曲，不能跷腿坐，也不能两腿交*叠起
三、 歌唱的呼吸
学习正确的歌唱呼吸乃是歌唱艺术最重要和最必要的基础。由呼吸控制的歌声才是声乐，呼吸是歌唱的原动力。声乐界有“谁懂得呼吸，谁就会唱歌”之说，说明了呼吸在歌唱中的重要性，它确实是歌唱者首先应该学会的一项基本功。
歌唱时的呼吸与日常生活中说话的呼吸是不大一样的。在日常生活中，人们通过说话交流思想感情，因为一般距离较近时所需音量就较小，气息较浅，不用很大的力度，也不用传得很远，而且我们说话连续用嗓时间长了，嗓音就容易疲劳、嘶哑，这种说话的呼吸若用于唱歌就显得不能胜任了。唱歌是为了抒发情感，是要唱给别人听的。歌唱时面对的往往是大庭广众，须将歌声传至每个角落，因而要求声音既要有一定的音量，又要有一定的力度变化，要有长时间歌唱的能力，并要求根据歌曲的需要，或长、或短、或强、或弱、或高、或低地有控制地输送气息，要做到这些，就不是简单的事了。所以歌唱时的呼吸作为一种艺术手段，有它自身特有的一套规律和方法，它是一项技术性问题，是后天训练出来的。
呼吸运动包含着吸气和吐气两个过程。
1、 吸气
用口、鼻垂直向下吸气，将气吸到肺的底部，注意不可抬肩，吸入气息时使下肋骨附近扩张起来，腹部方面，横膈膜逐渐扩张，使腹部向前及左右两侧膨胀，小腹则要用力收缩，不扩张。背部要挺立，脊柱几乎是不动的，但它的两侧却是可以动的，而且也是必须向下和向左右扩张的，这时气推向两侧与背后并贮在那里，保持住然后再缓缓将气吐出。
2、 吐气
唱歌用气时，仍要保持吸气状态。这点很重要，就好比给自行车打足了气，不能一下子放松了，这里还有一个保持呼吸的问题，要保持住气息，就必须在唱的过程中永远保持吸气的状态，控制住气息徐徐吐出，要节省用气，均匀地吐气，这就是所谓气息的对抗。在呼和吸的过程中，要注意呼吸僵硬的感觉，整个身体表情都应该是积极放松的，紧张的部位就是横膈膜、两肋，两肋就像是一只充足的气球一样，我们要让声音坐在上面，往下拉，不能让气球往上浮起来，也就是说要把气息拉住，不能让它提上来，这就牵涉到一个气息支点的问题。
3、 唱歌时要有气息支持点
支持点也就是声音要有一个立足的地方，这个立足点也就是以横膈膜及下肋两侧做支持点，当我们咳嗽或笑的时候，可以直接感觉到它的支持作用。没有经过呼吸训练的人，常常唱歌时，脸红脖子粗的，青筋直暴，歌声僵直，高音上不去，低音下不来等等，都是与气息支持点没有保持住有关。反之，我们掌握了呼吸方法，有了支持点的感觉，那么，当我闪歌唱发声时，便会感到声音仿佛落在我们所控制的气息上，也就是说声音是由呼吸来支持了，这种声音不但悦耳响亮，而且能强弱自如地做出各种变化来。
4、 不同的乐句用气是不同的
我们在进行胸腹式呼吸时，呼吸气势的强弱、吐气的方法要根据所唱歌曲（或乐句）的不同要求有所不同。下面我们就介绍几种不同的呼吸练习法。
1） 缓吸缓呼 这是我们在训练和歌唱时常常采用的方法。就是胸腔自然挺起，用口、鼻将气息慢慢吸到肺叶下部，横隔膜下降，两肋肌肉向外扩张（也就是腰围扩张），小腹向内微收。这种吸气要求自然放松，平稳柔和地进行，就像我们去闻花的芳香时的感觉一样，闻花的感觉使我们吸气吸得深，就像做深呼吸运动一样，但吸气时不要用太大的力，只要轻轻地挺住胸廓和上腹部，然后慢慢呼气。呼气时，注意保持吸气状态，控制住两肋和横膈膜，也就是控制住了气息，使之平稳、均匀、持续、连贯地慢慢吐出。有一种感觉可以帮助我们体会呼气时下肋和横隔膜的保持状态：就是在缓吸后做慢慢地吹掉桌上的灰尘的动作，这里需要长长地吹气，也就是在做长音的呼气练习，我们常说：“长音像吹灰，短音像吹蜡”，是一种吐气的感觉。
2） 急吸急呼 急吸就是在很短的时间内，通过口、鼻迅速把气息促而深入地吸到肺叶下部，并将气息保持住，然后，按照缓呼的要求而呼出。我们在演唱实践中经常要用到的，因为在歌曲的句与句之间、字与字之间的吸气不通话你有很长的停顿时间，往往采用“偷气”的办法来吸入且要吸得不让人发现，这就是急吸缓呼的作用。为了培养呼吸的控制力，我们可以采取一些练习曲及歌曲中的某些乐句做带词的练习，效果较好。卡鲁索说过，歌者能否踏上成功之路，首先要看他对于呼吸器官的操纵和运用，是否建立了强固的基础。
四、 歌唱的发声
歌唱时的发声和说话时的发声是不完全一样的，说话式的唱歌或放大了的说话，都是不对的，这会没有色彩，不是音乐化了的发声。所以说说话的发声是不能适应歌唱的的需要的，我们必须讲究发声方法，帮助学唱歌的人把普通的声带磨炼成能发出优美、动听、有持久力的合乎科学方法的、有艺术感染力的声音来。
1、 喉头和声带
喉头和声带，是歌唱的发声器官，是歌唱的核心部位，是通向整体歌唱的要塞，是打开歌唱艺术宝库的金钥匙。因此，了解和搞清喉头与声带在歌唱时应处的位置和状态是非常必要的。一般来说，歌唱时喉头位置应该比平时说话时偏低一些（就像我们深吸气时的喉头感觉，因为吸气时的喉位，比静止时的喉位略低一点）有很多人把喉头处于吸气时的位置称为“水平位”。在歌唱时字与字、句与句的转换中，喉头要始终处于这一位置，而不应做离开水平位的向上、向下，或向左、向右的移动，当然喉头位置的稳定是在运动中的相对稳定，而不是僵死不动的稳定。就像浮在水面上的皮球永远稳定在水面上的道理一样，若把皮球比做喉头，皮球浮在水面的状态就好像喉头稳定在吸气位的状态一样。所以歌唱时的喉头位置应始终处于低而自如的稳定位置和喉头壁打开的状态。
2、 打开喉咙
在歌唱训练中“打开喉咙”是十分重要的中心环节，它直接影响到声音的好坏。“打开喉咙”也就是将喉头稳定在正确的位置上，口盖积极向上收缩成拱形，舌根放松，平放在下牙齿后，牙关打开，下巴放松自然放下而稍后拉，这时候的喉咙是打开的。那么如何能帮助初学者“打开喉咙”呢？
1）“打哈欠”的状态 “打哈欠”状态可以让口腔打开自然，放松，口盖抬起，口腔内空间增长增大。所以在唱歌时，咽喉不要闭塞，要使咽喉张开，让气息自如地送出来，“哈欠”状态确实是打开喉咙的好办法，也使歌唱者保证了一个很好的演唱状态。在平时练习时，还可以用闭嘴的“打哈欠”，闭口打哈欠的时候，里边的状态也是开的、抬的，如果我们在唱歌的时候都能保持这个状态的话，那你的声音就不会是“白”的、“扁”的了，你的声音就会是“竖的”、“圆的”了。
2）用“微笑”状态来打开喉咙 我们讲的“微笑”不是光笑，而指的是把“笑肌”抬起来。“笑肌”抬起是要鼻、咽腔打开，大牙关打开，面部两边的笑肌（颧骨）呈微笑状，这样的微笑状态可以使你的喉咙打开，可以使你获得高位置的声音。“歌唱状态就是里边的哈欠，处头的微笑”，这话很精辟。
3、 良好的中声区
中声区是唱歌的基础，没有良好的中声区，就谈不到其他的一切。我们应当重视中声区的练习，多在中声区下功夫，不要急于唱很高的音。练习时，我们先从中声区以中、小音量练习开始，经过相当一段时间的巩固以后，再慢慢向较高一点或较低一点的音域发展，初学者一定要遵循由易而难的循序渐进的原则，否则一开始就猛练高音，不但不会获得正确的高音，反而会毁坏声带。中声区应该*前，明亮，轻松流畅，不费力，这样才能往上发展，为演唱高音打开通路。中声区的声音不要强求音量，而是要自然自如，要求音色优美和声音的灵活性。每个声部的重要音区都是中声区。中声区要做到吸气深，呼吸力求自然，有弹性，积极向上，有支持点，喉头稳定松驰，不论唱高、低不同的音，喉头的感觉都在一个位置上，声音要往外送，但又要使声音从头到尾保持在同一音型和位置上。我们常比喻说“声音要像穿珍珠一样，把每个音穿在一条线上”等等，就是说声音要连贯、统一、圆润。
4、 关于换声区
当你从低音往上唱时，唱到一定的地方，就会感到困难，容易卡壳，这就是到了换声区了，这时，你必须运用某种方法才能继续入上唱。歌唱者首先应基本掌握了虽声区的唱法，然后因人而异地作具体调整。有几种方法大家可以实践一下：
1）“倒抽一口气”的动作 就是歌者在唱到换声的音时（发元音的同时），做一个倒抽一口气的动作，好像“吓一跳”的生理状态，让喉头稍向下，向后退让，以使口咽腔充分打开，同时将中声区歌唱时向上齿龈背后发送的气息，随着音高逐渐向上挪动，嘴也随着逐渐张开，此时声音感觉更向上，向更远的前方发送。这时声音就自然地进入了换声区。
2）母音转换手法 就是在唱到换声区的时候提前让声音掩盖一点，声音暗一点，出气量小一点，小舌头抬起一点。在碰到换声点时，有一点必须强调指出，就是你感到声音唱上去困难时，甚至声音感到要出现破音时，千万不要变化发声器官的形态，不要乱动，乱使劲，一定要坚持迎着声音唱下去就可以了。其实换声点的总是就是一个“混声”的问题，就是真假声结合的问题。掩盖一些的声音就是有了假声的成分，但又不能全假，必须与真声混合在一起，声音的衔接才不会有痕迹，声音才不会虚和空。所以学会换声点的过渡也就学会了假声的唱法，而假声位置对唱歌、解决声音的统一是大有好处的。
唱歌的声音美不但要共鸣好,混声好,关闭好,还要学会保护自己的声带,它很娇嫩的.
声音要好听,除了天生之外,最重要的还是后天的努力,相当一部分男人天生就会混声,会关闭,他们唱高音都毫不费力,但是他们的低音区却一塌糊涂,就像张信哲,熊天平,张雨生,等人那样,他们都不能算得上是全能歌手.
因此你大可不必羡慕那些有天赋的人,唱歌这东西讲的最主要是技巧和方法而不是天赋.
因此你要练好唱工必须要,1.练好乐感,就是音准,和节奏感,多听歌手的歌,听时要注意他唱的调,然后你跟着唱时,看看有没有降了或者升了,多模仿,不要害怕模仿了别人自己的风格就没有,其实当你模仿到一定程度后,你可以用你模仿下来的声音作基础,建立你自己的风格.2你要明白什么是真音,什么是假音,这很简单也很重要,是基础里的基础3.练习混声,练好混声你照样可以唱到张信哲,林俊杰,陶喆等人的歌了,混声就是真音与假音的混合体,对男生来说这个比较难,因此更需要坚持练习,3练关闭唱法,为什么有的人说话那么响亮,富有穿透力?那就是他用了关闭,一旦运用到唱法来,可以使你的声音响亮,富有穿透力并且不费力,
一旦练好了以上的东西,你应该可以自我调节自己的嗓音了,甚至你还可以模仿出几个人的嗓音了.
对绝大多数朋友来说，可以按以下的顺序来进行学习：
No.1 [原创]初级发声1：发声综述
No.2 [原创]初级发声2：初学必看汽泡音之蜕变起点
No.3 [原创]初级发声3：汽泡音之练声大法
No.4 [原创]初级气息1：大家来练气吧 -----我们的气息
No.5 [原创]初级气息2：练气息要用到身体的哪些地方？
No.6 [原创]初级气息3：从生活中的动作 一步步掌握 气息
No.7 [原创]初级气息4：气息练习来啦 连绵不断
No.8 [原创]初级气息5：气息再练习 气吞山河 气贯长虹
No.9 [原创]初级咬字1：会说不一定会唱
No.10 [原创]初级咬字2：字要念清楚 才能更感人
No.11 [原创]初级咬字3：口型和面部表情
No.12 [原创]初级咬字4：咬字的发力 最重要也是最难做
No.13 [原创]初级传声：有前大就有后小
No.14 [原创]初级传声2：形成角的两条边（线）
No.15 [原创]初级传声3：用声带来唱歌
告诫朋友们:
1 声乐是需要系统全面学习的,请做好长期学习的打算,打算今天看了几行字明天就成高手的人趁早放弃.
2 单看文字教程会产生误区,最好能看视频教程,听老师的示范和讲解,避免练歪!
KTV唱歌技巧
我们平时生活中采用的是自然式呼吸，这种是下意识的，气吸得少而浅，呼气也不用控制，一次呼吸只要三秒钟左右，不能用于歌唱。歌唱的呼吸是比较深的腹式呼吸法，既气要吸到腰的周围，然后利用呼气肌和吸气肌的对抗，找到用力的支点。一次呼吸往往长达十几秒钟，歌唱的高低强弱，茚扬顿挫的变化，全*呼吸肌肉灵活有力的运动来完成。唱歌时要一直保持这种状态，声音完全由气息来控制，这就是人们说的“声*气传”。
⒈吸气
想象自己处于一个美丽的花园之中，深深地闻了一下鲜花的异香----好，这就是歌唱的吸气，这样吸气得才深。吸气要用鼻和口同时自然的进行，尽力作到平稳轻巧，柔和，不可用强制力量，不能僵，气要吸得深，不可吸在上胸和心窝处。吸气以后要有像打喷嚏之前那样短暂的一憋，体会一下腰周围的扩张，膨胀的感觉。找到这种感觉是唱歌的关键。
⒉呼气
呼气的方法就是利用横膈膜的力量把腰腹扩张的感觉一直保持住。想象自己手里拿一大瓶香油往另一个小瓶里灌时那种小心翼翼，憋住气息的感觉，呼气要均匀，舒缓。各位可以准备一张10平方大小的薄纸片，放在墙上，距离它4---6CM，吸气后保持一下，然后用口吹气使之不落地，半分钟以上便为合格。也可以代之以一只燃烧的蜡烛，对着火苗发“U”音，正确的气息是火苗倒而不灭，时间越唱越好。
⒊怎样训练横膈膜的力量
横膈膜的力量对气息的保持和声音的力度都很重要。
传统的训练方法有；
⒈数数字；深吸一口气，利用腰腹的力量保持住，从1开始数，数到60为合格。数数要均匀要有节奏，不能偷气。
⒉吹灰；深吸一口气，然后就像吹掉桌上的灰尘一样往前吹气，节奏是一慢而快，体会横膈膜的力量。
⒊多做仰卧起坐，增强腰腹的力量。
颤音
颤音是利用气息与喉结的配合，使声音产生波动感，起伏感。这是抒情歌曲中最常用的技巧之一。颤音有很多种类。如周华健的颤音幅度适中，不大不小；齐秦爱用小颤；邓丽君，张学友则以大颤见长；而日本歌曲的特点是“先直后颤”，即后唱一段直音，再开始颤，幅度有小到大，频率有慢到快，这需要功夫。很多朋友不会这个技巧，不要泄气，这完全可以练出来的。关键是气息与喉头要配合好，千万不要只用喉头，发出一种类似羊叫的小抖音。
气声
在发生时，如果气先与声出，气多声少，就会发出气声。它使歌声更柔媚，更动人心魄。邓丽君的《在水一方》第一段，林忆莲的《爱上一个不回家的人》第一段也是典型的气声唱法。
哭腔
哭腔是目前通俗歌曲演唱中最流行的技巧之一，它是再喉间和用猛然加大气息而产生的爆发力，发出一种类似痛苦的声音。张学友，周华健是哭腔的代表人物。哭腔用的好可以增加歌曲的感染力，但也不可用的太滥。
挑音
挑音是一位优秀歌手必须掌握的但往往又是最容易被忽列的小技巧。它是在字尾声音向下滑在忽然往上一挑而发出的。周华健再歌唱时挑音用的很讲究，很到位。有的歌手喜欢有大挑音，如叶倩文，她演唱的《真心真意过一生》，《明月心》等歌曲，几乎每句歌词的结尾都有一个幅度很大的挑音。
噎音
噎音是一种在喉间发出的类似哽咽的声音，港台歌手唱噎音最有代表的是王杰。王杰之所以给人一种悲凉沧桑之感就是因为他的歌声中“噎音”，“哭腔”特别多。
歌唱呼吸的三种类型
胸式呼吸：这是一种主要依靠胸腔控制气息的呼吸法。吸气时双肩上抬，只用胸部的扩张和回缩动作进行呼吸。这种呼吸法由于只用胸腔上部，即抬肩来进行呼吸，因而吸气太浅，气息的容量小，没有利用横膈膜与腹部肌肉控制气息的能力；气息保持不住，容易很快泄掉；还会引起喉头、颈肌、下腭和舌根的紧张，影响音域的扩大和声区的统一，声音缺乏应有的色彩变化，易产生逼紧、生硬的效果。
腹式呼吸：这种呼吸法主要靠下降横膈膜，用腹部肌肉控制气息，唱时胸部不抬起，只用凸肚子或瘪肚子的方式呼吸，或者呼气时小腹不但不收缩， 还向外凸出。运用这种呼吸法的人，因将气息压迫得过深，腹部膨胀，使胸腔肋骨受到压缩，失去胸腔肋间肌肉控制呼吸的能力，气息容量不大，并不能积极地对声带形成应有的压力，声音滞重不灵活，空洞、无力，高音尤为困难。
胸腹式呼吸：这是目前声乐界大多数人认为最可取的歌唱呼吸方法。它是一种运用胸腔、横肉膈膜和腹部肌肉共同控制气息的呼吸法。它的优点在于全面地调动了歌唱呼吸器官的能动作用，使胸腔、横膈膜和腹肌互相配合，协同完成控制气息的任务；由于吸气时下降横膈膜和张开肋骨同时并用，使胸腔全面扩大，气息的容量大；控制气息的能力强，呼气呼气均匀而深沉，并能对呼气气势的强弱进行调节，使声音的高、低、强、弱变化控制自如。这种呼吸法解除了胸部的僵硬紧张，呼吸支点明显，音量、音域都得以扩大，声区调和统一，声音的表现力丰富。
这儿我们还着重说明一下呼吸支点及其作用。歌唱时，我们用了胸腹式呼吸法进行呼吸，就会产生呼吸支点的感觉。所谓呼吸支点，一方面是指气息的保持部分，即利用胸腔肋间肌、腹和横膈膜控制气息的呼出，使气息呼出时均匀而有节制；另一方面是指声带支点，就是声门闭合，根据所发音的高、低、强、弱，调整呼气的压力和声带长度、厚度和张力，使有节制的呼气与声带正常的振动密切配合。
如果呼吸有了支点的感觉，那么当我们歌唱发声时，便会感到发每个音都是用气息支持的，发出的声音不但响亮、悦耳，并且具有伸缩性和色彩变化，而颈部肌肉、下腭、舌根等并不感到紧张。不论唱高、低、强弱的声音，都要有呼吸支点，也就是说，所有的声音都必须用气息来支持。当我们发声时，控制呼吸声带松紧和张力的力量应有大小变化，便不会失去呼吸支点的感觉。
那么，怎样才能产生呼吸支点的感觉呢？这就要求我们学会正确地使用胸腹式呼吸。胸腹式吸气时，横膈膜下降，使胸腔底部向下伸展，同时胸腔两肋张开，使胸腔全面扩大。此时，因胸腔和肺部扩大，外界空气即入肺内。呼气时，一方面依靠胸腔本身的弹性作用和胸腔呼气肌肉用力，逐渐将肋骨拉下，使胸腔缩小；另一方面，腹部肌肉有控制地收缩，压迫腹腔内器官向上，使横膈膜逐渐抬起（回复原来位置）。以上两种方面的呼气动作互相配合，共同控制气息的呼出。
呼吸的注意事项
呼吸时，我们应注意以下几点：
1.气息应吸在胸腔下部，不可过浅或过深（如胸腹式呼吸）。
2.吸气要柔和、平稳，全胸部自然地扩张，不能用强制的力量，否则呼吸器官各部分会产生僵硬、逼紧的感觉。
3.吸气需口鼻同时吸，快而且深，无杂音。呼气则缓慢、节制、均匀。
4.气息吸入后必须善于保持，不要一下子让气息很快泄掉，也就是说不要一下子让横膈膜与胸腔吸气肌肉放松，而要保持胸腔的扩张状态。
5.控制呼气的力量要适中，不能将气用力压住。错误地把保持气息当成紧压，用力挤压下肋和横膈膜，结果会产生沉重，逼紧的声音。
6.呼气时，上胸部要放松，保持自然的突起状态（不能僵硬），要用下胸肌和腹肌来操纵。
呼吸的方法
知道了如何进行胸腹式呼吸及注意事项后，接下去我们再简要地介绍一下线呼吸练习方法：
1.缓吸缓呼法――按照歌唱呼吸的要求，缓缓吸气，略停顿后，缓缓呼气。呼气时要均匀而有节制。注意呼吸保持部分不能有僵硬的感觉。
2.缓吸急呼法――缓缓吸气，略停顿后，急速呼气。注意呼出时腹肌和横膈膜急缩而有弹性的抽缩动作。
3.急吸缓呼法――急速吸气，略停顿后，缓缓呼气。这种呼吸法，是歌唱时最常用的一种，应经常练习。
4.急吸急呼法――急速吸气，急速呼气。
纯呼吸练习，还有多种方法，例如吸气后，长短交替呼出，如长、短、短、长、短、短或长、短、短、短、短、短、长等等。
当然，呼吸方法并不是千篇的一律的，没有两个人的呼吸方法完全相同，每个人都有他（她）自己呼吸的幅度和速度（呼吸幅度是 从吸气到呼气的全部范围），不可能完全一样。这点在练习的时候应注意。
作为一名歌唱学习者，在了解了歌唱发声器官的构造和掌握了正确的歌唱呼吸方法后还需要知道一些歌唱发声的原理。
当气息肺部经支气管、气管呼出时，喉头两声带才闭合，气息经过声门，引起声带的振动而发声。然而声带受气息磨擦振动而发出的基音是十分微弱的，没有头腔（鼻腔及鼻窦）、口咽腔和胸腔的打开状态和共鸣作用，噪音就不可能扩大和美化。音波只有在各共鸣的腔里得到调节的扩大，才能发出响亮、优美的歌唱性声音。
歌唱的声音有高、低、强、弱之分。声音的高、低是由声带振动的频率高、低决定的，声带振动频率高（即每秒一闭一合的次数多），发出的声音就高；反之，声带振动的频率低，发出的声音就低。声音的强弱则是由声音振幅的大小决定的，声带来回颤动所占的空间大，所形成的振幅大，声音就强；声带来回颤动所占的空间小，所形成的振幅小，声音就弱。
在唱高、低、强、弱不同的声音时，歌唱器官必须作出相应的调整。唱高音时，呼气压力大，声带紧张、缩短、变薄，张力相应增大，口腔内开度大，并明显地三到上部共鸣的作用。唱低音时，呼气压力减小，声带松弛、伸长、变厚，张力也相应减小，共鸣偏重在下部。唱强音时，呼吸的气势强，声音振幅大；唱弱音时，呼吸气势小，声音的振幅小。
初学唱歌的人往往只用喉部肌肉来调节声音的高、低、强、弱，唱高音就把喉咙卡紧，唱弱音就把喉咙缩小。其实，歌唱时高、低、强、弱音的变化， 是在听觉器官的操纵下面使呼吸、喉头声带和共鸣器官协调动作的结果。
人类的发声器官犹如管乐器，声带是乐器的嘴子或簧片，管子就是人的共鸣腔体。只有经过共鸣器官的共鸣，扩大了振幅、丰富了泛音，经口唇传出，才能变成我们听到的优美宏亮的歌声。这里需指出的是，有人为了获得大的音量而单纯加强呼气部力，他们以为呼气的功能越大，转换成的声能也就越大。岂不如这样一来就迫使喉头、声带处于被动的挡气状态，在强大的气流冲击下，喉头、声带都变得十分僵硬，声带处于纯肌肉操作，无法做正常的振动和调节，常常会出现憋气或漏气的现象。大量的气动能被消耗或泄掉，两片声带常常会发生不同步的振动，出现抖音或晃音。如果再用蛮力加强呼气力，声带客喉头挡不住气息的冲力，就会本能地借助喉外肌及会厌、咽喉共同捏紧来帮助挡气，这就是产生喉音、白声、喊声及鼻音等毛病的主要原因。所以这种发声法是不科学的，当人们意识不到的时候就不会自学的采用这种发声法，学唱的人应当注意这一点。
正确的发声首先要有的呼吸基础，即要有呼吸支点，喉头要稳定，声带的运动应与呼吸密切配合，适度调整。当然，要掌握正确的发声还远不止这些，例如还要求恰当地运用好歌唱的共鸣，使声音圆润、明亮，传得远，并富有力度变化和音色变化；要适度调整共鸣区，开发出宽广的音域，使声区调和、统一，声音上下走动无裂痕，行腔自如；音高、节奏都要唱得准确，唇舌、下腭的灵活自如，不能僵化，还要做到能正确、清晰地咬字吐字。如能做到以上这些，就能较好地掌握歌唱的发声技能。
著名的英国声乐大师威廉莎士比亚对于歌唱的发声曾概括了四句话：“用无声的呼吸把喉咙放松，开始发声就要落在准确的音上，像打哈欠样地唱着“啊”字，吸气好像是在激动时的模样”。虽然这四句话包括的内容还不算全面，仅指出了关于发声的某些要点，但他对如何正确地歌唱发声作了精辟的总结。总之，科学的发声方法是要使发声器官的功能得到正确发挥，养成习惯性的控制能力，使声音沿着正确的道路发展。
规范的吉他靠弦弹法
1.音色的需要
无论是拇指，还是ima指，使用靠弦弹法都可以获得圆润、饱满的音色（拇指留指甲，用指甲拨弦，拨弦时也是先碰指肉，后是指甲拨弦，这样可以减少噪音）。靠弦不只是简单的靠弦，而是稍微有向下按（大概与琴面板成45度角）的动作，以使弦在垂直于琴面板的方向上可以有更大的振动，这样琴的振动是充分的。正因如此，用不靠弦弹法时，拨弦方向也应与琴面板有一定角度，大概是30度到45度之间，这样不靠弦弹法也可以获得较好的音色。
2.手指力量训练的需要
使用靠弦弹法需要用较大的力量，这对于手指力量的训练是很重要的。
3.手指拨弦动作规范性的需要
由于靠弦动作受琴弦的约束较大，所以长期进行这种训练有利于规范手指的拨弦动作，使拨弦的手型保持正确的姿势。形成习惯后，再行勾弦弹法时，手型不容易变形，从而对提高勾弦弹法的质量是起着支持作用的。
4.手指包括手腕柔韧性训练的需要
拇指与ima指交替用靠弦弹法进行拨弦训练，对于改善手指和手腕的柔韧性是有很大帮助的。
5.轮指的需要
练习靠弦弹法的轮指，可以有效地提高轮指的力量、速度和质量。由于靠弦弹法有助于手型的稳定，所以用靠弦的方法练习轮指，对于今后勾弦的轮指也是有重大支持作用的。
靠弦奏法的关键点在于指根发力，保持右手指整体的弧度与弹性，发力方向要指向琴的面板，这样，能使弦获得最大程度的指向面板的振动，使音色浑厚结实。
2022吉他教学——教你如何创作歌词
1.歌词是韵文，写完要能念能唱，不仅要写的通顺，更重要的是要念的顺，不拗口。写完后试着用朗诵的方式来念念看，将不顺的地方润一下。
2.主题要明确，不要东扯西扯，要合乎逻辑，整篇词要有关联性，首尾呼应，情境气氛都在相同环境下。
3.歌词写好就是拿来唱的，所以要知道旋律的组成方式及重复性，如A→B→A，第一段第三段是重复的旋律，这两段的文字组成结构应该大致相同，否则音乐家也没办法把曲想出来。
3.文字简洁自然流畅，字数长的句子要切割，不必要的字要删掉，最好每句的字数都相近，以利节拍的控制。
4.要有「创意点」，让人一次就记住歌名或歌词重要段落，平铺直叙的文字起不了波澜，利用隐喻、假借等方式效果会好些。 暂时只想到这些。因每篇歌词属性不同，有时很难一概而论。
5.歌词并不是只能写男女情爱，生活时事都可入词。举例，你可以由郑王之恋写一首「婚变」或「黄昏老少配」，或者由假米酒来写一首「醉人的米酒」。题目自己想，题材到处是。
6.文字是有生命的。我的心被敲碎、撞击、撕裂、刺痛等动词，所发出的声音都不同。如敲碎，会联想到水晶清脆声，撕裂会联想纸张斯开的声音，光是两个字，就可以改变一首歌的震撼力。
7.创作就是要搞搞新意思，「我的心被刺痛」，陈腔滥调了无新意，为什么不用「我的心被焚毁、电击、崩落」等，听起来是不是不一样？
8.歌词不仅有听觉效果，还有视觉效果。例「前尘往事成云烟，消散在彼此眼前」，往事变成一团烟，在两人的眼前消失，你是不是就可以「看到」这个画面？
9.押韵是不是必须？见仁见智。整首歌必须用相同韵母？未必尽然。只要自然流畅，引人共鸣就是成功的作品。为了入韵而限制一首歌的发展也不甚好。
吉他入门必须规范靠弦弹法的动作
很多琴友在吉他入门后都会开始练习一些较为高端的弹奏技巧，而靠弦就是很多新手们吉他入门后的首选，但可能由于某些不确定的原因，很多琴友的靠弦练习得并不好、甚至可以说是极其不规范的。那么如何才能规范靠弦的动作以达到更好的弹奏效果呢？下面我们就来聊聊靠弦的相关事宜。
1、音色的需要 无论是拇指，还是ima指，使用靠弦弹法都可以获得圆润、饱满的音色(拇指留指甲，用指甲拨弦，拨弦时也是先碰指肉，后是指甲拨弦，这样可以减少噪音)。靠弦不只是简单的靠弦，而是稍微有向下按(大概与琴面板成45度角)的动作，以使弦在垂直于琴面板的方向上可以有更大的振动，这样琴的振动是充分的。正因如此，用不靠弦弹法时，拨弦方向也应与琴面板有一定角度，大概是30度到45度之间，这样不靠弦弹法也可以获得较好的音色。 2、手指力量训练的需要 使用靠弦弹法需要用较大的力量，这对于手指力量的训练是很重要的。 3、手指拨弦动作规范性的需要 由于靠弦动作受琴弦的约束较大，所以长期进行这种训练有利于规范手指的拨弦动作，使拨弦的手型保持正确的姿势。形成习惯后，再行勾弦弹法时，手型不容易变形，从而对提高勾弦弹法的质量是起着支持作用的。 4、手指包括手腕柔韧性训练的需要 拇指与ima指交替用靠弦弹法进行拨弦训练，对于改善手指和手腕的柔韧性是有很大帮助的。 5、轮指的需要 练习靠弦弹法的轮指，可以有效地提高轮指的力量、速度和质量。由于靠弦弹法有助于手型的稳定，所以用靠弦的方法练习轮指，对于今后勾弦的轮指也是有重大支持作用的。 靠弦奏法的关键点在于指根发力，保持右手指整体的弧度与弹性，发力方向要指向琴的面板，这样，能使弦获得最大程度的指向面板的振动，使音色浑厚结实。
2022吉他教学——拨弦速度练习
那些以速度著称的吉他手们象Yngwie Malmsteen, Al Di Meola, Steve Morse和Paul Gilbert是如何弹得又快又干净的呢？其实超级的拨弦速度是基于使用最少的动作产生最多的音这样一个原则上，经过合理、实效的练习后达到的。只要你相信自己的能力，经过耐心的练习之后，也一样会有令人吃惊的效果的。
让我们先从握拨片说起，一般来说是用拇指和食指夹住拨片，较尖的一头向里朝着弦的方向。尽管这被认为是很标准的握拨片的手势，但有些速度大师们却偏偏使用其他很独特的方式，比如：Eddie Van Halen用拇指和中指握拨片（因为他的食指要经常用来点弦）；James Hetfield和 Steve Morse用三个手指持拨片（拇指、食指和中指）；Pat Metheny是用拨片圆的一端拨弦。如果你持拨片的姿势不正确，但你觉得这样能让你的手在拨弦时很舒服，那你可以不必去刻意纠正。
现在将你的手掌根部轻搭在琴桥的前端，这个技巧叫做“手掌制弦”，手掌压弦的力量越大，拨弦奏出的声音就越“哑”。在快速的独奏拨弦时，轻轻地制弦既不会影响弦的发音，还能有助于消除不必要的杂音。拨片触弦的位置也是很重要的：越靠近琴桥，拨弦发出的声音就越尖锐和洪亮；越靠近琴颈，拨弦发出的声音就越柔和、圆润。
拨片击弦的角度也同样影响琴弦发出的音色。当手持拨片与琴弦平行，拨片的尖角正对琴弦时，弹奏出的声音是最清晰而且饱满的。当手持的拨片与琴弦有一定的角度时，弹出的声音不够饱满，但这样有助于提高速度，因为拨片在弦上滑过时所受的阻力较小。
拨弦有两个基本动作，上拨和下拨，在弹奏中交替进行。动作非常简单，但要想达到不寻常的速度，就要掌握一定的技巧了。有些吉他手习惯用肘关节带动小臂拨弦，腕关节僵硬；有的吉他手完全靠拇指和食指的圆形运动来回拨弦；大多数的吉他手使用的，也是我认为最好的方法，就是由腕关节发力拨弦。手腕放松才能更好的控制力量。
很多的交替拨弦的练习都是由很短的、重复的套子组成的，每个练习都有一个侧重点。练习1是个很好的对初学者的练习，四分音符的四连音。跟着节拍器或鼓机先用中速（每分钟80-100拍）弹奏，尽量使拨弦的动作平稳、均匀，弹出的每一声都尽量清晰。持续弹奏直至右手疲劳为止，然后抖动右手放松，休息好后再重复练习，可逐渐将节拍器的速度提高。弹奏时对照镜子看自己的动作，是个很好的练习方式。
当你在一个速度上能够弹奏得很轻松时，就可以提高到下一个速度，当你能达到160的速度时就已经相当不错了。另外提醒一点，作这种速度练习时，一定要使用很干净的音色，不加失真效果。
2022吉他教学——扫弦练习方法
扫弦是比较难精通的技巧，弹奏时间长了，才能慢慢提高水平。初学者往往扫弦的节奏单调，音色不均匀，加上姿势不自然不好看。学习一段时间后，很多初学者都不愿意继续练习，而是陶醉在自己觉得还不错的分解和弦里面，孰不知扫弦在他内心已经成为永久的痛。每当他看到高手扫弦弹唱时，那阵阵悠扬的声音让他很不是滋味。于是他又决心再练，结果还是无法进步。
扫弦主要是两方面，一个是音色，一个是节奏。
音色要均匀清亮是件很难做的事。我自己也做不好。那天我在琴行听见老师在扫弦时发出的声音，简直就像细沙在丝绸上刮过！扫弦是极具魅力的，除了潇洒，还有那音色。我一直认为钢琴是水晶的声音，古典吉他是泉水的声音，而好的民谣吉他就是丝竹的声音，很有东方色彩。我好象扯远了。好，言归正传，我讲讲自己摸索的一些方法（具体手型就不讲了）：
1、音色如果太硬可以调整食指指甲接触弦的面积，面积越大，音越柔和。
2、扫的时候要干脆，接触弦的时间不能长。
3、手放松，就像在甩手一样。
4、左手和弦要按紧，不然会有杂音。
5、边扫边调整右手的角度，达到最佳效果。
6、坐姿端正，全身不要紧绷，扫的时候整体上觉得自己很潇洒。（可照着镜子练）
7、左手可用制音的方法，即轻压和弦，右手扫闷音，也能听出是否均匀。
再说节奏。关键是情感。把握了情感你也就能控制节奏！
1、照谱扫弦的时候，不要全部按它写的弹，就是说不要它说上就上，它说下就下，你自己凭感觉去扫，书只有参考作用。
2、不要一味扫六根弦，要学会时上时下。对初学者来说，这主要是由音的高低决定的。
3、脚踩拍子，从最简单的节奏型扫起。
4、听MP3的时候，注意架子鼓的节奏，很有启发性。比如在高潮快来的时候，可学着到5，6弦反复向下急扫来衬托气势。
5、学着边扫边加入一些单音或和弦，这在使用拨片时更重要。也要学着加入一些大拇指和食指的琶音。
6、多看高手扫弦，偷学他们的技巧。
2022吉他教学——揉弦技巧的练习方式
很多大师在吉他教学视频中，常常用到的一个技巧“揉弦”，我个人觉得非常帅气，不仅动作漂亮，弹出来的音也有一种悠远的美感，下面就将揉弦的练习方式告诉给大家，与大家共同学习，共同进步。
揉弦的音程差在学习了揉弦的基础以后，我们学习一下揉弦的效果。我们先前提到过，揉弦的表现方法无限大，这其中就包括揉弦的音程差。也就是揉弦动作的“深”与“浅”的问题。练习1中，我们用半音进行演奏。现在大家可以试着用全音，有力气的人还可以用短3度来练习。练习2是一个8分音符的推弦与下拉的练习。我们还可以用16分音符和3连音来练习。这条练习如果熟练了以后，就会对音程和速度的控制能力提高很多。
食指揉弦
作为一名吉他手，在具有一些演奏经验以后，会发现所有揉弦都使用无名指的话，音色会非常单一。这时，大家会想到用中指或食指代替无名指，但这就是揉弦的一大难关。因为食指的指尖比较细，不容易用力。所以用食指揉弦时，要将手指稍稍放平，手指根部作为在琴颈上的支撑点，其余的手指做钟摆式运动。这样才会演奏出生动的揉弦。特别是小指的摆动幅度和摆动速度都影响到揉弦的效果。下面，我们用食指揉弦来演奏一下练习3。
推揉弦
我们刚才说过的揉弦都是将琴弦向上推，发出比较明快的声音。然而，如果需要表现悲伤的情绪时，我们就需要掌握推揉弦技巧。推揉弦顾名思义就是将弦上推以后再揉弦。也就是将推起的弦不恢复原位，在推起的位置附近揉弦。推揉弦是以一个全音为基准，在一个全音附近进行揉弦。但是如果你揉弦的幅度太大的话，反而表现不出悲伤的情绪，这也是揉弦的奥妙所在。
要强调的是，推弦以后立刻揉弦的话，推弦本身的音程也会变得不稳定。在推弦的音程稳定以后再揉弦的效果会更加明确。
在推弦后推揉弦和滑弦后揉弦这两种技巧的组合。在演奏中，尽量体会两种技巧的区别。
2022吉他教学——新手该如何选购吉他？
琴友们在选购吉他的时候一定要多方面仔细考虑，尤其是对于正准备吉他入门的初学者来说，吉他选购是非常重要的，如果一把不合格或不舒适的吉他拿来学习，会极大的影响吉他学习的兴趣，甚至导致最后的放弃。因此吉他选购是吉他学习的第一步，也是最重要的一步。
那么如何选购一把称心满意的吉他呢？首先因为长时间地练习、弹奏吉他，任何一位吉他高手对于吉他的各种特性可以说是了如指掌，对他们而言选购吉他就是小菜儿一盘。难不倒高手，可苦了还没吉他入门的新手们，小白想要买把合适的琴该怎么办呢？下面简单提几点，仅供参考：
一、分辨民谣吉他和古典吉他
1、古典吉他和民谣吉他的琴头区别很大。
2、古典吉他的琴颈比民谣吉他少两品，琴颈比较宽、扁，指板是平的。
3、古典吉他用尼龙弦，民谣吉他用钢丝弦。
4、古典吉他没有护琴板。
二、外观与组件
1、看外观是否有破损、划伤。
2、旋钮是否灵活。
3、琴颈是否是直的，品丝是否在一个平面上，弹一下12品内的每个音有没有打品，出现杂音等现象。
4、12品处弦距是否会太高，不得超过4.5毫米。
5、琴码是否牢固。
6、在琴颈底端有个调琴颈的轴，如果连这个都没有的话，不建议买。
三、挑选音色、手感和音准,音准是核心.其次检查手感
四、经济条件好的，尽量买好一点的，一分钱一分货。
五、尽量选比较成熟的品牌，如YAMAHA、Aoms、雅伊利、fender、Gibson、cort等
只有具备以上几点才能算得上是一把合格的吉他，至于吉他高手们所考虑的用材、规格,品牌这些都是必须基于以上几点再去考虑的。吉他新手如果掌握了以上几点，即使网购吉他也不怕了，放心大胆地购买入门琴吧。