吉他教学——学吉他入门:乐曲的基本组成

2020-02-14
学吉他的技巧 学吉他的小技巧 吉他学马叫的技巧

基础的乐理知识对于刚开始接触吉他的初学者非常重要,如果不懂乐理就不能更好的学习吉他,所下面的内容是学吉他入门不可缺少的部分。
一首完整的乐曲是由一些固定的音乐单元组成,分清这些音乐单元,对于学习乐理是非常有好处的。一首完整的曲子,由很多不同时值的音符组成不同的小节,再由这些小节组成不同的乐句,由不同的乐句组成不同的段落,由段落组成完整的乐曲。关于这些不同的组成单位,我会在以后慢慢讲解。
1、时值
时值是音乐中非常重要的组成单位,它控制着音符发音的长短,按照一定时值演奏的音符才能奏出美妙动听的音乐。一个人在演奏一首乐曲时,即使音符弹得非常正确,如果音符的时值不正确,那么它的音乐也是非常糟糕的,所以正确联系好不同时值的音符,对于我们初学者是极其重要的。
我们给予一个时值的定义:时值就是控制音符长短的单位,他的计算单位是:拍
我们目前的记谱方法有三种:五线谱、六线谱、简谱等。在这三种不同的记谱方法中,它们表示时值长短的方法略有不同,但大体相似,他们都是以五线谱为基础形成的。
2、运用在吉他上的记谱方法:六线谱
六线谱是世界上通用的一种专为吉他设计的记谱方法,我们在学习吉他时,接触最多的也是他。六线谱的基本结构是由六根间隔相等的线组成,这六根线分别代表吉他上的六根弦,最下面的一条线,代表吉他的第六根弦,注意,是第六,不是第一,这个要反过来理解的,然后依次是又上到下看谱,倒数第二根线代表第五根弦,下面的依次类推。
在六线谱上方有不同的英文字母表示不同的和弦,还有一些特殊的符号,表示一些特色音的演奏方法,这方面的内容会在学习这些技巧时候详细讲解
3、具体时值的表示方法
所有风格的音乐都是由众多不同时值的音符组成,他们是全音符,二分音符,四分音符,八分音符,十六分音符,三十二分音符,六十四分音符,二分付点音符,八分付点音符,十六分付点音符,切分音符,及一些组合音符等,这些不同的音符,以后再慢慢介绍.想要学习好吉他上,各种技巧的时值表示方法,我们首先要学习各种音符及节奏在六线谱上的表示方法.
(1) 六线谱上音的表示方法
六线谱是一种非常通俗易懂的吉他记谱方法,六条线上的数字,分别代表这根弦上相应的品上的音。如图:最上面一条线上的0、 3、 12、18,表示吉他一弦上的空弦、第三品、第十二品、第十八品的音符,其他线上的数字依次类推。
(2) 六线谱上节奏的表示方法
节奏技巧不同于其他的演奏技巧,他要根据不同的节奏,来扫规定和弦中六根线的不同区域,而且扫弦的方向也要根据不同的节奏变化。在六线谱中的扫弦方法,是用不同方向、不同长度的箭头表示,图中的第一个箭头表示拨片从六弦扫到一弦。第二个箭头表示拨片,从第一弦扫到六弦。第三个箭头表示拨片,从六弦扫到四弦。第四个箭头表示拨片,从一弦扫到四弦。这样,四个不同方向,不同长度的箭头按不同的时值来演奏,可变化多端,节奏丰富。
(3) 拍的概念
拍是时值的计算单位,我们在学习时值的时候,最重要的是掌握平稳的拍速,拍速就是在演奏乐曲时候,每分钟弹多少的音。不同的乐曲有不同的拍速,我们要严格的按照谱中规定的拍速来演奏,才能与乐队一起来演奏音乐。如果你在演奏的时候,时快时慢,别人无法与你同步演奏,所以练习好拍速对于每一位演奏者来说,是非常重要的。我们要经过严格训练,把自己变成一个极其准确的节拍器。
(4) 拍的表示方法
拍是用下图的形式来表示的。一拍是由前半拍加后半拍组成的,时值中最长的基本单位是全音符,他是由四个这样的一拍组成。二分音符是由两个拍组成,四分音符是由一个拍组成,八分音符是由半拍组成,十六分音符是由四分之一拍组成,三十二分音符是由八分之一拍组成,其他更快的音符同理类推。学吉他入门:乐曲的基本组成

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吉他乐理的基本组成


基本的乐理对于刚开始接触吉他的初学者非常重要,在吉他入门之前一定要对基本的乐理有全方位的了解,这样在上吉他教学课时都会轻松许多。如果不懂乐理就不能更好的学习吉他,所下面的内容是学习吉他不可缺少的部分。

乐曲的基本组成


一首完整的乐曲是由一些固定的音乐单元组成,分清这些音乐单元,对于学习乐理是非常有好处的。一首完整的曲子,由很多不同时值的音符组成不同的小节,再由这些小节组成不同的乐句,由不同的乐句组成不同的段落,由段落组成完整的乐曲。关于这些不同的组成单位,我会在以后慢慢讲解。

1、时值

时值是音乐中非常重要的组成单位,它控制着音符发音的长短,按照一定时值演奏的音符才能奏出美妙动听的音乐。一个人在演奏一首乐曲时,即使音符弹得非常正确,如果音符的时值不正确,那么它的音乐也是非常糟糕的,所以正确联系好不同时值的音符,对于我们初学者是极其重要的。

我们给予一个时值的定义:时值就是控制音符长短的单位,他的计算单位是:拍我们目前的记谱方法有三种:五线谱、六线谱、简谱等。在这三种不同的记谱方法中,它们表示时值长短的方法略有不同,但大体相似,他们都是以五线谱为基础形成的。

2、运用在吉他上的记谱方法:六线谱

六线谱是世界上通用的一种专为吉他设计的记谱方法,我们在学习吉他时,接触最多的也是他。六线谱的基本结构是由六根间隔相等的线组成,这六根线分别代表吉他上的六根弦,最下面的一条线,代表吉他的第六根弦,注意,是第六,不是第一,这个要反过来理解的,然后依次是又上到下看谱,倒数第二根线代表第五根弦,下面的依次类推。

在六线谱上方有不同的英文字母表示不同的和弦,还有一些特殊的符号,表示一些特色音的演奏方法,这方面的内容会在学习这些技巧时候详细讲解。

3、具体时值的表示方法

所有风格的音乐都是由众多不同时值的音符组成,他们是全音符,二分音符,四分音符,八分音符,十六分音符,三十二分音符,六十四分音符,二分付点音符,八分付点音符,十六分付点音符,切分音符,及一些组合音符等,这些不同的音符,以后再慢慢介绍.想要学习好吉他上,各种技巧的时值表示方法,我们首先要学习各种音符及节奏在六线谱上的表示方法.

2022吉他教学——吉他乐理的基本组成


基本的乐理对于刚开始接触吉他的初学者非常重要,在吉他入门之前一定要对基本的乐理有全方位的了解,这样在上吉他教学课时都会轻松许多。如果不懂乐理就不能更好的学习吉他,所下面的内容是学习吉他不可缺少的部分。
乐曲的基本组成
一首完整的乐曲是由一些固定的音乐单元组成,分清这些音乐单元,对于学习乐理是非常有好处的。一首完整的曲子,由很多不同时值的音符组成不同的小节,再由这些小节组成不同的乐句,由不同的乐句组成不同的段落,由段落组成完整的乐曲。关于这些不同的组成单位,我会在以后慢慢讲解。
1、时值
时值是音乐中非常重要的组成单位,它控制着音符发音的长短,按照一定时值演奏的音符才能奏出美妙动听的音乐。一个人在演奏一首乐曲时,即使音符弹得非常正确,如果音符的时值不正确,那么它的音乐也是非常糟糕的,所以正确联系好不同时值的音符,对于我们初学者是极其重要的。
我们给予一个时值的定义:时值就是控制音符长短的单位,他的计算单位是:拍我们目前的记谱方法有三种:五线谱、六线谱、简谱等。在这三种不同的记谱方法中,它们表示时值长短的方法略有不同,但大体相似,他们都是以五线谱为基础形成的。
2、运用在吉他上的记谱方法:六线谱
六线谱是世界上通用的一种专为吉他设计的记谱方法,我们在学习吉他时,接触最多的也是他。六线谱的基本结构是由六根间隔相等的线组成,这六根线分别代表吉他上的六根弦,最下面的一条线,代表吉他的第六根弦,注意,是第六,不是第一,这个要反过来理解的,然后依次是又上到下看谱,倒数第二根线代表第五根弦,下面的依次类推。
在六线谱上方有不同的英文字母表示不同的和弦,还有一些特殊的符号,表示一些特色音的演奏方法,这方面的内容会在学习这些技巧时候详细讲解。
3、具体时值的表示方法
所有风格的音乐都是由众多不同时值的音符组成,他们是全音符,二分音符,四分音符,八分音符,十六分音符,三十二分音符,六十四分音符,二分付点音符,八分付点音符,十六分付点音符,切分音符,及一些组合音符等,这些不同的音符,以后再慢慢介绍.想要学习好吉他上,各种技巧的时值表示方法,我们首先要学习各种音符及节奏在六线谱上的表示方法.

SOLO-把握乐曲结构感的基本原则


如何保持在乐曲结构中演奏,可能是学习演奏,尤其是独奏特别是爵士独奏时最常见的问题之一。无法保持很好的乐曲结构感可能是由很多因素造成,每个因素间差别很大,但都同样重要,当然每个演奏者的情况不同它们可能并不全都适用与你.

o缺乏在乐队中演奏的经验

o在乐队或与某些乐手一起演奏时会“紧张”(比如感到不安无法保持精神集中)

o无法和其他乐手保持良好互动(比如你演奏时就无法留神听其他人的演奏)

o缺乏练耳训练

o对所演奏乐曲的结构缺乏了解

我应该怎么做?

我能给的最重要的建议是:练习时一定要用节拍器。它能在帮助你增强时间感的同时提高你在乐曲结构中演奏的能力,换句话说就是能帮你不掉拍.

一个简单的方法就是养成把音乐分成小单元并边演奏边数的习惯:学会听辨和弦的进行,并培养2小节或4小节的感觉,一开始只需要在心里数。这将对你帮助很大,如果你能习惯性的这样做,不久你就会发现你对乐曲结构的认识和感受更深刻了.

如果你有掉拍的坏毛病,建议你在眼前放一张写有乐曲大致结构的谱子。你不必每个音符都照弹,但是乐曲的结构和和弦进行就放在你眼前会帮助你跟上,它能直观快捷的帮你找到现在弹到哪儿了.

听你的鼓手:鼓的一个基本作用是在乐曲的一个片段结尾运用滚奏,加花,大镲等技巧给出提示。有时候鼓手也会在进入新片段时改变节奏模式或改变鼓和大镲的组合。如果你掉拍了,就可利用这些提示重新找回来.

至关重要的是一定要作大量练耳的练习,尤其在你学习演奏乐器的最初几年。练耳是架筑在你的和声理论知识和你的演奏技巧中间的桥梁,它帮助你把理论应用到实践,这一点无论怎么强调都不过分。当你的耳朵对声音有充分的认识后,你就能听出和弦的性质和根音,结合你正演奏的和弦进行,从而保证不掉拍。因为练耳本身是一门学科,值得讨论的太多了,这里恕不细述。

练耳的一个实际应用是:如果在演奏过程中你感到出问题了,如果你弹的和乐队其他成员弹的部分不和谐,就停下来仔细听。如果你跟不上你的同伴,继续演奏也没意义,所以你应该停下来仔细听,直到你又重新找到某个和弦的时候再跟上。相反的,如果你确信你弹的没错而乐队其他人弹的都是错的,我仍然建议你这么做,尤其在他们虽然弹错但却仍错到一块儿去的情况下:即使你是对的也请停下来仔细听,然后加入他们的演奏中。因为在乐队中演奏最重要的是要和谐,谁对谁错并不重要。你可以在演奏完这一曲以后再指出他们的错误,然后一起努力在下一次演奏时避免同样的错误.

还要特别提一下作为有史以来最受欢迎的流行音乐形式—blues。学会在blues的基本结构中演奏,并学会识别blues乐曲的结构提示,是非常重要的。通过不断的练习和重复,你很快就会习惯于这种相对“不太匀称的”12小节结构。第5小节从‘I7’和弦到‘IV7’和弦的和声变化是你跟上这种结构的一个重要提示。以下是练习blues结构的一个很好的练习,你需要一个合作者或一个鼓手或一台鼓机或节拍器来协助练习:

第一个12小节循环

演奏者1:在blues12小节的结构中演奏即兴

演奏者2:演奏一级和弦,在伴奏中加入些节奏变化,但绝对不要换和弦

第二个12小节循环

演奏者1:停止演奏,仔细听,在心里演奏和弦进行

演奏者2:重复演奏第一个循环中的一级和弦

第三和第四个12小节循环

在不停下来的情况下两位演奏者互换角色。希望他们能在第三循环的第一拍就达到同步.这个练习对培养”心的听觉”很有帮助,让你很出色的掌握12小节这种结构。

注意:因为一个演奏者是在完整的12小节blues和弦进行中进行独奏,而另一个演奏者始终演奏主和弦,所以他们很多时候弹不到一起,可能听上去很不和谐。但不要让这些困扰你,因为这个练习的目的就是让12小节blues进行的感觉深入你的潜意识.

最后,还有两条关于演奏的注意事项:没有什么能代替经验,要利用一切可能的机会和乐队合作,即使你觉得自己还不够优秀也不要因为害怕而放弃这样的机会。和比自己优秀的乐手合作总能学到很多东西,尽管有些乐手可能会有些竞争的态度,但记住音乐不是体育,也不是比赛,这会很有帮助。为了你自己的乐趣去演奏,努力提高你的水平,保持积极的心态,你就能发挥你最大的潜能。如果你很紧张不放松,那你只能发挥出部分水平.

以上提到的大部分观点都属于基本常识,正如我已经说过的,其中一些论点并不适合你的情况,或许你会认为不太切题。关于如何把握乐曲结构感,仍然希望本文能给你一些启示,对如何解决这个问题也是一个比较理性的总结

学吉他的基本常识


在我们学习吉他之前,我们要先知道我们在学习吉他之前,把该考虑的东西都考虑到,那么大家知道要考虑哪些基本的常识吗?下面小编就来为大家带来了关于学吉他的基本常识。

学吉他的基本常识

吉他有六根弦,从低音到高音依次为E、A、D、G、B、E,即C调的3、6、2、5、7、3。除了第五、六弦为三度外,其作均为四度,而且是纯四度。这使得吉他拥有极为丰富的和声变化。吉他的自然音域在三个八度以上,通过改变定弦还可以增加音域。

吉他有着极富个性的音色和表现手法,既能表达委婉动人的喃喃细语,也能表达大气磅礴的豪迈气概,有着无穷的魅力!吉他可以用来伴奏,也可以独奏,也可以和管弦乐队合作,表演形式十分多样。

吉他的缺点在于其较小的音量,同时低音也不够宽厚。这使得其在历史上曾一度无法占领正统音乐的舞台。但经过吉他前辈的不断努力,这些问题已经得到了较好的解决。

该学哪种吉他

如果你喜欢边弹边唱,那么无疑民谣吉他是您最佳的选择;如果喜欢古典吉他那种气质合感觉,那么可以学习古典;如果喜欢激烈而且酷的吉他风格,并且想组乐队的话,就可以学习电吉他、电贝斯。

当然,几种类型的吉他只见没有严格的界限。随着您兴趣的转变,可以转换不同的吉他类型。吉他的音乐本质是相同的,很多吉他大师,往往精通好几种类型的吉他。

我适不适合学吉他?

一、能完整不跑调的唱完一首歌;

二、有毅力——这个是最重要的。学吉他的开始阶段是十分枯燥的,一些重要的基本功的训练是每天都必须做的。只有具备了坚强的意志力,才能走过学习的初级阶段,进入充满乐趣的新境界。毅力很重要哦~

三、你能否保证在2周内能够坚持不放弃?

如果你符合以上三条,那末毫无疑问,你一定适合弹吉他。如果假以时日,相信你还极有可能成为吉他高手,祝你好运。相信自己就是成功了一半。

不影响学吉他的因素

手小——根据经验,手小对学吉他的影响极小,我认识的一个女吉他高手手就很小,但她的指法极为灵活熟练,弹吉他时指头如飞。对于一些跨度比较大的指法,也可以游刃有余,所以这个完全不要担心。

唱歌不好听——这个对弹吉他没有太大影响,如果你实在对自己的歌声没有信心的话,那末就立志成为吉他高手吧;不过根据实践的经验,经常弹唱,歌声会越来越和谐的。

没有时间——这个也不是问题,其实只要你喜欢,每天哪怕是只练20分钟也会有很好的效果的。

没有人教——这个更不是问题,因为你现在看得就是写给没有人教的人学吉他的经验总结。

学吉他失败的原因汇总

没有毅力——80%以上的人是因为这个而失败,他们往往是在学习的初期热情万丈,但是由于在刚开始的时候不能很好的坚持练习,练了几下后急于求成,最后被自己糟糕的弹奏搞的垂头丧气而失去了信心。之后,吉他就被束之高阁……

乐理知识太差——最基本的乐理知识还是要补充一下的

没有找到合理的训练方法——这部分人训练很刻苦,但是由于没有按照正确的训练方法训练,最后导致了失败。

如何留指甲

一般来讲,左手最好不要留指甲,因为不利于按弦;右手可以少许留一点,有利于扫弦。

以上就是小编为大家带来的关于学吉他的基本常识了,希望能够帮到大家。

儿童学吉他入门教程


儿童吉他的入门相关教程学习,可以帮助孩子们对于吉他有一定的概念。下面是小编给大家整理的儿童学吉他入门教程的相关知识,供大家参阅!

儿童学吉他入门教程:右手拨弦的步骤

右手的拨弦动作至少应由以下3个步骤完成:

(1)触弦。这个动作应非常轻柔自然,力量非常小,要注意手指的触弦点。

(2)绷弦。瞬间由指肉上的触弦点过渡到指甲触弦点,用大关节发力将弦压向面板及弦垂直的方向,同时使琴弦由指甲触弦点滑向指甲顶部(P指是由指甲顶 部滑向左侧)。这个动作是拨弦最关键的动作,就像射箭时拉开弓的动作于射箭一样重要。绷弦的深浅和方向将决定音量和音色。此过程中应避免各关节的反弯和折 指。

(3)放弦。放弦的动作将决定绷弦的效率及音色的干净程度。放弦的动作要干脆、果断,离弦瞬间手指的运动方向应与琴弦垂直。离弦后的瞬间应放松手指等各部位的力量回到拨弦前的放松状态。

右手拨弦动作的各个步骤应该是非常紧密地连在一起,完成整个过程的时间应非常短。

初学者应结合下面所述的两种拨弦方式,从慢速开始练习右手的基本拨弦方法直至动作和谐、熟练。注意各手指要独立发力,避免手臂、手腕的摆动和手掌的跳动。

儿童学吉他入门教程:民谣吉他的动作要领

古典吉他在演奏方式、拨弦方法、指甲的修剪上都有很严格的要求,民谣吉他的演奏比起古典吉他相对要自由和随意。

民谣吉他站着、坐着弹都可以。坐着弹一般将右腿跷放在左腿上,使吉他的共鸣箱凹陷处置于右腿上;也有双腿平放在地上,将吉他的共鸣箱凹陷处置于右腿上。站着弹则要栓上背带,挎在肩背之间。无论采用那种姿势都应身体放松,琴头略向上倾斜。

左手动作: 手腕应略向外送出。

拇指原则上应按在琴颈的中间,拇指的方向不应该与指板平行,而且应在食指和中指中间。但民谣的琴颈较窄,大拇指的指法就不是一成不变了,有时拇指也可以按弦。无论采用什么指位都应有利于换把。

食指、中指、无名指、小指组合方式有很多,但有一些必须坚持的法则:(1)各指要用指尖按弦。(2)各指要尽量垂直于指扳的角度按弦。(3)按弦的位置要尽量靠近品位。(4)各指关节要呈弯曲状,不可僵直或向内弯曲成折指。

右手动作:很多人都以为左手很重要而忽略了右手。右手的弹奏关系到音色的变法和情绪的处理。将右手以肘部为支点,轻放在琴箱后方凸起的地方,手腕稍向外凸利于手指的拨弦。拇指应在其它指的前面,不应躲在其它指的后面。原则上大拇指负责4,5,6弦,食指负责3弦,中指负责2弦,无名指负责1弦。触弦的位置一般在音孔附近。

右手拨弦的方法有两种,Apoyando(靠弦奏法)、Al aire(不靠弦奏法)。

靠弦奏法拨弦后停靠在下根弦,通常用于旋律音和低声部的音。

不靠弦奏法拨弦后不停靠在下根弦,通常用于分解和弦和快速乐句。

民谣吉他的姿势比较随意,上面所说的是一般的原则和规律,有一天你看到民谣吉他大师弹琴你会吓一跳的,布鲁斯吉他大师Eric Clapton的演奏姿势就有一些不同, 他的手指比较长,但基本的原则是不变的。

儿童学吉他入门教程:基本功训练方法

我主要谈谈民谣吉他和古典吉他的基本功训练方法,以供大家参考和推敲:

民谣和古典吉他在开始的基本功训练方法基本一样,古典吉他对右手的拨弦方法和力度的要求更严格一些,在这里,我用古典吉他的弹奏方法去练习民谣吉他,这样,会使你弹出的音色更加饱满,声音也会听起来更加有力。

下面,我具体介绍一下右手拨弦方法:

1、首先是手姿:在手掌和手腕完全放松的情况下,抬到吉他音孔的斜下方,手腕保持一定的高度,(初学者可以把拇指放在六弦上,来固定手腕的高度)。其他手指轻放在一弦到三弦。

2、拨弦时用手指内侧斜压琴弦之后,迅速向掌心方向抬起,注意,用力的关节是手指第三关节(指根位置),掌面、手腕、及身体各部位要放松,哪个手指拨弦哪个手指用力。 拇指的运动方向有所不同,它是发力后垂直向下运动,发力方法和其他手指方法一样。 这次先讲到这里,大家可以互相切磋,下次我会谈关于左手的按弦方法及运动原理。

第二讲 左手按弦方法及乐理

关于左手,我主要讲两个方面的问题。

一 左手的正确姿势:

1 拇指作为左手按弦动作的支点,其位置不容忽视。我们可以用横向和纵向两个坐标来固定左手拇指的位置。

(1) 横向:拇指基本正对着二指的运行位置,也就是说,如果二指的位置在第二品,那末,拇指的位置也在第二品。当然也有例外,如果按弦的把位比较宽,拇指可在二指和三指之间。

(2) 纵向:位于琴颈的中部,不要超过四弦的位置,这主要是考虑到横按和弦按时的方便,古典吉他在这方面要求更严一些,有时,拇指会在二弦或一弦的位置,这样,使手指在按弦时不会受到任何限制。可在琴上自由行走。

2 按弦时的角度及用力:

(1)按弦时,要求一到四指的第一关节垂直于琴弦(小指尽量垂直),手腕尽量放松,不要向后收;肘部自然打开。用第三关节发力。特别注意的是,其他不发力的手指要尽可能贴近琴弦,以保持其紧张性,为以后提高速度打下基础。

(2) 学习吉他的同时,要掌握一定的乐理知识,弹民谣的朋友更要注意,为以后的即兴演奏和创作歌曲打下基础。

基本的乐理有以下内容:大、小调音阶的构成,音程(一度到八度),和弦的构成(三和弦、七和弦、减和弦(三、七)、增和弦(三、七)及其转位。这些内容乐理书里都有,不妨去看一看。

下次,我会谈谈基本的练习方法。

第三讲 右手的练习方法

我这里谈到的练习方法对古典吉他的初学者帮助最大,因为弹古典吉他需要手指非常灵活,要进行一系列从易到难的训练,才能对音色、音量、速度等有一定的控制。我介绍以下几种方法。

吉他入门指法基本知识


在吉他的弹奏过程中主要是左手指法和右手指法的相互协调与配合才有了那些动听美妙的琴声,那么大家要想学习一些吉他入门指法吗?下面和小编一起去了解一下吧,希望对你有帮助!

吉他入门指法基本知识一:和弦的按法

如下图C和弦需要用到左手的1食指、2中指、3无名指,即左手食指按2弦1品;左手中指按4弦2品;左手无名指按5弦3品。

下图F和弦的按法:左手食指横按吉他1品;左手中指按3弦2品;左手无名指按4弦3品;左手小指按5弦3品

吉他入门指法基本知识二:左手按弦

首先拇指应置于琴颈正后方最凸处,虎口不要抓到琴颈如下图1所示;然后各指按弦应尽量与指板垂直如下图2所示;其次按弦的手指不要碰到别的弦。

吉他入门指法基本知识三:右手指法

吉他弹奏中右手主要负责拨弦、扫弦当然还包括了击弦,切音等等一些弹奏技巧,不过这节主要是基础教程所以讲述的是拨弦与扫弦。

一般吉他弹奏中我们分别用字母p、i、m、a、ch表示即:p大拇指、i食指、m中指、a无名指、ch小指。吉他弹奏时我们用p拇指向下拔4、5、6弦,用i食指、m中指、a无名指分别负责向上勾弦,食指3弦、中指2弦、无名指1弦,当然小指也会用到的哦(这里暂时不讲)。

民谣吉他右手勾弦弹奏时右手的指甲长度以及形状有所要求,我们从指肚一侧看时,指甲的指尖应露出大约1.5毫米-2毫米的样子

乐曲层次分句和对比


音乐是有声的图画,图画是静止的音乐”。音乐家控制下的音乐变化,就象画家笔下五彩斑斓的颜色,而图画上颜色的深浅、浓淡又像音乐里的强弱、快慢。没有层次的音乐和没有层次的图画一样,缺乏吸引力。古典吉他是和声乐器,可以演奏多声部的复调音乐,要表达古典吉他曲的音乐层次,需要非常细致的技术。

有几种方法来区分音乐中的层次。

(1)用音量大小来区分音乐的层次,比如:主旋律部分的音量强一些。伴奏声部中低音稍强一些,分解和弦或持续和弦稍弱一些等等。(2)用音色的不同变化来区分音乐的层次,这一点正也是古典吉他的特色。例如:A)主旋律用靠弦奏法。伴奏声部中的低音可选择用拇指的指肚靠弦弹法或指甲靠弦或不靠弦弹法。伴奏声部中的分解和弦可用不靠弦弹法。B)上声部旋律用i、m、a指演奏,下声部旋律用P指演奏,利用P指和i、m、a指不同的拨弦音色来区分声部。C)在一连串的分解和弦中包含着旋律音符的话,那么这旋律音符就要用靠弦法来突出,其他属于分解和弦的音符就可用不靠弦奏法。大家在弹奏古典吉他时,除了参考谱上标注的左手指法之外,更要详细研究分析曲谱上标注的右手指法,谱上标注的右手指法常常是为了突出音色的层次而设计的,希望大家不要忽略它。

音乐语言和文字言都是一种表达情感的方式和手段,音乐语言同样需要配合乐句的分句来呼吸。吹奏乐必须换气才能连续演奏,因此吹奏乐者都会认真地选择在乐句的分句的地方或称为“句逗”的地方来换气,才能演奏得自然流畅。弹拨乐演奏者却常常忽略演奏乐曲的呼吸感。以为怎么呼吸都不会影响演奏。我们的许多吉他手更是如此,有时连乐句中各种分句、句逗都分辨不清,那里谈得上用自己的呼吸配合音乐乐句的呼吸呢?所以在演奏一首乐曲之前,必须仔细将曲子的主题、分句、织体、发展、再现等各部分剖析透彻之后,才能开始视奏。当逐步练习到比较熟练之后,就要将自己的呼吸和乐句配合起来。应当意识到并要学会用吉他的声音来“唱”出自己心中的音乐.

古典吉他上的拨弦位置大致可分为五个区域:

(1)铜管音色区:拨弦点在靠近琴码处,音色比较尖锐。(2)木管音色区:在泛音点或泛音点到音孔之间,音色较圆润。(3)弦乐音色区:拨弦点在音孔上方,音色较柔和。(4)弹拨音色区:拨弦点在音孔的右侧附近,音色清晰。(5)混合音色区:在音孔和琴码的中间位置拨弦,音量也是最大、最结实的。所以演奏古典吉他可以用强弱变化、速度快慢变化、削音、休止以及音色变化等方法来做到乐句的分句对比。拥有变化无穷的音色正是古典吉他最大的、最不容易被其他乐器代替的特点,我们要认真学习,并运用到实践中去。

古典吉他入门指法基本练习程序


要想学习古典吉他入门指法,首先要掌握它的基本练习的程序有哪些呢?下面和小编一起去了解一下吧,希望对你有帮助!

古典吉他入门指法基本练习程序一

通过初级基本功(右手包括:手型,手指触弦,发音方法的训练。左手包括:手型,手指按 弦,纵向,横向的移位跳位,开指,揉弦打弦等.....)练习,让双手能够初部正确的控制好琴。当然,持琴的坐姿,练琴的硬件(琴尽可能好。节拍器,脚凳,谱台,都应具全。)

古典吉他入门指法基本练习程序二

不懂乐理的人应同步学习基本乐理(一定要学五线谱。包括:音名,唱名,基本的和弦,调式等。)

古典吉他入门指法基本练习程序三

单音的音阶,(横向,纵向都要练。)和声音阶(三度,六度,八度,十度。)可以多弹一些单音及简单的和声练习曲。这个阶段应梢长一些,一般在三四个月左右。如感觉音色,双手的运动能力都有较稳定的进步, 且看谱能力也有提高的话,可进入下面的练习。

古典吉他入门指法基本练习程序四

古典吉他弹奏的三个重要方面(可通过大量的练习曲配合专项基本功解决)。

1、音阶旋律形式的练习:提高双手互动的协调性

2、分散和弦形式的练习:提高右手各种运指结构的素质。提高左手各种指型的结构及耐力练习。

3、节奏柱式和弦的练习:进一步提高左手在运动 条件下的和弦指位能力。解决右手弹奏和弦及节奏的能力。

上述步骤言之简单。实践起来却困难重重。学者会产生一系列生理技术及心理上的困惑。需 要教者与学者在心理上很好的配合,逐步的排除困难。此时应加入适应学者技术能力的独奏曲的 学习。进而使学者开始进入音乐处理及音乐美学的探讨。

吉他教学方法——吉他琴弦的基本知识


1. 好的吉他琴弦应该具有好的音质、定弦快、音高稳定、良好的可演奏性(手指有安全感,琴弦反应敏锐)以及长的寿命(如果你一天弹琴2小时,那么琴弦应该大约可使用3个月)。
2. 不同品牌或是同一品牌不同型号的琴弦,通常是厂商们试图在上述5个方面追求更高可能性的结果,或者是他们试图在某个特定方面有不同表现(如明亮或柔美的声音等等)。他们通过调整琴弦的组成材料(增减低音弦中银的含量或是高音弦中碳的含量等等)以及工艺流程来实现他们的目标。琴弦的制造并不是一个精密科学,每个牌子的琴弦都有它独一无二的特性,也都有好和不尽人意的地方。没有任何一家厂商生产的琴弦是最好的或是完美的。
3. 听取别人的意见是个很好的主意,但是要注意,不同的人在评价琴弦时会有不同的标准。比如说,一个乐器制作家一般会比较偏爱没有太多特色的琴弦(既不要太明亮也不要太柔美),这样才可以突出吉他本身的特性。而一个演奏者则常常有自己特定的声音选择(如朴实的低音、明亮的高音等等)。而这些喜好并不具有绝对的美学标准,它取决于吉他本身以及演奏者的风格。因此,一套中规中矩的琴弦并不一定是最好的选择。
4. 琴弦的张力是一个大的方面,有很多可说的东西,张力对于琴弦来说是必须的,我们依靠对张力的调张使琴弦达到不同的音高,一般说来:
(1)张力的等级一般分为超低、低、中等、高、超高五个级别。
(2)一条弦上的张力等级取决于厂商所确定的标准长度(比如达达里奥是648毫米,如果琴弦装到吉他上后,使用长度超过了648毫米,那么就会需要更高的张力,如果少于648毫米,那么需要的张力就会比较小,因此,在考虑琴弦张力时,不要忘了不同的标准长度。
(3)张力越高的琴弦越粗。
(4)琴弦越粗,声音越柔美圆润。
(5)材料越硬声音越明亮(如碳高音弦)。
(6)张力越低按弦越舒适,但也增加了打品的可能性(当然,打品的问题主要还是看吉他本身)。
(7)张力越大并不意味着音量越大。张力较高的琴弦会振动得更加猛烈,但是这种振动的形式在音量方面并不起主要作用。吉他本身,尤其是它的内部构架在这方面扮演着重要得多的角色。举一个典型的例子:一套超高张力的琴弦很可能由于给面板施加了太大的压力而使面板开始阻碍声音的发出。
(8)在考虑使用超高张力琴弦时,一定要先向您的吉他的制造商核实一下您的琴对于琴弦张力的承受能力。很多制作家都不会推荐您在他们的吉他上使用超高张力琴弦。
(9)大多数演奏者都会对中等张力、高张力或者中等和高张力混用的琴弦感到舒适。我不推荐大家使用低张力或超低张力的琴弦,因为它的声音之薄肯定超出了大多数演奏者的想象。

吉他教学——录制木吉他声音的基本方法


一般在家录制木吉他受环境和硬件约束,这里简单说下单声道录音,用一支乐器专用动圈话筒或是小震膜电容话筒在距离吉他12品的地方对着指板,距离大约15厘米的样子,然后来录音,录音过程中尽管保持吉他与话筒的位置不要有大的变化。其实在录人声时也一样不能有大的动,如果人与话筒的距离一直在变化,最后录出来的声音总会是一会儿亮一会儿暗。
有关录音的软件,这里再说一下:
目前大家用的最多的录音软件是Cool Edit Pro这个经典的软件目前已经被Adobe收购,也是经典中的经典,我当年也是用这个软件上手学录音。不过这软件不能实时的加载效果器,就是你在录的同时想听到已经加了效果器的声音是不行的(这点我已经记不太清,还要确认)。
这里再推荐几个专业录音棚里经常用的软件大家可以试用,Nuendo, Cubase, Sonar其它的一些专业软件就不再提了,家里环境再上Pro Tools也不可能跑起来。
原声吉他录音
以前,要在磁带上把Guitar的声音做好也是非常困难的。要么动态过头,要么死气沉沉的。录Guitar的话筒最好还是电容式的,可以保持Guitar特有的那种“脆弱而动人”的音质。当然喽,动圈式话筒也行,但始终差了一点点。
基本常识:
* 录音环境不宜太大
* 琴弦最好是新的,旧弦不会有太好的音质的
* Guitar的低音发自Guitar箱体的背部,而高音频段则会集中在第14品左右的地方发出(通常是箱体与琴颈的交汇处)。
* 要得到干燥而无任何累赘的音质,可以在箱体的散音孔上敷一张薄而质挺的纸片或类似的薄片。
用动圈式话筒Dynamic Mic
* 话筒距琴(第14品处)的前方约6-8英寸(1英寸=2.54厘米)。如果太近,会导致整体声音含糊不清。但也不必拿把尺去量,看你要什么音质而行。
* 如果发现低频过多,可以调整话筒的距离和角度
* 可以用均衡器来调整音质,但尽可能别做大幅度调整,否则在后期您就毫无余地了。其中的分寸把握是要有点经验的。
用电容式话筒Condenser Mic
* 电容式话筒对高频的反应非常好,所以如果嫌高频太多可以让话筒离琴体背部近一点,而不对着琴的正面。
* 话筒与琴的距离可在12-14英寸(1英寸=2.54厘米)左右
* 再次提醒您:尽量少依赖均衡器调整音质,会削弱原声乐器的“质感”。
吉他录音 一些心得
1、关于话筒的距离:近距离低频较多,细节较多,动态较大,但是太近容易感觉过于“贴耳”而造成声场的不自然,以及出现低频的HUM声(不知中文怎么形容,大概就是用手拍话筒类似的那种“砰砰”声。 远距离声场较为自然,但是细节,动态,会随之减小。 所以一个适当的距离是很必要的。
2、关于吉他各个位置的声音。琴颈处主要为高频,以及手指动作的细节声,琴桥到琴屁股处主要为中频。 音孔处则低频偏多且混乱。 所以,切忌把话筒对着音孔拾音! 你会得到很不均衡的频谱。 正确的方式是琴颈MIC对着12-14品,琴身的MIC对着琴桥处。 (如果只有单个MIC,则对琴颈。)
3、录音设备的大致介绍。 我录音用的到设备有一只RODE大振膜,2只小振膜,FISHMAN拾音器,Focusrite话放,以及TC声卡。
★大振膜话筒声音比较温暖柔和,但是瞬态响应较差,而小振膜的瞬态响应快速,但是声音偏硬,冷。
★一个好的话放可以将话筒的声音提高一个甚至几个档次! 可以让声音的动态,密度,质感得到飞越,信噪比大大提高。 如果真的想做好吉他录音,千万不要吝啬花在话放上的钱。
一只1000出头的小振膜RODE话筒其实已经很不错,但是话放你需要买至少4-5K级别以上的,很多朋友把这个概念搞反了,用着很好的话筒,却用声卡自带的话放,出来声音也不会好到哪儿去
4、关于声学环境。 只要房间不是太小或者太空旷,你只需要在录音话筒后方放置一些吸音海绵板之类的,然后在墙角放一些杂物(最好是类似沙发,毛绒玩具之类的东西)吸收低频驻波即可,房间的少许自然混响是完全可以接受的。
5、关于拾音器。 这一直是一个比较有争议的话题,不少指弹家使用拾音器经过木吉他箱子出来的声音用话筒收了以后,和直接电容话筒声音进行并轨。 这种做法可以增加声音的现代感,线圈拾音器可以让声音变得更加的“甜”和“细腻”。 但是也有不少录音师不推崇这样的做法,认为破坏了吉他的原声。 (这个还是建议有一定录音基础的朋友有兴趣再尝试,比较复杂)
6、关于回放设备。 一双正确的“耳朵”是必须的。 你不用指望用几百块的多媒体音箱能做出好的录音,因为那些箱子失真太多,细节也太模糊。监听音箱和耳机,是很有必要的。 有的人听了一辈子耳塞,连“低频”核“声场”的概念都没有,在录音的时候,他肯定很难找到一个正确的摆位,做出正确的混音。
7、关于录音本身。 要想得到好的录音,你需要花时间最多的地方,是在录音前期,而非后期的修补。 你需要多尝试各种话筒位置,以找到最佳的点,这比你后期调半天EQ要强100倍。
8、关于后期。 首先需要明确,好的声音是建立在良好的录音基础上的,如果你录音都没有做好,我的建议是重录,而非做后期。 后期就像做菜,放上少许的盐和味精,让菜更加鲜美。而如果菜本身都馊了(前期录音失败),那任凭你如何调味也是不行的。
后期常用到的效果器分为几大类:★动态:即 压缩器,限制器等。 ★滤波类:就是EQ等。 ★延时类:就是DELAY ,混响等。 需要明白的是,不是为了后期而后期,而是有目的的去调整。 后期不是一两天能够学会的,只有多听别人的CD录音(当然你要有一个好的回放设备),多对比,多想,多尝试,才能慢慢积累起经验。
关于吉他的录音
需要有一个专业声卡,最好是用带话筒放大的!如果没有的话,就需要用调音台了(民用声卡需要配置话放)。把麦克放在吉他的前方,距离在超过吉他琴箱体3倍的距离,比吉他音孔正对的方向高一些的位置上,最好有一对,这样就可以了!
一般的如果要求不太高的话,买一个差不多100以内的电容式话筒,然后最好配一块比较好的,比如创新的独立声卡,这样出来的效果底噪会好很多,音色的还原也还可以了,不过录音的环境最好要安静一点....
开始买了个得胜电容麦加幻想电源入集成声卡,发现效果差太远,后来又买个创新声卡和百灵达话筒放大器,效果才基本满意。
标准配置应该是:
1.心型指向的电容麦克一只。
2.幻想电源一个。
3.话筒放大器一个。
4.独立外置声卡一个。
5.电脑一台。
6.转接头一个。
7.连接线若干。
木吉他录音比录人声或者录电吉他更难
如果想录好木吉他 一般的做法是用电容MIC来录音 电容MIC有贵有便 如果自己录录玩玩的 可以买百灵达的C1 几百块就有了然后用MIC对着吉他指板上12品的位置来录音能够获得最自然的声音 距离一般在30CM左右
一般MIC的摆放有好几种 可以放12品前面 也可以放琴码前面 切忌不要对准音孔
另外如果想获得更多的细节 可以加一路拾音器信号 一般拾音最起码要买600以上的 FISHMAN是个不错的选择几十或者1-200的就不要了
另外混音的时候 一般MIC那一路信号是不要加混响的 加就加在拾音器那一路
补充一句 用电脑MIC录的话 最多就是图个方便 但不可能出来好声音
比较经典的录音的MIC除了用电容以外 舒雅的 57也是不错的选择 但假货很多 买的时候要看清楚一般正货在700左右这只MIC全世界在20年前已经一直有很多大师或者乐队在用。
如果预算500的话,不用纠结了,就sm57吧,现在可能要比500多一点,品质还是有保证的。
我现在在小日本学recording,每天都会接触很多mic,57在棚里使用率最高的,录箱琴也经常会用到57,声音很中规中矩的
我手里一共有6只mic,57是其中最便宜的,但是在家录箱琴我还是很喜欢57的声音。
电容一般都不便宜,nt1000大概也要1700左右吧,只能算入门级别的。
十分不推荐廉价的电容mic。
另外,就算是用动圈mic,一样会拾到电脑,空调,椅子等的声音,而且音量相当可观。

2022吉他教学——教你作曲的基本理论


音乐理论说到底就是作曲理论,一般的吉他爱好者在上吉他教学课的时候,老师是不会讲台仔细的,这方面的知识都是专业的。因过于专业化而不易普及。这里仅就重要内容加以简介,以为自学者提供方便。
一、和声学
和声学是研究多个音共同发声的效果,规律的学问。若将旋律比作“骨”则和 声就是“肉”,只有有了和声,音响才变得丰满、协和、动听。和声学地位非常重 要,可谓是一切音乐理论的基础,许多音乐大师都对和声学作出过杰出的供献。但 和声学内容浩繁、规则很多,不易学好。中篇小说《你别无选择》(刘索拉著,“新 时期争鸣作品”)中的那个教授自称学了八年还没学好,可见难度之大。但掌握和声 学基本常识得益最大,值得一试。这里简单介绍一些重要的基本概念和术语。
(一)三和弦
由根音与上方三度音及上方五度音叠合而成的和弦叫“三和弦”。三和弦是构 成和弦功能的最基本的和弦,用得最多。按结构分,三和弦有“大三和弦”、“小三和弦”和“减三和弦”(只有一个)。按功能则可分为“主和弦”(主音为根音的三和弦)、“属和弦”(属音的三和弦)和“下属和弦”(下属音的三和弦)。此外,每个三和弦又有两个转位和弦。主、属、下属这三个和弦称作“正三和弦”,其余的四个叫作“副三和弦”。这四个副三和弦又分属“属功能”组和“下属功能”组。现将自然音阶的七个音所构成的所有原位三和弦分列如下:
根音 功能 种类 符号
1 主和弦 大三 T(或Ⅰ)
2 二级和弦(下属类) 小三 SⅡ
3 三级和弦(属类) 小三 DⅢ
4 下属和弦 大三 S (或Ⅳ)
5 属和弦 大三 D (或Ⅴ)
6 六级和弦(下属类) 小三 SⅥ
7 七级和弦(属类) 减三 DⅦ
除了DⅦ这个减三和弦外,其余六个三和弦都是协和和弦。
(二)七和弦,九和弦,变和弦
三和弦上再叠加一个三度音(根音的七音)形成的和弦叫作七和弦。七和弦是不协和和弦。最常用的七和弦是“属七和弦”(属和弦形成的七和弦)。重属和弦、减七和弦也时常碰到。若在七和弦上再加上一个三度音(即根音的九音)即为九和弦。九和弦也都是不协和和弦。若和弦中除根音外的某个音不按原规律而变换成另一个 音,这样的和弦叫“变和弦”。九和弦与变和弦的功能色彩比较特殊且不易把握,故应用较少;简单作品中基本不出现。
(三)和声声部
和声一般由“高音”、“中音”、“次中音”和“低音”这四个声部构成。在写和声的谱表里高音部处于最上方,低音部在最下方,中音、次中音部在当中。故常把高音部和低音部这两个声部统称为“外声部”,而中音和次中音声部则叫作“内声部”。高音部一般是主旋律声部;两个内声部主要是配置和声,也常被称作“填充声部”。和声在进行、连接中,内声部要求充实平稳,声部间不许交插。低音部始终是和声中的最低音,决定着根音,故它不仅起着基础作用,而且领导着和声的走向,其作用十分重要。 “四部和声”的写作是作曲的重要技能之一,作品不论大小,均应以此为起点(主旋律确定之后,即着手和声写作)。配器使和声织体具体化。(由于不同的乐器分属不同的声部,故总谱可按和声声部写,也可按乐器分组写:如弦乐声部、铜管乐声部、木管乐声部…)不同作曲家的和声风格往々各异:或富丽堂皇,或雄浑宽厚,或清澈透明。如瓦格纳的作品即以华丽著称。
(四)和声的进行、连接、“解决”
和声在乐曲进程中要不断地转换、变化、中止;各声部也要为此恰当地过渡, 连接。因此这是写和声的基本功。和声进行的基本特点是由“稳定”到“不稳定” 再到“稳定”;由“协和”到“不协和”再到“协和”的交替循环。其功能进行的 图式为:T-S-T,T-D-T 或T-S-D-T。小说《你别无选择》中多次提到的所谓“功能 圈”就是这个意思。该小说中还提到“解决”这个术语。这是指不协和和弦(如七和 弦)在进行,连接中向协和和弦转换的方式,其基本法则是将各声部的音向各自最靠 近的协和音过渡,如 7→1;4→3,等;而协和音保持不变。
(五)关于和声的“力度”
《你别无选择》中的那个叫森森的高材生热衷于模仿贝多芬,但由于贝多芬“力度盖世”而使得他成天在钢琴上乱砸以寻求“力度”。他的一句口头禅是“妈的,力度!”通常力度是指音响强度,用意文表示,如“p”代表“弱”,“f”代表“ 强”,“sf”为“特强”等等。但这里的力度则是另一个概念,否则用脚踩钢琴那 “力度”一定超过贝多芬。小说中的“力度”主要指音响效果的力度,即和声的力 度。和声的力度大概与和弦中包含的泛音系列的谐振频谱有关。因此也就与声部的 数量及音程距离有关。一般说来,小三和弦的力度不如大三和弦;单音程的力度不 及复音程(超过八度的音程)的力度;协和和弦的力度不如不协和和弦(减和弦除外) 。所以森森才“在九和弦再叠加一个七和弦”。
如何学习和声学:
(1)、充分理解基本概念,不必死记规则。和声学规则虽多但限制却少。况且记住 这些“禁条”就不会犯大错,因此应先记“禁忌”。
(2)、坚持做习题。音乐不同于数理化,它无绝对的标准,习题也非一种答案。只有多做多练才会记牢,提高。
(3)、多听名曲。这实际上是最有效的手段。初学者可多听简单,好懂又好听的曲子。
二、曲式学
曲式是指乐曲的结构形式。有“单段体”、“两段体”、“三段体”、“变奏 曲式”“奏鸣曲式”及“回旋曲式”等。各主题乐段用“A,B,…”表示。如“两 段体”的曲式图式是“ AB ”;“段体”的图式是“ ABA”,第三段 A与 第一段基本相同。儿童歌曲多为两段体甚至一段体;通俗歌曲多是三段式。而“圆 舞曲”则常采用回旋曲式。
三、复调
“复调”是相对于“主调”而言。如果只有一个声部担任主题旋律,其它声部仅起衬托作用,这样的音乐叫主调音乐。如果旋律声部不只一个,且各声部横向上彼此具有独立性,纵向上构成和声关系,形成和协的有机整体,则这样的音乐叫作“复调音乐”。复调音乐中,各声部的旋律依主次关系被称作“主旋律”、“副旋律”。主旋律只有一个。复调是重要的作曲技法,应用甚广,其理论基础是和声学。“赋格”是复调曲式之一,巴赫将其技巧发展成熟。
四、对位法
对位是“复调音乐”写作技法之一。它以和声学为理论基础,使各声部既协和又相对独立。如重声合唱(三重唱,四重唱)就是用对位法写的。对位法又有“严格对位”和“模仿对位”之分。俄、德音乐理论家推崇、恪守严格对位。
五、旋律
旋律就是曲调。它是一乐曲区别于它乐曲的根本特征,好似建筑物的风格和韵律。“音素”构成“动机”,动机进一步发展成主题从而形成旋律。具体说来,一 定的“音型”、“节奏型”按特定的节奏节拍规律组合形成旋律。旋律具有视觉性 :它体现在旋律线(符头的连线)上。早期有些音乐家追求“旋律线的优美”,认为 好的旋律视觉上也应是美的。旋律的创作一靠天才二靠灵感三靠实践。旋律写作的技巧性是很强的,其发展手法多种多样,最为丰富。常用的发展手法有:重复,模进,模仿,紧缩,扩展,变化,对比,变奏等。多数概念的讲解要通过板示和视听。(见音乐欣赏讲座(3))。
六、配器
配器法是管弦乐的写作技法,故又称为“管弦乐法”或“乐器法”。但对于一切乐队的演奏乃至于通俗歌曲的伴奏都离不开配器的运用,因此学一点配器知识很有实用价值。学习配器法是要解决如下问题:各种乐器的发声原理,音色,音量及演奏法等 ·各种乐器间音量上的匹配关系 ·正确地选用乐器以求正确地表现作品的主题及风格。
现假设一个例子:我写了一部小提琴协奏曲。但小提琴手拿到谱子后来找我说:没法拉。我坚信写作没有问题:旋律优美、和声丰满。问题在哪?可能有三。一是分谱的音域不对,上限或下限超出小提琴的音域范围。二是我把三和弦写成三个音,而小提琴最多只能同时拉出两个音,琴手当然没法拉。三是和弦音程过大:如一个音在G弦(四弦)上,而另一个则跑到了A弦(二弦)上。当中隔着一根弦,你让他(她)怎么拉?! 再如,一个乡镇企业发了以后买了一堆洋乐,组成了乐团,排演了节目,遂请专家光临指导。可指挥看后大摇其头,表示爱莫能助。原因是⑴乐器数量不匹配,有些超过大型乐团;⑵不讲配器,搞大齐奏,这是专业乐手也难以办到的。
以上两例失败原因盖出于不懂配器常识。此外,在通俗歌曲伴奏中,若不适当运用配器法也可出现一些问题,如“杂乱无章”,“喧宾夺主”之类。但电声乐器的发音、音色、功能特点及演奏技巧等都与传统乐器迥异,自成体系,故传统配器法基本不适合于纯电声乐队。

吉他入门指法 初学者学扫弦


这次的吉他入门指法,来给大家说说初学者学扫弦。

吉他入门指法 初学者学扫弦

扫弦是很难精通的技巧,需要时间去慢慢进步。初学者往往扫弦节奏单调,音色不均匀,加上姿势丑,所以不愿意继续练习,而是陶醉在自己觉得还不错的分解和弦里面,孰不知扫弦在他内心已经成为永久的痛。每当他看到高手扫弦弹唱时,那阵阵悠扬的声音让他很不是滋味。于是他又决心再练,结果还是无法进步。

扫弦主要是两方面,一个是音色,一个是节奏。

音色要均匀清亮是件很难做的事。我自己也做不到。那天我在琴行听见老师在扫弦时发出的声音,简直就像细沙在丝绸上刮过!扫弦是极具魅力的,除了潇洒,还有那音色。我一直认为钢琴是水晶的声音,古典吉他是泉水的声音,而好的民谣吉他就是丝竹的声音,很有东方色彩。我好象扯远了。好,言归正传,我讲讲自己摸索的一些方法(具体手型就不讲了):

1、音色如果太硬可以调整食指指甲接触弦的面积,面积越大,音越柔和。

2、扫的时候要干脆,接触弦的时间不能长。

3、手放松,就像在甩手一样。

4、左手和弦要按紧,不然会有杂音。

5、边扫边调整右手的角度,达到最佳效果。

6、坐姿端正,全身不要紧绷,扫的时候整体上觉得自己很潇洒。(可照着镜子练)

7、左手可用制音的方法,即轻压和弦,右手扫闷音,也能听出是否均匀。

再说节奏。关键是情感。把握了情感你也就能控制节奏!

1、照谱扫弦的时候,不要全部按它写的弹,就是说不要它说上就上,它说下就下,你自己凭感觉去扫,书只有参考作用。

2、不要一味扫六根弦,要学会时上时下。对初学者来说,这主要是由音的高低决定的。

3、脚踩拍子,从最简单的节奏型扫起。

4、听MP3的时候,注意架子鼓的节奏,很有启发性。比如在高潮快来的时候,可学着到5,6弦反复向下急扫来衬托气势。

5、学着边扫边加入一些单音或和弦,这在使用拨片时更重要。也要学着加入一些大拇指和食指的琶音。

6、多看高手扫弦,偷学他们的技巧。

吉他弹唱入门教学


不会吉他弹唱的话,我们就需要多练习,还有就是多看吉他弹唱入门教学。下面是小编给大家整理的吉他弹唱入门教学的相关知识,供大家参阅!

吉他弹唱入门教学:女生吉他弹唱入门歌单

C调分解:当时的月亮-张悬版(注:节奏简单)

C调分解:外婆桥-张悬(注:简单)

C调分解:我想你要走了-张悬(专辑版)

C调分解:模样-张悬

C调分解:儿歌-张悬(注:节奏稍快,稍难)

C调分解:留下来陪你生活-张悬版(和弦较多)

C调分解:Idiot-张悬(注:稍难)

G调分解:路口-张悬版(注:节奏简单,但有横按)

D调分解:无与伦比的美丽-张悬版(主:速度较慢,和弦简单)

C调扫弦:并不-张悬(拍子找好,她很多歌都是这个拍子的重音)

G调扫弦:张三的歌-张悬版

A调扫弦:SO-张悬 (注:节奏稍快)

G调扫弦:不想去上班- 王胜男 (注:节奏简单)

C调扫弦:长相忆-王胜男(注:节奏简单)

C调分解:爱情-莫文蔚

C调分解:忽然之间-莫文蔚

吉他弹唱入门教学:女生吉他弹唱C调基础练习

C调分解节奏练习:(基本和弦转换)

张悬的外婆桥啦,莫文蔚的忽然之间,爱情,都差不多是这个走向

米店:(张玮玮的歌很多都是低音下行,感受一下吧。)

吉他入门弹唱谱童话

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